Breve tratado del retrato

2008
OSCAR JAIME MAMANI POCOHUANCA
BREVE TRATADO SOBRE EL
RETRATO

TODO SOBRE EL RETRATO - 2008
DEDICATORIA.
El presente trabajo de Investigación está dedicado con especial interés
hacia mis estudiantes del Instituto Superior Pedagógico Público “Chabuca
Granda” de Abancay, porque es de ellos y para ellos los procesos de
aprendizaje y transmisión de estos aprendizajes para la utilización adecuada
de estos conocimientos en el beneficio de la educación y la cultura.
Dejo a su libre criterio la utilización del presente trabajo de investigación
que es parte de la producción intelectual personal, mi preocupación por la
superación de las barreras de la creatividad nacida de una línea.
Así mismo para mis colegas de trabajo Benjamín, Demetrio, Virgilio,
Santiago, Washington, Gustavo M., Gustavo C., Lucio, Mario, Wilfredo y
Percy, para ellos por ser la fortaleza de mi institución, a mi familia por ser el
sostén de mis quehaceres, y sobre todo a Dios por darme el aliento ese
soplo ligero de vida para laborar permanentemente, en beneficio del arte y
la educación.
___________________________________
OSCAR J. MAMANI POCOHUANCA
PROFESOR – ARTISTA PROFESIONAL.
PRESENTACIÓN
El Presente trabajo de Investigación “TODO SOBRE EL RETRATO”, esta
realizado como un reto para el afianzamiento de la proporción del retrato, y
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mucho mas para los interesados en lograr trabajos mucho mas selectos y
adecuados en el proceso de formación inicial en la integración del retrato,
como una forma de expresión mas simple y sincera a la vez.
El retrato es uno de los temas más fascinantes de la historia del arte, y
mucho mas cuando esta considerado desde la contextualización de la
temática mucho mas identificada con la realidad apurimeña, esta realidad
inmersa en una de las mas exquisitas sobriedades en el matiz del color
carne o piel, Apurímac cuenta con una mezcla de pigmentación de piel muy
variada que nos da oportunidad de poder sobrellevar un sinnúmero de
trabajos adecuados y adversos hacia el desarrollo de un dibujo sobrio y una
pintura original, este matiz de color piel ha sido mezclada precisamente por
la simbiosis de razas que dan origen a un mestizaje muy rico en color,
aparte de una característica propia del poblador de esta zona del Perú,
siendo motivo de desarrollo de un arte sumamente concreto en valores de
identidad y originalidad.
La tarea esta dada el presente texto pretende determinar esta tarea, como
una forma de motivar hacia la juventud, deseosa de cambiar el giro del arte
y la cultura, desde una perspectiva mas amplia en el orbe, no se ha tratado
de dejar de lado la historia universal del retrato, pero también se ha
considerado, una historia del desarrollo del retrato en el Perú, ese retrato
buscado y apreciado de la población adentrada en un realismo y una
búsqueda intensa de variedad desde los principios del indigenismo, esta
obra a mas de ello ha de ser motivo de considerar, el descentralismo de
otros aportes por considerar solo a los egresados de la Escuela Superior de
Bellas Artes de Lima, que con su congoja de desacierto, nos deja a un lado
la labor artística hacia los demás departamentos a nivel nacional.
El aporte de la cultura nacional en el desarrollo del arte universal ha sido
determinante por considerar la cultura precolombina como una de las mas
desarrolladas a nivel mundial, una maravilla que aun se extenúa, sobria, y
eterna en el brillo permanente de la humanidad, esta identidad es la que se
determina en el presente texto para su adecuación hacia el desarrollo de la
cultura nacional, siempre considerando a los baluartes y demás artistas que
han emergido en cada rincón del Perú.
Considero a mas de ello que el presente texto ha de ser uno de los aportes
mas valiosos del arte a nivel nacional, elaborada desde la posición
apurimeña, nacional y universal, es una forma de valorar primero lo que se
ha obtenido, ese poco de matiz natural y sobrio del retrato peruano para
abarcar el desarrollo a nivel universal, esperando sea uno de los textos de
interés para el desarrollo de la cultura a nivel nacional, se deja a criterio su
lectura y análisis.
EL AUTOR
______________________________
OSCAR JAIME MAMANI POCOHUANCA
Autor: Oscar Jaime MAMANI POCOHUANCA – FORMADOR – ARTISTA PROFESIONAL Página 3

FORMADOR – ARTISTA PROFESIONAL
CAPITULO I
1.- HISTORIA DEL RETRATO.
Para Poder Entender el tratado del Retrato en toda su magnitud se debe
tener en cuenta que el retrato nace con el mismo hombre cuando desea
representarse o conocerse así mismo, como a sus congéneres.
El hombre frente al deseo de conocerse y de conocer a los que le rodean
comienza una rudimentaria forma de representarse mediante las pinturas
rupestres en la actualidad se podría connotarse como sintetización de las
formas.
Pintura rupestre, Lascaux.- Las pinturas prehistóricas de las cuevas de Lascaux, Francia, datan
aproximadamente del 13000 a.C. y fueron realizadas con pigmentos (rojo y ocre) soplados a través de
huesos huecos sobre la roca, o aplicados con juncos o ramas aplastadas después de mezclarlos con
grasa animal.
Pinturas rupestres aborígenes.- Hace más de 20.000 años, los pueblos aborígenes de Australia
realizaron pinturas y grabados en las paredes de las cuevas. Actualmente hay más de mil lugares
contabilizados en los que aparecen dibujados motivos espirituales, figuras de cazadores y pescadores, y
representaciones de acontecimientos históricos.
1.1. ORIGEN DEL RETRATO EN OCCIDENTE.
Las civilizaciones de Mesopotamia y Egipto (1400-1700 a.c.), produjeron
notables retratos, en los que el soberano se emparentaba con la divinidad.
Una de las primeras formas de retrato propiamente dichas, fue el practicado
por los etruscos del norte y centro de Italia (siglo VI a.c.), una forma similar
Floreció entre los Griegos llegados a Egipto llamado, El Fayun.- que se trata
de mascaras funerarias o retratos póstumos, cuya factura alcanzo un alto
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grado de Realismo,
solían pintarse a la
cera caliente sobre
tablas de madera
Ciprés.
Estela de Nefertiabet, Giza-2590 a.c. IV dinastía. Gudea con el vaso que brota, Sur de
mesopotamia – 2150 a.c.
En Grecia antigua se creo imágenes idealizadas, inmortalizando a sus dioses
en forma de mujeres y hombres. El retrato ocupaba un lugar secundario en
esta civilización, porque sus principios filosóficos exigían que las personas
fueran representadas en términos universales.
En el siglo II a.c., En Roma siendo el centro del mundo antiguo; Mediante el
desarrollo económico se desarrollo la practica Retratística, representados en
mármoles y medallones de patricios y monedas con la efigie del emperador,
en la pintura trataba de imitar el busto en relieve. Esto decayó al caer el
imperio hasta el Renacimiento y algunos Murales en Mosaico en el Periodo
Bizantino hasta nuestros Días.
Caracalla
Este busto de mármol del 215 d.C. representa a Caracalla
(emperador Marco Aurelio Antonino) como un hombre fornido y
despiadado. Este tipo de escultura realista contrasta con la
naturaleza idealizada de la mayor parte de la escultura romana.
Fresco etrusco
Italia de Tarquinia (la etrusca Tarquinii), situada en la provincia de
Viterbo, en la región del Lacio, y data de principios del siglo V a.C.

2.- RETRATO BIZANTINO.
En Constantinopla surgió a partir del año 330 d.c., una cultura que continua
la tradición paleocristiana se convirtió en el centro creador de unas formas
artísticas que tuvieron acogida en el Arte medieval Europeo. El Retrato
Bizantino lo encontramos mejor organizado artísticamente con respecto al
arte cristiano primitivo.
El Retrato Bizantino se desarrollo a partir del siglo VI, en tres grandes
periodos conocidos como edades de oro como son:
La primera Edad de Oro, correspondió al ruinado emperador del Justiniano
(527-565).
“La Corte de Justiniano” representa al emperador
bizantino Justiniano I.
La Segunda Edad de oro, fue el momento en que se definió la estética
Bizantina.
Mosaico del ábside de Monreale
La figura de Cristo como Pantocrátor, rodeado de la Virgen, los ángeles y santos, ocupa el ábside de la
iglesia de Monreale en Sicilia (finales del siglo XII). El mosaico fue una demostración del intento del rey
Roger de importar la gloria de Bizancio a Sicilia como símbolo de su poder.
Y la Tercera Edad de Oro periodo especialmente brillante en las artes, la cual
se vio truncada por la toma de Constantinopla en el año 1453.
Los Mosaicos eran realizados con pedazos de cerámicas con temas
religiosos con mayor parte.
3.- RETRATO GÓTICO.
Se denomina Arte Gótico
al estilo artístico que se
desarrollo en Europa
occidental y centro entro
los siglos XII, XIV,
prolongándose en
algunos lugares hasta el
siglo XVI.
Es un termino derivado
de “godo” fue acuñado
por Giorgio Vasadre en el
siglo XVI para referirse a
todas las
manifestaciones
artísticas comprendidas
entre la antigüedad
Clásica y el
Renacimiento.
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El Arte Gótico es de sentido altamente religioso se manifiesta muy estilizado
dentro del retrato.
El Cuadro “La Virgen con el Niño entronizados” (pintura mural), revela un
gran sentido místico por la presencia de caracteres similares.
Virgen con el Niño
El monje Fra Filippo Lippi pintó hacia 1455 esta tabla al temple conocida como Virgen con el Niño.
La Pintura Gótica en la que se incluye la miniatura, muy importante durante
este periodo, presenta una serie de etapas sucesivas que no se dieron por
igual y simultáneamente en todos los países.
La primera fue el estilo Franco- Gótico, que abarca el siglo XIII y principios
del siglo XIV y se caracteriza por el colorido Plano y Ausencia de volumen.
El estilo Italo- Gótico, derivado de la renovación pictórica llevada a cabo por
los grandes artistas italianos del momento
(Giotto, Duccio, Simone Martíni, los
Lorenzetti); Sus rasgos peculiares son el
empleo prioritario de colores claros, el uso
de una perspectiva incipiente y la
propensión al naturalismo, que va siendo
cada mas acentuada.
3.1 EL GÓTICO INTERNACIONAL.
Hacia 1400 hizo su aparición el llamado
Gótico Internacional, estilo elegante y
cortesano, de gran refinamiento técnico y
riqueza colorística que fundió las formas
Italo- Góticas con el gusto por el Realismo
procedente de Europa Septentrional. Una de
las realizaciones más logradas de esta
corriente son las celebres miniaturas del
libro de horas del duque Berry, obra de los
hermanos Limburgo. En España, cultivaron
el gótico internacional Lluis Borrassa y Bernat Martorell.
3.2 LA PINTURA FLAMENCA.
El Último de los grandes estilos pictóricos propios del gótico fue el arte
flamenco, originario de Flandes y precursor ya en muchos aspectos del
Renacimiento. Es un estilo de un detallismo extraordinario y de una gran
perfección técnica, que introdujo en la pintura el uso del Óleo y baso la
Perspectiva en la inclusión de los espejos, ventanas y paisajes como fondo
del cuadro.
Sus principales representantes: Los Hermanos Jan y Hubert Van Eyck, Rogier
Van der Weyden, Hugo van der Goes, Hans Memling y Conrad Witz. Y fuera

de Flandes Jean Fouquet, en Francia, y Nuno Goncalves, en Portugal. En
España Luis Dalmau, Jaume Huguet, Bartolomé Bermejo y Fernando Gallego.
4. RETRATO HUMANISTA.
Se desarrollo en el siglo XV, en el que
llego a su pleno
dominio de la
forma
considerándose
muy especialmente el
Retrato.
El artista de esta
época influido
profundamente por
el arte clásico Greco
Romano, se
intereso en los
valores humanos
en cuanto se refiere a
cuerpo y alma y
definió sus obras
en una extraordinaria
belleza de proporción, armonía y expresividad.
Los cuadros humanistas gozan de un realismo sorprendente por el estudio
minucioso de los caracteres espirituales y formales; Por otra parte,
complementando el gran dominio técnico, el artista aporta las preferencias
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Santo Domingo de Silos entronizado
como abad
Entre 1474 y 1477 Bartolomé Bermejo
realizó el retablo de la iglesia parroquial
de Daroca, al que pertenece su obra más
conocida, la tabla Santo Domingo de Silos
entronizado como abad, actualmente en el
La Virgen con el Niño, de Fouquet
Esta tabla formaba parte del Díptico
de Melun, realizado por el pintor
francés Jean Fouquet para la capilla
de Nuestra Señora de Melun. Fechada
en el 1450, actualmente se conserva
en el Real Museo de Bellas Artes de

de su gusto e inspiración introduciendo desde entonces los tipos de
hermosura original, derivados de la idealización intencional en el anhelo de
lograr verdadera realización artística; Surge a puertas del Renacimiento
Italiano.
Venus y las gracias haciendo ofrendas a una joven. 1483, Botticelli, Alessandro Filipepi.
5. RETRATO EN EL RENACIMIENTO.
Entre los siglos XV y XVI triunfa en Europa un movimiento de renovación
cultural y artística, que se caracteriza por la recuperación de la antigüedad
grecorromana y por la ruptura
con la tradición estética
medieval, a la que calificaba de
“estilo de Bárbaros”; Se inicia en
Italia, hacia 1420, con una
primera fase temprana llamada el
quattrocento, a la que sigue en
1500 el alto Renacimiento o
cinquecento. En otros lugares de
Europa floreció el gótico final, por
lo que en estos países el
renacimiento surgió hacia 1490-1500, cuando en Italia ya se habían
realizado las obras significativas del periodo.
En escultura tenemos los siguientes representantes del Quattrocento:
• Lorenzo Ghiberti, “Puerta del Paraíso”.
• Jacopo della Quercia.
• Donatello, “El David”.
• Andrea del Verrocchio, “Bartolomeo Colleoni”.
• Los Della Robbia, especiaistas en cerámica vidriada en
retrato.
La Escultura del Cinquecento, entre uno de sus mejores logros tenemos a
Miguel Ángel que ha logrado la perfección en el retrato Renacentista, siendo
uno de los mayores exponentes del retrato en la escultura.
En la Pintura del Quattrocento, en base al retrato se mejoro la proporción en
base al cuerpo humano, primero con la pintura al Fresco (temple), y la
pintura en Caballete (Óleo); Con temática sobre todo religiosa, mitológica y
profana; Entre sus representantes tenemos a Fra Angélico, y Masaccio. Otros
Paolo Uccello, Andrea del Castagno, Domenico Veneciano y Piero della
Francesca, Fra Filippo Lippi, Masolino, Antonio Pisanello y Gentile da
Fabriano. A este grupo cabe destacar en Florencia, parte del Quattrocento a
Sandro Botticelli, Venoso Gozzoli, Domenico Ghirlandaio, en Padua, Andrea
Mantegna, en Venecia los Bellini (Jacopo, Gentile y Giovanni), de Vittore
Carpaccio, Carlo Crivelli. En otros lugares trabajaron Antonello da Messina,
Pisanello y Luca Signorelli.
En el Cinquecento en la Pintura, esta dominado por tres grandes creadores:

• Leonardo da Vinci.- Aportó a la pintura la técnica del sfumato
(esfumado), con la que diluye los contornos y suaviza los colores a fin
de conseguir una nueva realidad plástica, mas expresiva y poética,
impregnada de una atmósfera nebulosa.
Mona Lisa
El retrato de Mona Lisa (1503-1506, Louvre, Parfs), más conocido como La Gioconda, era la obra
preferida de Leonardo da Vinci. Existen muchas teorías sobre la identidad de la modelo y el
significado de su enigmática sonrisa.
• Rafael.- Con su perfección formal, su
serenidad su equilibrio y sus composiciones
geométricas representa el clasicismo por
antonomasia, el triunfo de la belleza del orden y
de la armonía.
Julio II (Rafael)
1512
• Miguel Ángel.- Más interesado por el dibujo anatómico, el volumen y el
movimiento, iría evolucionando hacia una expresión dramática que
anticipaba ya el manierismo.
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Dibujo de Miguel Ángel
En este dibujo de Miguel Ángel se
aprecia su maestría para el retrato y el
claroscuro. Sus dibujos solían ser
estudios preliminares para otros
trabajos.
Otras figuras en Italia en el
siglo XVI en Parma Il Correggio e Il Parmigianino; en Florencia Andrea del
Sarto; en Venecia Giorgione y Tiziano, más tarde Veronesse y Tintoretto.
En Alemania Alberto Durero y Lucas Cranach de los paises bajos Pieter
Brueghel, en España Vicente massip y su hijo Juan de Juanes, Juan
Fernández de Navarrete, Pedro de Berruguete, Luis de Morales y Juan de
Borgoña, dentro de España seria muy bueno indicar a Domenikos
Theokópulos llamado El Greco.
6.
RETRATO BARROCO.
El arte del retrato, en el periodo Barroco
se desarrolla en un concepto muy
humano y espiritual como secuencia del
Cabeza de un apóstol
En este dibujo a tinta de 1508 se
aprecia la delicadeza de trazo y la
magistral expresión de la forma
humana, características de la obra de
Autorretrato (Durero)

arte precedente. Pero su objetivo a Seguir dentro de la Superación estética,
no es ya el aspecto formal, si no el espiritual. Viene entonces una serie de
amaneramientos figurativos que no son otra cosa que el deseo de la
originalidad. En definitiva el Retrato del periodo Barroco es muy hermoso
por la calidad de su ejecución técnica y la variedad de sus atributos.
Surgida en siglo XVII abarco el siglo XVIII; alcanzo un esplendor sin
precedentes, tanto en Italia, donde se inicio con el Naturalismo Romano y en
círculos más cultos, con el clasicismo, para culminar con las apoteosis
decorativas típicamente barrocas, como en el resto de Europa.
6.1. EL RETRATO BARROCO ITALIANO.
Dentro del Barroco Italiano surgieron dos corrientes fundamentales de la
Pintura Barroca.
• EL NATURALISMO.- Es un tipo de arte sencillo, comprensible con una
interpretación realista del hecho religioso que estimulara la Piedad y la
sensibilidad de los fieles. Uno de los representantes tenemos a
Caravaggio que representa la verdadera revolución, al romper los
ideales de belleza renacentista, utilizando para ello el Tenebrismo para
la realización de contrastes fuertes de hechos religiosos.
• EL CLASICISMO BARROCO.-Surgió en Bolonia, es una combinación
de la fuerza clásica con la observación realista, el monumentalismo del
alto renacimiento con la calidez Veneciana, en una suerte de
naturalismo idealizado y sereno, entre los representantes tenemos a
los hermanos Agostino y Annibale Carracci y su primo Ludovico.
6.2. EL RETRATO BARROCO FRANCÉS.
Se mostró la Dualidad entre la tendencia Clasista y Barroca en el siglo XVII,
mientras que en las provincias imperaba la tendencia naturalista, al servicio
de la iglesia y la Burguesía.
Nicolás Poussin fue quien mejor interpreto el barroco clasista de los Carracci
y Claudio Lorena plasmo esto en elementos compositivos en paisajes de
fondos expresivos poéticos.
6.3. EL RETRATO BARROCO EN FLANDES Y HOLANDA.
La escisión de los Países Bajos en a Católica Flandes y las protestantes
Provincias Unidas supuso también una división en el campo artístico.
En Flandes especialmente el Retrato floreció; La personalidad más brillante
del barroco flamenco fue Peter Paulus Rubens y sus dos discípulos mas
importante Antón va Dick con sus elegantes y majestuosos retratos, y Jacob
Jordanes.
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El Protestantismo y la sociedad
burguesa marcaron profundamente la
actividad artística de Holanda, dando
lugar a la tendencia del Realismo barroco, reflejo de una sociedad cuyos
valores no era la religión sino la posición social conquistada a través del
trabajo y el dinero. Cobro especialmente importancia el retrato de grupo,
como retrato colectivo de corporaciones médicas o de síndicos, y también el
retrato individual, ambos extraordinariamente vivos y realistas, alejados de
los retratos cortesanos o de aparato.
Rembrandt representa la culminación de la Pintura barroca Holandesa, con
su tratado especial de la luz que define el espacio y crea una atmósfera que
matiza las formas, el profundo estudio Psicológico de sus personajes.
Autorretrato (Rembrandt)
El
genial Vermeer,
exponente de la
pintura de
ambiente intimista.
LAS TRES GRACIAS
Las tres gracias es un cuadro de tema
mitológico pintado hacia 1635 por el artista
flamenco Petrus Paulus Rubens. Representa a
Áglae, Eufrósine y Talía, las tres diosas
griegas de la alegría, el encanto y la belleza.
A la izquierda aparece retratada su segunda
esposa, Elena Fourment. Actualmente forma
Autorretrato (Rubens)
Autorretrato de Rembrandt
Rembrandt pintó muchos autorretratos durante su
vida entre los que destacan los de la última época
por su profundidad psicológica y maestría en el
claroscuro. Esta obra (1669, National Gallery,
Londres) la pintó el año en que murió.

La lechera
Al igual que muchos cuadros de
interiores domésticos holandeses del
siglo XVII, La lechera (c. 1659-1660)
presenta elementos simbólicos. Aquí
la blancura de la leche alude a la
pureza y virtudes de la mujer joven.
Vermeer se valió de una cámara
oscura para captar los efectos de la
luz, que luego plasmaría con gran
maestría en su obra.
Otros representantes Frans Halls, con sus cuadros de ambientación popular
y tabernas; También Holanda tuvo otros pintores de menor trascendencia
como Jacob Ruisdael, Adriaen Van Ostade, Paulus Potter, Hobberma y Peter
Saenredam.
Caballero sonriendo
Frans Hals lograba dar un aire de espontaneidad a sus
retratos, un ejemplo de ello es el Caballero sonriendo
(1624, Colección Wallace, Londres).
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6.4. EL SIGLO DE ORO ESPAÑOL.
La Pintura fue la manifestación más notable del barroco español, con una
importancia sin precedentes por el número de artistas y la categoría de los
mismos, el punto de partida fue Caravaggio, la pintura barroca española
presenta algunos rasgos estilísticos propios como la sencillez en la
composición, el predominio de cierta humanidad, un equilibrado naturalismo
y la ausencia de sensualidad.
Tenemos a Francisco Ribalta, José de Ribera, Francisco Zurbaran, Alonso
Cano y Diego Velásquez.
(Velázquez)
Martirio de san Sebastián
El artista del barroco español José de Ribera,
pintó numerosos temas religiosos, a menudo
martirios, bajo una luz de gran dramatismo. Por
lo general evitaba representar la sangre y
prefería mostrar la escena anterior o posterior
al suplicio. Este lienzo del Martirio de san
Sebastián (1651) se encuentra en el Museo di
Capodimonte de Nápoles (Italia).

Aparición del apóstol san Pedro a san Pedro Nolasco
El lienzo Aparición del apóstol san Pedro a san Pedro Nolasco (1629, 179 × 223 cm, Museo del Prado,
Madrid) es obra del pintor español Francisco de Zurbarán. Representa a san Pedro Nolasco, fundador de
la orden de la Merced, vestido con el hábito blanco de los mercedarios y arrodillado ante la visión del
apóstol san Pedro crucificado cabeza abajo.
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Aguador de Sevilla
En el Aguador de Sevilla (1619, Museo
Wellington, Londres), perteneciente al
género de las naturalezas muertas,
Velázquez da igual importancia al
tratamiento de los objetos que al de las
figuras.
Bartolomé Murillo de producción sensible y algo almibaratada y Valdés Leal
inclinado por una temática de acusado pesimismo.
7. RETRATO ROCOCÓ.
Nació en un ambiente refinado de la corte Francesa, se rebeló contra la
ampulosidad del barroco y contra el clasicismo dictado por las academias
Reales, propuso un arte mas humano, con ambientes intimistas e imbuidos
de la gracia y belleza cortesanas; Fue un arte básicamente ornamental, en
el que primaba lo decorativo sobre la organización del espacio y su
estructuración. El motivo decorativo que caracterizaría al nuevo estilo la
Rocaille, un elemento asimétrico, parecido a una concha, que dio nombre al
movimiento.
Sucede al arte barroco de aspecto religioso y sobrio, en el siglo XVIII; La
creación artística de esta época va a tener caracteres definidos más que de
un grupo genial de artistas, de una sociedad satisfecha y opulenta, de una
aristocracia, que todo lo posee y que aun es dueña del arte para colmo de
su poderío material.
El arte del Siglo Rococó, esta pues al servicio de las clases altas, razón por
la cual, es también, El siglo del Retrato.

Antoine Watteau, plasma obras con pinceladas vaporosas y disueltas;
Francois Boucher, una pintura mas sensual, generalmente mujeres
desnudas y escenas sofisticadas y
delicadas.
Jean- Honoré Fragonard, Greuze y el
retratista de la aristocracia Quentin de
la Tour y Chardin.
Retrato de la Marquesa de Pompadour, de
Maurice Quentin de la Tour
Pastel realizado por La Tour, en el que retrata a la
favorita de Luis XV, pintado en 1755. Este pintor fue
considerado uno de los grandes maestros de la técnica
del pastel, consiguiendo una rica y fiel clientela
satisfecha por la rapidez con la que realizaba los
retratos.
7.1. EL RESTO DE EUROPA.
Fuera de Francia EL Rococó se dejo sentir con desigual intensidad; Tiépolo,
es un genial representante de la tradición decorativa con frescos lleno de
escorzos y vibrante cromatismo, también podemos encontrar a Antonio
Canaletto y Francesco Guardi.
La apoteosis del almirante Vittor Pisani
La apoteosis del almirante Vittor Pisani es uno de los frescos que Giovanni Battista Tiepolo pintó en la
villa Pisani, en Italia, entre 1761 y 1762. Representa a Vittor Pisani ascendiendo al paraíso rodeado de
ángeles.
8. RETRATO
NEOCLÁSICO.
El Arte Neoclásico
aparece como reacción
contra la extrema
frivolidad del arte
aristocrático del siglo XVIII, entre los años 1790 – 1825 aproximadamente,
personifica el odio y el deseo del exterminio de aquella casta, que tanta
diferencia había hecho de la modesta sociedad de entonces y la pobreza
colmándola de angustias. La creación artística de esta nueva etapa se
caracteriza por su más opuesta y completa aversión al arte rococó. Su
estética se orienta hacia la simplicidad, hacia la belleza conseguida sobre
cánones de sobriedad formal y de relaciones armónicas y composicionales.
No escapa a la vista la gracia y elegancia sutil de los personajes, según
podemos apreciar en el Retrato de Madame Recamier. La compostura
señorial de las figuras se inspiran en el alto concepto de sobriedad que
caracteriza al arte Greco – Romano.
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La pintura Neoclásica alcanza su máxima expresión en las obras de Jacques-
Louis David, como tambien Antoine-Jean Gros, Ingres y Mengs.
Autorretrato
Con sus pinturas y escritos teóricos, el artista alemán
Anton Raphael Mengs participó en la transición del
estilo barroco al estilo neoclásico durante el siglo XVIII.
Este autorretrato se encuentra en el Museo del
Ermitage de San Petersburgo (Rusia).
Odalisca, de Ingres
Odalisca (1814) de Ingres es una obra neoclásica en la que se aprecia la influencia de la antigüedad
clásica y los rasgos característicos de su pintura: sensualidad, contornos suaves y líneas sinuosas.
La Revolución Francesa marca una nueva era social y político-económica. El
Neoclasicismo (VUELTA AL CLASICISMO) busca la ELEVACIÓN MORAL DEL
HOMBRE a través del arte y por medio de la representación de personajes
que puedan convertirse en modelos de conducta.
Retrata lo INDIVIDUAL y el parecido de manera muy intensa.

Autorretrato (Goya)
9. RETRATO REALISTA.
El positivismo científico, la consolidación de la burguesía, la aparición del
proletariado como clase social tras la revolución de 1848 y la revolución
tecnológica exigieron a los artistas un nuevo lenguaje y una temática más
acorde con la realidad social.
El realismo acentuó el apego a la realidad, aceptando las sórdidas
condiciones de la sociedad. Una realidad social que exigía un nuevo
lenguaje, frío y directo, de pincelada firme y contornos precisos, que
rechazaba la belleza idealizada, y una temática de campesinos, lavanderas
y paisajes totalmente alejados de las convenciones academicistas.
En este tipo de Pintura destaca las obras del inconformista Gustave Courbet,
comprometido ideológicamente con el proletariado e interesado en
reproducir la realidad concreta.
Retrato de Proudhon
Fruto de la amistad y admiración que unían al
pintor Gustave Courbet y al pensador Pierre
Joseph Proudhon es este intenso retrato, pintado
en una gama reducida de colores que resalta la
expresión grave del padre del anarquismo
moderno.
Honoré Daumier considerado como
caricaturista satírico de todos los tiempos, autor de una obra cruda y
enérgica, Jean-Francois Millet, pintor de la vida rural, aunque con una visión
mas sentimental de la vida campesina.
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Las espigadoras
Las espigadoras (1857)
pertenece a la serie de temas
rurales característicos de Jean-
François Millet, que es
considerado uno de los
primeros pintores de la escuela
realista.
Charles Lethière (Dominique Ingres) 1818.
10. RETRATO REALISTA SOCIALISTA.
La tendencia del Realismo Socialista se ha acentuado con mayor plenitud
hacia el Muralismo, naciendo desde un principio Político que es socialismo
de Rusia, Jhanov es un artista Ruso identificado con esta tendencia hacia el
trabajo que habían realizado los dirigentes la clase obrera.
En uno de los países de América donde se ha realizado la mayor cantidad de
Murales en base a esta tendencia es en México, donde encontramos a tres
máximos representantes:
Diego de Rivera, José Clemente Orozco y David Alfaro Sequeiros..
La temática la clase obrera en general los logros de los lideres en base al
Socialismo es lo que prevalece dentro de esta Tendencia.

Brodskiy, retrato de Lenin
11. RETRATO IMPRESIONISTA.
El Impresionismo es la culminación de una tendencia que marca la pintura
del siglo XIX: La preocupación por la Luz, desde los luminosos encuadres de
las obras románticas a los poéticos paisajes de la escuela de Barbizon.
Edouard Manet suscito una virulenta polémica con su obra “Almuerzo sobre
la hierba”.
Édouard Manet
Retrato del pintor francés Édouard Manet, precursor del impresionismo y figura esencial en el desarrollo
del arte moderno. El autor de la fotografía es Nadar,
personaje polifacético que inmortalizó a numerosas
personalidades de su época.
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La merienda
campestre
La merienda
campestre
causó gran
escándalo
cuando se
expuso en 1863.
El público no
sólo criticó la
libertad de las
pinceladas y la
inconcreción de
las áreas
cromáticas, sino
que además
consideró de
mal gusto el
desnudo
femenino que
no era una
figura alegórica
ni ninguna diosa
clásica. Manet
declaró que el
verdadero tema
del cuadro era
la luz y esa fue la idea que dio origen al impresionismo.
La historia del Impresionismo se inicia con la exposición colectiva de 1874
donde participaban, Claude Monet, Camille Pissarro, Alfred Sisley, Auguste
Renoir y Edgar Degas. Donde las características eran: Una apariencia
inacabada, lo que daba una sensación de inmediatez que irrito a los críticos.
Jeanne Samary
El pintor impresionista Pierre Auguste Renoir realizó este
retrato de la actriz Jeanne Samary en 1879, en el que la
figura aparece envuelta en una luz resplandeciente.

Fin d'arabesque
Escenarios como las carreras de caballos, los cafés,
el teatro y el ballet son característicos de la obra
de Degas. En Fin d'arabesque (1877, Musée
d'Orsay, París), se aprecia su maestría para
expresar el movimiento.
La sorprendente frescura es lo
esencial, la luz y sus efectos
cambiantes, cargadas de pasta.
12. RETRATO POST
IMPRESIONISTA.
Surge hacia 1880 como ruptura frente al Impresionismo, ya que en el
impresionismo los artitas pintaron la mera apariencia, en el pos
impresionismo se reconstruye la forma. Por ello esta tendencia tambien ha
recibido e nombre de “Constructivismo”.
Los artistas que hincaron esta tendencia son: Cézanne, Van Gogh, Gauguin
y después Toulouse-Lautrec.
Bañistas
Bañistas (National Gallery, Londres) es una de las tres versiones que Cézanne pintó sobre este tema
entre 1899 y 1906. Muestra la progresiva abstracción de su obra mediante la utilización de planos
geométricos de color.
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Autorretrato (Gauguin) 1888
En el Retrato anuncia la pintura
moderna y su terreno en e campo de
Autorretrato de Van Gogh. La
ardiente mirada que el propio Vincent
van Gogh pinta en su Autorretrato nos
muestra el deseo del artista de captar
la esencia y emociones humanas del
retratado. Las expresivas pinceladas y
los colores vibrantes son característicos
de la pintura de su última época.
Autorretrato (Van Gogh)
La Goulue entrando en el Moulin Rouge
La Goulue, bailarina del Moulin Rouge, fue tema
principal de muchos dibujos y litografías de
Toulouse-Lautrec. En esta obra la utilización de
espacios y colores planos, así como de trazos
simples y ondulantes, denota la influencia de los

los lenguajes pictóricos. El Retrato ofrece el reto de captar el efecto de la luz
o el movimiento mediante grandes manchas de colores planos, violenta
oposición de tonos, pincelada suelta y sensación de abocetamiento.
13. RETRATO FAUVISTA.
Se desarrolla en Francia cultivado por un grupo de pintores conocido bajo la
denominación de Fauves (fieras), durante los años 1903 a 1907, los cuales
reaccionaron frente al impresionismo y sus variantes.
Entre sus Características podemos hallar:
a. Carácter Lírico y expresivo potenciado mediante el color.
b. Intento de conjuntar o equilibrar el mundo real y el mundo interior.
c. Búsqueda de lo esencial y lo simple.
d. Plasmación de los real de manera subjetiva,
e. Énfasis cromático mediante colores puros.
f. Síntesis formal.
g. Eliminación de la perspectiva espacial.
El iniciador es Henry Matisse, entre otros: André Derain, y Maurice de
Vlaminck.
Madame Matisse (Henry Matisse)
14. RETRATO EXPRESIONISTA.
Nace en Alemania en 1905 vinculado a la introspección y la espiritualidad
nórdicas. El Expresionismo pretendió plasmar en al obra la sensibilidad y
emociones del autor, su propio yo, con una expresión apasionada y violenta,
y en determinados momentos cono la Primera Guerra Mundial, con tintes de
protesta y denuncia social.
Entre sus antecedentes cabe citar a James Ensor y Edvard Munch, que
expreso en sus cuadros la soledad y la angustia del ser humano.
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Máscaras y muerte
El artista belga James
Ensor es conocido por
sus pinturas cargadas
de una fuerte crítica
social y religiosa. Pintó
numerosas máscaras
grotescas, como en el
cuadro Máscaras y
muerte de 1897.
El grito
El grito (1893) es la más dramática de las
obras de Edvard Munch y una de las más
famosas del expresionismo. En ella el artista
expresa la angustia espiritual y el tormento
emocional experimentados en determinadas
etapas de su vida.
14.1. EL GRUPO DE DRESDE:
DIE BRÜCKE.
En 1905 surgió la primera
generación expresionista, el
grupo Die Brücke (“el puente”), integrado por E. L. Kirchner, E. Heckel, Fritz
Bleyl y K. Schmidt-Rottluff, y al que después se incorporaron Emil Nolde,
Max Pechstein y Otto Müller, que se disuelve en 1910.

Calle de Berlín
Calle de Berlín (1913) pertenece a una serie de escenas callejeras realizadas por el pintor expresionista
alemán Ernst Ludwig Kirchner entre 1912 y 1913. Sus obras, de fuerte contenido emocional e intenso
colorido, presentan un tratamiento plano del espacio.
14.2. EL GRUPO DE MUNICH: DER BLAUE REITER.
El segundo grupo expresionista “El jinete Azul”, se constituyo en Munich a
fines de 1910 formado por Vasily Kandinsky, Franz Marc y Auguste Macke, y
posteriormente con las incorporaciones de Alexei von Jawlensky y Paul Klee.
Frontispicio de Simbad el Marino
Esta obra es una escena bélica del frontispicio de Simbad el Marino, ilustrado por Paul Klee con un estilo
muy personal e ilusoriamente infantil. Klee fue pintor, músico, matemático aficionado y profesor en la
Bauhaus.
14.3. LA NUEVA OBJETIVIDAD.
Surge tras la Segunda Guerra Mundial en 1925 se llamaba “Neue
Sachlichkeit” ( la
nueva objetividad),
marcado por la crisis
bélica y el pesimismo
de la sociedad
alemana. Artistas
como Otto Dix, Max
Beckmann, Georg
Grosz. Tambien en
Viena surgió la
necesidad expresar la
oposición ante la
destrucción de la
guerra Oskar
Kokoschka y Egon
Shiele.
Pintado por Egon Schiele
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15. RETRATO EXPRESIONISTA ABSTRACTO.
El impulso hacia una pintura emocionalmente abstracta que después de la
segunda guerra mundial conoció en Estados Unidos y en Europa un
despliegue y un auge casi explosivo, sobre todo en los años cincuenta y en
los primeros años sesenta.
Entre los pintores del expresionismo abstracto se encuentran ( al menos en
determinada y decisivas fases de sus obras): Jackson Pollock, Willen de
Kooning, Adolph Gottlieb, Clyfford Still, hans hofmann Antonio Saura y Robert
Motherwell y finalmente uno de los mas grandes dentro de esta tendencia
Francis Bacon.
16. RETRATO CUBISTA.
Tiene dos influencias una de ellas es la
impresión que causo la exposición de
mascaras africanas en Paris (escultura
primitiva africana), y otra la influencia del
pintor francés Paúl Cezanne y su
tendencia a reducir los volúmenes de los
objetos.
El término ha sido acuñado por Louis Vauxcelles cuando hablo de unos
cubos en una exposición en noviembre de 1908, en una exposición de
Braque.
Francis Bacon por Lucian Freud
Este retrato del pintor Francis Bacon fue
realizado en 1952 por Lucian Freud. Esta
obra, enmarcada dentro de la tradición
figurativa, se caracteriza por los colores
pálidos, un enfoque muy directo del tema y
una gran intensidad emocional.
Willem de Kooning
Esta pintura titulada Marilyn Monroe
(1954), de Willem de Kooning, es una
muestra del expresionismo abstracto.
Este artista holandés nacionalizado
estadounidense fue el único miembro del
grupo que incluyó en sus obras la figura
humana.

Pero los máximos exponentes son evidentemente George Braque y Pablo
Ruiz Picasso.
Cabe señalar que el Cubismo ha pasado por dos etapas El Cubismo Analítico
Y el Sintético.
Las señoritas de Avignon
Este cuadro es una de las obras claves de Pablo Ruiz Picasso. Pertenece al periodo conocido como
protocubismo porque anticipa este importante movimiento pictórico, fundamental en la historia del arte
del siglo XX.
Ambroise Vollard (Picasso) 1910
Autorretrato (Pierre Mondrian) 1911
17. RETRATO SURREALISTA.
L actitud irracionalista del movimiento Dadá
derivo hacia un intento de mayor envergadura.
André Bretón aseguraba que la situación
histórica de la Post guerra, exigía un arte nuevo
que se esforzara por indagar en lo mas profundo
del ser humano. Bretón había contactado con las doctrinas de Sigmund
Freud, fundador del Psicoanálisis, y extendió que la palabra escrita discurre
tan a prisa como el pensamiento y que las ensoñaciones y asociaciones
verbales automáticas podían ser métodos de creación artística.
El Surrealismo trata de plasmar el mundo de los sueño y de los fenómenos
subconscientes.
Se puede encontrar precedentes para el Surrealismo en: El Bosco, Jerónimo
Bosch y Brueghel.
Entre los representantes máximos del Surrealismo tenemos a los siguientes:
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Salvador Dalí. Joan Miró, y tal vez sea mas extensa Duchamp, Max Ernst,
Marc Chagall, Giorgio Chirico, René Magritte, Yves Tanguy, Paul Delvaux,
entre otros también a Frida Khalo.
Pintado por Dalí Pintado por Dalí
18. RET
R AT
O
POP ART.
Uso de temas, imágenes y técnicas "producción en serie" de la cultura de
masas.
Autorretrato con mono
La pintora mexicana Frida Kahlo es célebre por sus
autorretratos en los que suele representarse mirando
impávida al espectador y rodeada de alusiones a las
dolorosas circunstancias de su vida. Kahlo rindió
homenaje a su identidad mexicana a través de su obra,
utilizando un estilo inspirado en el arte popular
indígena e incorporando elementos de las civilizaciones
Écuyère aux Colombes
Aquí aparecen algunas imágenes y
símbolos recurrentes en la obra de
Chagall tomados del folclore judío-ruso:
el jinete de circo, el violinista y las
palomas. En su personal estilo se
pueden percibir influencias del

Según Rosenberg (crítico de arte) el pop art es un arte publicitario que se
publicita como arte que odia la publicidad.
Hoy, las fronteras del retrato con los métodos y técnicas aplicados no
pueden ser definidas como en épocas anteriores.
La historia del retratismo está dominada por la pintura al óleo, pero esto no
descarta el uso de otros materiales más directos.
El avance más significativo en los últimos tiempos en técnicas pictóricas ha
sido la invención de las pinturas acrílicas que secan rápidamente y permiten
más libertad a la hora de hacer las modificaciones que se deseen.
Pintado por Andy Warhol (Serie Marilyn
Monroe).
19. RETRATO HIPERREALISTA.
Esta tendencia también es denominada Realismo Fotográfico, que nace
como reacción contra el Movimiento Abstracto del arte de acción y del arte
conceptual, y en conexión con la representación afirmativa de las cosas en
el pop Art. y el tratamiento critico dado al material de consumo por el
Neodadismo, se origino un retorno hacia la pintura realista impulsado
especialmente desde Documenta V, en 1972. Este laboratioso realismo, con
sus lentes fotográficos y sus versátiles perspectivas de objetivos angulares,
enlaza en su figuración supernitida con el hard-edge-pop-art de los artistas
norteamericanos de la costa oeste, tales como Wayne Thiebaud y Mel
Ramos. El lema que lleva es “Mas verdadero que lo real”, incluso jugando
con elementos de ilusión Howard Kanovitz, uno de los primeros artistas del
nuevo realismos norteamericano.
Entre otros representantes Jhon de Andrea, Richard Artschwager, Robert
Bechtle, Claudio Bravo, Chuck Close, Alex Colville, Robert Cottinghan y entre
otros muchos más.
32

Charles Sheeler
20. RETRATO CONCEPTUALISTA.
Aunque hubo artistas como Picasso, Tatlin, … que iniciaron este paso a lo
objetual, fue M. Duchamp quien dio el paso decisivo hacia el arte tanto
objetual como conceptual. Su envío de la obra “Fuente” (bajo el pseudónimo
de R. Mutt) y declarándola obra propia por el mero hecho de haberla elegido
y haberla predispuesto para ser un pensamiento nuevo, según sus propias
palabras. Esta acción supone en primer lugar la aproximación del arte a la
realidad, es decir formula la fusión arte = vida. Y en segundo lugar
Duchamp libera a los objetos de sus fines de utilidad y consumo
recuperando su apariencia formal proclamando el principio de cualquier
cosa puede ser motivo de una articulación artística.
El arte conceptual es aquel donde el “concepto” prima sobre el objeto. Sus
tendencias son tantas como las hay en el objetual: desde aquellas que
eliminan totalmente el objeto haciendo del arte pura teoría, como el
“conceptual” lingüístico y tautológico “el arte como idea como idea”, a
aquel que sólo pretende desplazar la atención sobre el objeto hacia el
concepto, el proyecto donde el receptor no sea tan pasivo y participe más
activamente en la obra de arte. Se trata de procesos de autorreflexión, una
autorreflexión crítica, constructiva frente a los sistemas sociales
instaurados. Hacer despertar al receptor de su letargo, de su pasividad
frente a la vida y se involucre en los procesos de cambio.
CARACTERÍSTICAS:
o Ausencia de un discurso artístico predominante.
o Ausencia de una personalidad artística dominante, comparable con
un Picasso, un Pollock o un Warhol.
o Pérdida de la homogeneidad.
o Intento de conectar con el público a toda costa.
o Preocupación por lo real (el arte intenta implicarse en el mundo,
olvidando su ensimismamiento).
o Apertura a asuntos de la vida (sexo, muerte, agresividad).
o Frecuentemente temática de denuncia (opresión de la mujer o de las
minorías, problemas raciales, lucha contra el sida...).
o Especial atención hacia el cuerpo humano y la sexualidad.
o Gran diversidad estilística, desde el realismo a la abstracción serial,
del surrealismo a la pintura pura elemental.

o En general, eclepticismo en estilo y técnica, nomadismo y
fragmentación.
21. RETRATO CONTEMPORÁNEO.
El arte actual, desde las últimas décadas del siglo pasado, está en una
situación de transformación, tanto en el plano teórico como en el práctico.
Como otros aspectos de la sociedad, los criterios por los que se regía hasta
ahora han cambiado radicalmente. Entre los factores que han propiciado
este cambio podemos citar: el impacto de las nuevas tecnologías; la
aparición de nuevos medios electrónicos de expresión; la incorporación
masiva de la mujer al ámbito creativo; las nuevas formas de relación
personal; la aceptación de la diversidad socio-cultural; y el reconocimiento
de la homosexualidad. Todo esto se refleja en los temas que tratan los
artistas y en los medios que utilizan. Todo vale con tal de impactar o
conectar con el público. Frecuentemente el artista abandona toda reflexión
intelectual en favor de la originalidad y la creatividad. Como dice Karl
Ruhrberg, "a veces, la distancia entre la ambición filosófica y teórica de una
obra de arte y la banalidad de su plasmación llega a ser tan grande que
llega al absurdo".
La pintura actual no escapa a esta situación. La distinción entre abstracción
y objetividad es ya algo anacrónico. Todo vale, desde la pintura
estrictamente conceptual y radical, hasta la "pintura por la pintura" más
elemental y las configuraciones eclépticas. No ha cristalizado ninguna
tentativa innovadora y de momento este tradicional medio artístico parece
que está agotado.
En la actualidad el retrato ya se a divulgado por distintos lugares a nivel
mundial por e mismo sentido de la Globalización, tomando el retrato desde
el dibujo hasta el tratamiento del color desde puntos de vista de distintas
técnicas dentro de la pintura y la Escultura.
Además de ser un tratamiento dentro de la Plástica Mundial. Se ha
adelantado dentro de la tecnología a la que se ha llegado a utilizar hasta el
aerógrafo para el restregado haciendo del retrato un tema de negocio a
nivel de Recuerdo o de representación. No se debe de perder el elemento de
la sensibilidad para el término de la culminación de una obra que es la
sensación más importante de la materia del retrato en la actualidad.
Hay muchos representantes que ya no se ha podido enumerar.
CAPITULO II
34

22. EL RETRATO EN EL PERÚ.
22.1. ARTE RUPESTRE.
Para el hombre primitivo, la piedra fue un ente vivo y divino. Y
esta creencia lo inclinó a enaltecerla con su arte, a darle más
animación y vida con escenas de sus cacerías, con su propia
imagen antropomorfa, con los símbolos de sus ritos mágicos y
de su insondable mundo interior.
Según los mitos, de la piedra salió el hombre y éste, después, en
piedra fue convertido. El cronista Molina dice que en Cacha-
Pukara:
Bajo fuego del cielo, quemó algunas gentes, y los que huyeron
fueron convertidos en piedras; viajó visitando por el camino de
las sierras, viendo todas las naciones como habían comenzado a
multiplicar y cumplir lo que se les había mandado, y que algunas
naciones que halló revueltas, y que no habían cumplido sus
mandatos, los convirtió en piedras, en figuras de hombres y
mujeres con el mismo traje que traían. Así sucedió en
Tiawanako, Pukara y Jauja en donde convirtió a la Wari-Wilka en
piedra; en Pacha Kámac y en Cajamarca donde hoy existen
algunos bultos de piedras grandes. (En Wira-Kocha, por Julio C.
Tello)
El hombre, al tallar la dura roca, creó escenas de la vida y él
mismo se consideró un creador. Piedra y petroglifo formaron una
sola entidad que alcanzaría un carácter doblemente sacro. El
Tigre, la llama, la serpiente, el Sol, la Luna, y el águila trazados
por el hombre en la piedra, eran arte y, al mismo tiempo, magia,
rito, poder e historia. De ahí que el culto a la piedra fuese
universal para los pueblos.
Para el hombre primitivo, la piedra fue un ente vivo y divino. Y
esta creencia lo inclinó a enaltecerla con su arte, a darle más
animación y vida con escenas de sus cacerías, con su propia
imagen antropomorfa, con los símbolos de sus ritos mágicos y
de su insondable mundo interior.
22.2. ARTE PRECOLOMBINO EN EL PERÚ.
El arte de las sociedades andinas prehispánicas, de las cuales lo
que hoy conocemos como el Perú es el principal heredero, es de
un carácter evidentemente distinto al que muestra el mundo
occidental. Ambos siguieron derroteros distintos tanto en el
medio en que se desarrollaron, como en las causas y móviles
que lo impulsaron, y por ende, en el tipo de muestras que
presentaron.
El arte andino no se expresó en las formas en que lo hizo el arte
europeo. Sería un error verlo a partir de los principios

occidentales y tratar de buscar en él, las muestras que son
recurrentes en occidente. Así, el arte andino más que expresarse
en la Pintura y la Escultura, tuvo sus canales de creación en la
Cerámica, la Litoescultura, la Metalurgia y la Textilería. La razón
de ello se debe a que el arte en las sociedades andinas
prehispánicas no tuvo como origen el simple placer estético, o
como se diría el "arte por el arte", sino respondió a estrictas
razones políticas y religiosas. Así, sus muestras son invaluables
fuentes sobre la estructura social, política, económica y sobre
todo, ideológica de las sociedades que lo crearon.
Lo más sobresaliente en la cultura precolombina encontramos
los huaco retratos de la cultura mochica.
22.3. ARTE VIRREINAL DEL RETRATO.
La responsabilidad de España como abanderada de la Reforma
Católica, explica por qué sus manifestaciones plásticas son de
marcado carácter religioso, más aun en tierras vírgenes donde el
reto evangelizador impuso un criterio didáctico de formación
cristiana a través de la imagen, que permitiera superar
problemas de idioma y del entendimiento de su ortodoxia. Es
pues comprensible que a través de los siglos en que fuimos
virreinato español los artistas plásticos se dedicaron a esta
temática iconográfica, con aspectos formales que si bien en un
comienzo reflejan el gusto europeo, adquirirán mas adelante
caracteres originales que expresan nociones estéticas propias y
exclusivas, como en la afamada Escuela Cusqueña.
La pintura virreinal peruana a diferencia de la producida en otros
lugares de América surgió como fruto de influencias no
exclusivamente españolas, ya sea a través de grabados o de la
36

presencia misma de artistas extranjeros que concurren a
nuestras tierras por misión evangelizadora o por inquietudes
aventureras en pos de riquezas.
La influencia italiana se hace presente desde el siglo XVI, no sólo
con la importación de obras de buena mano romana como
aluden documentos de la época, sino con la presencia misma de
pintores procedentes de la cuna del arte occidental. Es pues de
obligada mención la obra pictórica dejada en el virreinato
peruano, entre fines del siglo XVI y comienzos del siglo XVII, por
los tres pintores italianos que pasamos a glosar.
El hermano jesuita Bernardo Bitti durante más de treinta años,
desarrolló una intensa misión evangelizadora, entre Lima y el
Alto Perú, a través de imágenes y composiciones cuyos
caracteres formales calaron muy hondo en la concepción
estética de indios y mestizos, como lo demuestran las obras de
muchos de sus seguidores. El Cristo Redentor, presenta
técnicas muy cercanas a su círculo.
Mateo Pérez de Alesio, autor importantes pinturas en Roma,
Malta y Sevilla, nos ha dejado una plancha de cobre con el tema
de la Virgen de la Leche.
Angelino Medoro es el último de dicha trilogía en llegar a
América. Es autor del óleo sobre lámina de cobre, firmado y
fechado en 1601, que por primera vez se expone al público. Se
trata de una alegoría del Triunfo del Amor Divino que traduce
el estilo italiano de esa época.
Existe en el Perú una gran cantidad de obras que se han
inspirado en grabados flamencos. Amberes, desde la época de
Felipe II se convirtió en un importantísimo centro productor de
grabados, cuyas estampas llegaron al Nuevo Continente y fueron
usados como modelos por los pintores americanos desde el
primer tercio del Siglo XVII, como lo hemos demostrado en
nuestro estudio sobre la pintura mural del Convento de San
francisco de Lima en donde se aprecian rasgos evolutivos que
van de los caracteres italianos considerados manieristas, hasta
aquellos naturalistas que muestran los manieristas de Amberes.
Martín de Vos fue uno de los artistas flamencos que en el siglo
XVI realizo varias series de pinturas y dibujos posteriormente
llevadas a la estampa. Un singular y casi exclusivo ejemplo de
ello, se puede apreciar en el lienzo de Jonás devorado por la
ballena inspirada en un grabado de Wierix.
Semejante es el caso del cuaderno de estampas que sirvió de
modelo a la serie de santos anacoretas que cumplen retiro
espiritual en ambientes bucólicos y que se conservan en el
Convento de la Recoleta del Cusco.
Dentro de esta línea de inspiración se ubica gran parte de la
producción de Diego Quispe Tito, pintor cusqueño del siglo XVII
que se recrea con una naturaleza pródiga en paisajes, flores y

aves multicolores. Cercano a su pincel es el óleo de San
Antonio de Abad con San Pablo Ermitaño.
Cabe destacar entre los lienzos de la Colección Barbosa-Stern,
dos que están estrechamente relacionados con grabados de
Jerónimo Wierix.
Uno en especial tiene como antecedente una estampa del
famoso libro "Historia de las Imágenes Evangélicas" del padre
jesuita Jerónimo Nadal, editado en Amberes en 1593. Es la
Transfiguración.
La otra pintura desarrolla el tema de los Siete Arcángeles de
Palermo y resuelve con excelente factura esta representación
tan particular, de la que existen en el Perú apenas tres versiones
conocidas.
En el siglo XVII a aquella inclinación naturalista del grabado
flamenco se suma la corriente claroscurista del barroco español,
que llega a nuestras tierras con obras de talleres sevillanos
como el de Zurbarán. Es cuando las formas pictóricas adquieren
caracteres realistas y dramáticos tanto en Lima como en el
Cusco.
En la ciudad Imperial fueron famosos maestros del claroscurismo
Martín de Loayza, Juan de Calderón y Marcos Ribera, entre otros.
Ejemplo de dicha técnica es el tema prefigurativo de la Pasión
plasmado en el lienzo de San José con el Niño de la Espina.
Igualmente lo es el tan típicamente cusqueño Ecce Homo.
Esta tendencia se refleja también en el campo del retrato. En la
escuela limeña Diego Vergara a mediados del siglo XVII ejecuta
importantes retratos que se exhiben en el Museo de Arte y de
Historia de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos.
Otra variante del claroscuro seda en los retratos Post-Morten de
personajes monásticos, como se puede apreciar en el de Sor
Ana de los Angeles Monteagudo, fallecida en 1686.
El éxito del claroscuro de corte zurbaranesco se prolonga en
Lima hasta el siglo siguiente en pintores anacrónicos como
Joaquín Urueta que deja obras en el Convento de los Descalzos.
Dentro de esta línea que revela un aire académico en la escuela
limeña de finales del siglo XVIII, encontramos el busto de la
virgen María, pintada sobre madera en formato oval, con la
leyenda que se identifica como Tola Pulchra.
En la segunda mitad del Siglo XVII, después del terremoto de
1650, en Cusco hubo una gran actividad artística, auspiciada por
el famoso Arzobispo Mollinedo. En esta época se van perfilando
los caracteres particulares de la escuela cusqueña como
apreciamos en la representación de Santa Bárbara hermanada
en estilo con las vírgenes latinas que ornan la Iglesia de Santa
Catalina de Cusco, donde el gusto por el detalle decorativo, con
brocado de oro en el vestuario, ya se hace presente.
38

Uno de los modelos de la Inmaculada Concepción fue
introducido por Angelino Medoro en Lima a principios del Siglo
XVII en obra realizada para los agustinos. Su discípulo Luis de
Riaño fue encargado de difundirlo en el Cusco. La representación
responde a la virgen de pié sobre una media luna, rodeada de
los atributos de sus letanías. Más adelante fue Murillo quien la
representó en lenguaje barroco y es así como pasa a los
virreinatos americanos en donde el color se ilumina y los paños
se agitan.
La Inmaculada Concepción que se expone mediante el
modelo del italiano pero con sabor barroco, donde al colorido se
suma el brocado en oro.
Durante el Siglo XVIII las escuelas de Lima y Cusco siguen
caminos diferentes.
Mientras que la primera es más académica en su respecto por
las formas, la cusqueña se encamina hacia lo ornamental y
planiforme. Sigue inspirándose en los antiguos grabados, pero
sus pinceles destacan las flores en el paisaje o los diseños
vistosos de las alfombras, sin intención de perspectiva. Así se
aprecia en la Anunciación a la Virgen y a San José.
El gusto de la escuela cusqueña por decorar los lienzos con orlas
de flores está inspirado en grabados flamencos y se manifiesta
en un lenguaje reelaborado, tanto en dimensiones como en
formas. Si tratamos de rastrear antecedentes, un punto de
partida podría ser la serie de lienzos sobre la vida de Santa
Catalina y la serie de vírgenes latinas, ambas en el monasterio
de las dominicas del Cusco donde trabajó Juan Espinoza de los
Monteros y su círculo.
El tema del Niño de la Espina fue abordado en España, por
Zurbarán en cuatro versiones y el tema de la Virgen Hilando, por
Alonso Cano y Pedro Nuñez de Villavicencio, entre otros. Los
grabados del Flamenco J. Swelinck con escenas de la vida de
Santa Catalina presentan flores, pero circunscritas sólo a los
ángulos, mientras que en las pinturas cusqueñas por lo general
la orla floral enmarca toda la escena.
El niño de la Espina y La Virgen Hilandera son dos muestras de
las tendencias anotadas. En la Virgen niña hilandera cusqueña,
aparte de la orla de flores, la diferencia reside en los rasgos
indígenas y la Lliclla abrochada con un Tupu.
La Advocaciones de la Virgen se extienden enormemente en las
regiones andinas y toman el nombre del lugar de su veneración.
Es así como surgen de la Virgen Candelaria o de la Purificación,
la Virgen de Caima, de Characato y de Cocharcas; y de la virgen
del Rosario, la virgen de Pomata, y de Chiquinquirá.
En las representaciones pictóricas de las vírgenes cusqueñas del
Siglo XVIII veremos que se toma como modelo, una imagen
escultórica en su altar, vestida con traje brocateado que adopta

la composición triangular, adornando con las sartas de perlas
entre lazos. Es el caso de la Virgen del Rosario.
Los ángeles y arcángeles ricamente ataviados con encajes y
mantos volantes al igual que las vírgenes, multiplicados en la
infinidad de nombres apócrifos adquieren caracteres singulares
en el Perú virreinal. Presentamos un Ángel Virtud y un Arcángel
san Miguel éste último muy próximo al pincel del pintor
cusqueño Antonio Vilca.
La escuela limeña del Siglo XVIII se perfila con caracteres más
académicos donde destacan pintores como Cristóbal Lozano,
Cristóbal de Aguilar y el trujillano José Joaquín Bermejo.
A pesar de la proliferación de la iconografía profana, la religiosa
no disminuye. Queda como magnífico ejemplo la serie de la vida
de San Pedro Nolasco del convento de los mercedarios donde
participa Bermejo. A su círculo debe pertenecer el lienzo de la
Santísima Trinidad, por la semejanza que muestra con uno
similar firmado por el artista en 1792, que se encuentra en el
Convento de Santa Rosa de Santa María. Cerramos esta síntesis
cronológica con un lienzo de la Virgen Apocalíptica, la cual
representa una versión particular de la Inmaculada en marcado
"contrapposto" sobre la media luna y el mundo rodeado por la
serpiente, símbolo del demonio. Encontramos su fuente de
inspiración en el grabado que J. A. Salvador Carmona hiciera en
el Siglo XVIII en España, sobre la base de una pintura de Mateo
Cerezo y que se difundiera en Hispanoamérica muy a fines de
dicho siglo.
En el Perú, aparte de la versión de la Colección Barbosa-Stern, se
conoce la que firma José Joaquín del Pozo, pintor español activo
en Lima entre 1790 y 1822 y un grabado del limeño Marcelo
Cabello cuya producción también llega a los albores de la
República.
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“La Virgen de la leche” Angelino Medoro.
22.4. EL RETRATO REPUBLICANO.
El Arte Republicano esta conformado por las manifestaciones
artísticas producidas entre la proclamación de la independencia
del Perú (1821) hasta 1920 fecha donde se empiezan a dar los
cambios sociales, políticos y económicos.
Se da principio a esta etapa con la denominada INICIACION:
momento en que la expresión artística peruana, rompe con los
Virgen con niño. Autor:
Anónimo. Siglo XVII - Estilo
Barroco

patrones que tradicional le había impuesto el arte virreinal, de
características eminentemente religiosas. El advenimiento de la
república significó no solo cambios en las estructuras político
administrativas, sino también transformaciones culturales que
afectaron la pintura.
El principal exponente de esta etapa es José Gil de Castro,
nacido en Lima hacia 1783. Pintor autodidacta, desarrolló su
habilidad como retratista durante sus largos años de
permanencia en Chile. Retorna al Perú junto con la expedición
Libertadora de don José de San Martín quien posteriormente lo
nombró como Primer Pintor de Cámara del Gobierno del Perú.
Las circunstancias históricas permitieron a Gil de Castro conocer
y retratar a los más distinguidos personajes de la época. Es por
esta razón que se le conoce como el pintor de los Libertadores.
22.5. EL ACADEMICISMO.
Entendido como el resultado de la influencia que tuvieron en
nuestros artistas, sus años de estudio en escuelas y academias
de Europa en las que primaba el trabajo perfeccionista, el
manejo del claroscuro y la labor en gabinete.
42
José Gil de
Castro (1783-
1841)
Retrato de
Lorenzo del Valle
y García. 1835
Óleo. 107 x 83
cm.
Colección Museo
Banco Central de

Muchos de los jóvenes artistas que surgieron durante las
primeras décadas de nuestra vida independiente, encontraron
que éste era un medio muy limitado para su desarrollo y
creatividad y buscaron en maestros como Delaroche, Delacroix y
Fortuny la orientación que por entonces se daba en Europa al
arte.
A esta corriente pertenecen artistas peruanos de la talla de
Ignacio Merino y Francisco Laso. Merino nació en Piura y vivió
casi toda su vida en Europa; destacan aquellas obras en las que
trata con especial cuidado y detalle los rostros de sus modelos.
Ignacio Merino (1817-1876)
Dama dando limosna a mendigo
Óleo. 107 x 83 cm.
Colección Museo Banco Central
de Reserva del Perú
Ignacio Merino, Retrato

Laso conoció algo de nuestra realidad pues realizó algunos viajes
por el interior del país. Llevándose apuntes y el recuerdo de ese
contacto con su patria. Elaboró cuadros como La Pascana en
donde se entremezclan elementos de la realidad con la nostalgia
romántica de su tierra natal.
22.6. EL COSTUMBRISMO.
Estilo de singular importancia en el panorama de nuestra pintura
contemporánea, el Costumbrismo se convirtió en la expresión de
la realidad netamente peruana, abordando con simpleza y
calidez las escenas de la vida cotidiana de la Lima del siglo XIX.
El máximo exponente de esta corriente es Pancho fierro, mulato
y autodidacta de quien se ha conservado una gran cantidad de
sus obras pero pocos datos sobre su vida. Sabemos que nació
hacia 1870 y le tocó vivir importantes momentos de nuestra
historia; la lucha por la independencia, el nacimiento del nuevo
estado, la organización de la sociedad y el surgimiento de
nuevos patrones de vida.
Reconocido como observador acucioso, Pancho fierro plasmó a
través de la acuarela sobre papel, su visión del hombre, de los
oficios, de los ritos y de las costumbres que crearon tradición
local. Su obra se caracteriza por le sentido de movimiento que
encontramos aún en el trazo de un dibujo imperfecto y por la
habilidad con que captó actitudes y gestos que lo han convertido
en el artista que nos ha legado el más vivo testimonio de la Lima
del 800.
Si bien han quedado vestigios de la venta que realizaba de sus
acuarelas, debemos asumir que su movimiento principal fue el
captar la realidad cotidiana de una sociedad que iba
evolucionando e incorporando a su manera de ser, patrones y
costumbres extranjeras que crearon ese curioso mestizaje que
es nuestra realidad criolla.
44

22.7. EL NEOACADEMICISMO.
Gracias a la influencia de artistas europeos renovadores como
Coulbert, Miller y Daumier, surgió un nuevo movimiento
encabezado por los impresionistas, que propugnan una pintura
más libre, de mayor creatividad, con trabajo fuera de estudio y
con el uso de los recursos de luz y color. Con la aceptación de la
pintura al aire libre y la preferencia por nuevos temas se inició el
Neoacademicismo como una corriente de distintas propuestas
para el arte.
Fueron varios los artistas peruanos que recibieron esta nueva
influencia y la plasmaron en sus obras. Destacan Carlos Baca
Flor que impuso en París su personalísimo estilo; Francisco
Canaval; Daniel Hernandez, el gran maestro peruano forjador de
generaciones de artistas y primer Director de la Escuela de
Bellas Artes creada durante el gobierno de José Pardo; Enrique
Barreda y Teófilo Castillo quien tuvo preferencia por los temas de
reminiscencia colonial y surgió como el primer crítico de arte de
nuestro medio. Otros como Effio, Francisco Masías y Alberto
Lynch, mantuvieron una marcada preferencia por paisajes,
temas históricos y de cálido romanticismo, tratándolos con la
técnica que aportaba la nueva orientación plástica.
Dentro del grupo de los neoacademicistas, encontramos ya una
cierta preferencia por tratar temas locales; destacan las obras de
tipo histórico como la "Capitulación de Ayacucho" de Hernandez
y otras que se inspiraron en el paisaje nacional como algunas de
Baca Flor y de Castillo.
Pancho Fierro (1807-
1879)
El Farolero
Acuarela. 31 x 24 cm.
de Reserva del Perú.

22.8. E
L INDIGENISMO.
Hacia la segunda década del presente siglo, surgió en el
ambiente artístico e intelectual, una inquietud por redescubrir,
valorar y rescatar aquellos elementos que por ser propios, nos
diferencian de las demás naciones.
En el Campo del arte, espíritus como el de José Sabogal, nacido
en Cajabamba, asumieron ese interés por la búsqueda de la
propia realidad e identidad y con él se dio inicio a lo que
conoceremos como el movimiento Indigenista.
Sin ser un grupo de tendencias reinvindicacionista, el
Indigenismo se volcó a plasmar en el arte, representaciones
naturalistas y coloridas del paisaje nacional, del hombre andino.
El mundo indígena aporto una fuente inagotable de inspiración y
motivó el uso de una técnica diferente, primó una textura más
gruesa y el uso de colores intensos que permitieran representar
con gran realismo al hombre peruano y a su deslumbrante
entorno.
La influencia de Sabogal se deja sentir; como profesor de la
Escuela Nacional de Bellas Artes, reúne a un grupo de jóvenes
artistas que comparten con él su inquietud y preferencia por el
tema indígena y autóctono. Algunos seguidores fueron Julia
Codesido, Enrique Camino Brent, Teresa Carvallo, Camilo Blas,
Cota Carvallo y Felipe Cossío del Pomar entre otros.
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Daniel Hernández (1856-1932)
Mujer cargando un ganso
Óleo. 27 x 19 cm.
de Reserva del Perú.
Carlos Baca Flor (1867-1941)
El notario en la venta de títulos. 1889
Óleo. 124 x 98 cm.
Colección Museo Banco Central de Reserva del Perú.

A la muerte del Maestro Hernández, el cargo de Director de la
Escuela fue asumido por José Sabogal. A partir de entonces, el
estilo y la temática indigenista se impusieron, no sin cierta
resistencia sobre los rasgos Neoacademicismo.
(José Sabogal obra: arquitecto quechua) Julia Codesido, “Morena
Limeña”
22.9. EL RETRATO CONTEMPORÁNEO.
22.9.1. GRANDES MAESTROS.
Entre los años 1890 y 1935 nace en el Perú una
generación de artistas plásticos que se distingue por su
gran versatilidad en el campo estético.
La mayoría de ellos buscaron nuevos incentivos y
experiencias, y emigraron con preferencia a Europa,
atraídos por el deseo de estudiar o de perfeccionar sus
conocimientos.
En lo que concierne a la estética moderna o
contemporánea, asumen su representación
personalidades distinguidas a nivel nacional e
internacional, formados en los más avanzados centros de
cultura artística del mundo y en el más claro concepto del
arte como realidad creadora y libre.
Tenemos entre los más representativos a Francisco
Gonzáles Gamarra, Macedonio de la Torre, Germán Suárez

Vértiz, José Ángel Rozas, Carlos Quíspez Asín, Ricardo
Grau, Juan Manuel Ugarte y Elespuru, Alberto Dávila,
Sabino Springett, Carlos Aítor Castillo, Teodoro Núñez
Ureta, Sérvulo Gutierrez, Fernando de Szyszlo, Amilcar
Salomón Zorrilla, Milner Cajahueringa, Enrique Galdós
Rivas, Venancio Shinki, Arturo Cubota, Víctor Humareda,
Ángel Chávez, Oscar Corcuera, Ángel Cuadros, y muchos
más que a corto plazo engrosarían la legión de honor de
nuestra pintura.
CAPITULO III
23. TRATADO DEL RETRATO.
El Retrato en todos los tiempos ha sido y seguirá siendo una forma de
expresión mientras exista el Hombre y todo lo que se refiere a su
naturaleza.
Además no hay nada mejor que la correcta aplicación de un retrato que
se ha iniciado junto con el hombre cuando trató de representarse en las
cavernas sus escenas de caza para poder verse el mismo como parte
elemental de su existencia.
Mas tarde para perennizarse ha realizado mascaras funerarias para
poder verse con el rostro completo en su trance hacia el mas allá, en
todas las culturas en todos los tiempos ha sido un tema de motivo de
representación una forma de dignificar su posición económica o social.
En los tiempos de reinados se ha perennizado las personalidades
diversas mediante un retrato preocupándose cada día más por el
mejoramiento de la técnica y la correcta distribución de los elementos
del retrato para el logro del parecido.
En todo se ha llegado a la correcta ubicación de los elementos de un
buen retrato hasta el Hiperrealismo como también otros tipos muy
significativos de retrato en todas las manifestaciones Plásticas.
La Preocupación debe de ser el logro de un tipo de retrato propio de la
zona es decir del Perú realizando estudios de gamas dentro del color
piel en el Perú, es el deber de todos los que son parte de la propagación
de la pintura su estudio y propagación para que se pueda definir un
estilo propio nacido en la zona.
A la vez también se puede aprovechar todos los elementos que existen
dentro del mercado de la tecnología digital, como medio de apoyo no
olvidando que es necesario, la parte de la sensibilidad en todo lo que se
refiere arte en general.
24. GEOMETRIZACION DEL RETRATO.
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Para el inicio del tratado de un buen retrato es necesaria la parte de la
ubicación de los elementos dentro del espacio, es decir, la distribución
correcta de los componentes del rostro.
Hay que tener presente en lo que se refiere un elemento como modulo
un ojo, una nariz equivale a 2 ojos, que ya están determinados como
módulo, para la ubicación correcta en el rostro.
24.1. EL ROSTRO DE FRENTE.
En primer lugar es necesario determinar el centro, el eje central en
el que se ha de realizar la partición del rostro, en el soporte.
Luego, se distribuye los espacios tratando de que exista una
dimensión de aproximadamente un ojo en cada lado de espacio
tanto en la parte superior como en el lado izquierdo y derecho.
Hay que tener en cuenta lo siguiente que la altura del rostro
equivale a 7 ojos que empiezan del filo de la barbilla por la parte
inferior hasta donde nacen los cabellos o también se puede
determinar como 3 narices y medio.
o En cuanto al ancho la medida correcta es de 5 ojos o también 2
narices y media.
o De la barbilla (filo), hasta la base de la nariz existe 2 ojos esta
dimensión dividida en tres partes, desde la parte superior el primer
modulo equivale a la línea de partición de los labios a la vez, los
labios nacen a la misma recta de una línea trazada desde el iris del
ojo.
o Para determinar la ubicación de los ojos de igual forma, se
divide en tres partes desde la base de la nariz a la parte media de
las cejas, de la parte superior se toma el primer modulo la cual su
línea base determina la parte central de la altura de los ojos.
o Los cabellos es decir la frente varia de acuerdo a la fisonomía
pero queda aproximadamente a 1 ½ ojos.
o En el ancho hay que tener en cuenta que la oreja tiene la altura
de una nariz, la oreja esta ubicado a la recta del filo base de la
nariz hasta la otra línea media de las cejas.
o Del nacimiento del ojo a cualquier lado sea derecho o izquierdo
hasta la oreja hay un ojo la mitad del ojo es donde nace la oreja.
o Entre ojo y ojo existe un ojo de distancia.
o El ancho de las fosas nasales equivale a un ojo cambiando solo
en la caracterización de las fisonomías cuando se trabaja en el
parecido (nariz ancha, Respingada, fina etc.).
Para el mejor entendimiento aprecie adecuadamente el grafico.

25. TÉCNICAS DE GEOMETRIZACIÓN
25.1. TÉCNICA DE LUIS SERRANO:
Sin duda ya sabrás bien por propia experiencia, bien porque te lo
hayan contado que el abordar un retrato, sea a través del dibujo o
con otros medios (óleo, pasteles, etc., es una tarea difícil que
aparentemente no está al alcance de cualquiera.
Como paso previo para enfrentarse a un retrato, es muy
conveniente conocer unas normas básicas que deberás tener
siempre en cuenta: LAS PROPORCIONES de un rostro.-Aunque
simples, encierran los conocimientos que debes siempre dominar y
llevar a cabo al realizar el boceto de ese futuro retrato.
El retrato es una técnica de bastante complejidad, me gustaría
empezar primero por dar una serie de nociones sobre las
proporciones de la cabeza humana.
Especialmente para evitar los clásicos errores de principiante, como
son el dibujar los ojos o la nariz excesivamente grandes en
comparación con la cara. Espero que esto os sirva como base para
encarar con ciertas garantías la ejecución de un retrato.
PROPORCIONES DE LA CABEZA:
50

Evidentemente las proporciones de la cabeza de una persona varían
de unos a otros, aunque hay una serie de reglas que más o menos
cumplen todos. El hecho de saber estas proporciones nos permitirá
dibujar con más seguridad una cara, puesto que seremos
conscientes de si esa cara en concreto cumple con las proporciones
establecidas o por el contrario rompe con todas ellas.
Si miramos una cabeza de frente, su anchura es aproximadamente
2/3 de su altura, sin embargo si la miramos de lado su anchura es
aproximadamente 7/8 de su altura.
Las proporciones de la cabeza pueden ser divididas horizontalmente
en cuatro rectángulos iguales.

1º Rectángulo: contendría la parte superior de la cabeza hasta más
o menos la línea del pelo (siempre y cuando se tenga, claro).
2º Rectángulo: Iría desde la línea del pelo hasta la parte superior de
los ojos, con lo que contendría la frente y cejas.
3º Rectángulo: este es uno de los principales, puesto que en él se
hallan los rasgos más significativos de la cara, los ojos, cuya parte
superior, normalmente, estará alineada con la parte superior de las
orejas. En la parte inferior del rectángulo se encontraría la nariz,
cuya parte inferior quedaría algo por debajo de los lóbulos de las
orejas.
4º Rectángulo: Empezaría desde la base de la nariz hasta la barbilla
con la boca situada en la mitad superior de este rectángulo.
Por supuesto estas medidas, son simplemente orientativas y sólo
serían válidas para una cara vista totalmente de frente, ya que si se
mira algo más arriba o algo más abajo las proporciones pueden
cambiar drásticamente.
Ahora vienen las proporciones más interesantes y las que realmente
nos pueden ayudar a la hora de enfrentarnos a un retrato.
52

Yo siempre comienzo los retratos por los ojos, puesto que en ellos
reside la vida del retratado y porque me sirven de referencia para
todos los demás rasgos. Hay varias cosas que hay que tener en
cuenta a la hora de realizar los ojos:
1º Suelen estar situados más o menos a partir de la mitad de la
cabeza.
2º La distancia entre los ojos equivale más o menos a otro ojo, es
decir, entre los ojos tiene que haber una distancia aproximada de un
tercer ojo.
3º La distancia entre los ojos delimita también el ancho de las aletas
de la nariz.
4º La distancia de un ojo a la oreja viene siendo más o menos otro
ojo.
Es decir, que podríamos dividir una cara frontalmente en cinco
sectores, en los cuales, el 2 y el 4 sector estarían ocupados por los
ojos, mientras que la nariz estaría en el sector del medio.

Otra cosa curiosa es que si dibujamos un triángulo que comience en
el centro de la cara y pase por los extremos de la nariz, esto
delimitaría más o menos la anchura de la boca; otro detalle es que si
realizamos un triángulo cuyos vértices sean los extremos de cada
ojo y el punto intermedio del labio inferior, forma más o menos un
triángulo equilátero.
25.2. RETRATO DE PERFIL Y DE TRES CUARTOS.
Para considerar en lo que se refiere a la Geometrización del Rostro
de perfil hay que tomar en cuenta lo siguiente:
o Para poder componer una figura de Perfil o de tres cuartos
siempre hay que tomar como base una línea imaginaria
central que servirá como guía para la ubicación de los
elementos (nariz, ojos, labios y oreja), esta tiene que
recorrerse un espacio prudente de acuerdo a la posición.
o Siempre en el caso de perfil se debe considerar un espacio mas
amplio, hacia el lado donde se dirija la mirada para que el
retrato tenga un espacio para la recreación, por el sentido de
composición, se debe de tener presente también la misma
proporcionalidad que la que se tiene en el caso del retrato de
frente.
o La Ubicación de la oreja, es a la misma recta que la de la
distancia de la base de la nariz hasta la parte media de las
cejas (2 ojos).
o Para encontrar la ubicación del nacimiento del ojo es la misma
recta de una de las fosas nasales cualquiera que pueda
apreciarse y la altura de la ubicación del ojo siempre sigue
siendo la tercera parte es decir desde arriba si es una nariz hay
que dividirla en tres y tomar uno de los módulos para la recta
de los ojos.
o Es igual para determinar la posición del labio la tercera parte
de un modulo desde la base de la barbilla a la base de la nariz,
54

se toma el primer modulo su línea de base es la división del
labio o partición.. unión de los dos labios.
o Para encontrar la parte saliente del retrato se de tomar en
cuenta como si fuera una pelota ovoide la cual solo recorrerá
su línea de división.
o Una de las técnicas muy importantes para determinar la
distancia donde debe de nacer la oreja, es la que se toma de la
base de la barbilla a la parte media de la ceja (2 narices), es la
misma distancia a la de la parte mas sobresaliente de la nariz o
del mentón en caso de ¾ hasta la naciente de la oreja es decir
forma un cuadrado perfecto.
o En caso de las figuras del rostro en escorzo hay que tener
presente las reglas de perspectiva en escorzo que quedaran
determinadas en los gráficos mas adelante.
25.3. PROPORCIONAR EL ROSTRO.
Cuando uno se decida a dibujar (o pintar posteriormente) el retrato
de una persona, lógicamente una de las cosas fundamentales será
el conseguir el parecido de esa persona pero no menos importante
será el partir de una buena base en cuanto a las proporciones en el
rostro que se va a dibujar.
Yo voy a dar unas fórmulas para llevar a cabo en el “encaje”, que
son inherentes a todas las personas (excepción hecha del rostro de
un niño, como veremos), y que deberán tenerse en cuenta
siempre, ya que de lo contrario ese rostro tendrá necesariamente
imperfecciones en su resultado final (dibujo o pintura) puesto que
el realizar esos encajes “a ojo” es sumamente difícil, salvo que se
sea un artista consumado en este tipo de trabajos y salga todo a la
primera.
Empezaré diciendo que se puede afirmar que el rostro puede
encajarse en un rectángulo que tendrá una proporción de 3,5:2,5

partes, siendo la medida base de la que partiremos la de la frente
que corresponde exactamente desde el nacimiento del pelo en la
cabeza, hasta la altura de las cejas. Nada mejor para comenzar que
un dibujo hecho por mí, al que llamo “figura 1”:
Donde se supone que he calculado la altura del rostro de la
persona por alguno de los medios que deben conocerse (bien con
una regla y midiendo si es de una fotografía, bien con la ayuda del
propio lápiz extendiendo el brazo y marcando con el dedo pulgar la
altura para trasladar al papel).
Bien, yo en el ejemplo que os muestro, he supuesto que la altura
del rostro de la persona a pintar es de 10,5 centímetros así que
como ya hemos visto, en la proporción del rostro a lo alto, como
son 3,5 partes, divido 10,5: 3,5 = 3 cm. (Que será la “medida
base” que recordareis era la medida de la frente); así que marco a
lo ancho y como habíamos visto que eran 2,5 veces la medida de la
frente: 2,5 x 3 = 7,5 cm . Que me dará las referencias suficientes
para dibujar el rectángulo que tendrá 10,5 cm de altura y 7,5 cm.
de anchura.
Ahora procedo a dividirlo tanto a lo alto como a lo ancho por la
mitad, lo que me dará unas líneas que serán importantes pues la
vertical me dará justo el eje de simetría del rostro, y la horizontal
me marcará justamente el lugar donde acabará la altura de los ojos
veis por tanto que comenzamos a tener referencias importantes.
Pero hay mucho más, veréis a continuación más puntos de
referencia pero lo mejor es adjuntar la “figura 2”:
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veis que al rectángulo original le añado ahora un montón de
referencias más en el momento en que procedo a dividir tanto el
alto como el ancho en sus 3,5 y 2,5 partes respectivamente, por lo
que salen una serie de líneas o “puntos de referencia” que
explico: primero de arriba abajo la primera línea verde que
encontramos nos vá a indicar EL NACIMIENTO DEL CABELLO, la
segunda que encontramos será la que nos marque la PARTE
SUPERIOR DE LOS OJOS, además en su prolongación nos indicará la
PARTE SUPERIOR DE LAS OREJAS, y seguimos hacia abajo con la
línea del eje que ya vimos por lo que pasamos a la siguiente que
nos dará la situación de la BASE DE LA NARIZ.
En cuanto a las verticales y de derecha a izquierda, tendremos la
primera de ellas que nos va a decir donde empieza EL OJO de la
derecha según lo miramos (su arranque cerca de la nariz) y
asimismo nos dá la anchura por su derecha de LA NARIZ; luego
viene el eje de simetría vertical que ya vimos, por lo que la
siguiente vertical nos dará justamente el final del ojo de la
izquierda.
Como veis, esto sería suficiente ya para abordar las
proporciones, pero es que aún podemos obtener más referencias,
veréis: si las dos divisiones verticales más anchas las dividís ahora
por la mitad según veis en la “figura 3” que adjunto:

Donde apreciamos que la primera línea roja de la derecha nos vá a
dar la ANCHURA DEL OJO de la derecha y la siguiente línea roja
sería para el NACIMIENTO DEL OJO de la izquierda y además para
referenciarnos el ANCHO DE LA NARIZ.
Pues solo nos faltaría ahora dividir por la mitad (a lo ancho) la
última parte inferior para que tuviésemos la BASE DEL LABIO
INFERIOR.
Así que como veis tenemos un encaje perfecto, con un número de
referencias que parece abrumador en principio, pero que cuando os
acostumbréis a efectuar encajes para dibujo del rostro, los sacáis
enseguida porque la mecánica es siempre la misma.
Ni que decir tiene que esto sería un encaje para “la persona ideal”
pero la práctica os hará ver que es muy difícil hallar el rostro ideal,
ya que alguno presentará una ligera desviación del tabique nasal,
otro una diferencia en la altura de los ojos o cejas…., en fin, pero
no me diréis que no es mucho más sencillo desviar a derecha o
izquierda un poquito el tabique nasal pero cuando se dispone una
referencia clara de donde va ese tabique ¿verdad?
Bien, pues una vez visto lo anterior sería sumamente fácil dibujar
esto que adjunto en la “figura 4”:
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25.4. ESQUEMA PROPORCIÓN DEL ROSTRO DE FRENTE DE OSMAR.
25.5. ESQUEMA DE PROPORCIÓN DEL ROSTRO DE PERFIL DE OSMAR.

25.6. ESQUEMA DE PROPORCIÓN DEL ROSTRO DE TRES CUARTOS DE
OSMAR.
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25.7. EL RETRATO SEGÚN PARRAMÓN.
Entre las proporciones de la cabeza del niño y la del adulto hay
una serie de diferencias muy notables, que todo dibujante debe
conocer perfectamente. El canon más conocido de las
proporciones de la cabeza del hombre es el que se representa en
estos dibujos, visto de frente y de perfil.
Observando la cabeza frontalmente y partiendo de un módulo A,
obtenido al tomar como medida el alto de la frente,
comprobaremos que esta medida se repite también en la parte
que va desde la ceja al final de la nariz y desde aquí al final de la
barbilla. El ancho total de la cabeza vendrá definido por dos
módulos y medio. No obstante, si apreciamos la cabeza de perfil
ésta queda inscrita en un cuadrado, situándose los ojos a la mitad
de la altura total.
En el caso del niño los ojos ya no aparecen en parte media del
cuadrado y el volumen de la frente es ahora muy superior. Las
cejas quedarán justo a la mitad del rostro. Así pues, apreciaremos
con detalle la situación de los elementos del rostro, sabiendo en
todo momento que los esquemas aquí expuestos responden a un
canon ideal de proporciones, con el que será preciso buscar
semejanzas y diferencias en cada caso real.

25.8. LABIOS, OJOS, NARICES Y OREJAS.
Para dominar el retrato no sólo es necesario conocer la forma
externa de la cabeza y su canon de proporciones, sino que el
artista debe representar con soltura, fidelidad y fuerza expresiva
las partes del rostro, pues en ellas se reflejan los sentimientos
más íntimos del ser humano, al tiempo que son rasgos únicos e
irrepetibles. El mejor camino para dibujar con perfección tales
elementos es practicar estudios a partir de modelos diferentes y
en distintas posiciones.
La mirada y el rictus, que conforma los labios, son los dos
aspectos que mejor definen el gesto global de la expresión. Los
ojos constituyen el elemento más importante del rostro humano,
al reflejar con gran acierto la personalidad del individuo. El
lenguaje de la mirada no sólo apunta la personalidad, sino que
además indica un estado de ánimo.
Los labios son el otro elemento que revela de forma más intensa
las emociones y los sentimientos. Se puede afirmar que a una
persona la caracteriza, en gran medida, sus labios y no sólo en
aquellos estados de ánimo tan notables como la risa y el llanto,
sino en otras muchas situaciones.
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Uno de los problemas más frecuentes que se plantean en la
ejecución del retrato es representar la cabeza en escorzo. Antes
de iniciar esta práctica, es necesario un perfecto conocimiento del
canon de la cabeza, con el fin de poder imaginar un modelo
determinado en todas sus posiciones y desde todos los puntos de
vista. Para ello se encaja en un esquema ovoidal, en el que se
pueden fijar las líneas directrices de los ojos, nariz, boca, etc., así
como el eje central. Sin embargo, todas estas líneas que en el
dibujo frontal aparecen horizontales, al moverse la cabeza pierden
esa horizontalidad y se curvan, precisamente en función del giro.

El estudio en esquema de esas nuevas formas que surgen a
medida que varía la posición de la cabeza respecto del espectador
es del máximo interés para el dibujante, pues será el primer paso
para representar con exactitud el tema del escorzo de la cabeza
humana.
Una tercera recomendación estaría relacionada con el concepto
de la perspectiva. Incluso dibujando del natural, el escorzo
ofrecerá grandes complicaciones si no se recurre a esquemas de
perspectiva.
Por otra parte, la cabeza no es una superficie plana, sino de
revolución, de forma que una línea imaginaria -por ejemplo, la
que dirija la situación de los ojos- vista de frente aparecerá
horizontal, y al variar el eje de la cabeza se tornará en curva.
En el dibujo de escorzo es aconsejable que el dibujante se sitúe
frente al modelo en distintas posiciones y que al mismo tiempo
varíe la propia situación del modelo, antes de decidir qué imagen
imprimirá sobre su papel de trabajo. Puesto que en este tipo de
dibujos se utiliza un punto de vista fuera de lo normal, será
especialmente importante cuidar el ajuste de medidas, pues
variarán notablemente por efecto de la perspectiva con relación a
su magnitud normal.
64

CAPITULO IV
26. TÉCNICAS EN EL TRATADO DEL RETRATO.
En el retrato existe un sinnúmero de técnicas artísticas, hasta las
mixtas que están consideradas dentro de este rubro.
La técnica en sí, en el retrato es una forma de poder expresar y
encontrar no solamente el parecido, podría decir que es mucho más
intensa, la soltura, la línea, la composición, el movimiento, el ritmo y
otros elementos esenciales como el centro de interés, que harán de un
retrato mucho más exquisito.
En este sentido hay que tener en cuenta lo siguiente: un dibujo es
monocromo y una pintura de dos colores a más, es decir cromático.
En la historia se ha podido observar, el desarrollo de distintas
expresiones y experimentaciones como las que han ido evolucionando
lentamente a medida que los artistas han tenido la necesidad de
querer expresar, para lo cual dentro del mercado se puede encontrar
un sinnúmero de materiales adecuados para el logro de Retratos en
diferentes variantes; Es claro que lo más importante para cualquier
tipo de manifestación es el dibujo.
26.1. LA TÉCNICA DEL LÁPIZ GRAFITO.

Los lápices de grafito están graduados según su blandura o su
dureza en una escala que va desde el 8B hasta el 8H: la letra B
designa la blandura y la H la dureza. El número antepuesto a
dichas letras indica el grado de blandura o dureza relativas. Así, un
lápiz 7B será más blando que un 5B o un 3B. La misma relación
numérica se utiliza para señalar la dureza.
Se puede dibujar con lápices de grafito de dos formas distintas: con
la punta de la mina o con el lápiz tumbado.
Con la punta de la mina se pueden trazar puntos, líneas formando
rayados, tramados o cualquier otro signo gráfico. Las diferencias
tonales de las luces y las sombras se obtendrán uniendo o
separando las líneas de los rayados —muy juntas o entrecruzadas
para las sombras y separadas para las luces— o bien engrosando
los trazos en las zonas oscuras y adelgazándolos en las claras.
El empleo del lápiz tumbado, por su parte, es idóneo para el dibujo
de mancha. La mayor o menor presión ejercida sobre los lados de
la mina proporcionará sombras de distintos valores. Los lápices de
colores se utilizan exactamente igual que los de grafito y resulta
muy interesante la combinación de ambos.
En la Técnica del Dibujo, a lápiz grafito se puede encontrar
diferentes materiales que ayudan muy bien a lo que es el
desarrollo de un manejo de una buena técnica, deslindaremos tres
tipos de tratado del Valorado del Volumen dentro del Retrato:
A. VALORADO EN PLANOS. Es un método muy agradable, sobre
todo para los bocetos de Grabado, en la que se tiene la
necesidad de contar con un buen dibujo. Se debe diferenciar
muy bien claro lo que se refiere a la separación de la luz y la
66

sombra bien definido como su nombre indica en planos, o sea
que se note claramente la separación de los valores tonales en
los planos intermedios.
B. VALORADO DEGRADADO. En este método hay que tener
mucho cuidado en dar el volumen desde lo más suave peso de
lápiz hasta presionar poco a poco mucho más intenso, logrando
un tratamiento donde se distingan el valorado con transiciones
precisas y adecuadas, en la cual se puede ver claramente, que
se tiene claro lo que es un tratamiento de mucha paciencia y
observación, pero más que todo el logro del volumen en un
sentido que son se note las líneas si no el volumen con la
delicadeza del lápiz, consiguiendo un retrato excepcional.

C. EL ESFUMADO. Es un método en el cual para dar el valorado
se utiliza lo que es un difuminador, que puede ser un plumón
en desuso para darle adecuada forma por los contornos, la
dificultad es que no es muy artístico, debido a su efecticismo
por el esfumado.
26.2. LA TÉCNICA DEL CARBÓN, CARBONCILLO O LÁPIZ
COMPUESTO.
El carboncillo es la técnica más tradicional para el dibujo de
estatuas y el dibujo del natural.
1. Al aplicar el carbón al papel del dibujo se desprenden una serie
de partículas que se pueden extender con los dedos o con
difuminos.
Las principales características del carboncillo a son su gran
inestabilidad y su capacidad de producir a negros muy intensos.
El lápiz compuesto tiene la mina de carbón mezclada con un
aglutinante que le da mayor fijeza sobre el papel. Existen tres
grados de dureza: duro, medio y blando.
La combinación de las dos técnicas, carboncillo y Del lápiz
compuesto, proporciona excelentes resultados y en la obra.
Por otra parte, un dibujo hecho a carboncillo no puede borrar con
las gomas convencionales. Para corregir los posibles errores se
utilizará un trapo blanco de algodón, miga de pan o gomas
68

moldeables. Estas últimas sirven, además, para sacar toques de
luz.
Se debe tener cuidado más que todo en lo que se refiere a no
manchar el soporte, ya que es muy manchoso, pero se puede fijar
el dibujo una vez terminado con laca de cabello. Y es accesible
para trabajar especialmente en el Esfumado.
26.3. LA TÉCNICA DE LOS LÁPICES DE COLOR.
Siempre hay que tener presente en que sean suaves para la
exigencia de mayor intensidad en el trabajo, aparte de ello que es
muy necesario siempre seleccionar que sean de marcas
reconocidas, en el mercado podemos encontrar: Markin, Faber
Castell y otros.

26.4. LA TÉCNICA DEL BOLÍGRAFO.
También llamada comúnmente lapicero, este material es muy
accesible a cualquier persona con el cual se puede realizar un
sinnúmero de trabajos siempre siguiendo el procedimiento
adecuado de lo claro a lo oscuro, teniendo mucho cuidado en el
valorado y también se puede lograr mediante los tres métodos
dentro del valorado.
26.5. LA SANGUINA.
Por sus colores rojizos y la posibilidad de mezcla con carboncillo y
creta blanca, la sanguina es un medio adecuado para el dibujo de
la figura humana, esencialmente para el estudio de desnudos,
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