Cinquecento

Cinquecento
Quinquecento italiano 1

Donato Bramante 1444-1514
Primer diseñador del plan de la basílica de San Pedro
del Vaticano.
Nace en un lugar cercano a Urbino, ciudad donde se
formó. A finales del s. XV está en Milán al servicio de
Ludovico Sforza para el que construyó Santa María
della Grazie donde queda patente ya su interés por el
espacio y la perspectiva. En 1500, Bramante se
traslada a Roma, dedicándose al estudio de las
ruinas, las composiciones estructurales y técnicas
constructivas. En 1500-1510 construye el templete de
San Pietro in Montorio. El papa Julio II le encarga la
construcción de la basílica de San Pedro. Sin
embargo, y debido a la temprana muerte de
Bramante tan sólo quedó el proyecto.

San Pietro in
Montorio


San Pietro in Montorio
Financiado por los RRCC. Comenzado en 1500 y terminado en
1510. Encajonado en el patio del convento, sus formas tienen un
profundo sentido simbólico:
• Es circular símbolo de la esfera del universo. El orden dórico se
utilizó en la antigüedad para los templos de dioses y ahora se
recupera para las iglesias dedicadas a santos viriles y
fuertes. También se utiliza el cuadrado símbolo de los cuatro
puntos cardinales: casi todo es múltiplo de 4:16 columnas y 48
metopas del entablamento. El nº tres es el nº de la Trinidad: tres
escalones de acceso y la proporción entre el diámetro y la altura
es ¾.
•La cripta recordaría las catacumbas, el cuerpo circular rodeado
por columnas la iglesia militante y la cúpula el cielo. En las
metopas se representan objetos litúrgicos y en la metopa del eje
se representa el cáliz, como exaltación de la Eucaristía.
Bramante se permitió algunas licencias: la puerta de entrada es
recta y no curva, porque está hecha para verse de frente, la
balaustrada no tiene función ni podría tenerla por sus
proporciones, pero sí laQuinquecento italiano
tiene visualmente dado que enlaza4 el

Bramante. Claustro Santa María de la Paz


Bramante. Planta de San Pedro de Roma


San Pedro. Bramante
La construcción del edificio se inicia en 1506.
Julio II le encar4ga el proyecto a Bramante que
diseña una planta de cruz griega inscrita en un
cuadrado y cubierta por cinco cúpulas.
Bramante murió en 1514 y sus sucesores
Rafael, Fra Gioconda da Verona y Giuliano de
Sangallo cambiaron el plano. A su muerte solo
se había edificado solo los cuatro grandes
pilares que debían sostener a la gran cúpula
central. Posteriormente, el Papa Pablo III
encomendó la dirección de las obras a Miguel
Ángel.

Miguel Ángel. Cúpula de San Pedro.
A partir de 1546 se encarga del
edificio Miguel Ángel, que levantó la
enorme cúpula de 46 metros de
diámetro que corona el edificio,
sostenida sobre cuatro pechinas.
Para descargar su enorme peso
diseñó otras cuatro cúpulas de
menor tamaño, aunque finalmente
sólo fueron construidas dos de ellas,
cuando ya las obras eran dirigidas
por Vignola. Finalmente, la cúpula
(con algunas modificaciones) se
concluyó en 1591, más de veinte
años después de la muerte de
Miguel Ángel. La gran cúpula se
encuentra justo sobre el altar mayor
y la tumba del Apóstol Pedro.Se
inspira en la cúpula de la catedral de
Florencia. Quinquecento italiano 8

Miguel Ángel. Biblioteca Laurenciana.


Biblioteca Laurenciana
 Encargada en 1524 por el papa Medici
Clemente VII para la conservación de la
colección de códices de la familia. Fue
terminada por Ammannati y Vasari.
 La triple escalinata que se resume en una
sola rampa, planeada por Miguel Ángel es el
ejemplo del Manierismo por la utilización de
elementos clásicos de un modo anticlásico:
ruptura del espacio, alternancia de diversos
tipos de escalones, balaustres y podios
como barandilla.


Miguel Ángel. Plaza del Capitolio. Roma.


Miguel Ángel. Capitolio.


Palacio Farnesio. Sangallo, M. Ángel


Palacio Farnesio
 Proyecto de Sangallo por encargo del cardenal
Alejandro Farnesio (futuro Pablo III)
 Los trabajos, iniciados en el 1514, fueron
retomados por Miguel Ángel, a la muerte de
Sangallo en 1546, que realiza la cornisa que
delimita superiormente la fachada, el balcón sobre
el portal central y el acabado de gran parte del
patio interior. La muerte del Papa interrumpe
nuevamente los trabajos. La fachada de ladrillo con
aristas en travertino, se articula en tres pisos. Las
13 ventanas de cada piso presentan diferentes
decoraciones y las del piso noble están coronadas
de frontones alternativamente curvilíneos y
triangulares.

Andrea Palladio 1508- 1580
En 1540 es reconocido como maestro
arquitecto. Es autor de “los Cuatro libros de
arquitectura” y de más de 50 obras
arquitectónicas. Realiza villas señoriales en
el Véneto como Villa Capra, iglesias en
Venecia como el Redentor o San Giorgio el
mayor, y es arquitecto mayor en Vicenza
donde realiza la Basílica y el Teatro
Olímpico. Se caracteriza por un clasicismo
manierista, que reitera elementos
estructurales y la casi ausencia decorativa.
Influye en la arquitectura inglesa y
americana (El Capitolio)

Basílica de Vicenza


Basílica de Vicenza 1549
Realizada sobre un edificio del s. XV, Palladio
diseñó el muro exterior de mármol y la logia.
Es manierista por la reiteración de los
elementos constructivos y su ausencia de
decoración. El módulo que reitera tiene su
modelo en el arco de triunfo.


Palladio. Villa Rotonda.


Villa Rotonda 1566
Edificio cuadrado inscrito en un círculo, Cada una
de las cuatro fachadas presenta un pórtico clásico.
Cada pórtico remata en un frontón decorado con
esculturas que representan divinidades clásicas.
Cada acceso conduce a la sala central, cubierta
por una cúpula. La villa resulta así en una
arquitectura abierta, relacionada con el campo
circundante.
Para lograr en cada habitación una exposición
similar al sol, la planta fue rotada 45 grados
respecto de los puntos cardinales. Con el uso de la
cúpula, aplicada por primera vez a un edificio
residencial, Palladio enfrenta el tema de la planta
central, reservada hasta aquel momento a la
arquitectura religiosa.

Palladio. Teatro olímpico. Vicenza.


Teatro Olímpico de Vicenza
Resucita el esplendor y monumentalidad de
los mejores teatros del mundo grecorromano,
tanto en la cavea coronada por una suntuosa
tribuna con columnas y estatuas, como
significativamente en el lujoso escenario,
grandioso arco triunfal poblado de estatuas
por cuyos tres vanos es visible la perspectiva
de cinco calles igualmente flanqueadas de
nobles mansiones. Es la reposición por el
Manierismo avanzado de uno de los grandes
logros culturales del mundo antiguo.

San Giorgio el mayor. Venecia


Vignola 1507-1573
Influido por Alberti y Sangallo. Es manierista. Se
estableció en Roma en 1530, siendo discípulo de Miguel
Ángel a quien sucede en la basílica de San Pedro,
añadiendo las pequeñas cúpulas laterales.
VIL GESÚ sede de los jesuitas, que fue adoptado por
todas las iglesias de la Compañía.
Es de planta de cruz latina cuyo transepto no sobresale
en planta, de una sola nave con capillas laterales
comunicadas entre sí, cubierta por bóveda de cañón
con lunetos que la iluminan. Cúpula sobre pechinas
sobre el crucero. En el exterior, dos cuerpos unidos por
medio de volutas fue realizado por Giacomo della Porta.


Il Gesú 1568. Ideales
de la Contrarreforma:
No hay nartex: Una
nave central acoge a
los fieles, de manera
que la congregación
esté junta y
concentrada en el
altar mayor. En lugar
de naves laterales
hay una serie de
capillas
interconectadas que
sirven a la confesión
en un ambiente de
recogimiento. Quinquecento italiano 24

ESCULTURA
Miguel Ángel Buonarrotti 1475-1564
Benvenuto Cellini 1500-1571
Giambologna 1529-1608


Miguel Ángel 1475-15014. Aprendizaje
Nace en Caprese, cercano a Arezzo porque su padre era
Podestá del lugar y cuando termina su mandato, vuelve con su
familia a Florencia. Desea que su hijo se inicie en la carrera
diplomática, pero Miguel Ángel decide que ser pintor o
escultor. Para ello estudia escultura en el taller de Betoldo di
Giovanni seguidor de Donatello, y pintura en el taller de
Ghirlandaio a la edad de 13 años. Deja ambos talleres para
entrar en el jardín de Lorenzo el Magnífico de Medici, academia
libre de artistas, humanistas y poetas que intentan recrear el arte
antiguo basándose en textos, esculturas arquitecturas de la
antigüedad clásica. En ese círculo predominaba la filosofía
neoplatónica de Pico della Mirandola. Esta es una etapa en la
que Miguel Ángel comienza a esculpir en busca de la belleza
ideal. Virgen de la Escalera. Piedad. David

Características
 Influenciade Donatello.
 Busca representar IDEAS en el sentido neoplatónico y su
ideal de belleza.
 El mundo soñado por Miguel Ángel es un mundo de
GIGANTES, de actitudes grandiosas, facciones perfectas y
gestos terribles TERRIBILITÁ. Esas figuras son arquetipos
humanos, fruto de la unión de alma y cuerpo, la vida late en
todo el cuerpo y sus sentimientos apasionados se reflejan en
el rostro que carecen de expresiones superficiales.
 Cuerpos de anatomía perfecta , con una musculatura muy
acusada y en ocasiones en gran tensión, representando un
movimiento contenido y crispante. Esto es fruto de los largos
años dedicados al estudio de la anatomía y a la gran
impresión que le produjo el grupo del Laoconte, descubierto
en 1506. Los cuerpos en tensión describen posiciones ricas
en movimiento.
 Además de escultor y pintor, es arquitecto que intervendrá
en el diseño de la basílica de San Pedro.

Virgen de la escalera.
Relieve aplastado al modo
de Donatello. La
perspectiva de la escalera
sugiere profundidad. Las
figuras son ya colosales y
las anatomías rotundas y
muy bien estudiadas, con
movimiento contenido.
Estudios de los paños a la
manera clásica que se
pegan al cuerpo de la
Virgen que es una figura de
corpulencia casi masculina
de alto contenido espiritual.

Piedad 1497
Grupo escultórico de
composición cerrada y de
forma piramidal tallada en
mármol de Carrara. Armonía
al contraponer dos
movimientos: el eje vertical
del cuerpo de la Virgen y el
horizontal de Cristo. La
Virgen es una adolescente,
símbolo de su eterna pureza
y hay un sentido de gran
espiritualidad en su
expresión. El cuerpo de la
Virgen es enorme en
comparación con el de Cristo
que es más ligero. Gran
estudio de los paños y
pliegues, de gran plasticidad
y perfecto estudio de la
anatomía desnuda de Cristo. Quinquecento italiano 29

David. 1501
Última obra de juventud. Símbolo de
la República al representar al
personaje bíblico que se enfrentó
con un gigante Goliat, del mismo
modo que Florencia se enfrentaba a
sus grandes enemigos. Es una
figura gigantesca compuesta como
las figuras de la antigüedad en
contraposto. La anatomía es
perfecta y proporcionada según su
propio canon. La musculatura está
en tensión, modelando cada parte
anatómica, con un violento
movimiento contenido, y su mirada
ya tiene ese gesto duro y violento
de terribilitá. El artista no representa
la acción, sino su impulso moral, la
tensión interior que precede al
desencadenamiento del acto. italiano
Quinquecento 30

Etapa de madurez 1505-1533: En 1505 el Papa Julio II lo llama
a Roma para que realice su mausoleo, que le mantendrá
ocupado 40 años y nunca lo terminará y solo quedan EL
MOISÉS, que se encuentra en la iglesia de San Pedro in V¡ncoli
y DOS ESCLAVOS. Se encarga de la cúpula del Vaticano y de
la Capilla Sixtina. Julio II muere en 1515, Miguel Ángel vuelve a
Florencia donde el nuevo Papa León X le encarga la
construcción de la nueva sacristía con las tumbas de sus
antepasados los Medici (1520-1534) y la Biblioteca Laurenciana.
ETAPA MANIERISTA 1534-1548: En 1534 Miguel Ángel vuelve
a Roma para realizar los frescos del Juicio Final. Son estos los
años en los que Miguel Ángel frecuenta los círculos
"reformados" de Vittoria Colonna, durante los cuales sus
pensamientos se van concentrando más en la religión, en una
tensión espiritual de sublimación del amor tanto divino como
humano (platonismo).
ETAPA DE VEJEZ 1548-1564 Cuando termina el Juicio
Final, Paulo III le encomienda otros frescos, los de la Capilla

Miguel Ángel. Moisés.
Figura exenta de mármol. Es la
escultura central de la tumba de
Julio II. En él abandona el ideal
de la figura humana autónoma,
pues pertenecía a un grupo
escultórico más amplio y su
significado estaba completado
con el resto de las figuras. Le
dota de una aumento de la
expresividad: indignación de
violencia contenida y
representación de la ira por la
contracción extrema de sus
rasgos faciales y la tensión
anatómica.

Esclavo encadenado.
Escultura de bulto
redondo en mármol de
2,25 m. es una alegoría
del imperio de la
naturaleza sobre el
hombre, según la filosofía
neoplatónica. Formaba
pareja con el ESCLAVO
REBELDE que significaría
la rebeldía del alma
humana frente a esa
esclavitud de la
naturaleza. Está
inacabada.


Miguel Ángel. Tumba de Lorenzo Il pensieroso.
Concibe un espacio
arquitectónico vacío, símbolo
del espacio de la otra vida, del
alma liberada de la materia, a
este espacio se asoman las
figuras de los príncipes,
llegados de la vida. La idea de
que los muros son el umbral
entre el mundo y la vida
ultraterrena viene acentuada
por las cuatro esculturas
colocadas sobre los
sarcófagos: el día, la noche, la
aurora y el crepúsculo. Son
imágenes del Tiempo y la
torsión en espiral de sus
cuerpos significa el transcurso
del tiempo.

Miguel Ángel. Tumba de Giuliano de Medici.


Piedad Rondanini 1564.
En esta obra consuma su ruptura con el
clasicismo. Su arte se desliga de la
concepción de armonía y belleza y se
hace cada vez más expresión de una
idea, llegando al manierismo. En esa
escultura refleja la crisis religiosa por la
que pasó el artista en sus últimos años.
Es sólo un puro símbolo en el que las
formas están reducidas a una mera
estructura formal, llegando al
antinaturalismo extremo: es un grupo
escultórico inacaba, está desprovista de
cualquier detalle realista, hay una
despreocupación por la belleza plástica,
eliminación del esquema compositivo
anterior: no hay nada que contraste la
verticalidad de las figuras y es un
conjunto atormentado en el que nada
distrae al espectador de la sensación de
desolación que transmiten estas dos
figuras abrazadas formando un bloque.

Benvenuto Cellini 1500-1571
Comenzó siendo aprendiz de orfebre. Su
apasionado temperamento le hizo involucrarse en
continuas peleas y llegó a matar a un hombre. Llegó
a Roma en 1519 y fue discípulo de Miguel Ángel.
Trabajó para las principales familias de la
aristocracia romana. Fue encarcelado por dos
asesinatos pero fue perdonado y marchó a Francia
invitado por Francisco I, donde realizó el salero de
oro y esmalte. El monarca le concedió una pensión
anual pero regresó a Florencia donde trabajó bajo el
mecenazgo de Cosme I de Medici realizando el
Perseo en la que se muestran influencias de la
Miguel Ángel.

Perseo.
Tema elegido por Cosme I, como
símbolo de victoria sobre sus
enemigos. Perseo es un joven
héroe victorioso y sereno cuya
tranquilidad se convierte en
distanciamiento del horror de la
sangre que brota a chorros y de
las serpientes que se retuercen
alrededor del rostro de la
Medusa. Sólo se aprecia un
imperceptible fruncimiento de las
cejas y de las ventanas de la
nariz que expresa la emoción
contenida del héroe, dueño de
sus sentimientos. Quinquecento italiano 38

Cellini. Salero de Francisco I. Neptuno y
Venus.


Giambologna 1529-1608

 Juan de Bolonia nació en Flandes. Tras unos
estudios de artes en Amberes, se trasladó a Roma
donde estudió la obra de Miguel Ángel que le influirá
en la tensión y el dinamismo de sus figuras. Pío IV le
encargó la estatua de Neptuno. En 1553 se asentó
en Florencia donde se convirtió en escultor de los
Medici, realizando numerosas esculturas hasta su
muerte a la edad de 79 en la misma ciudad.
 Manierista, estudioso de la antigüedad e influido por
Miguel Ángel. Sus estatuas están cuidadosamente
equilibradas, dándole una ligereza y gracia.

Fuente de
Neptuno. Bolonia
Emplazada en el centro de la
ciudad. Fundida en bronce.
Torsión manierista en el
musculoso dios marino, sobre
un pedestal de mármol con
putti, delfines y arpías que
convierten en surtidores sus
pechos.Preferencia por las
formas redondeadas, que
debió aprender a su paso por
Francia cerca de los
manieristas de la escuela de
Fontainebleau

Rapto de las Sabinas
1582
Grupo escultórico de tres
cuerpos enlazados en el
espacio: el vencido en el
suelo con los miembros
encogidos, el romano que
dibuja un arco, y la Sabina
que intenta zafarse con un
gesto de su espalda. Rasgos
manieristas: alargamiento de
las figuras, gesto desmedido
y teatral, espacio angosto,
figura serpentinata: el grupo
gira como una espiral en
movimiento extremo. Quinquecento italiano 42

Mercurio. Museo
Louvre
Canon alargado y figura
serpentina Trabaja con
precisión músculos y
facciones. Mercurio
volador, es un agilísimo
estudio del cuerpo
juvenil en diagonal
anticipadora del barroco,
plena de virtuosismo
técnico y ligereza de
ballet.

Giambologna.
Estatua de Felipe III.
Madrid 1616

Terminada por Pietro Tacca.
Fue un regalo de Cosme de
Medici al rey. Realizada
basándose en un retrato de
Pantoja de la Cruz


Pintura

Leonardo Da Vinci 1452-1519
Se conservan de él muchos dibujos: anatómicos (internos y
externos), de movimiento, tanto de personas como de
animales, y de lugares reproducción de paisajes. Pero sólo se
conservan 15 pinturas y un fresco.
 Gran conocedor de las cualidades de la materia y de sus
texturas. Estudioso de los sentimientos y de los gestos.
Estudioso del dibujo, de la luz y del volumen.
 Le influyen las experiencias artísticas del s. XV a través del
taller de Verrocchio.
 Crea la PERSPECTIVA AÉREA utilizando el SFUMATTO
(modelado con líneas rectas dispuestas en el mismo sentido).
Su pintura es una gradación de luces y sombras a las que se
subordina el color. Sus figuras están inmersas en el paisaje al
que están unidas por obra de la luz.
Sus anatomías están tan bien estudiadas que tiene en
cuenta todos los aspectos orgánicos para realizar sus figuras.
Sentido del misterio.

Etapas artísticas
1452-1482: Nació en Andriano, aldea cerca de Vinci,
creció observando la naturaleza. Se trasladó a vivir a
Florencia con su padre en 1469 y hasta 1476 trabajó en
el taller de Verrochio, y de él le influyólos tipos faciales
(sonrisa). Retrato de Ginevra Venci.
 1482-1499: Se traslada a Milán a la corte de Ludovico
Sforza “el Moro” donde recibe encargos técnicos:
fundición de cañones, instalación de calefacción,
proyectos de urbanismo. Allí realizó apuntes sobre
anatomía humana, y continuó con sus estudios de
mecánica, de hidráulica, de óptica, de botánica y de
geometría y física. Realiza la Virgen de las Rocas,
retratos y la Última Cena. Milán fue tomada por los
franceses en 1499. Leonardo abandona la ciudad. de allí
va a Venecia, donde influirá en los pintores venecianos.

Andrea Verrocchio y Leonardo


Leonardo. Medidas humanas


Leonardo. Dibujos anatómicos.


Leonardo. Dibujos


Retrato de Ginevra Venci.
Hermana de un cosmógrafo
amigo de Leonardo. Retrato de
matrimonio, Óleo sobre
tela.Composición triangular y
cerrada. Nuevo tipo de retrato:
cuerpo ligeramente de perfil y
mirada hacia el espectador.
Estudio de la luz. Claridad viva
en el rostro SFUMATO
rodeada de una sombra casi
transparente que une la figura
con el paisaje. Claroscuro que
proporciona a la figura efecto
de volumen y profundidad. Los
tonos que utiliza son cálidos
que van desde el marrón
oscuro del enebro del fondo, al
naranja de los bucles y al rojo
del vestido, resaltando la
palidez del rostro, y
contrastando con el azul de las
montañas que se degrada en
la lejanía. PERSPECTIVA
AÉREA

Virgen de las Rocas.
Louvre 1483
Óleo sobre tabla trasferido a
tela. Encargada por la
confraternidad de la Inmaculada
de Milán. Composición cerrada
y triangular. Virgen arrodillada
con gesto protector hacia Jesús
y San Juan Bautista. Hay "un
aura de manos" alrededor de
Jesús que lo aísla del resto. El
ángel es la figura enigmática y
misteriosa que mira al
espectador y señala hacia algún
lugar fuera del espacio pictórico.
El tema se enmarca en un
fondo de rocas naturalistas pero
de luz misteriosa. Figuras
naturalistas idealizadas. El color
está muy deteriorado por el italiano
Quinquecento 53
paso del tiempo.

Leonardo. Santa Cena. 1498.


Santa Cena
No fue ejecutada al fresco. Utilizó una sustancia que contenía
aceite y barniz y la pintura se deterioró y en 1642 ya casi no
se veía. Repintada varias veces. Leonardo escogió el
momento justo de " uno de vosotros me va a traicionar". Está
tratada con perspectiva lineal, cuyo punto de fuga se
convierte en figura central. Cristo es un triángulo equilátero y
la composición es simétrica. Los personajes se distribuyen en
grupos de tres a ambos lados de Cristo. En el primer grupo a
la izquierda: Bartolomé, Santiago el Menor y Andrés hablan
entre ellos, incrédulos‚ de lo que oyen (importancia de los
gestos de rostros y manos), en el segundo, Pedro se inclina
hacia Cristo, detrás de la figura de Judas, que se retrasa
aferrando la bolsa de las monedas, a su lado Juan, pensativo.
Sitúa la mano de San Pedro entre ambos, diferenciando la
inocencia y la traición. En la parte derecha, Tomás levanta
un dedo, al lado de Santiago Mayor y Felipe, y el ultimo grupo
Mateo y Simón se dirigen gesticulando a Tadeo que está en
un extremo de la mesa. Quinquecento italiano 55

Dama del Armiño
1485
La representa con el rostro
girado sobre el hombro
izquierdo, con un armiño
blanco (símbolo del duque
de Milán y de la pureza) en
los brazos. Los colores
resaltan sobre el fondo
oscuro. Juego sutil de luces
y sombras del rostro,
intentando evitar los
contrastes de la luz natural.
Los dedos ahuesados de la
mujer, repetirán postura en
la Gioconda.


Gioconda. 1505.
Pintura de mirada y sonrisa
enigmáticas y misteriosas.
Paisaje extraño y fascinante
Aire "espeso" donde se
ennegrecen las recortadas
rocas y horizonte incierto.
Sfumato, estudio de
texturas, perspectiva
aérea. Representa a la
segunda esposa - Mona
Lisa- de Francesco del
Giocondo, un comerciante
de Florencia.

Última etapa 1507-1519
Vuelve a Milán llamado por Charles D'Amboise para
ser pintor de corte, ingeniero, arquitecto y supervisor
artístico. En esta época viajó mucho y se interesó por
los paisajes y la geología. Allí pintó Santa Ana, la
Virgen, y el nbiño. A la muerte de Charles, viaja a
Roma, llamado por Giulianno de Medici -Leon X-. Se
instaló en unas habitaciones de el Vaticano y siguió
con sus investigaciones, pero al morir el Papa en
1516, fue llamado por el rey de Francia y se
estableció en el castillo de Cloux cerca de Ambois
(Francisco I), donde murió el 2 de mayo de 1519.


Santa Ana y la
Virgen.
Tema inacabado, donde se
aprecia la aplicación del
color por veladuras,
viistiendo el cuerpo
desnudo. Composición
piramidal. Ana expresa a
través de su sonrisa la
alegría al contemplar a su
descendencia terrenal
asociada a la gloria celeste.
La expresión de María es a
la vez de ternura y
profunda tristeza por ver el
futuro de su hijo, que está
resaltado por el cordero.
Todo ello enmarcado en un
paisaje naturalista pero
misterioso e irreal.
SFUMATTO,

Miguel Ángel. Características y primera etapa
Predominio de la línea, el dibujo como todo racional y como
individualización de sus formas escultóricas. Desnudos. Colores
son casi estridentes. Anatomías rotundas, escultóricas y
masculinas en tensión máxima. TERRIBILITÁ
TONDO DONI 1503. Cuadro de boda para Agnolo Doni y
Maddalena Strozzi. Gran medallón de figuras escultóricas, de
varios significados (neoplatonismo): la Sagrada Familia,
sucesión de las generaciones y relación del cristianismo con el
mundo pagano. La Virgen y San José‚ representan el Antiguo
Testamento, el Niño el Nuevo testamento: los desnudos el
muro pagano, separados por un muro San Juan niño es el lazo
de unión de los dos mundos. Las imágenes tienen contornos
delimitados, colores alternantes para buscar la armonía y son
brillantes. Relieve escultórico, Movimientos en espiral. Los
brazos musculosos de la Virgen revelan el ideal de belleza
masculina del artista.

Tondo Doni 1503. Ufizzi


Capilla Sixtina 1508-1512


Capilla Sixtina
Representación neoplatónica: el alma liberada del cuerpo
vuelve a la esencia a Dios. Concibe una estructura en la que
arquitectura no busca el efecto ilusionista, ni la proporción entre
las figuras sino que busca distintos niveles de profundidad para
insertar las figuras, y sirve para unir las paredes con la bóveda
mediante una sucesión de arcos y de lunetos.
En los lunetos: antepasados de Cristo. En las bovedillas,
familias de judíos que esperan al Mesías. Entre las bovedillas,
los profetas y sibilas. En el centro, escenas del Génesis
(Embriaguez de Noe, Creación de Eva, Separación de las
Aguas, separación de la luz y las tinieblas, que se hallan entre
dos parejas de desnudos y el Diluvio, el Pecado Original, la
Creación de Adán y la Creación de los astros), entre ellas se
sitúan desnudos masculinos posiblemente símbolos de la
Antigüedad
Falta de unidad del espacio: la composición se divide en una
serie de episodios que corresponden a unos grupos destacados
en los que el color de los cuerpos desnudos y los mantos

Miguel Ángel. Creación de Adán.


Dibujo Adán


Pecado y expulsión del paraíso


Miguel Ángel. Sibila de Delfos.


Miguel
Ángel.
Isaías


Miguel Ángel. Sibila de Libia.


Ignudos


Capilla Sixtina
SIBILAS Y PROFETAS: Los 7 profetas son los de la tradición
hebrea: Zacarías, Joel, Isaías, Ezequiel, Daniel, Jeremías y
Jonás. Las 5 Sibilas de Delfos, de Eritrea, Cunas, Persia y
Libia. Trabaja estos personajes primeramente en dibujo a lápiz
con la figura desnuda (incluso las sibilas son masculinos), y
cada detalle por separado, después las cubre de ropa. De ese
modo logra la presencia y el movimiento del cuerpo bajo las
ropas. Armonía de colores entre el amarillo, el violeta, el verde
agua de los vestidos y el rosado de la carne. Las sibilas son de
proporciones gigantescas que van aumentando a medida que
se avanza desde la entrada hasta el altar.
Las escenas de la creación son las últimas que realiza. En
ellas la intensidad del tono de los colores es mayor, intenta
una búsqueda casi de bulto redondo y el espacio en el que se
desenvuelven es más amplio.

Juicio
Final.


Juicio Final
Concibe la escena con multitud de cuerpos desnudos que son
arrastrados por un poderoso torbellino en un drama lleno de
pasión, interpretado por una muchedumbre de seres en estado
de desnudez esencial, con enormes musculaturas.
Un Cristo imberbe y juvenil realizado a partir de
representaciones antiguas de Apolo, se vuelve hacia los
malditos, esbozando el gesto terrible de su condena. Recogida
a su lado, la Virgen desvía su mirada hacia los benditos.
Debajo de Cristo, unos ángeles llaman a los muertos con sus
trompetas y éstos resucitan. En frente de los malditos, que
caen, los benditos ascienden. Estas masas en movimiento se
recortan sobre un cielo plano. La composición se basa en una
complicada estructura que se articula en registros horizontales
y verticales, y se desarrolla un movimiento giratorio que une las
ascensiones y las caídas alrededor del espacio central donde
se encuentra Cristo juez. A los pies de Cristo se representa a
San Bartolomé‚ (y en su piel un autorretrato) y a los pies de la
Virgen, San Lorenzo. A Quinquecentoestaba dedicada la Capilla
ellos italiano 73

Rafael Sanzio 1483-1520
Pintor muy naturalista, copia del natural.
Composiciones equilibradas y claras.
 Influencias: Perugino, del que aprende las técnicas del s.
XV, Leonardo el lenguaje clásico, la expresión y el
sentimiento, Miguel Ángel, sentido monumental de las
figuras..
Sus personajes tienen un sentido humano y elevado a la vez.
En sus retratos representa los trajes como signo de estatus
social, e intenta indagar en su psicología. Seres de gran
intensidad expresiva, dignidad y fuerza humana.
Identifica belleza y bondad.
En sus cuadros de vírgenes estudia la relación de ésta con el
Niño por medio de gran variedad de expresiones.
Última etapa manieristaa

Etapas
 1483- 1504. Nace en Urbino era hijo de un modesto pintor.
Se traslada a Perugia al taller de Perugino donde asimila la
tradición clasicista del s. XV, con un naturalismo idealizado
y dulce. A los 17 años Rafael ya es maestro y le encargan
LOS ESPONSALES DE LA VIRGEN. 1504-1508
 1504-1508 se traslada a Florencia donde aprendió de
Leonardo y Miguel Ángel. Las familias burguesas
florentinas le encargaron retratos y cuadros de Madonas.
 1508-1514 llamado a Roma por Julio II. Trabajó en la
basílica de San Pedro y se le encargo realizar los frescos
de las ESTANCIAS DE LA SEGNATURA.
 1514-1520 Muchos encargos y amplió su taller. En 1515
fue nombrado supervisor de los monumentos antiguos de
Roma, con un status similar al de los ministros de la corte
del nuevo Papa León X. Frescos en el Vaticano, cuadros de
altar, retratos.


Desposorios de la Virgen.
1504
En el amplio arco del cuadro,
sobre el horizonte destaca la
arquitectura del templete,
totalmente clasicista al modo
de Bramante. El punto de
fuga lo determina el infinito de
luz que entra por la puerta del
templo. Cabeza y cuello de
María curvado (influencia de
Peruginoi). Rompe la simetría
con el muchacho que rompe
el palo. Los personajes
destacan su silueta sobre el
fondo simétrica‚ de un suelo
enlosado.

Perugino Desposorios de la Virgen


Retrato de
Magdalena Doni.
1506
La posición de la figura es
una repetición de la
Gioconda. El paisaje se
abre hacia el horizonte
dibujado. El volumen de la
figura está precisado en los
grandes pliegues de las
mangas, en primer plano, y
en la rotundidad del busto y
la cabeza. Utiliza el módulo
oval en el escote, cara y
ojos. Su luz es clara y
transparente y el contorno
se recorta del fondo.
Detallismo en la
representación de telas y
joyas

Madonna de Gran
Duque. 1505 Palacio
Pitti
Es la primera Virgen de
las pintadas en Florencia
(aún lleva el velo azul
sobre la cabeza como las
representaba en Umbría).
Como novedad, un fondo
oscuro que no se sabe si
es original (el análisis de
rayos X pondría de relieve
un paisaje de fondo al
modo de Leonardo).

Rafael.
Sagrada
Familia del
Cordero.
Museo del
Prado. 1507


Escuela de Atenas
El fresco representa el empeño de los hombres de todos los
tiempos por hallar la Verdad racional. El marco es un gran
templo monumental con dos dioses tutelares (esculturas de
Apolo y Minerva). Arquitectura de estilo de Bramante, con altas
bóvedas que dejan ver un trozo de cielo, representando los
problemas sucesivos y todavía abiertos en la arquitectura de la
ciencia.
La arquitectura encuadra a las dos figuras centrales: Platón con
su Timeo y Aristóteles con su Ética, simbolizando que la
búsqueda de la causa primera y la moral son complementarias
en la existencia humana. Cerca de ellos los filósofos
especulativos en la parte superior y los empíricos en la inferior
de la escalinata. Uniendo ambos, Diógenes. Una vez acabado
el fresco, se añadió sobre una nueva capa el monolítico
Heráclito que podía representar a Miguel Ángel, apoyado sobre
un bloque de piedra, fue añadido en 1511.
Composición geométrica. Perspectiva lineal. Predominio de la
línea. Retratos de personajes contemporáneos. Armonía
cromática.

Platón y Aristóteles/ Leonardo y Bramante.


Escuela de Atenas.Autorretrato.


Madonna Sixtina. 1513
Cuadro de altar para la iglesia
de San Sixto en Piacenza.
Representa a la Virgen con S.
Sixto y Santa Bárbara. El tema
es novedoso, representa una
teofanía, una visión divina que
se nos descubre al descubrirse
unas cortinas. De este modo se
anticipa al Barroco. La Virgen
(es La Fornarina modelo de
Rafael). Está tratada con un
contraposto y avanza hacia el
espectador, por indicación de
los Santos, viene en nuestro
auxilio, en dirección a nuestro
mundo. La Virgen y el robusto
Niño, de cabellos desordenado,
atraen nuestra mirada con las
suyas, preocupadas, intensas,
fijas en las nuestras.

Retrato de Baltasar de Castiglione. 1515
Pintado sobre un lienzo
finísimo pegado a una tabla.
Era gran amigo del pintor.
Lleva un sombrero a la moda
para ocultar su calvicie. Una
blanca camisa plisada ilumina
el conjunto, atrayendo nuestra
atención al rostro, suavemente
sonrosado, y difuminado, de
mirada penetrante y amistosa,
muy afable. Los colores son
tonos grises, negros, blancos y
rosas en sfumatto. Vibrante luz
del fondo. Retrato vivo y
refinado. La composición sigue
la de la Gioconda con un
pequeño giro de la figura y el
ropaje dispuesto con gran
amplitud.

Retrato de León X.
1518
Virtuosismo en la
representación de calidades,
texturas y reflejos. El rotundo
volumen de la figura papal, ha
sido ennoblecido por las
delicadas manos de erudito. El
rostro, aparentemente pacifico
y bonachón, queda marcado
por la mirada torcida y dura,
como corresponde a un Papa
que había mandado ajusticiar
al cardenal Petrucci, conjurado
contra él. Las otras dos figuras
fueron pintadas después. Se
abandona el fondo brillante
para dar fuerza a los colores
del primer plano, donde la
púrpura papal destaca.

Transfiguración. 1520
Rompe la unidad, composición en
diagonal, intenso estudio de la luz y
efectos muy dramáticos. Dos escenas:
la transfiguración compuesta en círculo,
Cristo suspendido en el aire con Moisés
y Elías. Los apóstoles en el suelo,
cierran el círculo. Rafael los pintó con
proporciones menores, para poder
unirlos más íntimamente al suelo.
Separada de esta escena por una zona
oscura, está la parte terrenal, en la que
se representa la la curación del Poseso.
Se articula en una diagonal oscura y
existe un violento contrastes entre luces
y sombras. Con un dibujo preciso
refuerza su gran realismo y su sentido
dramático. Las dos zonas sólo están
conectadas con las líneas de los brazos
que claman a lo alto. Este cuadro
muestra una gran expresividad que
rompe con la estructura clasicista.

Tiziano Vezellio 1489-1576
Nacido en las Dolomitas. Fue educado por los Bellini
y por Giorgione. En 1510 estuvo en Padua
trabajando en los frescos de la Scuola del Santo,
regresó a Venecia en 1512 y en 1516 se convirtió en
pintor de la República como sucesor de Giovanni
Bellini. En 1532 encontró a Carlos V en Bolonia y
pintó su retrato, más tarde ocupó el cargo palatino de
pintor de la corte del Imperio, y se le nombró conde
con una renta anual, convirtiéndose‚ en amigo
personal del emperador. Visitó Roma una sola vez en
su vida en 1545 y allí pintó al Papa Paulo III. Visitó la
corte imperial de los Augsburgo en 1548 y 1550,
donde pintó retratos oficiales de la corte. Trabajó
para Felipe II. Fue uno de los hombres más famoso
de su tiempo. Murió en Venecia en 1576.

Características
Gran estudio de la luz, que es muy brillante. Predominio
del color sobre la línea. Colores dorados en paisajes y
anatomías.
Importancia de los temas secundarios y anecdóticos.
Contemplación poética del paisaje.
Sensualidad de las anatomías y vitalidad.
 Exaltación del lujo mediante la textura y calidades de
ricas telas.
Contrastes de luces y sombras. Sombreados de
contornos sfumattos y perspectiva aérea.
INFLUENCIAS: Clasicismo de los hermanos Bellini. Giorgione,
influenciado a su vez por Leonardo: libertad subjetiva en la
representación, frente a la objetividad cuatrocentista,
representación de la naturaleza y el desnudo sensualidad.
 Pintor de temas religiosos, mitológicos, históricos, alegóricos,
retratos. Quinquecento italiano 90

Retrato de caballero.
1510
Lo pintó cuando contaba 20
años. Es uno de los primeros
retratos venecianos que
influirán en el barroco
flamenco de Rembrandt. La
silueta es piramidal. Se
extiende a través de casi
todo el lienzo. Fuerte
contrate de la luz de la cara y
el escote, con el negro de la
barba y el cabello. Lo más
importante ya es el color de
la manga (azul tornasolado,
blancos, grises, púrpuras,
con trazos rosas, rojos y
malvas), reflejo de la luz en
los canales venecianos.

Amor Sacro, Amor Profano 1515

Es un tema hermético: dos figuras de mujer personifican el amor
divino vestido y reservado, y el amor profano desnudo y vitalista,
en contraste. También es un contraste el sarcófago como fuente
de vida y contraste en la composición entre las verticales de las
figuras y las horizontales del paisaje y el sarcófago; en los
colores: el gris casi metálico y el rojo, los verdes oscuros del
paisaje y el cielo rojizo del crepúsculo. Fusión de figuras y
paisaje. Luminoso colorido. Sensualidad naturalista. Idealismo
festivo. Quinquecento italiano 92

Asunción de la Virgen 1518
Monumentalidad de las figuras.
Vigoroso modelado por efectos de
claroscuro y el atrevido color rojo.
Perspectiva y escorzos. Los apóstoles
en posturas diversas crean una base
rectangular que conecta la
composición con el espectador. Una
media luna de nubes proporciona un
espacio al dorado que reluce detrás
de la Virgen. La Virgen, con su túnica
roja arremolinada por su movimiento
ascendente, sugiere la idea de
levitación. La figura de Dios es tan
escorzada que solo muestra la
cabeza, y está enmarcada por una
corte de querubines pintados en
distintas intensidades de luz y
sombras doradas. Quinquecento italiano 93

Bacanal 1525. Museo del Prado


Bacanal
Sobre un fondo azul y nubes doradas nos muestra la
alegría que el vino produce, siguiendo una cita clásica.
La musa dormida es Ariadna y es de gran sensualidad
(aquí sigue en composición y sensualidad a Giorgione,
creador de las primeras Venus recostadas y
desnudas). Anatomías musculosas (las masculinas),
basadas en Miguel Ángel. Composición de las figuras
con movimientos naturales. Contexto veneciano con un
paisaje que desempeña en la pintura un papel igual al
de los personajes y está fundido a ellos. Estudio de la
luz, sensaciones ópticas de luz y atmósfera
coloreadas. Representación perfeccionista de las
texturas y calidades de carnaciones, telas, vidrios.
Colores brillantes.

Tiziano. Venus de Urbino. 1538


Venus de Urbino
Encargada por el hijo del duque de Urbino. Representa a una
joven desnuda tendida sobre un lujoso lecho en el interior de un
palacio veneciano. En el fondo se observa una gran ventana por
donde entran reflejos de la laguna. Al lado de la ventana dos
criadas de espaldas acomodando ropas en un arcón de bodas,
que puede evocar la caja de Pandora. El perro es signo de
fidelidad.
Se inspira en la Venus Dormida de Giorgione. Las flores en la
mano derecha resaltan el erotismo, reforzado por la luz i dorada
que ilumina al cuerpo. Contrasta con el oscuro del fondo y el
colchón.
La fuga de la perspectiva se dirige hacia la derecha y está
acentuada por las criadas totalmente vestidas y con tonos fríos
que aportan realismo, la presencia de la columna y el árbol en el
punto de fuga, y los sucesivos planos iluminados y sombreados
que se resaltan en las baldosas.

Carlos V en Mülhberg 1548. Museo del
Prado
Retrato ecuestre del
Retrato ecuestre del
emperador como «soldado
de Cristo». Conmemora la
victoria de Carlos V en la
batalla de Mühlberg
acaecida el año anterior.
Muestra al emperador a
caballo, detenido frente al
río Elba. Tanto la luz como
los colores son cálidos,
rojos, ocres. El rostro del
emperador está serio e
impasible. Tiziano fue muy
hábil, al suavizar los rasgos
menos agraciados del
monarca. En el paisaje no
se representa a los
enemigos derrotados Quinquecento italiano 98

Danae 1553. Museo del Prado


Retrato de Paolo III. 1543


Ecce
Homo
1570


Autorretrato.
Tiziano con 72 años mira
más allá. Figura
monumental. La intensidad
de sus ojos, el rojo
encendido de sus labios y la
cadena contrastan con el
negro. Las manos y la cara
no están pintadas en colores
naturales, sino con tonos
que armonizan con el brillo
anaranjado que domina en
mangas y camisa. Las
pinceladas sueltas, pueden
distinguirse una a una. El
color blanco puro, añaden
un toque brillante a una
composición sombría.

Tintoretto 1518-1594
Tintoretto es el apodo. Inició su aprendizaje con el Tiziano
manierista del que aprendió el color y las sombras. En 1539
ya se establece como maestro y atrae a una importante
clientela lo que le obligó a abrir un importante taller donde
trabajaban sus hijos. El Palacio Ducal y las grandes Scuolas
son sus principales clientes, destacando la decoración
realizada para la Scuola Grande di San Rocco.
Se convierte en el pintor de los escorzos y de las
diagonales. Sentía pasión por los efectos de las luces. Hacía
figuras de cera de sus modelos y experimentaba con ellas
colocándolas en distintos ángulos para ver el efecto de la luz
antes de pintarlos. Como resultado de estas pruebas,
algunas figuras aparecen en más de una de sus obras,
siempre pintadas con diferente iluminación. A veces tomaba
como modelos a muertos estudiados en escuelas de
anatomía. Quinquecento italiano 103

Descubrimiento del cuerpo de San Marcos. 1562

Lienzos de gran
tamaño con la
escena de san
Marcos. Perspectiva
lineal. Violentos
escorzos y
contrastes de luces y
sombras. Espacio
imaginario e irreal.


Lavatorio de los pies 1547. Museo del Prado

Obra de la Scuola de San Marcos. Tras trazar el escenario, Tintoretto introdujo los
personajes pensando en el punto de vista del espectador. El cuadro se ordena a lo
largo de una diagonal que, partiendo de Cristo, prosigue por la mesa en la que
aguardan turno los apóstoles para acabar en el arco al fondo del canal.
El lavatorio ilustra la nueva concepción espacial manierista perceptible en el uso de un
punto elevado en las composiciones, lo que unido a la inclusión de elementos
arquitectónicos, les otorgó mayor dinamismo y profundidad.

Veronés 1528-1588
Se le conoce por su localidad de nacimiento, Verona. Se formó
con artistas de segunda categoría, asimilando rápidamente el
manierismo. A partir de 1553 se documenta su participación
como decorador de techos en el Palacio de los Dux de Venecia,
con una atrevida perspectiva y desnudos en complicadas poses
que ocupan todo el espacio. Su gran especialidad fueron los
cuadros bíblicos, que sirven como pretexto para introducir
multitud de figuras vestidas a la moda veneciana del siglo XVI,
perros, monos, loros, etc., que llenan las escenas de luz y color.
La libertad con que interpretó los temas sagrados le provocó
problemas con la Inquisición, que le obligó a modificar algunas
partes de la Última Cena por considerarlas irreverentes. Veronés
decidió cambiar el título por Cena en casa de Leví. Nadie como
el maestro supo representar la riqueza y magnificencia de la
Venecia del siglo XVI. En su última etapa prefiere los tonos
crepusculares y nocturnos a las luces del mediodía, como se
observa en el Moisés rescatado de las aguas.

Cena en casa del rico Leví.


Bodas de Caná 1563. Louvre


Veronés. Moisés
salvado de las
aguas.


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