1. El ar t e del
Cinquecent o:
Alt o Renacimient o
y Manier ismo
500, siglo XVI

2. Entre 1500 y 1520 el arte renacentista alcanza
su máxima plenitud. Es la etapa llamada Alto
Renacimiento.
La arquitectura, con Bramante y Miguel Ángel,
sacrifica la ornamentación del período anterior y
se centra en la escultura del edificio. En
escultura aparecen nuevos valores, la
grandiosidad y la monumentalidad, resumidas
en la obra de Miguel Ángel. Sin embargo, es en
la pintura donde se llega a uno de los momento
de mayor equilibrio y armonía. Las principales
figuras de este nuevo período son Leonardo da
Vinci, Miguel Ángel y Rafael.

3. La capitalidad del arte se traslada a Roma
y más tarde a Venecia. La principal razón
de ello es el impulso de los papas, que se
constituyen en nuevos mecenas, dan al
arte. Bajo los papados de Julio II, León X
y Adriano VI se realizan algunos de los
encargos más brillantes del Renacimiento,
que tienen como gran protagonista a
Miguel Ángel.

4. A partir de 1525 se empiezan a
abandonar el equilibrio y la armonía de
tendencia clásica. Las composiciones
pierden la simetría, la proporción y la
serenidad de las obras renacentistas, y la
atención se centra en el decorativismo
más que en la estructura forma de la obra.
Ello anuncia la crisis del Renacimiento y el
inicio del Manierismo.

5. Ar quit ect ur a
Las principales tipologías arquitectónicas desarrolladas en el Cinquecento fueron:
El templo. Se plantearon sobre todo dos tipos, que ya habían surgido en el
Quattrocento.
De planta centralizada cubierta con una cúpula. Fue la más utilizada por su
especial simbolismo, la unión del cuadrado de la planta (que representaba la
Tierra) y las del círculo de la cúpula (el Cielo).
De planta de cruz. Simboliza la cruz de Cristo y se adaptaba mejor al culto
católico, por lo que fue potenciada por la Contrarreforma y difundida por los
jesuitas. El crucero se cubría con una cúpula.
El palacio urbano. Mantuvo la estructura del Quattrocento, compuesta por cuatro
crujías abiertas con arquerías a un patio cuadrado. En el siglo XVI, la búsqueda de
la monumentalidad llevó a la construcción de imponentes fachadas, pero sin dejar
de mostrar la armonía entre todos sus elementos.
La villa. Adquirió gran importancia encontrando su precedente en las villas del mundo
romano diseñadas para el control por parte del terrateniente de su explotación
agraria. En el siglo XVI se convirtieron en casas campestres para el descanso. En
estos edificios, de menores dimensiones que los palacios, también se buscaba la
monumentalidad.

6. Br amant e (1444-
1514)
Fue el arquitecto más destacado de los inicios del
Cinquecento. Si Florencia había sido el centro
artístico italiano del siglo XV, Roma es el núcleo
más importante del siglo XVI.
Se interesa por los problemas de geometrismo,
perspectiva, simplicidad, que van a caracterizar la
arquitectura del siglo XVI.
Decidió buscar la monumentalidad y evitar el
exceso decorativo en sus edificios.
Superintendente general de todas las construcciones papales, proyectó la unión de
los palacios vaticanos con la villa de Inocencio VIII mediante el patio del Belvedere
y dio comienzo a los trabajos para el nuevo San Pedro, de planta central con cruz
griega dominada por una inmensa cúpula.
Tuvo como herederos y continuadores a algunos de los mayores artistas de su
tiempo: Rafael, Antonio da Sangallo el Joven, Sansovino.
La primera obra en la que se apreció el cambio fue el templete de San Pietro in
Montorio.

7. San Piet r o in Mont or io.
Fue encargado por los Reyes
Católicos para conmemorar la Toma
de Granada en 1492, levantándose
en el lugar donde según la tradición
fue martirizado San Pedro.
Esta obra se tiene como el manifiesto
de la arquitectura del clasicismo
renacentista, dada su pureza de
líneas y austeridad decorativa. Se
puede apreciar que, si bien utiliza
elementos del clasicismo
grecorromano, es una
reinterpretación o actualización del
mismo: no es simplemente
“recuperación”, es una interpretación.
El templete fue realizado en granito,
mármol travertino, con acabados de
estuco y revoco.

8. San Piet r o in Mont or io
Alzado y planta del templete

9. San Piet r o in Mont or io.
• La edificación es de planta circular, e imita a los martyria orientales,
pues de hecho es un martyrium.
• El templete se levanta sobre una escalinata seguida de un corto podio
sobre el que se eleva la columnata o peristilo que envuelve a la cella.
Ésta está cubierta por una cúpula semiesférica.
• El muro de la cella, con dos cuerpos, tiene un muro exterior decorado
con nichos de remate semicircular, de concha de venera, que alternan
con vanos adintelados para las puertas y las ventanas, separados por
pilastras, cada una de las cuales se corresponde con una de las
columnas del peristilo.
• La planta circular imprime ritmo al edificio, tanto al exterior como al
interior: partiendo de la disposición de tres puertas y el altar, situados en
los extremos de dos ejes de la planta circular, que se cruzan
perpendicularmente, cada paño de muro situado entre dos puertas está
ornado a su vez mediante un vano (ventana central flanqueada por dos
nichos).
• Bramante parte de un módulo que no es una medida sino una forma: el
cilindro, pues cilíndricas son las columnas, pórtico, balaustrada, cella y
tambor.

10. San Piet r o in Mont or io.
Detalle del módulo inferior: la
escalinata y el podium, las
columnas del peristilo (aquí las
dos anteriores a la puerta de
entrada de la cella), la puerta
con dos hornacinas y las
pilastras que enmarcan las
ventanas. Las columnas son de
estilo toscano (el dórico no tiene
basa).
El entablamento circular que
recorre toda la cella y divide en
dos cuerpos el templete se
compone de “metopas”
(decoradas) y triglifos.
Sobre la puerta, la placa que
señala a los donantes como
“reyes de España”.

11. San Pedr o del Vat icano .
La obra principal de Bramante fue
el proyecto de San Pedro del
Vaticano, encargado por el papa
Julio II. La nueva iglesia que
sustituiría a la basílica
paleocristiana y que sería la
imagen de Roma, se planteó como
un edificio de planta de cruz griega,
con cuatro ábsides y el crucero
cubierto por una gran cúpula. En
los cuatro ángulos de la cruz,
cuatro capillas generaban una
planta casi cuadrada y sin fachada
principal.

13. Basílica de San Pedro, Roma (proyecto).
Planta de cruz griega con ábsides terminales en los cuatro brazos,
gran cúpula en el crucero y otras cuatro más pequeñas entre los
brazos de la cruz.
Cuatro torres en los ángulos.

15. Raf ael (1483-
1420)
El papa Julio II falleció en 1514
y Bramante al año siguiente. El
nuevo pontífice, León X,
designó como arquitecto de las
obras de San Pedro a Rafael,
que planteó convertir el
proyecto en una iglesia basilical
que no llegó a realizarse. El
proyecto pasó a manos de
Antonio da Sangallo el Joven
(1475-1546) que mantuvo la
idea de planta basilical.

16. Miguel Ángel Buonar r ot i (1475-
Escultor
1564)
Pintor
Arquitecto Arquitecto

17. Miguel Ángel (1475-1564)
Fue arquitecto, pintor y
escultor. Su especial
atracción por la
escultura le hizo dar
prioridad en sus edificios
al volumen. Adelantó los
rasgos manieristas,
como el uso del orden
gigante.

18. San Pedr o del Vat icano .
En 1546, Miguel Ángel, que tiene 72 años,
recibe el encargo por parte del papa de
continuar la obra de la basílica de san Pedro
del Vaticano que había iniciado Bramante y
que había sido continuada por Rafael de
Sanzio y por Sangallo. Tras los intentos de
Rafael de hacer una planta de cruz latina,
Miguel Ángel vuelve a la idea primitiva de
plan central en forma de cruz griega con una
cúpula en el centro. Pero modifica el
esquema de Bramante. Reduce las esquinas
del cuadrado para que las áreas más
pequeñas puedan recibir luz directa.
Magnifica la cúpula y la dota de un perfil más
elevado. Suprime las torres de las cuatro
esquinas, con lo que la cúpula toma una
mayor prestancia. No hay que olvidar el
sentido platónico de la cúpula como imagen
de la perfección de Dios. De las cuatro
puertas de Bramante se pasa a una sola.

19. San Pedr o, Roma, 1546.
Planta de cruz griega.
Eleva la monumental cúpula
sobre un tambor circular.
Columnas pareadas y ventanas
con alternancia de frontones
rectos y curvos.
Supresión de las torres.
Cabecera exterior con grandes
pilastras pareadas.

23. Bibliot eca
Laur enciana.
En Florencia, donde comenzó
su actividad logró colocar una
escalera colosal en un espacio
muy reducido y de gran altura,
y cuyos escalones alterna
líneas curvas y rectas. Articuló
las pareces de forma
monumental a modo de
fachada.

24. Plaza del Capit olio.
En Roma, por encargo del papa Paulo III, diseñó la
remodelación de la plaza del Capitolio, centro histórico de la
antigua Roma. Buscó los efectos de sorpresa y la perspectiva,
y en su centro instaló la estatua ecuestre del emperador Marco
Aurelio.

25. Marco Aurelio , emperador
desde 161 a 180. La estatua en
bronce data del año 176.

26. Vignola (1507-1573)
Jacopo Barozzi, nacido en Vignola. Fue arquitecto y
tratadista, inmerso en la estética manierista. Su tratado
de arquitectura Regole dei Cinque ordini dell’architecture
civile, tuvo gran difusión.
San Francisco de Borja le encargó la iglesia madre de los
jesuitas en Roma. En la Iglesia del Gesú se buscaba el
sentido práctico y la adaptación a las ideas del Concilio
de Trento. Se inspiró en la iglesia de San Andrés de
Mantua de Alberti.
Estableció una planta de cruz latina de una sola nave con
una bóveda de cañón y capillas laterales. Cubrió el
crucero con una cúpula de amplias ventanas.
Las demás iglesias jesuíticas tendrán este modelo.

27. I glesia del Gesú 1568

28. Iglesia del Gesú.
Roma, 1568.

29. glesia del Gesú
568

30. Vignola no pudo terminar la fachada que
fue encarcargada por Giacomo della
Por t a (1537-1601). Éste dispuso un
cuerpo inferior como un arco de triunfo
con pilastras y columnas adosadas, y uno
superior más estrecho rematado por un
frontón irregular. La diferencia de anchura
entre ambos cuerpos la solucionó con un
alerón a modo de voluta en los ángulos.

31. Giacomo DELLA PORTA
Último representante
del clasicismo en Roma.
Fachada del Gesú.
Amplio cuerpo bajo y un
segundo cuerpo, más
estrecho, con dos
aletones laterales, y
cerrado todo por un
frontón.

32. J acobo Bar ozzi di VI GNOLA
Villa Julia. Roma, 1550. Mandada
construir por Julio III. Hoy sede del
Museo Etrusco.

33. Villa Julia: encargada por el Papa Julio III.

34. Ant onio da SANGALLO, el J oven (1483-
1546)
Palacio Farnesio, 1515, Roma.
Alternancia de frontones triangulares y curvos.
Sustituyó a Bramante en la construcción de San Pedro a partir de
1520.

35. J acopo SANSOVI NO (1477-
1570)
Trabaja en Venecia.
Arquitectura solemne
y rica.
Junta la diafanidad
veneciana con la
incorporación de
elementos escultóricos y la
superposición de órdenes
clásicos.
Biblioteca Marciana.
Venecia.

36. Vista de la Biblioteca desde el Palacio
Ducal, con la columna de San Teodoro.

38. Andr ea Palladio (1508-
1580)
En Venecia destacó
Palladio. Nacido en Padua
se formó en Roma, donde
conoció la arquitectura
clásica. Redactó un tratado
de gran difusión llamado
Los cuatro libros de la
arquitectura.
Está influido por Vitrubio y
por Alberti. Utiliza todos los
órdenes clásicos, a veces
de orden gigante.

39. Andr ea PALLADI O
Basílica de Vicenza
(Véneto). 1542.
Utiliza el arco serliano
(llamado luego
palladiano o venceciano)
que difundió Sebastián
Serlio, consiste en un
arco de medio punto
flanqueado por dos
vanos adintelados.
Serliana es el recurso compositivo que consiste en dividir un hueco en tres partes,
simétricamente, de manera que la parte central queda cubierta por un arco y es
de mayor amplitud que las dos laterales, que se cubren mediante dinteles.

40. Sigue los esquemas de Sansovino.
Edificio medieval rodeado de pórticos.
Repite el motivo de arco entre dinteles: “motivo palladiano”.

41. El edificio fue originalmente construido en el siglo XV y era el Palazzo della Ragione de la ciudad,
la sede del gobierno ciudadano y de los tribunales. Cuando parte del mismo se vino abajo en el
siglo XVI, un consejo de cien personas entre las que se encontraban numerosos arquitectos
designó a Andrea Palladio. Palladio añadió un nuevo armazón exterior de marmol, una logia y un
pórtico que ahora oscurecen en original diseño gótico de la basílica.

42. Andr ea PALLADI O
El Teatro
Olímpico en el
que recreó un
teatro romano e
hizo un
verdadero
prodigio en la
aplicación de
elementos de
perspectiva.

43. Teatro Olímpico de Vicenza.
Resucita el modelo romano a través de Vitruvio.

44. Villa Capra, La Rotonda. Vicenza, 1550.

45. Villa Capra, conocida como La
Rotonda, construida con planta
central o de cruz griega, con
cuatro ingresos,
con frontones y columnas
jónicas.
Gran salón circular en el centro.

46. Interior de la Villa Capra, con frescos
de Ludovico Dorigny.
La Rotonda vista desde el
camino posterior

47. San Giorgio Maggiore, Venecia, 1560.

48. El Redentor,
Venecia, 1580.
Modo personal de resolver
las fachadas coronadas por
frontones incrustados
unos en otros.
Plantas complejas que
integran también lo
longitudinal y los
espacios centrales.

49. Escult ur a
En Roma los escultores
entraron en contacto con
las obras clásicas como
con el Apolo de Belvedere
o con el Laoconte
helenístico, cuya
aparición, en 1506 y fue
adquirida por el papa Julio
II, causó una gran
conmoción.

50. Car act er íst icas
El antropocentismo y el consecuente interés por
mostrar la belleza del cuerpo humano llevaron a dar
una gran importancia al desnudo, que se convirtió en
uno de los principales temas.
Según avanzó el manierismo, la escultura adquirió
mayor fuerza expresiva, lo que se manifestaba en la
gesticulación y el ímpetu de los movimientos y las
posturas, que pretendían reflejar la potencia de las
pasiones humanas. Fue especialmente característico
el retorcimiento helicoidal de la figura humana (figura
serpertina).
El material más utilizado fue el mármol, pero también
tuvo importante desarrollo el bronce.

51. Miguel Ángel Buonar r ot i (1475-
Escultor 1564)
Pintor
Arquitecto

52. Miguel Ángel Buonar r ot i
(1475-1564)
Tuvo a la escultura como
su arte predilecta. En ella
expresó toda su fuerza
interior y su espíritu
apasionado. Desde sus
comienzos hasta 1505 se
consideraba su etapa de
juventud, y desde ahí su
etapa de madurez.

53. Virgen de la escalera (1489).
Conservada en la casa de
Bounarroti de Florencia. Utiliza la
técnica del sciacciato, aprendida de
Donatello.
En San Pedro del Vaticano está la
Piedad (1495-1501), que se
considera una obra clasicista. Se
aprecia la composición triangular.
Los rostros a pesar del dramatismo
del momento no muestran gran
dolor. La Virgen dirige su mirada
hacia su hijo muerto, aceptando el
hecho como algo necesario y ajeno
a su voluntad.

55. David (1501) Moisés (1505-1513)

56. Capilla de los Médicis en San Lorenzo de Florencia. Sepulcros de Giuliano (izquierda)
aparece como una persona altiva, en relación a su actividad militar, flanqueado por el
Día y la Noche, y Lorenzo (derecha), pensativo, acompañado por el Crepúsculo y la
Aurora.

58. La Piedad Rondanini. Una de
las obras finales de
Bounarroti. Cambia la
tradicional manera de
representar este tema
mostrándolo de pie. Las
texturas sin pulir, los
contornos sin acabar, el peso
del cuerpo de Jesús, la
postura retorcida y el
alejamiento radical del
naturalismo son ejemplos de
un estilo que más allá de
manierismo, adelanta el
expresionismo
contemporáneo.

59. Benvenut o Cellini (1500-1571)
En la segunda mitad del siglo
XVI hubo una interesante
producción escultórica llevada a
cabo por artistas que recibieron
la influencia de Miguel Ángel y
cuyas formas estéticas
quedaron encuadradas en el
manierismo, como Benvenuto
Cellini, de quién destaca la
escultura de Perseo con la
cabeza de Medusa, en
Florencia.

61. Giambologna
(J uan de Bolonia 1529-
1608)
Es franco-flamenco. Utilizó diversos materiales. En
bronce realizó su Mercurio volador, del Museo
Bargello (1564) en el que hizo un verdadero
alarde de equilibrio de la figura. En mármol, el
Rapto de las sabinas, de la Loggia dei Lanzi
(1583), donde los cánones de belleza clásica se
conjugaron con el movimiento, las postura
contrapuestas y una enorme fuerza interior.

63. Tanto en el Rapto de
las sabinas como en
su Mercurio,
Giambologna da a
sus figuras el
movimiento y la
ruptura del equilibrio
característicos del
manierismo.

66. Pint ur a
En el Alto Renacimiento:
• El marco arquitectónico pierde importancia. La pintura se independiza.
• Composiciones en una sola escena. De esquemas triangulares.
• Abandono progresivo de los contornos muy definidos por las figuras.
• Preocupación por el movimientos y la luz. El tratamiento de la luz es más real, de tal
modo que se incluyen matices que hacen diferenciar los distintos momentos del día.
Este hecho da lugar a un mayor estudio de las sombras.
• Búsqueda de la belleza ideal y se mantiene el orden, la simetría, el equilibrio y la
serenidad en las obras.
En el Manierismo todos estos postulados cambiarán para dar paso a una forma nueva
de entender la pintura:
• Reacción anticlásica: la belleza, la armonía y unidad se sustituyen por tensión,
desequilibrio, inestabilidad y ruptura.
• Figuras estilizadas, de cánones alargados, que presentan exagerados escorzos,
dando sensación de inestabilidad.
• Formas curvas y ondulantes que cubren el plano, negando la profundidad del
espacio.
• Una gama cromática muy rica, que aporta a la obra un aspecto más decorativo que
plástico. Se utiliza una paleta de tonalidades frías, que no siempre corresponde con
la realidad de los objetos representados.
• Las composiciones están formadas por diversos ejes, generalmente diagonales.

67. Leonar do da Vinci (1452-1519)
Autorretrato El hombre de Vitrubio

68. Leonardo fue el prototipo de hombre humanista
renacentista, artista polifacético, científico dotado
de un conocimiento casi universal (ingeniería,
anatomía, botánica, arquitectura, filosofía…).
Escribió un Tratado de la pintura y, aunque no
dejó muchas obras, su aportación a la historia de la
pintura fue trascendental: introdujo el sfumato
(esfumado), técnica que difumina los contornos
logrando un mayor naturalismo y dando paso a la
perspectiva aérea (simula el efecto atmosférico
que la luz ejerce sobre los objetos, dependiendo de
donde se encuentren situados, representándose los
más alejados de forma menos nítida que los
cercanos).

69. Leonardo da Vinci nació en Vinci (Italia) en 1459. A los 14 años (1463 aprox.) entró
en el prestigioso taller del pintor florentino Andrea Verrochio, donde estudió junto a
Sandro Botticelli y Perugino. Desarrolló el estudio de las matemáticas, la geometría,
la perspectiva y todas las ciencias de la observación del medio natural, las cuales se
consideraban indispensables en la época. Como educación complementaria,
también estudió arquitectura e ingeniería. Leonardo fue un humanista renacentista,
destacado en múltiples disciplinas. Sirvió a personas tan distintas e influyentes
como Lorenzo de Médici, al duque de Sforza, a los soberanos de Mantua y al rey
Francisco I de Francia.
Entre sus obras más destacadas están La Virgen de las Rocas, La batalla de
Anghiari, La Gioconda y por supuesto, La última cena.
“No hay artista más legendario que Leonardo da Vinci. En toda la historia del Arte,
ningún otro nombre ha generado más debates, más discusiones y más horas de
estudio que el genio nacido en Vinci en 1452. Pintor, escultor, arquitecto, científico e
investigador, la figura de Leonardo ha generado multitud de leyendas, mitos, rumores
sobre su homosexualidad, sobre su pertenencia o no a infinidad de logias o sectas, las
extrañas historias sobre su estancia en el estudio de Verrocchio, o su al parecer
extraña relación con varias de sus modelos -derivado al parecer de su ya comentada
presunta homosexualidad- forman la larga lista de mitología leonardesca de la que el
éxito de El código da Vinci es sólo su más reciente ejemplo” (por G. Fernández -
theartwolf.com)

70. National Gallery, Londres.
óleo sobre tabla, 189,5 × 120 cm.,
Museo del Louvre, París.
Óleo sobre lienzo
199 cm × 122 cm.

71. La Virgen de las Rocas es un nombre
usado para denominar dos cuadros de
Leonardo da Vinci pintados con idéntica
técnica pictórica de óleo sobre lienzo. La
versión del Museo del Louvre (que se
cree fue la primera) fue transferida a
lienzo desde el panel original de madera,
pero la que se conserva en Londres aún
permanece sobre tabla.

73. La Última Cena (en italiano, Il cenacolo o L’ultima cena) es una pintura
mural original de Leonardo da Vinci ejecutada entre 1495 y 1497/8, se
encuentra en la pared sobre la que se pintó originariamente, en el refectorio
del convento dominico de Santa María de las Gracias en Milán (Italia). La
pintura fue elaborada, para su patrón, el duque Ludovico Sforza de Milán.
No es un fresco tradicional, sino un mural ejecutado al temple y óleo sobre
dos capas de preparación de yeso extendidas sobre enlucido. Mide 460 cm.
de alto por 880 cm. de ancho. Para muchos expertos e historiadores del
arte, La Última Cena de Leonardo es considerada como la mejor obra
pictórica del mundo.
Leonardo creó La Última Cena, su mejor obra, la más serena y alejada del
mundo temporal, durante esos años característicos por los conflictos
bélicos, las intrigas, las preocupaciones y las calamidades. Se cree que en
1494 el duque de Milán Ludovico Sforza, llamado "el Moro" encargó a
Leonardo la realización de un fresco para el refectorio de la iglesia
dominica de Santa Maria delle Grazie, Milán. Ello explicaría las insignias
ducales que hay pintadas en las tres lunetas superiores.

75. Técnicamente no se puede afirmar que sea un fresco, ya que este sistema le parecía a
Leonardo muy precipitado. Esto le llevó a pintar con óleo sobre el yeso seco, técnica
experimental que provocaría un rapidísimo deterioro de La Última cena, provocando
numerosas restauraciones.
Varias inundaciones acaecidas en Milán contribuyeron al deterioro de la obra. La
incorporación de una puerta en la sala en 1652, cercenó los pies de varios personajes
del mural. En 1797 un ejercito francés utilizó la sala como establo deteriorando la obra
aún más. En 1943 los bombardeos aliados pusieron su grano de arena en el
progresivo deterioro de la obra. En 1977 se inició un programa de restauración y
conservación que mejoró en gran medida el mural. No obstante gran parte de la
superficie original se ha perdido.
La pintura refleja el momento de la última cena en el que Jesús anuncia que entre los
discípulos hay un traidor. Se forman cuatro grupos de tres personajes donde cada uno
plasma una emoción humana: estupor, ira, miedo... Es sabido que Leonardo utilizó
personas reales como modelos para los personajes del mural. Incluso se retrató a sí
mismo el segundo empezando por la derecha como se puede ver en la imagen. Esto es
lo que cuenta Mateo Bandello, novicio del convento sobre la ejecución de La Última
Cena:"Llegaba bastante temprano, se subía al andamio y se ponía a trabajar. A veces
permanecía sin soltar el pincel desde el alba hasta la caída de la tarde, pintando sin
cesar y olvidándose de comer y beber. Otras veces no tocaba el pincel durante dos,
tres o cuatro días, pero se pasaba varias horas delante de la obra, con los brazos
cruzados, examinando y sopesando en silencio las figuras. También recuerdo que en
cierta ocasión, a mediodía, cuando el sol estaba en su cenit, abandonó con premura la
Corte Vecchia, donde estaba trabajando en su soberbio caballo de barro, y, sin
cuidarse de buscar la sombra, vino directamente a Santa Maria delle Grazie, se
encaramó al andamio, cogió el pincel, dio una o dos pinceladas y se fue“.

77. Gioconda o Mona Lisa
Es un óleo sobre tabla de álamo de
77 x 53 cm, pintado entre 1503 y
1506, y retocado varias veces por el
autor. La técnica usada fue el
sfumato, procedimiento muy
característico de Leonardo. El
esfumado (del italiano sfumato) es
un efecto vaporoso que se obtiene
por la superposición de varias
capas de pintura extremadamente
delicadas, proporcionando a la
composición unos contornos
imprecisos, así como un aspecto de
vaguedad y lejanía. Se utiliza para
dar una impresión de profundidad
en los cuadros del renacimiento.
Este efecto hace que los tonos se
difuminen hasta valores más
oscuros como en la Mona Lisa.

78. Raf ael Sanzio de Ur bino
(1483-1520)
Es conocido como el pintor que
mejor representó el clasicismo.
Hijo de pintor y escritor, heredó
de su padre los ideales
humanistas. A lo largo de su vida
consiguió en sus obras la
anhelada asimilación del mundo
pagano y el cristianismo.
Nació en Urbino donde se formó
con Perugino, como se observa
en una de las obras iniciales de
Rafael, Los desposorios de la
Virgen, que reflejan la influencia
de su maestro.

79. Per ugino Raf ael

80. Entre 1504 y 1508 tuvo su etapa
florentina. Allí recibió la influencia de
Leonardo y Miguel Ángel, como muestran
sus composiciones triangulares y el
sfumato en sus Madonas y en las
Sagradas Familias

82. La bella jardinera (1507).
El triunfo de Galatea
(1511).

83. Retrato de quien se
supone es Isabel de
Aragón, elaborado por
Rafael Sanzio.
Galería Doria, Roma.
Aquí se muestra la
influencia de
Leonardo, sobre todo
del retrato de la
Gioconda.

84. En 1508 llega a Roma llamado por el papa Julio II. Allí recibió
de nuevo la influencia de Miguel Ángel en cuanto a
monumentalidad, pero su estética clasicista hace que su obras
sean más expresivas y de mayor fuerza interior.
Se aprecia esta evolución en los frescos de las estancias
vaticanas.
Las pinturas se suelen subordinar al marco arquitectónicos. Se
caracterizan por un perfecto equilibrio y por la consecución de
una belleza idealizada y una estudiada composición simétrica
desarrollada en los amplios espacios.
Representan temas como la filosofía en La Escuela de Atenas;
la religión, en La Disputa del Sacramento; o la poesía, con El
Parnaso.

85. Disputa del Sacramento, 1509,

88. El Parnaso, 1511

89. Expulsión de Heliodoro del templo

90. Liberación de san Pedro

91. Encuentro del papa León el Grande con Atila

92. Incendio del Borgo sofocado por León IV, 1514

93. La batalla de Constantino contra Majencio o Batalla del Puente Milvio , es un fresco
en una de las habitaciones que hoy son conocidas como Stanze di Raffaello, en el
Vaticano. Se aprecia la evolución desde el más puro clasicismo hasta el movimiento, la
tensión y la torsión provocados por la influencia de Miguel Ángel.

94. Rafael murió a los 37 años luego de
que se enfermara, el 6 de abril del
1520 el día de su cumpleaños. Sus
restos reposan en El Pantheón en
Roma y sobre su tumba yace este
epitafio: "Aquí yace Rafael, del cual
la naturaleza temía ser vencida
mientras era vivo, mas ahora que es
muerto, teme morir".

95. Miguel Ángel Buonar r ot i (1475-
1564)
Escultor
Pintor
Arquitecto
Pintor

96. Miguel Ángel Buonar r ot i
(1475-1564) Miguel Ángel da
Al ser escultor,
importancia al dibujo y utiliza el
color como auxiliar con el fin de
dar volumen a los cuerpos. Estos
tomaron apariencia de esculturas,
especialmente los desnudos,
como los de la Capilla Sixtina
(1508-1512), encargo de Julio II.
Realizó una trama arquitectónica
ficticia para distribuir pasajes del
Génesis, junto a ellos ignudi
(muchachos desnudos), profetas
y sibilas.

101. Años más tarde,
Clemente VII le
encargó en la misma
capilla el fresco para
el muro de la
cabecera con el tema
del Juicio Final (1533-
1541). Refleja la
transformación
espiritual del artista
(angustia y
desesperación).

103. Escuela veneciana
Venecia fue el único centro artístico capaz de rivalizar
con Roma. En el siglo XV se sentaron las bases de la
Escuela Veneciana, caracterizada por el predominio
del color en detrimento del dibujo y por acompañar a
las pinturas con un paisaje de fondo que ilumina las
escenas:
– Se plasmaba un mundo alegre enmarcado en escenarios
lujosos.
– Se representaba una atmósfera luminosa y llena de color.
– Las técnicas más utilizadas eran la pincelada suelta y el
sfumato.
– Se introdujo un tipo de desnudo femenino delicado y
sensual.

104. La Tempestad, 1508
Gior gione
(1478-1510)
Discípulo de Bellini,
supuso un tránsito
al nuevo siglo.
Implanta una
técnica nueva con
pinceladas sueltas
y desenfada al
pintar directamente
sobre tabla o
lienzo,
abandonando el
boceto.

105. La Venus dormida, 1510
Utiliza el sfumato y dio importancia a luz y el color. Introdujo la temática de la diosa
Venus recostada desnuda, de forma muy sensual. Representó figuras desnudas de
apariencia mitológica mezcladas con otras vestidas a la moda del siglo XVI, sin
temática concreta que justificara los desnudos, como en el Concierto campestre.

106. El concierto campestre,1510.
Antecedente del Desayuno en la
hierba de Manet, 1863.

107. Tiziano
Vencelio (1488-
1576)
Pintor cortesano de fama internacional,
desarrolló tanto la temática pagana como la
religiosa. Se formó también en el Taller de los
Bellini y posteriormente con Giorgione, pero
desarrolló un estilo muy personal.
Pronto abandonó el dibujo y la pincelada detallista, para utiliza la pincelada
suelta, casi abocetada, de marcada modernidad, en la que llegó a sustituir
los pinceles por los dedos. Su gran producción de obras puede agruparse
en tres géneros:
• Religiosas: destaca la Virgen de Pésaro, contrasta con la Coronación de
espinas de los últimos tiempos, más dinámica y pincelada muy suelta.
• Retratos: destaca el Emperador Carlos V, a caballo, en Mühlberg. La armadura
y elegancia del caballo dan al emperado la imagen de vencedor en medio de un
ambiente de penumbra y misterio.
• Mitológicos: Sobresalen los desnudos femeninos, bañados de luz suave que
modela los cuerpos.

111. Amor profano y amor sacro. 1515-1516. Representa una escena con una doncella vestida
lujosamente (probablemente de novia) sentada junto a Cupido y siendo asistida por la diosa
Venus. Varios detalles sugieren que la mujer es posiblemente una novia: su pelo suelto
decorado con una corona de mirto (planta sagrada de Venus), el velo transparente sobre sus
hombros, las rosas en su mano derecha, y el cinturón (símbolo de la castidad). La figura vestida
sujeta en sus manos una vasija llena de oro y gemas, que simboliza la efímera felicidad de la
Tierra y la diosa, desnuda, sostiene una lamparilla con la llama ardiendo de Dios que simboliza
la felicidad eterna del Cielo. Es una escena alegórica influida por la concepción neoplatónica
renacentista, según la cual la belleza terrenal es un reflejo de la belleza celestial y su
contemplación es un preludio de su consecución ultraterrena.

112. La Bacanal, 1518-19

113. Venus recreándose con la música.

114. Venus de Urbino, 1538. Influido por Giorgione,
precursor de Manet en su Olimpia.

115. Dánae recibiendo la lluvia de oro, 1553.

116. El rapto de
Europa,
1559-62.
Luego
sería
copaiado
por
Rubens.

117. Ver onés ( 1528-
1594)
Paolo Caliari, conocido como el Veronés por su
población natal, es autor de grandes composiciones
pictóricas donde se representa al riqueza y el lujo de
la sociedad veneciana, a las que se suma el gusto por
lo anecdótico y lo exótico. Utiliza amplios escenarios
con arquitecturas inspiradas en Palladio que luego
sustituirá por paisajes naturales. Sus temas son en
general religiosos, pero rodeados de múltiples
personajes y a veces los principales personajes se
pierden.
Predominan en sus obras ricos colores con tonos
fríos y claros.

118. Las bodas de Caná, 1562.

119. Cena en casa de Leví.

120. Tint or et t o (1518-1594)
Jocopo Robusti, el Tintoretto por la
profesión de su padre. Combinó el gusto
por la luz y el color veneciano con
rasgos manieristas, que reflejan la
influencia de Miguel Ángel. De él adoptó
la expresividad y las actitudes violentas,
las posturas forzadas y la fuerza del
volumen. Exagera las composiciones
diagonales en espacios de gran fondo,
creando perspectivas y escorzos
artificiales.

121. Susana y los viejos, 1560-65.

122. • La leyenda del dragón relacionada con el
santo Jorge de Capadocia. Un dragón
hace un nido en la fuente que provee de
agua a una ciudad. Como consecuencia,
los ciudadanos debían apartar
diariamente el dragón de la fuente para
conseguir agua, lo que conseguían
mediante la ofrenda de un sacrificio
humano que se decidía al azar entre los
habitantes. Un día resultó seleccionada la
hija del rey. Cuando estaba a punto de
ser devorada por el dragón, aparece San
Jorge, oficial romano en Capadocia, se
enfrenta con el dragón, lo mata y salva a
la princesa. Los agradecidos ciudadanos
abandonan el paganismo y abrazan el
cristianismo.
• La batalla entre San Jorge y el Dragón
simbolizaba la lucha entre el bien y el
mal, con triunfo del primero.

123. • Domina la composición la figura de la princesa
en el primer plano. Mira hacia atrás, atrayendo
con su mirada la del espectador hasta la figura
de san Jorge que lucha con el dragón y el mar
al fondo.
• El tema está tratado de forma muy diferente a
las representaciones anteriores, con un gran
dinamismo entre las direcciones opuestas de
la princesa, que parece que va a salir por el
lado inferior derecho del cuadro, y la dirección
del caballero, hacia la izquierda. Se trataría de
una composición centrífuga, en zigzag,
opuesta al estilo del Alto Renacimiento y que
acerca la obra al barroco.
• Hay cierta teatralidad en la escena, muy al
gusto de la nobleza veneciana como puede
verse en el viento que azota la capa de la
princesa y en la aparición en lo alto de Dios
Padre bendiciendo la victoria del santo sobre
el dragón.
• Inusual es también la presencia de un cadáver
con los brazos extendidos, en la postura de
Jesucristo crucificado, puesto que no aparece
en las representaciones tradicionales de san
Jorge.Se cree que con ello pretende
establecer un paralelismo entre san Jorge
vencedor del mal y Jesucristo

124. Hallazgo del cuerpo de San Marcos, h. 1562

127. Pint ur a manier ist a:
Cor r eggio y Par migianino.

128. Antonio Allegri (1489-1534), conocido por
su pueblo natal, Correggio. Pintor de
delicada sensualidad. Entre 1520 y 1523
realizó la decoración de la cúpula de la
iglesia de San Juan Evangelista de Parma,
donde combinó la utilización de la
perspectiva y la creación de espacios
dinámicos, lo que lo sitúa cerca de los
planteamientos del siglo XVII. Se anticipa
también en los claroscuros, contrastes de
efectos de luces y sombras. Destacan Los
amores de Ío y Júpiter (o Zeus) y Dánae.

129. Cúpula de la iglesia de San Juan Evangelista de la
catedral de Parma, obra maestra de Correggio

131. Par migianinio (1503-
1540), Firolamo F. Mazzola,
llamado Parmigianino. Fue
discípulo de Correggio. Sus
obras se caracterizan por
desvirtuar las proporciones
humanas con un canon
alargado de las figuras y por
crear ambientes fantásticos
mediante la aplicación de una
luz irracional y la utilización
arbitraria de los colores, tal
como se aprecia en la
Madona del cuello largo, en
Florencia.

132. Sof onisba Anguissola (1532-
1625)
Sofonisba Anguissola nació en Cremona (Italia). Era la
mayor de siete hermanos, seis de los cuales eran
niñas. Su padre, Amilcare Anguissola, era miembro
de la baja nobleza genovesa. Su madre, de familia
influyente.
Durante las cuatro generaciones anteriores, la familia
tuvo una estrecha conexión con la historia antigua de
Cartago, por lo que nombraron a su progenie en
honor del gran general Aníbal, llamando a su hija
como la trágica protagonista cartaginesa Sofonisba.
En el invierno de 1559-1560 Sofonisba llega a Madrid
para convertirse en pintora de la corte además de
dama de compañía de la nueva reina Isabel de
Valois, tercera esposa del rey. Enseguida se ganó la
estima y confianza de la joven reina. Durante este
tiempo, trabajó estrechamente con Alonso Sánchez
Coello.
Anguissola pasó los años siguientes pintando sobre todo
retratos de corte oficiales, incluyendo los de la reina y
otros miembros de la familia real.

133. Bernardino Campi
Retrato de Felipe II,
Isabel de Valois,
tradicionalmente
tercera esposa de
atribuído a Sánchez
Felipe II.
Coello y que ahora se
Infantas Isabel Clara
asigna a Sofonisba.
Eugenia y Catalina
Micaela, Hijas de
Felipe II e Isabel de
Valois.

134. Historia
del Arte
2
Bachillerato sm
Ana María Arias de Cossío
Jesús Cantera Montenegro
Fernando de Ologuer-Feliú Alonso
José Luis Sánchez Noriega
Pps realizado por María del Pilar González López
IES Vallé-Inclán

135. Historia del Arte 2
Bachillerato
Proyecto La Casa de Saber
Santillana
Carmen Aguilar Díaz
Albert Ferrer Orts
Mª José López Azorín
Beatriu Navarro Buenaventura
PPS realizado por Mª Pilar González López
IES VALLE INCLÁN

136. Historia del Arte
Bachillerato edebé
M.C. Guerrero Román
I. López Martínez
J. Rubio Lapaz
Juan B. Terrón Martínez
PPS realizado por Mª Pilar González López
IES VALLE INCLÁN

137. Páginas web utilizadas de refuerzo
• http://contemplalaobra.blogspot.com/2009/03/san-pedro-
del-vaticano-de-miguel-angel.html
• http://www.medicinaycultura.org.ar/31/Articulo_03.htm
• http://es.wikipedia.org/wiki/1503
• http://historiadelarteuniversaltec.blogspot.com/2009/11/l
a-ultima-cena-de-leonardo-da-vinci.html