1. Universidad de los Andes
Facultad de Humanidades y Educación.
Escuela de Educación.
Cátedra: Arte y Expresión
Educación Básica Integral
Textos creativos
Y
Artes escénicas
Profesora:
Osorio, Betty
Bachiller:
Alizo, Maryuri CI: 19.422.403
Alzuru, Danny. C.I.: 12.778.427
Bastidas Zoraida. C.I: 18.485.615
Buritica Maritza. C.I: 20.434.523
Dávila, Yetsy L. C.I: 20.200.328
Dávila, Kellynsky. C.I: 20.434.734
Quintero, María. C.I: 19.847.224
Semestre A-12
Mérida, Junio de 2012

2. Introducción.
En la primera etapa de la Escuela Básica, los niños y niñas, a través del
área de la Educación Estética deben involucrarse con herramientas que
posibilitan, el proceso de enseñanza-aprendizaje, el desarrollo de sus
capacidades de observación, comunicación, concentración y creatividad
con el objetivo de que descubra, la belleza del lenguaje artístico en
cualquiera de sus manifestaciones como lo es el teatro, el circo, la
pantomima, entre otras.
Así mismos los textos creativos forman parte de la literatura infantil
donde involucra al niño como el principal lector de estas producciones
escritas. Por su parte, las artes escénicas son una gran herramienta
para desarrollar situaciones de aprendizaje en el aula, a su vez es
importante y trascendental conocer sobre los textos creativos ya que
son el punto de partida para la creación de actividades innovadoras pero
sobre todo que estas den un resultado trascendental en el desarrollo
integral de los niños y niñas. Por tal razón, se pretende despertar en el
niño un gran interés por lo que hace, por lo que puede conocer y así
poder lograr que cada día se sienta más motivado. (Aporte de Zoraida
Bastidas)

3. Textos Creativos
El tema de la construcción de textos creativos busca trabajar a través
de formas creativas como el teatro, la danza, el arte en vivo, poesía,
novelas, auto / biografía y el rendimiento de escritura, y marcadores
para considerar los territorios interdisciplinarios entre la creatividad y
la búsqueda de conocimiento. Tienen como compromisos fomentar la
cultura y la generación de conocimiento, con este compromiso de
fomentar una cultura de la investigación interdisciplinaria, viene el
reconocimiento de que es en las conversaciones entre las prácticas
creativas como la escritura, la coreografía, la elaboración, composición y
dramaturgia que se pueden desarrollar nuevos conocimientos. La
escritura creativa es la escritura que expresa el pensamiento del
escritor y los sentimientos de una manera imaginativa, de única
frecuencia, y poético.
Los textos creativos expresan ideas y pensamientos de una manera
imaginativa. El escritor llega a expresar sentimientos y emociones en
lugar de presentar los hechos. La mejor manera de definir la escritura

4. creativa es dar una lista de cosas que son y otra de las que no se
consideran textos creativos. Las cosas que son serían: novelas, poemas,
epopeyas, historias cortas, guiones, canciones, guiones de televisión, etc.
Las cosas que no son textos creativos son, entre otros, la escritura
académica, los libros de texto, el periodismo y la escritura técnica.
Los jugos creativos fluyen cuando se participa en la escritura creativa.
No sólo puede ser una salida creativa, sino que también los textos
creativos pueden ser terapéuticos. Muchos psicólogos recomiendan la
escritura creativa para expresar sus sentimientos y tal vez examinarlos.
En la escritura creativa, se puede utilizar la imaginación y fingir todo lo
que quieras y ayudar al lector a hacer lo mismo. (Aporte de Kellynsky
Dávila)
Los textos creativos fueron creados para divertir al lector pero sobre
todo llamar su atención e incentivar la lectura educativa en ellos, se les
denomina asi debido a que detrás de estos escritos se encuentra un
profundo y arduo trabajo del autor para buscar las formas y temas que

5. puedan ser de interés al público y de igual forma darle creatividad para
aportar ese toque único y original.
Este tipo de textos pueden ser de gran aporte en un aula escolar debido
a su riqueza en palabras y contenidos atractivos interezantes de gran
contribución para su formacion integral. El docente puede aplicar este
tipo de texto no solo para incentivar la lectura en el estudiante si no
para que de igual forma trabajen diversos contenidos de manera integral
y conozcan de tal manera estos que comiencen a producirlos desde
temprana edad.
La escritura mas que un gran medio de comunicación es una expresión
artisca a través de la cual expresamos cosas que oralmente no
podriamos, y de igual manera puede ser usada con infinidades de fines
como los fines educativos, recreativos, informativos, publicitarios entre
otros. (Aporte de Maritza Buritica)
Los textos creativos tienen la capacidad de abrirte puertas hacia
mundos desconocidos, viajar a traves de diversas epocas, conocer
lugares jamas visitados, explorar culturas ajenas, conocer historias y al

6. mismo tiempo vivirlas, contar cuentos, narrar obras en pocas palabras los
textos creativos son tan extensos, complejos e interezantes que cubre
hasta lo inimaginable y esta dirigido a todas las edades, no es solo para la
infancia.
La escritura creativa envuelve la literatura y sus géneros, pero los
géneros que más la utilizan son la novela, el cuento, la poesía, así como la
escritura del drama y guion para el teatro, el cine o la televisión.
Poesía: Este género trata de recitar pasión, amor, desamor a través de
la lírica expresando desde sentimientos como filosofías y sociedades.
Cuento: el cuento se asemeja a la narrativa de una historia, dirigida no
solo para el público infantil si no que de igual forma para el público
adulto.
Teatro: actividad o espectáculo dramatizado en vivo frente a un público
de diversas edades de acuerdo a su contenido.
Novela: es una obra narrativa y descriptiva donde se pueden reflejar
varias acciones en infinitos escenarios, escritas de acuerdo al público al
que va dirigido.

7. Guión: Se nombra así a los escritos donde se muestran, con todos los
detalles necesarios del contenido de una obra de teatro de un programa
de radio o un audiovisual.
¿Qué es un texto? Lozano señala: ―Una primera aproximación al
concepto de texto nos es proporcionada en un sentido amplísimo por
Lotman y la llamada Escuela de Tartú (y la semiótica soviética en general,
herederos de M. Bajtín), quienes lo considera como un ‗conjunto
coherente‖. Un texto es la forma más compleja de ir desarrollando ideas,
como un objeto de carácter comunicativo y estructurado.
Por otro lado de una manera más compleja y certera se define el
texto como: ―El texto es una unidad lingüística comunicativa que
concreta una actividad verbal con carácter social en que la intención del
hablante produce un cierre semántico-comunicativo, de modo que el
texto es autónomo‖.
Existen diferentes tipos de textos como: los textos orales y
escritos, literarios y publicitarios, textos que están hechos de imágenes,
textos musicales y de gestos corporales, textos dichos con colores,

8. textos cinematográficos, televisivos y radiofónicos, incluso, textos
textuales.
¿Qué es la creatividad? La creatividad es un proceso, mediante el cual
florecen miles de idea, se conjugan y da como resultado algo idóneo de lo
que se planteo en un principio. Por otro lado Agirre Alfonso ―la
creatividad es la capacidad de ver nuevas posibilidades y hacer algo al
respecto. Cuando una persona va más allá del análisis de un problema e
intenta poner en práctica una solución se produce un cambio. Esto se
llama creatividad: ver un problema, tener una idea, hacer algo sobre ella,
tener resultados positivos‖
La creatividad la poseen todos los seres humanos, es cuestión de
crear e inventar y dejarse llevar por lo emotivo y no por lo racional para
tener un resultado eficaz, muchos expertos en esta área han mencionado
que muchas de sus ideas nacen cuando no se es consciente de ello, de
repente nace la inspiración de crear
Por otro lado se tiene, ¿Qué son los textos creativos? Es la fusión de
un texto con un toque creativo e innovador, con el único fin de captar la

9. atención del texto, valiéndose de recursos como imágenes, estilos de
escribir e incluso el contenido del texto. Los textos creativos dejan un
aprendizaje el cual se aplica con posteridad.
La escritura es una de las tantas grafías de expresión artística que
se tiene. Tiene fines específicos, científicos, metódicos, entre otros. Sin
embargo los textos creativos sobresalen por respaldar un arte, su ideal
es comunicar y transmitir lo que el artista o escritor deseó en el
momento de creación con un fin significativo, sólo se deja llevar por lo
que se está sintiendo en ese momento, crea una especie de catarsis que
da la posibilidad de ser creativos escribiendo.
Sin embargo existen textos anti-creativos que conducen al
aburrimiento, en la escuela por lo general se hace referencia el lema ―lo
más importante es aprender a leer y a escribir‖ memorizar y leer textos
que no nos llenen y que mucho menos que se puedan comprender, escribir
algo original es algo malo porque no se siguió el manual pautado como lo
es: el sujeto suele ir primero y que por lo general, el predicado le sigue,
sin errores ortográfico y conjugar los verbos con exactitud, claro que se

10. debe de aprender estas reglas básicas pero también se debe enseñar con
libertad, con un ensayo-error, dejar ser y actuar.
Por medio de la investigación se tienen estos magníficos pasos para
desarrollar la creatividad en los textos, aportándonos capacidades,
habilidades y conocimientos.
―• Empiecen por algo sencillito, nada ostentoso y mucho menos de gran
extensión. Un tema poco profundo (la profundidad se la van a dar
ustedes con sus palabras), como por ejemplo, ―globos de colores‖.
• No piensen en cuánto debe durar este momento de creatividad, no hay
un tiempo establecido para este proceso si comprenden que este es una
construcción humana; la duración del momento de creación puede ser
construida a antojo del creativo.
• Relájense, respiren hondo y visualicen muchos globos de colores
juntos.
• Comiencen a notar que esos globos imaginarios producen distintas
sensaciones. ¡Cuidado! No las etiqueten, sólo dejen que las sensaciones se

11. encarguen de empezar a lanzar palabras a sus manos y que el lápiz se
vaya plasmando esas palabras en la hoja.‖
¿Cómo se pueden implementar los textos creativos en el aula?
Hay que tener en cuenta las condiciones, el tema y el nivel académico de
los niños y niñas. Unas de las actividades que se puede realizar usando los
textos de un modo creativo son:
-Grabar lecturas y narraciones: se usa para grabar diversas lecturas
como cuentos, fabulas, retahílas, poemas entre otras y también para
grabar narraciones de otras historias anecdóticas, posteriormente se les
entrega y sobre este texto grabado trabajaran. Usando este recurso se
pueden crear medio de comunicación dentro de la comunidad, como la
radio.
-Guiones: con una revisión de diferentes historias, cuentos y novelas, se
pueden crear guiones con aportes propios y algunas con versiones
modificadas que luego se pondrán en práctica con las artes escénicas.
-Creaciones de libros: Los niños y niñas al dejar florecer su imaginación
e ingenio pueden llegar a ser los autores e ilustradores de sus propios

12. libros, con materiales que estén a su alcance y reciclables como: lápiz,
hojas de papel, cartulinas, pegas, y creyones, sacabocados y cinta de
colores. (Aporte de Yetsy Dávila)
Características de los textos creativos.
Hechos imaginarios: aunque puede basarse en hechos reales o ser una
ficción de un marcado realismo, un cuento debe extender la realidad y
volver lo real en imaginario.
Argumento Sencillo: muestra una estructura de contenidos y hechos
entrelazados en un formato de: introducción – nudo – desenlace.
Argumento lineal: Los hechos y sucesos se dan por lo general forma
secuencial.
Reducidos personajes: un cuento para mantener su forma lineal y
brevedad requiere de pocos personajes
Personaje principal: aunque puede haber otros personajes, la historia
hablará de uno o dos en particular, que es a quien le ocurren los hechos.

13. Narración Breve: por y para cumplir con
todas las demás características, el cuento
debe ser breve. Extraído Junio 14, 2012,
de la World Wide Web:
http://conocimientoysistemas.wordpress.c
om/2010/02/11/textos-creativos-y-el-
uso-de-las-tic-en-el-aula-%E2%80%93-experiencia-en-proceso-de-
consolidacion-%E2%80%93-primera-parte/
Elementos de los textos creativos:
Personajes:
Los personajes son vitales en todo texto narrativo. A través de ellos
pueden relatarse los hechos que ocurren en un cuento, una novela, o
cualquier otro texto similar.
El personaje está estrechamente ligado a los hechos y otros elementos
que conforman la historia, como también a los otros personajes que lo
rodean.

14. Podemos clasificar a los personajes en:
1. Principales: a través de ellos se desarrolla la acción principal.
2. Secundarios: participan solo indirectamente de la acción principal.
Dentro de los personajes principales de un cuento o narración podemos
identificar: protagonistas y antagonistas. Estos no siempre tienen que
ser seres humanos. También pueden ser seres fantásticos o fuerzas de
la naturaleza.
Según su grado de participación en la historia, los personajes se
clasifican en principales, secundarios e incidentales. A continuación,
analizaremos cada uno de ellos.
Principales
Son aquellos que concentran la mayor atención, porque participan
directamente en los acontecimientos que se narran. Es decir, la narración
se trata de lo que les ocurre a ellos o de lo que ellos mismos realizan.

15. Si este tipo de personajes no estuviera, la historia desaparecería; no le
sucedería nada a nadie. Entre los personajes principales suele haber uno
que es el central, el más importante de todos: es el protagonista.
Secundarios
Son quienes no están involucrados directamente en la historia que se
cuenta, sino que tienen una participación menor. No es que no tengan
importancia; también intervienen en los hechos, pero no tanto ni tan
seguido como los personajes principales.
A pesar de esto, no podemos decir que no sean relevantes en la
narración, puesto que aunque su participación no es fundamental, siempre
hay una razón para que ellos estén ahí.
En este sentido, podemos afirmar que la obra narrativa es como un
rompecabezas en que cada pieza encaja perfectamente con las demás. Es
así como si faltara una pieza muy pequeña, el rompecabezas no estaría
completo, y no podríamos armar la historia.
Incidentales

16. También se les llama personajes episódicos. Son aquellos que aparecen en
la historia solo en una oportunidad, para algo específico. Esto puede ser
entregar un dato, hacer una pregunta, o simplemente observar una
situación.
Ahora bien, hay ocasiones en que los personajes incidentales juegan un
papel clave para el desarrollo de la narración. Por ejemplo, imaginemos lo
que sucedería si un día cualquiera, cuando vamos caminando por la calle,
pasa un desconocido y nos pone en las manos un maletín repleto de
dinero. ¿No cambiaría la historia de nuestras vidas?
La presencia fugaz de una sola persona puede -a veces- producir estos
cambios. De todos modos, esto sucede en raras ocasiones; hay muchas
narraciones que ni siquiera poseen personajes incidentales. Extraído en
Junio 04, 2012 de la World Wide Web:
http://www.salonhogar.net/Sagrado_contenido/Los_personajes.htm
(Aporte de Kellynsky Dávila)

17. Artes Escénicas
Dentro de las artes escénicas se encuentra mayormente la música y
la danza las cuales conformas las expresiones artísticas más antiguas,
sin embargo más adelante surge el
teatro como una extensión de
la danza. Inicialmente se dio en
África donde surge por la necesidad
de expresar cultos y ofrendas a sus
creencias y religiones. Los romanos
comienzan a incluir más adelante en sus representaciones artísticas
accesorios las máscaras y de esta manera se comienza a crear el
vestuario o los recursos necesarios para las expresiones artísticas, las
cuales se fueron expandiendo por todo el mundo.
Las artes escénicas están destinadas a la práctica y el estudio de todas
las obras de teatro, dramatizaciones y cualquier expresión artística
como la danza, música, teatro musical, recitales entre otros; los cuales

18. son realizados en un espacio escénico o una sala de espectáculo, sin
embargo también puede ser realizado en cualquier espacio.
En este espacio artístico intervienen los actores que son los intérpretes
o medios para llegar al espectador, la historia que es la trama y el público
para quién se realiza la obra.
Se debe tener mucho cuidado con la decoración o tramoya, la iluminación
y la acústica o sonido, de tal forma que entre ellos exista armonía. El
ensamblaje de estos elementos con la obra debe ser perfecto, la
escenografía o el decorado tiene que ser como la prolongación del
personaje. (Aportes de Maritza Buritica)
El arte: ―El arte (del latín ars) es el concepto que engloba todas las
creaciones realizadas por el ser humano para expresar una visión
sensible acerca del mundo, ya sea real o imaginario. Mediante recursos
plásticos, lingüísticos o sonoros, el arte permite expresar ideas,
emociones, percepciones y sensaciones.‖ (Aportes de Yetsy Dávila)

19. El arte se ve plasmado en el mundo que el hombre ha
creado como en las majestuosas edificaciones
arquitectónicas, el arte se expresa libremente desde
su propia perspectiva pero también incluye la forma de
crear pinturas, esculturas, música, danza, fotografía,
teatro, cine, géneros literario y cualquier manifestación del mundo del
espectáculo. El arte es tan antiguo como el hombre mismo.
Las artes escénicas, es la creación de un arte conjugado en una
estructuración escénica como parte de la obra. Por su naturaleza las
artes escénicas son efímeras, es decir que no duran en el transcurrir del
tiempo, su tiempo de duración ejecución es poco, lo que dura una función.
Durante la realización del acto escénico se destacan elemento como:
música, la danza, representaciones teatrales y poéticas entre otras.
(Aporte de Maryuri Alizo)

20. Dentro de las representaciones escénicas se encuentran ―la música y la
danza como las más antiguas así lo muestran las pinturas rupestres.
Luego nace el teatro como una extensión de la danza. Al parecer es en
África donde nace como representación
de sus actividades cotidianas y
religiosas, luego en Egipto se hacen
representaciones de dramáticas de la
vida de Osiris y los griegos son los
primeros en crear sitios especiales para tales representaciones. Los
romanos expanden por todo el mundo conocido ese gusto por las
representaciones sean reales o ficticias, usando máscaras o no. En
oriente hay muchas formas de teatro, danza y demás artes con
estructuras más o menos parecidas a las de occidente.

21. En América podemos decir que las grandes civilizaciones explotaron
todas las artes escénicas. En la actualidad existe un amplio grupo de
artes escénicas que luchan por surgir, por ejemplo se dice que la
cinematografía es una forma de hacer perdurar el teatro pero tomando
en cuenta las técnicas de animación como parte de las artes
cinematográficas esta afirmación cae por su propio peso. Animada o no
es un arte escénico pues cuenta con todos los recursos pertinentes, en
mi humilde opinión, además requiere de un marco como es el mismo cine o
televisor donde representarse y tal representación es tan efímera como
cualquier otra obra.‖
La forma de representar las artes escénicas es por medio de las
obras de teatro, la representación se produce en un espacio llamado
escenario en el cual se despliega la acción de la escena, valiéndose de la

22. intervención de los personajes que son pieza esencial para el proceso de
la historia.
Presentaciones escénicas, son las formas de representar por medio
de un contexto real o ficticio el arte escénico, por medio de la ejecución
y la acción de títeres, mímicas y dramaturgos, La unión de música, baile y
teatro permite comunicar y representar formas populares y cotidianas.
Para que una representación resulte lo más real posible, los personajes
deben poseer una gran sensibilidad en adaptarse y encarnar en el
personaje como si realmente fuera él. Esto se obtiene al manejar un
conjunto de recursos expresivos que dan forma a las artes escénicas,
ellos son: el gesto corporal, la voz, el espacio y el tiempo escénico.
(Aporte de Yetsy Dávila)
El gesto corporal

23. Se refiere al conjunto de movimientos que debe realizar el actor con
mucha naturalidad, para que la acción sea lo más real posible en el
momento de ejecutarla. El gesto corporal es el conjunto de movimientos
del cuerpo, los gestos expresivos de cara y manos. La gesticulación,
también forma parte del gesto corporal como complemento del habla en
la transmisión de un mensaje. Muchas personas acompañan sus
explicaciones con gestos de brazos y manos. En el lado izquierdo se
puede ver una persona haciendo diversas expresiones faciales.
El gesto corporal no sólo depende de las expresiones faciales, aunque
éstas juegan un papel muy importante, también el movimiento del cuerpo
expresa sentimientos. Por ejemplo, una persona que se ríe sólo con la
cara y no el cuerpo, transmite sólo el sentimiento de alergría mas no de
felicidad. Existen gestos corporales que sin necesidad de ir acompañados
de palabras dicen mucho, como mostrarle a alguien el puño, esto denota
rabia y agresividad. La forma de caminar es muy importante, cada
persona tiene una manera de caminar, y ésta a veces depende del tipo de
trabajo que realiza, el tamaño del cuerpo, su peso, sexo o edad.

24. En el baile la expresión corporal juega un papel muy importante. El
movimiento de caderas, pies, manos, brazos y piernas deben estar en
ritmo con la música y expresar lo que la letra y música están
transmitiendo. La sincronización entre bailarines es también importante
para dar al espectador un sentimiento de balance y armonía. (Aporte de
Zoraida Bastidas)
La voz
Uno de los recursos más importantes es la voz. Ésta debe estar en
relación con lo que se dice, con el sentimiento, cómo se dice y a quién va
dirigido el diálogo. El actor no puede hablar siempre con el mismo tono y
ritmo, ya que esto cansaría al público. Se debe modular y adecuar la voz
al lugar, espacio o personaje, aumentando o disminuyendo el volumen. La
articulación de las palabras es un factor importante para evitar que los
espectadores pierdan el contenido de los diálogos, la conversación entre
los personajes, o monólogos, donde el personaje piensa en voz alta. Es
importante utilizar la voz adecuada para cada personaje y para cada
situación.

25. El mismo personaje determina como debe ser la voz, su edad, nivel
educativo, cultura, trabajo, sexo o hasta país de origen. Lee el texto que
se encuentra a la derecha como si fueras uno personajes. Inténtalo
siendo un campesino, un abuelo, una mamá, un policía, o cualquier
personaje que se te ocurra. Si hay posibilidad de grabar la voz, hazlo,
seguramente te sorprenderás con los resultados.Dentro de las artes
escénicas se encuentra el tiempo escénico, el cual cubre la totalidad de
la otra el tiempo en el que dura el espectáculo, y sus subdivisiones es
decir el tiempo de duración entre una escena y otra.
El tiempo se distribuye en actos cuadros y escenas debe estar bien
graduada a fin de crear un ambiente de interés constante y logrando
monotonía, control de la obras y adaptándola de manera que no sea
molesto para el público. (Aporte de Danny Alzuru)
El espacio
Éste se refiere al lugar de la presentación, está compuesto por el
escenario donde se realiza la acción y la sala o auditorio. La
ornamentación o decorado, la iluminación y la acústica o sonido, deben

26. ser elegidos con mucho cuidado, de tal manera que entre ellos haya
perfecta armonía. El ensamblaje de estos elementos con la obra debe ser
perfecto, la escenografía o el decorado tiene que ser como la
prolongación del personaje. (Aporte de María Quintero)
El tiempo escénico
Es el contenido de la obra, se distribuye en actos y estos en cuadros y
escenas. El acto es cada una de las grandes partes en que se divide una
obra teatral. El cuadro está formado por la sucesión de los hechos
realizados sin cambiar decorado; y la escena, es la parte del acto en que
actúa uno o varios personajes hasta que llega otro u otros al lugar de la
acción. La distribución del tiempo en actos cuadros y escenas debe estar
bien graduada a fin de crear un ambiente de interés constante y evitar la
monotonía. El baile y la danza también forman parte de las artes
escénicas, en ellas también se ponen de manifiesto los elementos
expresivos que se señalaron arriba y el correspondiente vestuario. El

27. vestuario debe estar de acuerdo con el tipo de baile y personaje (si así lo
requiere) según la acción que se desarrolla. (Aporte de Maryuri Alizo)
Existen diversas manifestaciones de las artes escénicas, entre estas
tenemos:
Arte teatral: consiste en la representación de una historia a través de
una dramatización, utilizando un dialogo narrativo y adaptando las
tonalidades de la voz de acuerdo a la situación dramatizada. Entre los
elementos básicos del arte teatral se destacan: el texto, la dirección, la
actuación, el aparato escenográfico, entre otros, toda obra teatral es
inventada y dirigida por un director, el cual vela con todos los encargados
de convertir el texto en un espectáculo interesante para el espectador.
Él comunicará al equipo artístico la parte decorativa de la obra ayudaran
a crear el entorno en el que se desarrollará la narración, fachadas que
resultarán significativas para conseguir el ambiente que se requiere en la
obra.
Danza: Esta expresión del arte escénico se define por la dicción a través
de movimientos corporales rítmicos que siguen un patrón o un estilo,

28. generalmente acordes a la música y que sirve como forma de
comunicación o expresión.
La danza puede incluir un medio de comunicación a través de
movimientos, como en el ballet y la danza folklórica, o pueden utilizarse
gestos simbólicos o mimo, como en las numerosas formas del baile.
Personas de diversas culturas bailan de forma distinta por razones
variadas y los diferentes tipos de danzas revelan mucho sobre su forma
de vivir.
Música: La música se encarga de constituir perceptivo y evidentemente
una combinación coherente de sonidos y silencios utilizando los principios
fundamentales de la melodía, la armonía y el ritmo.
El arte musical se originó desde el levantamiento de la civilización,
cuando el hombre primitivo comienza a utilizar la danza en sus
representaciones y las ceremonias religiosas, para rogar a los dioses que
resulten ventajosos los cultivos. A medida que va transcurriendo el
tiempo y cuentan con más experiencia van elaborando las técnicas un

29. poco más complejas de los sonidos con los que realizaran o acompañar los
rituales.
La música, como toda manifestación artística, es un medio de expresión
cultural. El fin de este arte proporcionarle una experiencia bellamente
elaborada a través de sonidos al oyente, donde se pueden expresar
sentimientos, situaciones, pensamientos o ideas. La música es un estímulo
para el ser humano causando así infinitos sentimientos emociones y
sensaciones.
Circo: El circo es un espectáculo artístico, integrado por actuaciones
acróbatas, payasos, magos, malabarista y trapecista, animales
amaestrados y otras formas maravillosas de la habilidad y fuerza
humana. Se presenta en el interior de una gran carpa que cuenta con
pistas y pasillos de asientos para el
público.
Su objetivo no sólo es entretener a un
público de seres humanos sino al mismo
tiempo sorprenderlos y dejarles un mensaje mucho más profundo.

30. Hoy en día el circo se caracteriza por una mezcla de prácticas escénicas,
entre los que hay que señalar la música, el teatro, la pantomima, la
acrobacia, el malabarismo, la gimnasia, a los que habría que añadir los
espectáculos de magia. (Aporte de Maritza Buritica)
Historia de las Artes Escénicas en Venezuela.
Las Artes Escénicas en Venezuela tienen su origen desde hace varios
siglos atrás, remontándose a los siglos XIX y XX. Aún entre las guerras
independentistas, las artes escénicas florecieron, estando entre los
géneros más importantes el sainete, el drama, la comedia, la
tragicomedia y la zarzuela.
En 1784 se inaugura el primer Coliseo de que dispone la ciudad de
Caracas, construido por orden del brigadier Manuel González Torres de
Navarra, gobernador y capitán general. Este primer Coliseo estuvo
ubicado entre las esquinas del Conde y Carmelitas y tenía una capacidad
para 1.500 espectadores. En sus instalaciones actuó la primera actriz
venezolana de que se tiene conocimiento: Ana María Pinelo, nativa de La
Guaira. Posteriormente, a raíz de la Conspiración de Gual y España (1797)

31. las autoridades españolas, comenzaron a seguir de cerca todas las
representaciones dramáticas, con el objeto de evitar cualquier brote
revolucionario.
El Coliseo de Caracas fue destruido por el terremoto de marzo de 1812,
quedando suspendidas totalmente las actividades teatrales durante la
Guerra de Independencia. Las representaciones dramáticas fueron en
cierta medida sustituidas por actos cívicos y las entradas triunfales en
las ciudades.
Después de la batalla de Carabobo (24.06.1821) y la consiguiente
liberación de la capital, el empresario Ambrosio Cardozo mandó a
edificar en 1822 un segundo teatro en terrenos de su propiedad
ubicados entre las esquinas del Chorro y Las Sanabrias (hoy llamada
Coliseo), el cual se convirtió inmediatamente en el principal centro de
diversiones de la capital. Entre las primeras obras que se presentaron en
este escenario se encuentra el sainete criollo El café en Venezuela de
Isaac Álvarez Deleón.

32. Años más tarde, a partir de 1835 y hasta finales del siglo XIX
florecieron más de 40 pequeños teatros ocasionales y permanentes en
Caracas, a la vez que se registró la llegada de compañías europeas
atraídas por la afición teatral de los caraqueños. Uno de estos grupos
actorales fue el del catalán José Robreño, quien en 1837 ofreció al
público piezas ajenas como La misantropía y Ángelo, tirano de Padua.
El 23 de octubre de 1854 se inaugura en la capital de la República, el
teatro Caracas, lo cual constituyó en un gran acontecimiento para la
época. Para esta ocasión fue presentada la opera Ernani, de Giuseppi
Verdi. En las décadas siguientes lo visitaron numerosas compañías, entre
ellas la de la actriz Adela Robreño, llamada "la perla del teatro de las
Antillas", en tiempos del mariscal Juan Crisóstomo Falcón, a mediados de
1860. También en el teatro Caracas fue estrenada en 1873 la primera
ópera nacional llevada a escena, Virginia.
Entre 1870 y 1888, período en el que dominó el escenario político
Antonio Guzmán Blanco, se llevaron a cabo numerosas representaciones
teatrales: comedias, zarzuelas, operas, sainetes. Asimismo, la

33. inauguración en este lapso del teatro Guzmán Blanco (o Municipal), en
enero de 1881, con El Trovador, de Verdi, le da un nuevo impulso a la
afición a las representaciones dramáticas.
Además de Caracas, en la segunda mitad del siglo XIX se construyeron
edificaciones en otras ciudades. En Maracaibo, el teatro abre sus
puertas en 1883; el de Puerto Cabello se inaugura en 1886 y el de
Valencia lo tendrá en 1894. En el teatro Guzmán Blanco (Municipal) de
Caracas, invitada especialmente por el presidente Joaquín Crespo, dará
varios conciertos en 1885 y 1886 la pianista venezolana Teresa Carreño.
A fines del siglo XIX, pese a las dificultades económicas y políticas
experimentadas por Venezuela, se siguieron presentando obras teatrales
de autores nacionales o activos en nuestro país tales como Casto Ramón
López, Vicente Micolao Sierra, Felipe Esteves, Octavio Hernández,
Eduardo Gallegos Celis. Entre todos estos destaca José María Manrique
que da a temas como Un problema social (1880) y El divorcio (1885). En
definitiva, el sainete característico del teatro criollo del siglo XIX
continuará en el siglo XX, pero influenciado por otras tendencias

34. artísticas. Extraído en Junio, 10, del 2012 de la World Wide Web:
http://lasartesenlarepublica.blogspot.com/2008/11/rtes-escenicas.html
(Aporte de Kellynsky Dávila)
Géneros importantes de las Artes Escénicas.
Sainete
El sainete generalmente está caracterizado por su ligereza expresiva,
sus ambientes populares y su realismo. Lo componen dos elementos
principales su valor documental y su españolismo. Es documental pues
refleja una determinada época de la historia española y de una sociedad
concreta. Posee españolismo por su fervor patriótico. Además, está
caracterizado por su
simplicidad, en otras palabras:
carece de artificios en los
medios escénicos que utiliza.

35. Entre sus principales elementos integradores están los tipos, el ambiente
y el diálogo chispeante. Todos ellos elementos que responden a factores
psicológicos, sociales y teatrales en sentido estricto.
Así, Carrera, L y Vasquez, M dicen:
El sainete es una breve pieza jocosa que con frecuencia pinta
costumbres y satiriza vicios y errores. De carácter popular, solía
representarse al final de las funciones teatrales. En el siglo XVII,
sainete era un nombre genérico y vago que algunas veces se aplicaba al
entremés, más comúnmente al baile y a los finales de fiesta. Hacia 1606
se añade, al significado anterior, un aspecto lúdico que va estrechamente
vinculado con los bailes. Por el año 1616 es utilizado como intermedio,
como un estimulante para el gusto del público que pedía, en las comedias,
el tono musical. Sainete era, pues, toda pieza intermedia de cualquier
género que fuese estrechamente relacionada con bailes y cantos. En las
comedias españolas se introducía el sainete entre la segunda y tercera
jornada y en el siglo XVIII, Ramón de la Cruz, creador del sainete
moderno en España, agrega cuadros breves, pero de singular poder y

36. eficacia realista. Se trata de retratar la vida tal cual es, la cotidianidad,
se reproduce el habla familiar sin artificios ni exageraciones, mientras
se detiene en lo más típico.
El sainete tiene su antecedente en los cuadros costumbristas de finales
del siglo XIX. Como se ha manejado entre los estudiosos de la literatura
venezolana, el costumbrismo nace como un medio de crítica. Sus pinturas
de la tipología política y los exámenes descarnados de la realidad social y
cultural del país dan una tonalidad satírica, de protesta humorística a las
mejores obras del costumbrismo nacional. Para Díaz Seijas (1966) el
costumbrismo fue una necesidad imperativa para los escritores del
pasado siglo, llamados en alguna forma a dejar el testimonio verídico de
sus observaciones palpitantes, íntimas. (p.191). Nicanor Bolet Peraza,
Francisco de Sales Pérez, Miguel Mármol son costumbristas que
sirvieron de modelo a los saineteros para crear sus piezas teatrales. La
mayoría de los sainetes se han perdido. Para Barrios (1997), de sus
autores más prolíferos Ruíz Chapellín y Rafael Otazo, no se conserva casi
nada. Tal hecho no debe alarmarnos, ello no es parte de la casualidad ni
consecuencia exclusiva de nuestra consabida desidia respecto a la

37. cultura nacional (...) el sainetero no escribió para la posteridad; el
sainetero escribió para su momento y circunstancia. El sainete se
concibió esfímero, transitorio. (pp 66-67). Muchas veces el sainetero
improvisa de acuerdo a la realidad, al referente y ello favorecía el amplio
uso de las morcillas; es decir, parlamentos y desempeños escénicos que
se le ocurren al actor en el mismo instante de la representación. Rafael
Guinand fue uno de los grandes saineteros de este estilo. Para los
saineteros, lo importante era la experiencia del sainete: lo que pasaba
entre el escenario y el auditorio. (Ibidem, 67)
Gracias al espectáculo del sainete, el espectador será capaz de nivelar,
desde su estratégica posición, la imposición autocrática y la nivelación
democrática. El sainete, como diversión genuina -con fuertes dosis de
ironía y de humor- escapa a los controles y pasa a ser una especie de
fuerza liberadora (para el espectador o el lector). Con el sainete se
invade progresivamente el centro sin permiso, pero lenta y agónicamente.
La presencia del sainete implicó el cruce de los linderos entre lo culto y
lo popular. Lo que vende el sainete es, tímidamente para el momento, la
retorización de la coloquialidad, la ausencia de ansias trascendentales y

38. el intento de presentación más que de explicación al mundo de
situaciones muy específicas. Por ello, la presentación de lo popular como
espacio periférico, en términos estéticos (acaso éticos también) es la
respuesta a la insurgencia central desde lo periférico y es la
manifestación de lo marginal en el centro. Extraído en Junio 10, 2012 de
la World Wide Web: http://liduvinacarrera.blogspot.com/2010/04/el-
sainete-en-venezuela-y-sus.html
Drama.
La palabra drama significa etimológicamente acción representada, por lo
tanto debemos entender por drama cualquier representación de una
historia. En este sentido, el término drama, así como su forma
adjetivada, lo dramático, designa: En general, a lo escénico. De manera
particular, a las formas escénicas
estructuradas alrededor de la
acción verbal hablada,
reconocidas bajo el término
teatro. Por extensión, de manera

39. muy específica, a los textos literarios teatrales (Hamlet, La vida es
sueño, Edipo Rey, o cualquier otro) Y dado que las artes escénicas se
fundamentan en la creación de personajes tratando de resolver
conflictos, la palabra designa por extensión hacia lo cotidiano, cualquier
conflicto decisivo. La característica principal del drama (literario o
teatral) es que no existe un mediador entre la historia y el público, es
decir, todo sucede ante nosotros.
El arte dramático tiene sus orígenes en Grecia, cuando, Thespis inició sus
giras teatrales y convirtió las dionisíacas rurales en ciudadanas. Se le
denomina arte dramático al don o cualidad que posee una persona para
que la movilización de sus sentimientos sea creíble a partir de una clara
evidencia de su desdoblamiento o transporte místico, es decir, que la
materialización de ese don se convierta en una verdadera obra de arte
que cause impacto en el nivel emotivo del espectador, porque no habrá
nunca hecho escénico si llegase a faltar cualquiera de estos tres
elementos básicos: la idea/texto, el público y el actor.

40. Antes de Thespis, en Grecia, se celebraron actividades teatralizadas en
honor al dios Dionisios, conocido también como Baco y Bromio. Dionisios o
Dionisos, es el hijo de la infidelidad, porque Zeus copuló con Semele, una
mortal, a escondidas de Era, su esposa y hermana, de allí surge este ser
que más tarde se convertiría en motivo de adoración debido a que él
representa las festividades, al vino, a la fertilidad, a la atracción
masculina, a las cosechas, a las estaciones, al erotismo, a la embriaguez,
a la belleza masculina, en fin a todo aquello que es cíclico y que nace, se
reproduce y muere. El culto a Dionisos consistía en una ceremonia
cantada que rememoraba el nacimiento del dios, su vida y su muerte. Se
solía celebrar una bacanal en donde tenía lugar el komos, es decir las
nupcias, y de donde se desprende el origen de la comedia teatral, y
posteriormente, al finalizar el ritual, se hacía el sacrificio holocáustico
de un macho cabrío para representar la muerte del dios, allí, claro está,
surge para los entendidos, la tragedia teatral. Estos coros dionisíacos
eran llamados ditirambos y se hacían acompañar de una damas llamadas
bacantes, quienes eran las que ejecutaban la ceremonia danzando y
cantando.

41. Puede decirse que el arte dramático es una empresa de la modernidad,
con sus antecedentes en el teatro griego y romano que fue organizado
por los primeros con intenciones cívico/político/didácticas y por los
segundos, con propósitos cívicos/políticos. El teatro romano de la
antigüedad fue, evidentemente, la degradación del griego, porque se
dedicaron, luego de fallidos intentos de ejecutar un teatro cultural, a
mostrar escenas sangrientas para el gusto de un pueblo masoquista, por
eso se dice que la sociedad actual heredó de Roma, el gusto por el dolor
ajeno, por las distracciones vanas y por los excesos, y del pueblo griego
el amor por arte, las obras de arte, la belleza y la sabiduría. Pero,
realmente, el arte dramático, comenzó a difundirse como una empresa al
alcance de las masas durante el Renacimiento. Unos de los personajes de
la dramaturgia que más se destaca por su aportes al teatro organizado
es Sir William Shakespeare, quien, luego de haber ganado la confianza en
la Reina Isabel I, obtuvo permisos para vender las entredas a sus
representaciones y, de esta manera, logró construir el Teatro The Globe,
hoy día, un icono de la cultura teatral y patrimonio histórico de la
humanidad. Extraído en Mayo 28, 2012, de la World Wide Web:

42. http://www.latinpedia.net/Artes/arte-dramatico/El-arte-dramatico-
ad868.htm
Comedia
La Comedia del arte (Commedia dell‘Arte) surge aproximadamente en el
siglo XV (en el renacimiento), aunque es en los siglos XVI, XVII y XVIII
cuando tiene su máximo desarrollo. Se caracterizaba por tener obras que
disponían de tres actos. La obra estaba representada por actores que
interpretaban un papel definido, pero la actuación se iba improvisando
conforme se desarrollaba el espectáculo. Los personajes masculinos
solían llevan medias máscaras que cubren sus ojos y nariz solamente,
permitiendo hablar a los personajes. Los personajes femeninos (salvo
Colombina) no usan máscaras, tampoco los actores que representan los
enamorados, ni a Pedrolino (Pierrot).

43. Tiene sus orígenes en una
sociedad italiana mayormente
rural donde los campesinos
organizaban grandes reuniones,
lugares en los que algunos autores del nuevo humanismo (renacimiento)
exponían sus relatos y obras. Basándose en dialectos de las distintas
regiones de Italia crearon una serie de personajes que se identificaban
con los campesinos. La máscara y gran parte de atuendos procedían de
las fiestas de Carnaval y se apoyaba más en los movimientos, la burla y la
improvisación.
Se distinguen tres grupos de personajes: en primer lugar los criados,
llamados Gli zanni (los siervos). Su origen común es: un campesino pobre
que llega a la ciudad y trata de sobrevivir con su ingenio para evitar el
hambre. Por ello, decide siempre estar con el amo que en ese momento
más le aporte solución a su problema (comer). Le siguen los amos,
conocidos también como Gli Vecchi (los viejos, ya que siempre son
hombres mayores) que son el elemento de poder a criticar en esa la
época. Existe un personaje para cada ámbito: el militar, el comerciante o

44. el catedrático. Finalmente Gli innamorati (los enamorados), estos
personajes que suelen ir sin máscara, por el hecho que hay que mostrar
dignamente sus sentimientos, por más superficiales que sean. Extraído
Junio16, 2012, de la World Wide Web:
http://arescronida.wordpress.com/2009/01/04/comedia-del-arte-1-
introduccion/
La comedia es una rama del género dramático que principalmente se
caracteriza porque sus personajes protagonistas se ven enfrentados a
las dificultades de la vida cotidiana y por eso ellos enfrentan las
dificultades haciendo reír a las personas o a su "público", movidos por
sus propios defectos hacia desenlaces felices donde se hace escarnio de
la debilidad humana. La comedia se origina en el mundo griego, pero se va
desarrollando a lo largo de medievo y la Edad Moderna, hasta llegar a
nuestros días.
Como los demás géneros dramáticos, la comedia está determinada por la
realización de comedia comediar acción dramática del personaje de
protagonista; de ahí que no sea extraño encontrar personajes con una

45. rola trágica en comedias, siempre y cuando estos sean, por decirlo de
algún modo, personajes secundarios.
Como características, el personaje protagonista suele ser común y
corriente y representar un arquetipo, es decir mentiroso, charlatán,
fanfarrón, pícaro, enamorado, etcétera; es también crédulo e
inconsciente y, a diferencia de la tragedia, donde el personaje
protagonista tiene un profundo sentido ético, en la comedia el personaje
protagónico considera su moral como una cualidad no muy importante, lo
que le permite ser muy vital, aunque esto es más bien un obstáculo para
el personaje.
Por ello, su conflicto dramático suele ser, las más de las veces, con la
sociedad, además de consigo mismo, por lo que lucha por superar los
obstáculos que le impiden realizarse consigo mismo o con esa misma
sociedad.
La comedia es, junto con la tragicomedia, una de las formas clásicas del
drama griego, y uno de los tres géneros dramáticos llamados realistas.

46. Tema: Si bien en la comedia los temas recurrentes son el engaño, el robo,
la burla y la estafa, los temas suelen ser problemas de personas comunes
que tienen defectos, debilidades y vicios.
Conflicto: Comúnmente es generado por un vicio de carácter del
protagonista. Este vicio de carácter es contrario al bienestar social de la
comunidad en la que vive el protagonista. El bienestar social es relativo a
la época y al lugar. El vicio de carácter del personaje protagónico lo lleva
a ser un transgresor de esa sociedad, pues rebasa los límites de lo
"conveniente" y por ello debe ser castigado; esto significa que el
personaje vicioso es castigado socialmente, o sea, es puesto en ridículo.
Protagonista: Es básicamente un personaje de baja calidad moral que
encarna algún vicio o defecto de los seres humanos —la avaricia, la
irreverencia o rebeldía, etc.— pero sumamente complejo. En el caso de
Tartufo, lo que Molière critica
es la hipocresía que se
representa en este personaje,
prototipo del mojigato que

47. finge vivir valores que en verdad no tiene y que sólo persigue su
bienestar a costa del daño que produce a los demás. En pocas palabras,
un personaje vicioso que es ridiculizado.
Desenlace: Es feliz para alguna de las fuerzas que se oponen al
protagonista o para todas, menos para aquel que encarna el defecto que
debe ser castigado, es decir, puesto en ridículo. Extraído Junio 17,
2012, de la World Wide Web: http://es.wikipedia.org/wiki/Comedia
Tragicomedia:
Es una obra dramática en la que se mezclan los elementos trágicos y
cómicos: También se le conoce como pieza, porque se parece a dicho
concepto; generalmente en estos están sintetizados las características
de una clase social, por lo que también se le denomina género psicológico.
Uno de los géneros literarios es el género dramático, es decir, el
conjunto de las obras formadas por un texto escrito en prosa o verso, en
forma de diálogo, y que tiene como objetivo el ser representado en algún
tipo de escenario.

48. A su vez, el género dramático se divide en subgéneros, y uno de ellos es
la Pieza.
Una pieza es una obra literaria del tipo realista, en donde la situación y
los personajes están claramente presentados. Si bien en lo que se relata
y expone hay cambios inesperados, ellos son lógicos y explicables, y el
suspenso va en continuo aumento, llegando por momentos a clímax con
intensas emociones. La resolución o conclusión de la obra es consecuencia
de los actos y de las situaciones planteadas con bastante claridad y sin
ambigüedades, y como ya se dijo, los actos de los personajes son
verosímiles.
En la Grecia clásica, el drama satírico o la tragicomedia suele tratar un
tema legendario, aunque con efectos cómicos protagonizados,
fundamentalmente, por el coro. Los dioses no intervienen en la muerte de
los hombres y puede haber más de una acción al mismo tiempo.
La tragicomedia, como género dramático surge en la transición al
Renacimiento, y se presenta ya muy claramente en Shakespeare (en
Inglaterra) y en una gran cantidad de obras del Siglo de Oro Español.

49. La tragicomedia estrictamente no tiene que ver con una combinación de
lo trágico y lo cómico. Se le nombró así desde la Celestina, ante la
imposibilidad de ubicar a este tipo de obras dentro de los dos grandes
géneros conocidos (tragedia y comedia), y no porque fuera una
mescolanza de ambos.
La tragicomedia principalmente va a mostrar la trayectoria del héroe
tragicómico, que tiene un objetivo que perseguir (el amor, la justicia, la
ambición, un trono, etc) y de cómo éste lo consigue o no pasando por una
serie de obstáculos para llegar a su fin. Si los obstáculos se presentan
como positivos, es decir que parece que lo acercan cada vez más a su
objetivo, más que obstáculos son como pruebas superadas, el final será
negativo; si los obstáculos son negativos, parece que le impiden llegar a
su objetivo, y por lo general el final será positivo y alcanzará su objetivo.
Su creador fue Lope de Vega cuando rompe las estructuras del teatro
aristotélico. Lope se niega a obedecer las unidades, y entonces crea la
tragicomedia. En Francia, el término fue introducido por el dramaturgo
Robert Garnier (1545-1590).En el inicio del siglo XVII, este tipo de

50. teatro estaba de moda, más el estilo aún no estaba claramente definido.
Poco a poco, los autores fueron sometiendo sus obras a las reglas del
teatro clásico.Y entre los clásicos franceses del siglo XVII (Molière,
Pierre Corneille, Jean Racine), el término en cuestión designaba una
historia trágica con desenlace feliz.
El género no siempre agradó al público. "El Cid" de Corneille, por ejemplo,
tuvo que ser reescrito para transformarlo en una tragedia, después que
la primera versión recibió numerosas críticas desfavorables. No
obstante, este caso fue algo peculiar, pues pudo haber estado
contaminado por el cabale promovido por el cardenal Richelieu. Un caso
que también corresponde citar, es el de Victor Hugo, que con su drama
romántico intentó imponer una escritura que se situaba entre lo sublime
y lo grotesco, pero que no tuvo mucho éxito. Solamente en el siglo XX,
con el Teatro del absurdo, el público comenzaría a aceptar que las risas
no necesariamente excluyen la profundidad dramática. Extraído Junio
17, 2012, de la World Wide Web:
http://es.wikipedia.org/wiki/Tragicomedia

51. Zarzuela
La zarzuela en nuestro país se
originó, probablemente, del teatro
cantado que llegó por influencia de
España: sainetes, comedias,
tonadillas, entre otros géneros del
mismo estilo (primera mitad del s.
XIX). YA para el año 1864
encontramos los primeros registros de compañías de zarzuela en
Venezuela. En 1865 se forma la Sociedad de Coristas de Caracas con la
finalidad de proteger a los cantantes de las compañías de zarzuela y de
ópera.
Durante el régimen de Guzmán Blanco, mermó mucho la actividad de la
zarzuela. En el afán de convertir a Caracas en la "petit paris", el
gobierno le daba mayor apoyo a la ópera que a la zarzuela, por
considerarla de rango superior.

52. El panorama cambia en los últimos 15 años de este siglo. La vida de la
zarzuela se hace intensa y los espectáculos eran diarios en dos o tres
teatros a la vez. Las compañías viajaban al interior del país porque no
había teatros en Caracas. Se mantiene así hasta la muerte de Gómez
alrededor de 1920. Con la llegada de la radio, televisión, cine, etc.,
lamentablemente se ha venido perdiendo el interés por la zarzuela.
Compositores venezolanos que escribieron zarzuela: J.A. Montero,
Federico Villena, Manuel Fernández, Rogerio Caraballo, Pedro Elías
Gutiérrez y Sebastián Díaz Peña. Extraído Junio 18, 2012, de la World
Wide Web:
http://www.musicaenclave.com/forum/showthread.php?p=619
La zarzuela es una forma de música teatral o género musical escénico
surgido en España con partes instrumentales, partes vocales (solos, dúos,
coros...) y partes habladas. Su nombre procede del Palacio de la
Zarzuela, nombre del pabellón de caza cercano a Madrid donde se
hallaba el teatro que albergó las primeras representaciones del género.

53. La zarzuela se cultivó con muchos aciertos al trasladarse a Cuba, donde
destacaron los compositores Gonzalo Roig y Ernesto Lecuona, y Rodrigo
Prats, Eliseo Grenet y a Venezuela, con José Ángel Montero y Pedro
Elías Gutiérrez.
En Filipinas, la popularidad de las zarzuelas cedió a la indigenización de
este género. Durante la colonización norteamericana, las sarswelas (la
forma indígena) fueron una forma mayor de mostrar resistencia a
fuerzas extranjeras. Honorata 'Atang' de la Rama fue conocida como la
Reina de la Sarswela Filipina. Esta forma de la Arte se llama también
zarzuelta en varios lugares del país.
La zarzuela es la forma española de la Opereta, representación teatral
que, a diferencia de la ópera, no es totalmente musical sino que alterna
partes habladas y partes musicales.
Los siglos XIX y XX fueron épocas de gran producción de zarzuelas en la
América Latina, en especial en Venezuela, Cuba, México y Argentina, de
donde salieron grandes obras que todavía son presentadas
internacionalmente como El cumpleaños de Leonor, de Montero que era la

54. historia de una mujer mayor que al descubrir la traición de su marido
buscaba una vida mejor en la gran ciudad; Maria La O de Ernesto Lecuona
y La Media Naranja del íbero-argentino Antonio Reynoso.
A partir de 1950 la zarzuela pudo sobrevivir gracias a la discografía, un
campo que se mantuvo en auge desde entonces. Se produjeron una serie
de grabaciones de gran éxito, la mayoría de ellas dirigidas por el músico
español Ataúlfo Argenta. Las mejores voces del momento aparecieron en
estos discos, cantantes mundialmente famosos que profesionalmente se
dedicaban a la ópera y a los recitales. Voces como las de Teresa
Berganza, Ana María Iriarte, Carlos Munguía, etc., participaron en las
grabaciones. Se añadieron los coros del Orfeón Donostiarra y Coro de
Cantores de Madrid contribuyendo a darles una gran calidad.
Tras la muerte de Ataulfo Argenta se incorporaron los directores
Indalecio Cisneros, García Asensio, y otros. Incluso hubo grabaciones
que fueron dirigidas por el propio autor de la obra, como fue el caso de
Pablo Sorozábal y Federico Moreno Torroba. En esta etapa participaron
en las grabaciones nuevas y grandes voces consagradas: Monserrat

55. Caballé, Alfredo Kraus, Plácido Domingo, Juan Pons, etc. Extraído Junio
19, 2012, de la World Wide Web: http://es.wikipedia.org/wiki/Zarzuela
(Aporte de Kellynsky Dávila)
Elementos de las Artes Escénicas.
a) Espacio teatral.
El espacio teatral puede ser: la escena, la sala, un edificio designado para
la representación o cualquier espacio adecuado u ocupado para tal fin
(calle, fábrica, etc.) Las principales relaciones entre escena y sala han
determinado cuatro tipos fundamentales de espacio teatral aunque de
estas se han derivado muchas variantes de acuerdo con los puntos de
vista que del teatro se han tenido durante la historia.
b) Espacio escenográfico: el espacio teatral determina el escenográfico.
Las propuestas escénicas son concebidas para ser presentadas en
lugares con características concretas, construidos tomando en cuenta los
medios técnicos y las convenciones aceptadas de acuerdo con la época.
Algunos géneros escénicos se han diferenciado de otros de acuerdo con

56. el uso que se hace de este espacio y sus recursos. Así, por ejemplo, se
puede ver una obra de teatro clásico en la que los espacios son telones
pintados que reproducen espacios reales, o teatro naturalista que
introduce elementos reales en la escena, o una producción más
contemporánea realizada en espacios múltiples. El espacio escénico es
una ficción creada por el texto, la dirección y la escenografía.
En ese sentido, puede ser un espacio mostrado, como en una puesta en
escena de Hamlet, en el que el escenario nos muestra el castillo del Rey
de Dinamarca, o un espacio aludido, como cuando solo con el sonido de
una campana se puede sustituir todo un cementerio. El espacio en las
artes escénicas es siempre un lugar que nos remite a algo más, tanto si el
espacio nos da una clara referencia –la reproducción de un bosque-, como
si éste nos evoca sensaciones sin referentes directos. Por ejemplo, en la
danza, en la que los lugares de la escena que se ocupan, la forma de
transitarlos y la distribución de los bailarines, condensan la realidad y
nos transmiten sensaciones, aunque no historias. En este caso, el espacio
tiende más a priorizar elementos plásticos y de movimiento. (Las artes

57. escénicas. Fundación Teatro Nacional Sucre, enero, 2008.) (Aporte de
Danny Alzuru)
El tiempo escénico
Es el contenido de la obra, se distribuye en actos y estos en cuadros y
escenas. El acto es cada una de las grandes partes en que se divide una
obra teatral. El cuadro está formado por la sucesión de los hechos
realizados sin cambiar decorado; y la escena, es la parte del acto en que
actúa uno o varios personajes hasta que llega otro u otros al lugar de la
acción. La distribución del
tiempo en actos cuadros y
escenas debe estar bien
graduada a fin de crear un
ambiente de interés constante
y evitar la monotonía.

58. El baile y la danza también forman parte de las artes escénicas, en ellas
también se ponen de manifiesto los elementos expresivos que se
señalaron arriba y el correspondiente vestuario. El vestuario debe estar
de acuerdo con el tipo de baile y personaje (si así lo requiere) según la
acción que se desarrolla.
Tiempo y espacio están íntimamente relacionados en varios planos. En las
artes escénicas todo sucede siempre en tiempo presente, incluso cuando
vemos el recuerdo de un personaje o cuando hay saltos temporales que
fraccionan el tiempo en una estructura de escenas no lineal, es decir,
escenas que no responden al principio de causa y efecto. Así como puede
haber espacios múltiples, puede haber también tiempos múltiples.
El tratamiento del espacio y el tiempo deben ser leídos tal como se lee
un libro. Dentro de las concepciones modernas estos dos elementos
constituyen una escritura, por lo tanto tienen una poética, una narrativa,
un relato, una dimensión plástica, y pueden ser manipulados, deformados,
limitados, exactamente igual que las palabras. (Aporte de Maryuri
Alizo)

59. La acción
Son los actos conscientes y
voluntarios que llevan como
objetivo la modificación final
de una situación. La acción es el
eje con respecto al cual giran y
se encadenan las diferentes
situaciones dramáticas y, mediante ella, se organiza el argumento de una
obra en un espacio y un tiempo. Hay artes en las que la acción constituye
una escritura basada en la construcción de puntos de tensión en el
espacio. La acción puede ser una palabra dicha o cantada, un cuerpo en
desequilibrio en el espacio (una bailarina clásica en puntas de pie), una
multitud que corre, un discurso, una decisión producto de un diálogo, un
gesto, un movimiento lleno de virtuosismo, etc. El desequilibrio de un
conflicto es lo que obliga a los personajes a actuar para resolver la
contradicción, pero su acción (y su reacción) ocasionará otros conflictos
y contradicciones, o la necesidad de un movimiento, una palabra, un
sentimiento, es decir, una acción. (Aporte de María Quintero)

60. La estructura y sus componentes.
Las artes escénicas son una estructura que se forma de varias partes
funcionales que pueden cambiar de acuerdo con las características
particulares de cada una. Sin embargo, tiene en común elementos
fundamentales como el texto, los personajes, el conflicto, la situación,
como veremos a continuación:
a) Texto
Toda representación tiene un texto, sea éste el texto literario de un
autor al que la puesta en escena se refiere (teatro, ópera, drama), un
texto incidental que guía la elaboración de una composición escénica
(danza, teatro, teatro-danza, ópera), un texto hecho del accionar de los
elementos escénicos (performance, happening), etc. El texto es,
básicamente, el desarrollo de un plan establecido que guía la evolución de
una representación de un inicio a un final, dado que todo actor o
performer (bailarín, cómico, narrador, etc.) aparece en un espacio para

61. hacer algo. En algunas formas escénicas el texto es en realidad un
pretexto (pre-texto) que da como resultado un accionar.
b) Conflicto o tensión
La dinámica de las artes escénicas se basa en personajes que intentan
resolver conflictos que se dan ante ellos. El conflicto puede darse entre
dos personajes, dos o más visiones del mundo, o varias actitudes frente a
una misma situación. Lo que hace que un conflicto sea dramático (es decir
que esté en el territorio de las artes escénicas) es la existencia de un
obstáculo que hay que superar, de lo contrario estaremos frente al
territorio de lo puramente plástico, en el que importa la forma, el color,
la belleza de un accionar, pero no hay un desarrollo hacia un objetivo.
c) Personaje

62. La definición más común asocia al personaje con la interpretación. El
personaje se construye por una suplantación de identidad (el actor juega
a que es otra persona), esa noción se complementa con la del performer
(ejecutante), es decir, alguien
que no asume otra
personalidad, aunque sí
características distintas a su
ser cotidiano con las que
evoluciona frente a un público.Los dos criterios: personaje y performer,
han traspasado la línea particular que los vincula a un arte específico y
ahora podemos encontrar teatro no interpretativo, es decir, un tipo de
obra de teatro en donde no hay personajes sino personas (performers), o
danza con personajes, o personajes con música, etc.
d) Situación
La situación comprende las condiciones espacio-temporales en las que se
desarrolla el drama, así como también las condiciones que genera el juego
escénico durante una representación. Cada conflicto genera una nueva

63. situación y ésta se puede leer en la expresión corporal, la mímica y la
posición en el espacio de los actores y ejecutantes, la escenografía, la
naturaleza profunda de las relaciones sicológicas y sociales entre los
personajes y, en general, toda indicación determinante para la
comprensión de las motivaciones y acciones de los personajes.
e) Accesorios
Pueden definirse como objetos en los que el actor ejecuta acciones,
objetos a los que se dirigen gestos intencionales del actor. Su función
significativa primaria es representar ese objeto y, como tal, realiza
funciones prácticas y simbólicas. En su función segunda puede referirse
al personaje que lo utiliza, interpretado por el actor, y ser un signo del
personaje. Como objeto permite al actor realizar actividades que se
refieren al personaje, acciones que se realizan a menudo en interacción
con otros actores–personajes; se trata entonces de un signo de relación.
Tiene poder caracterizador, o sea, puede ser signo respecto al sujeto
que lo utiliza. Esta función significativa tiene especial valor en la
caracterización de personajes alegóricos. Pueden realizar esa función

64. debido a que aportan un significado simbólico que está en la base de un
código cultural determinado. La formación de un significado simbólico
mediante un objeto o accesorio tiene lugar cuando hay un código
específico teatral o cultural que todos conocen y comparten.
f) Decorado
Mientras el escenario
significa el lugar
donde el personaje se
encuentra, el
decorado actúa con el
significado del lugar
donde permanece más
o menos tiempo.
Todos los signos teatrales están siempre implicados en un código teatral
complejo, dentro de una determinada cultura; por tanto, cualquier
elemento de la vida social puede ser llevado al teatro con sus
significados prácticos y simbólicos; no ocurre así con los significados del

65. decorado, pues por razones obvias no se puede llevar al teatro un jardín,
un castillo o un bosque real. El teatro, por esta razón, desarrolla un
código específico para el decorado. Existen muchas posibilidades: lienzos
pintados, objetos alusivos al lugar, remitirse a un lugar con sólo una parte
de él, realizar estilizaciones o incluso reproducciones fieles. Estos signos
se interpretan como el lugar donde el personaje permanece: casa, calle,
taberna, habitación, catedral, etc. Pueden referirse tanto a exteriores
como interiores, a espacios naturales o artificiales, e incluso a espacios
ficticios (como el cielo o el infierno).
Los signos del decorado se interpretan también en relación a la época en
que la representación se sitúa. Así mismo actúa como signo del país en el
que se desarrolla la obra. Caracteriza de forma más cercana al lugar
referido y en este sentido, época y país, tiene relación con el vestuario.
El decorado puede como signo de una situación o de una acción, en tanto
que determina el lugar como un sitio concreto en una época determinada.
Puesto que remite a una función práctica que puede realizarse en él, pasa
de ser signo de un lugar a signo de las funciones que pueden realizarse en

66. ese lugar, tanto prácticas como simbólicas. Por tanto, representa no sólo
el lugar sino también las acciones y situaciones que podrían darse en él.
Las funciones prácticas del decorado son válidas en tanto el actor tiene
la posibilidad de realizar acciones con ellas: abrir puertas, subir
escaleras, etc. Sin embargo, el actor no realiza esas acciones con un
verdadero fin práctico, sino para mostrar que el personaje que
representa las realiza. Así, el decorado varía su significado en relación al
personaje.
Todo lo dicho es válido para decorados referidos a lugares determinados.
Si el decorado no representa un lugar ni lo sugiere, no se pueden
identificar los movimientos del actor en relación a funciones prácticas,
sino siempre en relación a funciones simbólicas. Con este procedimiento,
el decorado intensifica la función del espacio escénico. Es el caso de
obras que se representan sobre una cinta transportadora o en una
estructura metálica, por ejemplo.
En cualquier caso, el decorado puede definirse como el medio ambiente
del personaje y puede utilizarse también para caracterizarlo: situación

67. social, valores, ideas, etc., marcando en ocasiones las posibilidades de
interacción de personajes.
Según la cultura en que se produzca el hecho teatral, el decorado puede
también sugerir sentimientos y sensaciones, mediante las formas
(abiertas, cerradas, esféricas, macizas, etc.), las disposiciones
arquitectónicas y el color.
Mediante su significado simbólico puede actuar como signo de ideas: el
mundo concebido como una cárcel, la vida como laberinto o como campo
de batalla.
Su posición en un código teatral de una determinada cultura y la
selección de signos sólo pueden comprenderse e interpretarse por el
contexto completo de ese código teatral. Extraído Junio 20, 2012, de las
World Wide Webs: http://www.all-
artecuador.com/download/ftns/inserto_pedagogico1.pdf,
http://www.rena.edu.ve/SegundaEtapa/ESTETICA/artesmusicales.html,
http://arteescenicas.wordpress.com/2010/04/12/el-espacio-escenico/,

68. http://es.wikipedia.org/wiki/Artes_esc%C3%A9nicas (Aporte de
Kellynsky Dávila)
Medios audiovisuales
La Comunicación juega un papel de suma
importancia dentro del desarrollo de la
Sociedad en General, ya que la misma tiene que
ver con la forma como los individuos
interactúan y como influyen los unos sobre los
otros. La comunicación es el ―portador básico
del proceso social‖. La palabra Comunicación tiene su origen en la lengua latina,
deviene del adjetivo ―Comunis‖ que significa Común. De ese vocablo latino se
derivan también las palabras comunal, comunidad, comunión, entre otras.
Del verbo latino ―comunicarse‖ — que puede entenderse como compartir o
tener comunicaciones con otros — se han derivado otras palabras como
comunicado, comunicante y especialmente comunicación. Una vez aclarado el
origen etimológico de la palabra Comunicación se puede decir que la misma:
Es la acción y el efecto de comunicar algo o de comunicarse.
La Comunicación puede definirse como un proceso mediante el cual un individuo
(emisor) le transmite a otro (receptor) determinada información, a través de la
palabra u otro medio (canal) con un propósito determinado. De este modo la
comunicación implica reciprocidad, en este sentido, es necesario visualizar el
proceso de la comunicación. (Aporte de Danny Alzuru)

69. La importancia del medio reside en que hace posible la transmisión o transporte de un
producto comunicacional o mensaje. En otras palabras, sin medios de comunicación no
existiría la posibilidad de enviar y recibir mensajes. Dicho mensaje debe ser claro y
comprensible para ambos comunicantes, pues de lo contrario no se establecería una
―comunicación eficaz‖. Se le ha dado diversos nombres a la manera de comunicarse en
masa, lo cual ha generado una discusión sobre la denominación más conveniente. Las
más frecuentes son la Comunicación Social (la más usada), Comunicación Colectiva y
Comunicación de Masas.
Factores del proceso comunicativo.
Para que la comunicación sea efectiva, es
necesario que todos los factores que
intervienen en el acto comunicativo
funcionen perfectamente. Estos son los
factores necesarios en el proceso de la
comunicación: Explora el diagrama.
Los Medios de Comunicación Social.
Uno de los elementos más representativos de la evolución tecnológica humana
se configura en los medios de comunicación, los mismos han logrado evolucionar
con el pasar del tiempo. De tal forma se puede visualizar el avance en estos
medios. Los medios de comunicación social se clasifican en:
Medios Impresos:

70. Son aquellos cuyo contenido está representado por la escritura.
Entre ellos encontramos la prensa, revistas, libros, etc.
Medios Sonoros:
Son aquellos que pueden ser percibidos a través del oído. Entre
ellos están la radio y el teléfono.
Medios Visuales:
Son aquellos cuya información es eminentemente icónica, es decir,
hacen uso de la imagen para la construcción del mensaje. La
publicidad es el área de la comunicación que mayor uso hace de
este tipo de medios, especialmente a través de vallas.
Medios audiovisuales:
Son aquellos cuyos mensajes se perciben simultáneamente con la
vista y el oído, como la televisión y el cine.
Medios multi-mediáticos:
Son aquellos medios en los que se encuentra una fusión de todos
los elementos de los medios anteriores, es decir, elementos
sonoros, visuales, escritos y audiovisuales, se configura con la
presencia de La Internet o superautopista de la información.
Dichos medios de comunicación ejercen una poderosa influencia en la sociedad;
son los llamados medios de difusión masiva. Los más importantes son, sin duda,
la prensa, la radio y la televisión. (Aporte de Zoraida Bastidas)
Voltaire decía que el periodismo o el medio escrito existía en China desde

71. tiempos inmemoriales. Sin embargo, se perfila su existencia, claramente, en el
imperio romano, al confeccionarse comentarios y actas en los que no sólo
aparecían Edictos sino también noticias de la sociedad, sucesos y rumores de la
urbe. En el Renacimiento aparecen avisos, gazetas, hojas y relaciones que
proliferaron con ocasión del movimiento mercantil en ciudades y puertos. En
1493 circularon en Europa varias ediciones de una hoja titulada Descubrimiento
del Nuevo Mundo por Colón. En toda esa época, las publicaciones eran
ocasionales, como la editada en México en 1514 en relación con el terremoto en
la ciudad de Guatemala.
En América los primeros periódicos aparecen en el siglo XVIII. El más antiguo
es La Gazeta de México y Noticias de Nueva España (1722), que incluían
noticias de diversas poblaciones de todas las regiones de México, de otras
ciudades de América y de Europa. En lo sucesivo comenzaron a aparecer
diversas gazetas en América: en Guatemala y Costa Rica en 1729; el Diario de
Lima en 1790; y muchos otros.
La radio.
A raíz de los descubrimientos de los físicos Maxwell y Hertz y los inventos de
Marconi, la radiodifusión comenzó a desarrollarse a principios del siglo, y llegó
a constituir un sistema universal de comunicación de noticias, en forma
inalámbrica. En un principio le sirve a la navegación y a la economía; de igual
forma, desempeñó un papel decisivo en la primera guerra mundial y en la
revolución rusa. En la actualidad, y por lo general en todos los países, su

72. función es la misma: información, instrucción, entretenimiento y prestar
servicio a la comunidad.
La televisión
El desarrollo de la televisión surge de la necesidad de un dispositivo que fuera
adecuado para explorar imágenes. Fue en el año 1884 por intermedio del
inventor alemán Paul Gottlieb Nipkow quién creó un aparato llamado Disco
Nipkow. Era un disco plano y circular que estaba perforado por una serie de
pequeños agujeros dispuestos en forma de espiral partiendo desde el centro.
Al hacer girar el disco delante del ojo, el agujero más alejado del centro
exploraba una franja en la parte más alta de la imagen y así sucesivamente
hasta explorar toda la imagen. La naturaleza mecánica del disco no lograba
emitir una buena definición en las imágenes, puesto que no funcionaba con
tamaños grandes y con altas velocidades.
Los dispositivos eficaces surgieron años después, en 1923 el físico
estadounidense Vladimir Kosma Zworykin inventó el Iconoscopio, un t ubo
electrónico y sensible, utilizado para transformar las variaciones de la
intensidad de la luz en variaciones de la carga o corriente eléctrica. Fue
utilizado durante mucho tiempo para televisar películas. Luego el ingeniero de
radio estadounidense Philo Taylor Farnsworth inventó el disector de imágenes.
En el año 1926 ingeniero escocés John Logie Baird ideó un sistema de
televisión que incorporaba los rayos infrarrojos para captar imágenes en la

73. oscuridad.
Después de finalizada la Primera Guerra Mundial los sistemas de televisión se
hicieron realidad. Las primeras transmisiones públicas fueron realizadas en
1927 por la BBC de Londres, y consecutivamente en 1930 por la NBC y CBS en
los Estados Unidos. Las emisiones televisivas con programación continua se
dieron en el año 1936 en Inglaterra, y en 1939 en Estados Unidos. (Aporte de
Zoraida Bastidas)
Los Medios de Comunicación Social en Venezuela.
El surgimiento de los medios de comunicación en el país es relativamente
reciente. En la época colonial, los medios usados para comunicarse eran las
llamadas postas (mensajería de a pie o a caballo). La ―era moderna‖ de la
comunicación en Venezuela se inicia el 29 de mayo 1856 con la introducción del
telégrafo eléctrico, y cuya primera línea fue desarrollada entre Caracas y La
Guaira. Sin embargo, el primer medio de comunicación social que incursiona en
Venezuela es la prensa, con la aparición de la Gaceta de Caracas, el 24 de
octubre de 1808. Después del 19 de abril de 1810, cuando se escuchaban
indicios de la libertad, surge una serie de periódicos entre los que destacan El
Semanario de Caracas (1810-1811), El Patriota de Venezuela (1811-1812), El
Mercurio Venezolano (1811), El Publicista de Venezuela (1811). (Aporte de
Maryuri Alizo)
La radio o el medio radiofónico.

74. Surge en Venezuela en el año 1926, con la aparición de la primera emisora de
radio en Caracas, que se llamó Ayer, fundada y dirigida por el Coronel Arturo
Santana. Fue cerrada por el gobierno 1928 a causa de sucesos políticos
protagonizados por estudiantes de la Universidad Central de Venezuela en
contra del dictador Juan Vicente Gómez. Posteriormente se fundó la
Broadcasting Caracas, cuya primera transmisión se dio a control remoto, desde
la plaza Henry Clay el 9 de diciembre de 1930, y fue fundada por el Almacén
Americano. Después de la muerte de Gómez, surgen nuevas emisoras en todo el
país. En 1940 se graduaron los primeros locutores profesionales. Actualmente
funcionan alrededor de 175 emisoras comerciales de radiodifusión, más cientos
de emisoras comunitarias en todo el país. (Aporte de María Q uintero)

75. Conclusión
El arte es de vital importancia en la educación, es generador del
desarrollo de la expresión creativa natural de todo ser humano. Además,
conduce al educador y al educando en la ardua tarea de la creatividad, la
sensibilidad, la apreciación artística y la expresión contribuyendo al
espíritu creativo y social de todo individuo.
Algunos artistas han sido especialistas: personas con talento que por
medio del estudio, la experiencia o por intuición genial se han convertido
en expertos de las formas, de los colores y las líneas. A veces pretenden
reflejar fielmente el mundo visible o crear imágenes del mejor modo.
De una forma u otra el arte ha reflejado siempre las preocupaciones
íntimas del hombre, ha sido el exponente tanto de los interrogantes
acerca de la propia existencia como de las convulsiones sociales.
Comprender la función del arte y su historia es por tanto, plantearse de
nuevo los problemas esenciales de nuestra cultura. De esta manera, los
docentes deben asumir retos en busca de formas nuevas de enseñanza y
aprendizaje y con el fin de desarrollarlas en su labor docente logrando

76. en los alumnos aprendizajes significativos. Una de las maneras de
lograrlo es mediante las formaciones estéticas en las que se destaca en
esta investigación la formación constructiva donde el niño aprende
haciendo.
La educación artística constituye experiencias constructivistas que
buscan favorecer la integración de contenidos dandole una concepción
más integradora a nuestras experiencias de aprendizaje, asumiendo el
bloque de contenidos correspondiente a la educación estética, dentro del
C.B.N, como eje fundamental de la acción docente. Tambien es
importante tener presente el avance y el uso de las tecnologías, que nos
proporcionaran gran ayuda al momento de estar en el aula de clase, y con
esto emplear los audiovisuales en el proceso de enseñanza -aprendizaje
como estrategia didáctica. La escuela es preparación para la vida es la
vida misma, por ende, debe presentar la dosis de esfuerzo que la vida
real requiere. (Aporte de Zoraida Bastidas)

77. Referencias
Fecha: 26-06-2012
Hora: 4pm
http://www.rena.edu.ve/SegundaEtapa/ESTETICA/artesescenicas.html
Fecha: 26-06-2012
Hora: 4:30pm
http://suite101.net/article/escritura-creativa-texto-experimental-a213
Fecha: 26-06-2012
Hora: 6pm
http://www.misrespuestas.com/que-son-las-artes-escenicas.html
Fecha: 27-06-2012
Hora: 2:40pm
http://www.ecured.cu/index.php/Artes_esc%C3%A9nicas

78.  Taibo, C. (1992). Áreas, Consultor Didáctico: Arte y Filosofía.
Barcelona: Nauta.
 Las Artes escénicas
en:http://www.ilustrados.com/tema/2374/teatro-dramatico.html
 Textos creativos
:http://www.ecured.cu/index.php/Instalaci%C3%B3n_art%C3%ADstica
 http://suite101.net/article/escritura-creativa-texto-
experimental-a213
Definición de arte
Fecha: 26/06/12
Hora: 11 pm
http://definicion.de/arte/
Definición de textos
Fecha: 26/06/12
Hora: 9 pm
http://www.contenidoweb.info/textos/que-es-un-texto.htm

79. Definición de creatividad
Fecha: 26/06/12
Hora: 11 pm
http://petra.upeu.edu.pe/creatividad/creatividad.htm
Textos creativos
Fecha: 27/06/12
Hora: 8 pm
http://conocimientoysistemas.wordpress.com/2010/02/11/textos-creativos-y-el-uso-
de-las-tic-en-el-aula-%E2%80%93-experiencia-en-proceso-de-consolidacion-
%E2%80%93-primera-parte/
Referencias bibliográficas
Mantovani, A. (1993). Dramatización y Educación Primaria.
Madrid: Editorial Luis Vives.
Sefchovich, G. (1996). Expresión corporal y creatividad.
México: Editorial Trillas.