1. El arte del renacimiento Isabel Parrillasiglos XV y XVI

2. El arte del renacimiento es el movimiento cultural y artístico indicado en Italia que se desarrolla a lo largo de los siglos XV y XVI. Comprende dos periodos, el Quattrocento (s. XV ) en Florencia, donde trabajó el arquitecto Brunelleschi, el escultor Donatello y el pintor Boticelli, y el Cinquecento (s. XVI)en Roma donde surgieron algunas de las figuras mas destacadas del arte universal: Leonardo Da Vinci, Miguel Ángel y Rafael. El Renacimiento dirige sus ojos al clasicismo romano y al hombre como centro de las cosas, superada la tradición teocéntrica medieval. El arte renacentista fue la mas alta expresión del renacimiento, por el número de innovaciones artísticas y las nuevas propuestas que en ellas se reflejan Introducción

3. La arquitectura del renacimiento abandona los planteamientos del Gótico. Sus edificios recuperan las dimensiones humanas , se reduce su tamaño y se retoman los elementos constructivos grecolatinos. El redescubrimiento de la proporcionalidad Del análisis de los monumentos antiguos y de las fuentes literarias y filosóficas, se desprende la importancia de las proporciones, del número, de la medida, como fundamento de la belleza arquitectónica. De estas mismas fuentes los arquitectos deducirán los conceptos de originalidad y grandiosidad, que serán incentivos esenciales para el desarrollo de la arquitectura renacentista. La proporcionalidad matemática del conjunto arquitectónico (planta, alzado, columnas, capiteles, entablamentos y cornisas), convierte los edificios del renacimiento en construcciones racionalmente comprensibles, cuya estructura interna se caracteriza por la claridad. La arquitectura

4. Se valora la superficie de los muros. Exteriormente se realzan los sillares mediante el clásico almohadillado; e, incluso, se tallan como puntas de diamante. En los interiores se anima la propia superficie del muro a través de elementos armónicamente equilibrados: cornisas, pilastras, columnas enmarcadas, etc. En cuanto a los soportes, se utiliza la columna fundamentalmente, tanto por su función constructiva (sustentante), como decorativa, bien aislada, formando arquerías o combinada con pilares. El arquitecto renacentista desprecia el arco ojival o apuntado, característico del estilo gótico, y vuelve a utilizar, de forma sistemática, el arco de medio punto. En los sistemas de cubierta se produce una profunda renovación, ya sean estas de madera o de piedra. En las cubiertas de madera el tipo más utilizado es el artesonado. En las cubiertas de piedra se emplean preferentemente las bóvedas de cañón, las de arista y las rebajadas o vaías. El repertorio decorativo se inspira en los modelos de la Antigüedad. La decoración de tipo fantástico, en la que el artista funde caprichosamente los diversos reinos de la naturaleza creando seres monstruosos, en parte animales, en parte humanos y en parte vegetales o inanimados, recibe el nombre de grutescos. Rasgos específicos de la arquitectura renacentista.

5. Capilla Pazzi (Florencia). F. Brunelleschi.

6. Se impone la exaltación del ser humano -Prima la belleza sobre lo religioso/didáctico. -El desnudo humano vuelve a ser las suma de las perfecciones. -Se desarrollan géneros como el retrato o el sepulcro que reivindican la valía o gloria de personas particulares. -El artista se convierte en un genio admirado por sus contemporáneos. Se busca crear obras perfectas en proporciones (canon), volumen, movimiento, perspectiva, material empleado (mármol, bronce)…. Se recupera la antigüedad grecorromana en su historia, en sus artistas, en sus obras y en su mitología. La escultura del Quattrocento

7. Brunelleschi ( el sacrificio de Isaac) 1401 , bronce Artistas importantes: Donattelo ( John el evangelista) 1410, 1411

8. Modelo humano robusto. La figura y los volúmenes por encima de la profundidad. Retorcimientos musculares, curva serpentinata. Inspiración relieves romanos. Las esculturas representan serenidad ,quietud. La perfección en las proporciones será una obsesión en los artistas renacentistas. Contraposto: consiste en la oposición armónica de las diversas partes del cuerpo humano. La escultura del Cinquecento.

9. El David de Miguel Ángel.

10. El ser humano es el tema principal. Hay interés por el estudio anatómico y por ello se introduce el desnudo. Naturalismo idealizado en la representación. Nuevas técnicas como la pintura al óleo, soporte en lienzo, esbozos preparatorios, etc. Dominio del dibujo sobre el color. Uso de esquemas formales sencillos geométricamente. Se impone la claridad en la composición. Se aplica la perspectiva lineal teorizada por Alberti que a si mismo teoriza la perspectiva aérea: la relación tamaño-distancia se completa con la de color distancia. Nueva temática: algunos géneros cobran importancia como el retrato, temas mitológicas, surge el paisaje que llega a convertirse en tema principal. La pintura del Quattrocento.

11. Nacimiento de Venus- 1470 de Botticelli.

12. Uso mas suelto del color Menor importancia del dibujo y la línea. Predominio de la composición triangular. Las figuras se organizan siguiendo esquemas compositivos que recuerdan a figuras geométricas. Diversificación del paisaje Interés por la luz y la sombra. Mayor volumen de las formas Innovaciones técnicas: perspectiva aérea y sfumato, el óleo. La proporción de las partes del cuerpo entre sí y de éstas con el entorno evolucionan hacia la perfección. La pintura del Cinquecento

13. Leonardo Da Vinci (La Gioconda o Mona Lisa) Artistas mas importantes: Rafael ( Escuela de Atenas)

14. Miguel Ángel (La creación) en la Capilla Sixtina