Lucia Daniela Malpica Blanca

1. Lucia Daniela Malpica
Blanca.
29.782.481.
Diseño Gráfico.
Extensión. Barcelona-
Puerto La Cruz

2. El nacimiento del mundo moderno nos
adentra en pleno siglo XVIII mostrándonos
una era de revoluciones, un período de
«inestabilidad e interrupción». El orden
mundial que surgió después de 1815 marca el
inicio del papel central que comenzará a
tener el Estado a partir del siglo XIX.
Como consecuencia de las transformaciones
económicas y culturales que fueron
generándose desde finales de la Edad Media,
tanto la reflexión filosófica como la
conciencia burguesa que empezó a
desarrollarse desde y durante esa época
fueron sentando las bases de lo que sería el
mundo moderno.

3. La Revolución Industrial fue un proceso histórico
de transformaciones económicas y sociales que
tuvo lugar aproximadamente entre 1760 y 1840, y
que desencadenó cambios sin precedentes en las
sociedades occidentales y, luego, en todo el
mundo
Comenzó en Inglaterra, donde habían confluido
una serie de condiciones económicas, políticas,
sociales y tecnológicas favorables a este gran
cambio. A lo largo del siglo XIX se extendió a otros
países de Europa occidental, Estados Unidos y
Japón.
La Revolución Industrial marcó un antes y un
después en la historia de la humanidad.
Especialmente porque su impacto se extendió a
todos los ámbitos de la sociedad. Ejemplos de ello
son los importantes avances en el transporte, la
mejora de la productividad y el aumento de la
renta per cápita.

4. La pintura impresionista nace a partir de la
segunda mitad del siglo XIX y quiere, a
grandes rasgos, plasmar la luz y el instante,
sin importar demasiado la identidad de
aquello que la proyectaba. Las cosas no se
definen, sino que se pinta la impresión visual
de estas cosas, y eso implica que las partes
inconexas dan lugar a un todo unitario (algo
que años después demostraría científica y
psicológicamente la Gestalt).
Se caracteriza por su persistente
experimentación con la iluminación (similar al
luminismo). El manejo de la luz se considera
como un factor crucial para alcanzar belleza y
balance en la pintura.

5. El naturalismo fue un movimiento artístico,
principalmente literario, surgido en Francia
durante la segunda mitad del siglo XIX, que se
extendió al resto de Europa y a los Estados
Unidos, y cuyo representante más destacado fue el
escritor Émile Zola (1840-1902).
A finales del siglo XIX surge en la pintura francesa
un movimiento que busca enfatizar las cualidades
pictóricas realistas. A menudo el término
naturalismo se intercambia con el de realismo,
confundiéndose. Asimismo, se conoce por otros
nombres, como Bande Noire o Les Nubiens. El
naturalismo pictórico se caracteriza en sus obras
presentando los temas de paisaje, actividades
humanas al aire libre o en relación directa con
animales o plantas. Una parte importante del
movimiento naturalista radica en su perspectiva
darwiniana de la vida y su creencia en la futilidad
de los esfuerzos humanos contra las fuerzas de la
naturaleza.

6. Es un material gráfico cuyo objetivo es
transmitir un mensaje.
Los afiches constituyen uno de los recursos
más eficaces para la difusión masiva de un
producto. El mensaje de éstos debe ser
sumamente claro, específico y usar lenguaje
persuasivo y de calculada elaboración
lingüistica, como juegos de palabras, rimas,
figuras retóricas (literarias y gráficas) que
concentren la atención del receptor al que
está dirigido.
Los afiches se utilizan en campañas muy
amplias a nivel nacional o regional, o bien
dentro de un circuito cerrado; sirven para
promover eventos, exposiciones y productos
diversos, por consiguiente, deben exponerse
en muchos lugares.

7. El movimiento Arts & Craft surge en Inglaterra a finales
del siglo XIX, y se difunde como comente artística que da
lugar a lo que en España se conoce como Modernismo
-Art Noveau en Francia, Jugendstil en Alemania,
Sezessionstil en Austria-, tendencia caracterizada por el
uso de líneas serpenteadas y asimétricas que constituye,
sobre todo, un arte del ornamento.
El Arts & Craft -Artes y Oficios-, está asociado a la figura
de William Morris, un artesano, impresor, diseñador,
escritor, poeta, activista político y vehemente
neorromántico, que se ocupó durante gran parte de su
vida de preservar las artes y los oficios medievales
renegando de las nacientes formas de producción en
masa.
Entre las ideas más características del Arts & Crafts no
solo se encuentran principios estéticos, sino también
filosóficos, éticos y políticos. Algunos de los más
destacados eran: El rechazo de la separación entre arte y
artesanía; el diseño de los objetos útiles es considerado
una necesidad funcional y moral.

8. El art nouveau es refinado, lujoso y elegante.
Usa materiales caros y procura acabados
finos y delicados. Asimismo, comparte el
mismo gusto por el arte japonés que otros
movimientos contemporáneos, como el
simbolismo y el postimpresionismo.
El arte Nouveau es partidario de que el arte
intervenga en las urbanizaciones y ciudades
para transformarlas en espacios donde la
naturaleza esté muy presente. Las formas
libres, naturales, fluidas, asimétricas y
dinámicas son preferidas en este estilo
decorativo o de diseño. Los colores
característicos del estilo art nouveau son
tonos suaves dentro de las paletas de los
grises, amarillos mostazas, marrones,
aceitunas y lilas. Las paredes se cubren de
hermosos estampados, incluso excesivos.

9. La escuela Bauhaus fue fundada 1918 por
Walter Gropius en la ciudad de Weimar,
Alemania, con la idea de crear una obra de
arte total en la que todas las artes serían
reunidas. El estilo Bauhaus se convirtió en una
de las corrientes más influyentes en la
arquitectura modernista y el diseño moderno.
En el diseño Bauhaus se utilizan materiales
totalmente auténticos como metales, madera,
acero, vidrio, plástico o incluso cuero.
La curiosidad es que en el estilo Bauhaus el
diseño industrial se potencia con los colores
más vibrantes como el cromo, gris, marrón,
blanco (muy de moda) e incluso negro.
Perseguían la armonía entre arte e industria.
Lograr una cultura del pueblo y para el
pueblo era una meta común en los
movimientos culturales de la época que
pretendían innovar.

10. El pop art es un movimiento que surge a finales de
1950 en Inglaterra y, más tarde, en 1960 en Estados
Unidos. Su auge dura aproximadamente hasta la
década de los años 80. Durante este tiempo, las
obras creadas dentro de este movimiento expresan
una crítica social a la realidad que se estaba
viviendo en ese momento.
Nació entre Gran Bretaña y Estados Unidos, pero fue
este último el país que se convirtió en el abanderado
del movimiento. Sin embargo, el arte pop generó una
onda expansiva en todo el mundo, tanto en Europa
como en América Latina, Asia y Oceanía
Las técnicas que se utilizan son el collage, la
serigrafía y la sobreposición de las imágenes. Los
elementos y personajes que aparecen en el Pop Art
son recuperados de los medios de comunicación, el
cine, pósters publicitarios y cómics, o sea, del mundo
de la cultura popular del siglo XX.

11. Es arte óptico, es decir, un estilo
exclusivamente visual que hace uso del ojo
humano para engañarlo. Para conseguir ese
objetivo usa a menudo ilusiones óticas o
trampantojos. Se basa en que el observador
participa activamente en la apreciación
pictórica a través de efectos visuales de
relieve, profundidad, movimientos mediante
líneas, colores planos y estáticos.
Los orígenes del Op-Art se remontan a las
teorías de pintura de antes de la guerra. Entre
ellas se encuentran las ideas constructivistas
de la escuela de diseño Bauhaus de la década
de 1920 en Alemania. Estas enfatizaban la
importancia del diseño formal general, en la
creación de un efecto visual específico.

12. El arte cinético es arte de cualquier medio que contiene
movimiento perceptible por el espectador o que depende
del movimiento para su efecto. Las pinturas en lienzo que
amplían la perspectiva del espectador de la obra de arte e
incorporan movimiento multidimensional son los primeros
ejemplos de arte cinético.
El cinetismo se considera un arte público, se desprende de
las galerías para ocupar lugares claves del entorno
urbano, más allá de la relación que el hombre encuentra al
admirar determinada pieza de arte. El cinetismo fue uno
de los más trascendentales movimientos artísticos de la
segunda mitad del siglo XX, una iniciativa que buscaba
producir la impresión o ilusión de inestabilidad y
movimiento, real o ilusorio, a través del empleo de técnicas
ópticas como el juego con luces y sombras, el contraste de
colores, o el tamaño y la proporcionalidad de los objetos.
La principal aportación del arte cinético es que la
“programación” de la idea traducida por un objeto,
inmaterial al máximo, compuesto sobre todo de espacio y
de luz, permite transmitir con efectos cada vez más
acentuados la importancia de la idea sobre el objeto.

13. El hiperrealismo es una tendencia radical de la
pintura y escultura que nace en Estados Unidos a
finales de los años 1960 tras el pop art y luego se
extiende por toda Europa; los hiperrealistas
rechazan cualquier interpretación de la realidad de
la que proponen una reproducción mecánica.
Como su propio nombre sugiere, el objetivo del
hiperrealismo es imitar la realidad lo máximo
posible, a través de la precisión técnica, utilizando
materiales como la resina, la cera o incluso la
madera, para reproducir el más mínimo detalle,
hasta el punto de conseguir réplicas casi exactas
de lo real.
Solo porque una creación llegue al extremo del
detallismo (hasta el punto de perder la impronta
del artista debido al parecido extremo), no significa
que no sea arte. El arte está en el ojo del artista. Y
tanto si el resultado final es demasiado abstracto o
demasiado detallado, sigue siendo arte.

14. El arte abstracto es el contrario del figurativo (es
decir, la representación de objetos identificables
mediante imágenes reconocibles). Por tanto la
abstracción no representa «cosas» concretas de
la naturaleza sino que propone una nueva
realidad. Propone un «arte puro» mirando más
allá de nuestra realidad. Se llama arte abstracto
aquellas expresiones artísticas basadas en
elementos como la línea, el punto, el color y el
material como lenguaje autosuficiente e
independiente de la reproducción de objetos
reconocibles, es decir, del figurativismo.
La importancia del arte abstracto justamente es
permitir libertad al artista, conocerse mejor y
abrir su mundo a que muchas miles de personas
puedan conocerlo y sentirse interpeladas por él.
El concepto de arte abstracto es muy amplio y
complejo si uno pretende comprenderlo.