Trabajo realizado para la asignatura Patrimonio Histórico y Cultural del Grado de Educación Primaria.

1. Pintura Barroca
Europea
Álvaro Moreno Galán
Patrimonio Histórico y Cultural y su
Didáctica

2. Esse est percipi
ÍNDICE
Introducción……………………………………………………. p. 3
1. Contexto histórico …………………………………. p. 5
a. Crisis económica y social
b. Crisis religiosa
c. Crisis política
d. Crisis científica y filosófica
2. Contexto cultural………………………………….... p. 10
a. Arquitectura
b. Escultura
c. Literatura
d. Música
3. La Pintura Barroca. Características………………. p. 14
4. El Tenebrismo: Caravaggio………………………... p. 16
5. La Escuela Flamenca: Rubens. Van Dyck………… p. 23
6. La Escuela Holandesa: Frans Hals. Rembrant…… p. 29
7. Conclusión…………………………………………… p. 33
8. Webgrafía……………………………………………. p. 34

3. Esse est percipi
INTRODUCCIÓN
Durante el siglo XVII, Europa sufre una fuerte sacudida que derrumba la idea
del mundo que se había tenido hasta el momento. La humanidad descubre su
insignificancia, la fugacidad de la vida y la inminencia de la muerte. La imagen del
hombre renacentista, esbelto, bello, proporcionado, naturalista… se viene abajo. Surge
el Barroco.
Las circunstancias económicas, políticas y sociales que azotan al continente
europeo hacen que la vida se entienda como una peregrinación, como un sueño, y el
mundo se convierte en un teatro de apariencias en el que nadie es dueño de su propio
destino. Como decía Calderón de la Barca:
¿Qué es la vida? Un frenesí.
¿Qué es la vida? Una ilusión,
una sombra,una ficción,
y el mayor bien es pequeño.
¡Que toda la vida es sueño,
y los sueños, sueños son!
El equilibrio y la armonía se sustituyen por imágenes retorcidas, posturas
forzadas, poca luz y muchas sombras, lo importante deja de ser el físico humano y su
belleza para dar paso a la apariencia (Esse est percipi; Lo que parece, es), ya sea de lujo
o de poder. El arte se vuelve propagandístico y se convierte en un arma al servicio del
poder de la Iglesia (Italia), de los monarcas absolutos (Francia) o de la burguesía
(Holanda).
El Barroco es una corriente artística y cultural, enmarcada entre el clasicismo
renacentista y el romanticismo del siglo XVIII, que abarca desde la escultura hasta la
pintura, pasando por la literatura, la escultura, la música, la danza… y que pretende
otorgar al pueblo fantasía, una fantasía que les proporcione un escape espiritual a los
pesares de la época: las epidemias, el hambre, las guerras… Durante esta época, el
mundo se teatraliza, se vuelve exagerado y recargado, lo emocional comienza a dominar
sobre lo racional, y no queda lugar alguno sin ornamentos o decoraciones. La vida se
vuelve efímera y, a través del arte, se pretende alcanzar la eternidad, el triunfo y la
gloria.
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4. Esse est percipi
No obstante, no se trata de una corriente homogénea sino que presenta
diferencias y variaciones atendiendo a la zona geográfica en la que se desarrolla. Así
podemos diferenciar tres grandes modelos:
1. El Barroco de la Contrarreforma: Se extiende por Italia y España. La finalidad es
comunicar exaltadamente los postulados del Concilio de Trento.
2. El Barroco del absolutismo: Se desarrolla en Francia y en España, después de la
llegada de los Borbones. Tiene un carácter más clásico y pretende convencer al
espectador de a grandeza del poder real.
3. El Barroco protestante y burgués: Se desarrolla en los Países Bajos y Holanda, y
está dirigido a una clientela de carácter burgués con una predilección por los
temas costumbristas, naturalezas muertas, interiores y paisajes.
Pese a estas grandes diferencias geográficas existen impulsos estéticos comunes,
fruto de la sensibilidad de la época, que desdeña las reglas y tiende a lo emotivo y
desbordante. El Barroco es un estilo que refleja el estado de ánimo del hombre del
momento, pesimista, desengañado, realista, con conciencia de sus imperfecciones.
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5. Esse est percipi
1. CONTEXTO HISTÓRICO EUROPEO DEL BARROCO
El Barroco surge en torno al año 1600 como consecuencia de una serie de
fenómenos sociales, religiosos y políticos que hacen que Europa se sumerja en una
profunda crisis, motivada principalmente por:
1. La ruptura de la unidad religiosa.
2. La revolución científica y el surgimiento del racionalismo cartesiano.
3. El auge de las monarquías absolutas en España y Francia, en contraposición
al sistema parlamentario de Gran Bretaña.
En el siguiente esquema se plasman en líneas generales los conflictos más destacados
que tienen lugar a lo largo de todo el siglo XVII:
1.1. Crisis económica y social
El siglo XVII es una época en la que la población desciende drásticamente, ya que las
guerras, el hambre, las epidemias y la emigración por motivos económicos o políticos
están al orden del día, aunque otros historiadores opinan que no se debe necesariamente
a un descenso de la población sino al final de una etapa de intenso crecimiento que se
había producido durante el siglo anterior.
La sociedad es estamental y se divide en tres estados:
EUROPA
enelSigloXVII
CRISIS POLÍTICA
Absolutismo
Parlamentarismo
CRISIS RELIGIOSA
Guerra de los 30 años
Paz de Westfalia
CRISIS ECONÓMICA Y
SOCIAL
Malas cosechas
Epidemias
CRISIS CIENTÍFICA
Racionalismo
(Descartes)
Empirismo(Locke)
ARTE BARROCO
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1. La nobleza, formada por privilegiados que viven de sus tierras. Forman parte del
primer estado
2. El clero, dividido en dos estamentos: Alto clero, los cuales eran privilegiados y se
encontraba en el primer estado, y el bajo clero, eran pobres, y poco formados,
pertenecían al tercer estado.
3. El tercer estado es muy heterogéneo y diferencial. Se divide en:
− Campesinos, en Europa occidental eran libres, pero muchos de ellos vivían
en la pobreza, aunque poseyeran terrenos.
− Alta burguesía, eran los dueños del poder económico del momento y la
formaban los comerciantes, industriales y oficiales de la administración.
Los que destacaban iban teniendo acceso a puestos de responsabilidad e
incluso llegar a la nobleza o el poder político.
Durante el siglo XVII, las epidemias juegan un papel protagonista que afecta
principalmente a los campesinos más pobres, aunque pertenecer al primer estado tampoco
te asegura estar libre de enfermedades como la peste, el tifus o el cólera. Las malas
cosechas, las hambrunas, el descontento generalizado…cristalizan en una serie de
revueltas sociales y alzamientos campesinos.
En materia de educación el inicio de siglo XVII se caracteriza por el analfabetismo
casi total, tanto en hombres como mujeres, escuelas escasas, libros caros, por lo que la
alfabetización se concentra en algunos miembros de la nobleza, el clero y la alta
burguesía. Los gobiernos realizan campañas alfabetizadoras, y van proliferando colegios
privados y órdenes religiosas dedicadas a la enseñanza, pero el conocimiento sigue
concentrado en el clero y la nobleza, aunque las fronteras comienzan a difuminarse y
alcanza algunos estratos sociales inferiores.
A su vez, la economía sufre un gran cambio, el mercantilismo. Este nuevo sistema,
ideado por Jean Baptiste Colbert, ministro de Luis XIV, se basa en que el poder
económico de un Estado está directamente relacionado con la diferencia entre sus
importaciones y sus exportaciones y la acumulación de metales preciosos, el
mercantilismo lleva por tanto a una política estatal proteccionista sobre su economía,
favoreciendo la exportación y desfavoreciendo la importación.
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1.2. Crisis religiosa
Posiblemente, el hecho más caótico y catastrófico que marca toda la época del
Barroco sea la ruptura de la unidad religiosa europea y la conocida Guerra de los 30 años,
que se extiende desde 1618 hasta 1648. Esta contienda no es más que la continuación del
Concilio de Trento (1545-1563), que pretendía una revisión total de la espiritualidad
heredada de la Edad Media, y la fragilidad de la Paz de Augsburgo firmada en 1555 con
el rey Carlos V de Alemania y los príncipes luteranos de Alemania.
En la Guerra de los 30 años se enfrentan católicos y protestantes, los primeros
apoyados por España, Portugal y Alemania, e Inglaterra y el bando protestante por
Francia, Suecia y Dinamarca. No obstante, cabe decir que los enfrentamientos no están
motivados por el mero hecho de defender las ideas religiosas que cada uno cree oportunas
sino que detrás de todo esto se esconden unos intereses mucho más profundos que la
ideología espiritual de cada nación.
El rasgo que hace que esta guerra sea tan alarmante y, de alguna forma, precipite el
descenso demográfico, es que los ejércitos se forman por personas al azar, sin
conocimientos ni técnicas militares por lo que se dirigen a una muerte asegurada.
Aunque después de la batalla de Breda en 1625, parece que la balanza bascula a favor
de la Liga Católica, la contienda empieza a favorecer al bando reformista y el fin de la
guerra llega en el año 1648 con la Paz de Westfalia y la Paz de los Pirineos en 1659 entre
España y Francia, que habían permanecido 11 años más de batalla.
El resultado del conflicto es favorable al bloque protestante y, a través de la paz, se
reconoce el fin de las guerras religiosas y se produce la ruptura del cristianismo.
1.3.Crisis política
En el siglo XVII el poder de los monarcas busca su
fortalecimiento dando lugar a las monarquías absolutas:
dirección férrea, centralización administrativa, control
sobre instituciones ajenas a la corona y la resignación
social a cambio de orden y estabilidad… El absolutismo se
extiende rápidamente por toda Europa, exceptuando
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Holanda e Inglaterra, donde se afianza el sistema parlamentario tras la decapitación
de Carlos I en 1642.
Desde la Edad Media, se considera que los monarcas son asignados por la teoría
del poder de derecho divino, se sostiene que han sido elegidos por Dios para gobernar
al pueblo. El ejemplo más claro de monarca absoluto es Luis XIV de Francia,
conocido como el Rey Sol, que dice la famosa frase: “El estado soy yo”.
Generalmente, lo que se propone con una monarquía absoluta es acabar con todos
los órganos o instituciones que limitan al monarca a la hora de intervenir en los gastos e
ingresos de la Corona.
En España, donde se produce el máximo florecimiento de la literatura barroca
(Siglo de Oro español), esta época coincide con la crisis de la Casa de Austria y el
gobierno de los válidos como el Duque de Lerma o el Conde-duque de Olivares, que
suponen la pérdida hegemónica hispánica en el marco europeo.
Más tarde, la monarquía absoluta evoluciona hacia el despotismo ilustrado.
1.4. Crisis científica y filosófica
En este ámbito, podemos decir que el periodo es bastante brillante ya que se
producen importantes cambios de paradigma que permiten el avance de la ciencia y
MONARCA
ABSOLUTO
Control sobre
poderes
ajenos a la
Corona
Sometimiento
de la nobleza
Centralización
administrativa
Exaltacióndel
monarca en el
arte y la
propaganda.
BARROCO.
Ejército
centralizado
Represión
religiosa
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9. Esse est percipi
del pensamiento humano. Por un lado, la ciencia aristotélica comienza a ocupar un
segundo plano y los métodos escolásticos de la Edad Media se consideran obsoletos
e inadecuados. Se rechaza la teoría geocéntrica y se impone el heliocentrismo de
Copérnico, Galileo funda la llamada ciencia moderna, Newton se centra en estudiar
las matemáticas, la física, la astronomía, la mecánica, y Descartes, Spinoza y Leibniz
se convierten en los padres del racionalismo y del pensamiento moderno.
El racionalismo sostiene que la fuente y el origen del conocimiento es la razón y
no los sentidos. Para Descartes, el modelo del saber era el modelo deductivo de las
matemáticas por lo que pensaban en aplicar el método matemático que había hecho
progresar a la física a la filosofía para alcanzar la verdad. Junto con esta corriente de
pensamiento, aparecen Locke, Hume y Berkely con su filosofía empirista. Para los
empiristas, la base del conocimiento no es la razón sino los sentidos y la experiencia.
Es curioso ya que los empiristas surgen en zonas donde se desarrollan sistemas
parlamentarios mientras que los racionalistas aparecen en el bloque continental,
donde se impone el absolutismo. Esta situación provoca un ambiente de confusión
que conlleva la ruptura de la imagen del mundo que se había forjado durante el
clasicismo de la etapa anterior y el inicio de la búsqueda de nuevos horizontes
intelectuales.
Descartes y Galileo
Todos estos factores sociales, económicos, políticos, científicos y filosóficos no son
independientes los unos de los otros sino que, dentro del mismo contexto, se produce una
continua influencia de unos sobre otros que da lugar a una cultura común, a un estilo, a
una nueva forma de ver el mundo, a una corriente acorde con los acontecimientos
históricos, así es como todos estos hechos se mezclan en una gran coctelera continental
llamada Europa para crear el Barroco.
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2. CONTEXTO CULTURAL: arquitectura, escultura, literatura y música.
A pesar de que nos centraremos en la pintura barroca europea, es conveniente realizar
un pequeño viaje a través de todas las manifestaciones artísticas que fueron víctimas de
esta corriente ya que no podremos comprender qué nos quieren decir las pinturas y sus
autores si no hemos entendido primero a sus otras artes hermanas.
2.1. Arquitectura
Cuando se recorre el continente europeo, raro es el país en el que el urbanismo y la
arquitectura no han dejado una fuerte impronta barroca en la imagen que presentan las
grandes ciudades. Surge principalmente en Italia, ligada a la necesitad de la Iglesia de
mostrar su fastuosidad y grandeza después de la Guerra de los 30 años y desde allí se
extiende a otras capitales como París.
Los monumentos principales son el templo y el palacio, aunque sobresalen las calles,
avenidas y jardines. La arquitectura barroca busca sorprender al espectador, hacerle
consciente de su propia pequeñez e ingenuidad por lo que los edificios se recubren de
líneas curvas que introducen constantes sorpresas.
Algunas de las características principales de la arquitectura barroca son:
1. Predominio de la línea curva.
2. Fusión entre el edificio y el paisaje.
3. Integración con la pintura y la escultura.
4. Efectos escenográficos.
5. Dinamismo.
6. Empleo de la columna salomónica.
7. Especial importancia a la decoración exterior e interior.
Dos ejemplos:
1. La Galería de los Espejos de Versalles, es una suntuosa habitación de forma más
bien alargada construida por encargo de Luis XIV entre 1678 y 1684. Su obrador
fue Jules Hardouin Mansart.
2. Fachada de la Basílica de San Pedro. Aunque carece de columnas dinámicas y
retorcidas, el Barroco hace presencia en la exagerada ornamentación. Realizada
por Carlo Maderno entre 1607 y 1621.
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2.2. Escultura
Durante el Barroco, la escultura se funde a la perfección con la arquitectura y la
pintura A diferencia de la escultura renacentista y aunque se mantienen los temas
naturalistas, las imágenes barrocas se retuercen, juegan con el movimiento y parecen
saltar de la base de piedra. Los músculos se tensan, las venas de los protagonistas parecen
latir debajo de la piel, el pelo se enmaraña… para los escultores del Barroco, el
movimiento se convierte en una completa obsesión. Por doquier aparecen ángeles y
arcángeles, santos y vírgenes, dioses paganos y héroes míticos, agitándose en las aguas
de las fuentes o asomándose de sus nichos en las fachadas, cuando no sostienen una viga
o están en los altares.
Los materiales más utilizados son el mármol blanco y el bronce.
Uno de los escultores más destacados del Barroco es Bernini. A continuación, dos de
sus obras: Apolo y Dafne y El rapto de Proserpina.
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2.3.Literatura
La literatura cobra gran importancia principalmente en España. Frente a la época
de esplendor del Renacimiento entramos en un periodo de decadencia: España
comienza a perder su hegemonía en Europa y una fuerte crisis económica lleva a la
población a la miseria y a un malestar generalizado. Podemos decir que el Barroco
expresa la conciencia de una crisis, el hambre, la guerra, la miseria…
Al igual que cualquier otro tipo de manifestación, la literatura no queda exenta de
motivos decorativos y ornamentos. Los juegos de palabras, el hipérbaton, las
metáforas… son elementos frecuentes en la literatura.
En España, surgen dos corrientes: El culteranismo de Luis de Góngora, y el
conceptismo de Francisco de Quevedo. Ambos reconocidos por su famosa enemistad
plasmada en versos:
‘’Érase un hombre a una narizpegado,
érase una narizsuperlativa,
érase una narizsayón y escriba,
érase un pezespada muy barbado.
Érase un reloj de sol mal encarado,
érase un alquitara pensativa,
érase un elefante boca aariba,
era Ovidio Nasón mas narizado.’’
Francisco de Quevedo.
En lo que respecta a la novela, destaca Miguel de Cervantes (Don Quijote de la
Mancha) y elteatro de Lope de Vega (La Dama Boba o Fuenteovejuna) y Calderón de la Barca
(La vida es Sueño).
2.4.La música
La música religiosa, aunque ha perdido su gran hegemonía, sigue teniendo un gran
peso en el Barroco. Tanto la iglesia protestante como la católica aprovecharán las
‘’Anacreonte español,no hay quien os tope,
que no diga con mucha cortesía,
que ya que vuestros piesson de elegía,
que vuestras suavidades son de arrope.
¿No imitaréis al terenciano Lope,
que al de Belerofonte cada día
sobre zuecosde cómica poesía
se calza espuelas y le da un galope?’’
Luis de Góngora.
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innovaciones que se dan en la música profana para crear nuevas
formas. En este periodo se desarrollan el oratorio, la cantata y la
pasión.
A finales del siglo XVI, en Florencia surge un grupo de
artistas e intelectuales conocidos como la "Camerata
Fiorentina". Los artistas de la Camerata buscaban un género
capaz de abarcar todas las formas artísticas posibles y por ello
denominarán a la ópera como "la obra de arte total", ya que va a reunir en una sola forma
a las distintas artes: poesía, música, teatro, danza, pintura...
Se diferencian tres periodos:
1. El Barroco temprano (1600-1650). Destaca Claudio Monteverdi.
2. El Barroco medio (1650-1700). Sobresale Henry Purcell.
3. El Barroco tardío (1700-1750). Sus representantes más característicos son
Antonio Vivaldi, Johann Sebastian Bach y Friedrich Händel.
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3. LA PINTURA BARROCA italiana, flamenca y holandesa.
El esplendor de la pintura barroca nace del interés persuasivo de la Iglesia católica
por mostrar su grandiosidad al mundo, la necesidad propagandística de los monarcas
absolutos y la valoración de la burguesía protestante sobre lo individual y lo cotidiano.
Los pintores del Barroco tratan de producir un cambio en el panorama pictórico, para lo
cual abandonan el manierismo de la etapa anterior y juegan con la novedad, pretenden
pues no dejan indiferente al espectador sino provocar en él una sensación de sorpresa y
asombro. El Barroco rechaza las representaciones idealizadas y armoniosas del
Renacimiento y plasma la realidad con tal crudeza que la admiración que produce en el
público es inminente.
Debido a las variedades geográficas que presenta el Barroco y al desarrollo
independiente de las escuelas pictóricas, resulta muy complicado encontrar patrones en
común alrededor del continente europeo, aunque si podemos señalar algunas
características que se repiten profusamente:
1. Realismo. La pintura del siglo XVII pretende romper con la idealización física y
paisajística del Renacimiento y representa a sus modelos desde el dolor, las
emociones y los sentimientos. Los cuerpos humanos se retuercen y adoptan
posturas inusuales y complejas. Para los autores, la representación del estado
anímico y psicológico de sus protagonistas se convierte en una pieza clave de sus
obras.
2. Predominio del color sobre el dibujo. Los contornos detallados se diluyen, los
detalles se pierden entre manchas de color y la luz genera borrones como si fueran
El nacimiento de Venus, Sandro Botticelli. Las Tres Gracias,Rubens.
Renacimiento Barroco
.
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pequeñas partículas de polvo alojadas en la lente de una cámara. Las cosas se
representan tal y como se ven en la realidad: borrosas, indefinidas, confusas…
3. Profundidad. Se abandona la perspectiva lineal y los artistas dominan las técnicas
necesarias para dotar a sus obras de profundidad y dinamismo.
4. Libertad en la composición. La composición barroca resulta mucho más
compleja que la del Renacimiento. La tendencia a colocar la figura principal en
medio y a pintar dos mitades de telas semejantes (simetría), como en El
nacimiento de Venus, se pierde, de la misma manera que se desecha la malla de
horizontales y verticales del arte clásico (composición tectónica). Se prefiere todo
aquello que muestre desequilibrio o sugiera que la escena continúa más allá de los
límites del marco.
5. Preocupación por representar el movimiento, dinamismo. La turbulencia y el
caos que se vive en la sociedad europea del momento pretende ser plasmada en la
pintura y esto no puede hacerse a través de figuras estáticas sino que las figuras
parecen estar a punto de moverse. En otras ocasiones, las imágenes permanecen
quietas pero es una quietud que da sensación de rabia, de tensión… generalmente
se da en la obras de carácter religioso.
6. Técnicas. La importancia del color y el deseo de mostrarlo en toda su brillante z
hace que se generaliza el óleo y el uso del lienzo, y la pintura sobre tabla casi se
abandona. La técnica del fresco se sigue utilizando para la pintura decorativa de
las paredes.
7. Temas. Los temas son muy heterogéneos y varían en función de la clientela que
los encarga. Por un lado, la Iglesia precisa de obras que fomenten el culto religioso
y la fe y pongan de manifiesto la veracidad de la cristiandad y las creencias
católicas tradicionales. Predomina la representación de Vírgenes, los pasajes
evangélicos, los sacramentos, la muerte…
Por su parte, la nobleza se centrará en temas históricos, en los que se ensalzan las
hazañas de las monarquías absolutas. En cambio, la burguesía introduce temas
mucho más variados como los paisajes, retratos, bodegones…
Todas estas características son fundamentales de la pintura barroca aunque la más
elemental de todas el papel que ocupa el uso de la luz y las sombras, que dotan a todas
las obras de los pintores del siglo XVII de una gran teatralidad y dramatismo. En Italia,
cumbre de la pintura y el arte barroco, nace la escuela tenebrista.
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4. El Tenebrismo: CARAVAGGIO.
El tenebrismo no es más que el exagerado y dramático uso de la técnica del claroscuro.
Las pinturas tenebristas muestran un acusado contraste entre las zonas iluminadas y las
sombras, lo cual aumenta los gestos de dolor, la teatralidad, las apariencias… También
se suele aludir a esta técnica como luz de bodega o luz de sótano porque provoca que las
imágenes centrales se encuentren parcialmente iluminadas mientras se fusionan con un
fondo oscuro y lleno de sombras. Se considera que uno de los máximos precursores de la
escuela tenebrista fue Michelangelo Merisi da Caravaggio.
La vocación de San Mateo. Caravaggio.
Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610)
Michelangelo Merisi nace en Milán, aunque siempre será
conocido por el nombre la pequeña localidad de Caravaggio de
donde procedía su familia y donde reside durante algunos años
en su niñez, tras la muerte de su padre por una epidemia de peste.
Más tarde, en 1593, marcha a Roma y, tras pasar penurias
y calamidades, comienza a trabajar en un famoso taller de la
capital donde pintó frutas y bodegones. Se conoce que
Caravaggio reside durante 8 meses bajo la protección del
Caballero de Arpino hasta que el Cardenal del Monte se convierte en su protector y le
encarga uno de sus mayores trabajos, la decoración de la capilla de San Luis de los
Franceses alrededor del año 1600 (En esta capilla destaca la presencia de La vocación de
San Mateo).
No obstante, no toda la vida de Caravaggio fue un camino de rosas sino que su
fuerte y controvertido temperamento le hizo ser envidiado por muchos otros artistas hasta
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17. Esse est percipi
el punto en el que se ve envuelto en varios procesos judiciales que le acusan de asesinato.
A partir de entonces lleva una vida errante por diversos puntos de la geografía italiana:
Nápoles, Malta, Sicilia, Mesina, Palermo... A los 37 años, en 1610, muere en Porto
Ercole.
En lo que respecta a su obra, Caravaggio introdujo grandes cambios en la estética
pictórica del siglo XVII. Las características principales de su pintura son dos: el
naturalismo y el tenebrismo. Caravaggio rechaza los ideales clásicos del Renacimiento y
cuando pinta, trata de representarlo todo de la manera más real posible, introduce escenas
vulgares de la vida cotidiana y añade gente normal y corriente, carente de idealización.
En segundo lugar, para ensalzar el realismo y el naturalismo de sus obras, se vale de las
técnicas tenebristas, es decir, realza las figuras y las escenas por medio de los contrastes
y los focos de luz, que hacen diferenciar claramente las imágenes principales de colores
fuertes y vivos (haciéndose patente sobre él la influencia de la escuela de Lombardía), y
el fondo oscuro.
Caravaggio es considerado un rebelde, tanto por su vida como por su obra y, en
concreto, por la manera de representar las escenas religiosas. Cuando se le encarga la
elaboración de un cuadro de tema religioso, introduce en él la vulgaridad, lo cotidiano, lo
cual hizo que muchos de ellos no fueran bien aceptados dentro de la comunidad. En
resumen, para este pintor italiano, la belleza, lo ideal, el reino de Dios se encuentra en lo
cotidiano y lo miserable, manifestándose en los marginados y los pecadores de los que
hablan las Santas Escrituras. Así, obtendrá de la Iglesia a sus mayores protectores y a sus
máximos retractores.
Las obras de Caravaggio mantienen entre ellas una serie de características
comunes:
1. La luz juega un papel principal y funciona como un personaje autónomo dentro del
propio cuadro. El foco luminoso nunca aparece en el cuadro sino que suele ser
artificial o proceder de algún ángulo lateral. Siempre representa la presencia de lo
sobrenatural o lo divino.
2. Los personajes aparecen en actitudes sorprendentes, en clara ruptura con lo que se
consideraba decoroso durante el Renacimiento; de este modo, lo que el autor quiere
representar es que sus protagonistas son personas procedentes del mundo real, que
tienen una psicología y unas emociones humanas.
3. Sus obras son copias directas de la realidad, sin ningún tipo de ensalzamiento o
preparación previa. La narración de la historia que nos quiere contar el cuadro se
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reduce a su momento culminante, es decir, al propio cuadro que suele parecer una
fotografía.
4. La ausencia de fondos hace que la atención recaiga directamente sobre las expresiones
faciales y corporales de los personajes iluminados por la luz de sótano, aumentando
así la teatralidad y el dramatismo.
5. La figura humana desempeña un rol primordial ya que el cuerpo humano es siempre
el protagonista del cuadro. Son, en su mayoría cuerpos masculinos y muestra una clara
predilección por los cuerpos marcados, imponentes y musculados. No se conocen
retratos de mujeres desnudas.
Algunas de sus obras más famosas y controvertidas son:
La vocación de San Mateo
Esta obra de Caravaggio es un gran manifiesto del tenebrismo en el panorama
pictórico universal. La luz aporta potencia dramática y simbólica. Podemos hablar de una
luz dual. Por un lado, es una luz apta para representar la realidad física y, por otro, para
representar el rayo divino. La luz parece entrar con Cristo, la diagonal de su mano se
corresponde con la del haz de luz que proviene del ángulo superior derecho. El espacio
responde al interior de una taberna, lo que contribuye a potenciar el claroscuro.
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19. Esse est percipi
La pintura representa la historia que se narra en el Evangelio según san
Mateo (Mateo 9:9): Jesús vio un hombre llamado Mateo, sentado en el despacho de
impuestos, y le dijo: «Sígueme», y Mateo se levantó y le siguió.
A nuestra izquierda, aparecen los personajes vestidos a la moda del siglo XVI. Esto
contribuye a hacer más creíble el hecho del milagro. Cualquier momento es válido para
que acontezca el milagro. A Caravaggio siempre le gustó humanizar los contenidos
religiosos.
Se ha hablado de composición de lugar, en ella los personajes divergen en reacciones:
los más cercanos a Jesús y Pedro son conscientes del milagro, mientras, los demás
permanecen absortos en su tarea de contar las monedas.
La Vocación, es el diálogo de los gestos entre Cristo, Pedro y Mateo. La audiencia
de Caravaggio habría visto el parecido entre el gesto de Jesús conforme apunta a Mateo,
y el gesto de Dios al despertar a Adán en la Capilla Sixtina de Miguel Ángel. Así sería
Cristo el nuevo Adán. Siguiendo la línea del brazo izquierdo de Cristo, parece que se
invita a Mateo a seguirle al mundo.
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20. Esse est percipi
El Martirio de San Mateo
El Martirio de San Mateo
está colocado en la pared lateral de
la capilla Contarelli de la iglesia de
San Luis de los Franceses en Roma.
Enfrente, formando pareja con la
Vocación de San Mateo. En este
caso, Caravaggio representa trece
personajes, todos ellos en diferentes
posturas y expresiones. La escena
está compuesta desde el impactante
grupo central donde el santo ha
caído herido y lleno de sangre ante
su verdugo. Todos los personajes
que rodean la escena parecen haber
sufrido la onda expansiva y se alejan
en diferentes posturas desordenadas
del verdugo y la víctima. Entre los
personajes que se apartan destacan
dos en particular: uno es el
muchacho con el rostro distorsionado por el horror, articulando ese grito espantoso. El
otro personaje es nada menos que Caravaggio: situado al fondo, sólo se ve su cabeza de
frente con gesto adusto y barba negra, inmediatamente a la izquierda del verdugo. Parece
un moderno testigo situado en plena acción para luego poderla retratar con sus pinceles.
La escena, llena de agitación, posee intensos matices de crueldad, traducidos en el
desorden provocado en los asistentes al martirio, las luces y sombras llenas de humos
sombríos. Pero la mayor nota de crueldad la da el verdugo, que con su gesto sujeta y
doblega la mano del santo caído para impedirle recoger la palma símbolo del martirio que
un ángel viene a entregarle.
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21. Esse est percipi
La Inspiración de San Mateo
Es uno de los tres lienzos de Caravaggio
que se encuentran en la capilla, junto a El
martirio de San Mateo y La vocación de San
Mateo. Este no fue un encargo fácil para
Caravaggio, y por lo menos dos de las tres
pinturas debieron ser reemplazadas o repintadas
para satisfacer a su mecenas el Cardenal Del
Monte,
Caravaggio realizó dos versiones de la
pintura. En la primera de ellas, San Mateo y el
ángel, el ángel se encontraba muy cerca de San
Mateo, y prácticamente intervenía directamente
en la obra del santo en vez de inspirarlo. La
versión fue rechazada por sus solicitantes, y fue
destruida mucho tiempo después, durante la Segunda Guerra Mundial.
En la versión final, el ángel se presenta desde una
dimensión aérea y sublime. Mateo, con una expresión sobria,
aparece inclinado hacia su obra, mientras que el ángel le enumera
el trabajo por realizar. Excepto por las dos figuras el resto de la
tela es oscuridad.
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22. Esse est percipi
David con la cabeza de Goliat
El cuadro fue realizado probablemente en Nápoles,
donde Caravaggio se refugió después de haber huído
de Roma en 1606, acusado de asesinato. No se sabe
quién encargó la obra, y tal vez se deba al mismo
pintor la elección del tema: la victoria del héroe de
Israel contra el gigante filisteo Goliat.
David no expresa una orgullosa actitud de triunfo,
mientras sujeta y observa la cabeza cortada de Goliat,
su expresión es más bien de piedad por aquel
"pecador", en el que Caravaggio habría representado su propio autorretrato. La
descripción de la cara de Goliat, tan vivamente expresiva en el ceño fruncido, la boca
muy abierta para dar el último suspiro, la mirada de sufrimiento, la piel sin vida,
representa el resultado de la tragedia humana vivida por el artista. El episodio bíblico se
convierte por lo tanto en un testimonio impresionante de los últimos meses de vida de
Caravaggio, lo que hace plausible la hipótesis de que el pintor haya enviado la pintura al
cardenal Scipione Borguese, como un regalo para entregar al pontífice Pablo V con el fin
de obtener el perdón y el regreso a su patria. El perdón le fue concedido, pero Caravaggio,
casi al final de su viaje hacia Roma, murió en la playa de Porto Ercole.
Otros de los cuadros más populares de Caravaggio son los siguientes:
La muerte de la Vírgen Baco
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23. Esse est percipi
La incredulidad de Santo Tomás
5. La Escuela Flamenca: RUBENS. VAN DYCK.
Flandes, la zona de la actual Bélgica, permanece unida a la corona española y a la
Iglesia de Roma, lo que explica su identificación con los ideales de la contrarreforma y la
pujanza de la temática religiosa, por otra parte la aristocracia impulsa el desarrollo de los
asuntos profanos o mitológicos, que se representan de manera sensual y exuberante en
grandes lienzos que cubren las estancias palaciegas.
Los temas costumbristas, las fiestas aldeanas, las bodas… son temas tratados
frecuentemente y en ellos la alegría y el optimismo son características importantes. En
los bodegones, en las naturalezas muertas, son características las grandes piezas de caza
y la abundancia de alimentos y frutas.
Pedro Pablo Rubens (1577-1640)
Comúnmente conocido como Rubens, nace en Siegen en en el año 1577 en el seno de
una familia calvinista. Cuando su padre fallece, su madre decide regresar a Amberes y se
convierten al catolicismo.
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24. Esse est percipi
La escasez económica y la falta de recursos,
llevan al joven Paula trabajar como paje para la
corte hasta que decide hacerse pintor. Su primer
aprendizaje tiene lugar hacia el año 1591 con un
pintor flamenco de paisajes. Después se formó en
una serie de talleres de pintores menores influidos
por el manierismo del siglo XVI.
En 1598, viaja a Italia para ampliar su
formación artística estudiando las obras del
Renacimiento. En Venecia, conoció a un noble que
le recomendó para trabajar en la corte del duque de
Mantua que le contrató durante nueve años. En
1608, el delicado estado de salud de su madre le hace volver a Amberes donde contrae
matrimonio con Isabella Brant en 1609 (aunque enviuda y en 1626 vuelve a contraer
matrimonio con Elena Fourment). Se convierte en el pintor más aclamado de todo Flandes
y se pone al servicio de los virreyes que, en 1628, lo envían a España para trabajar bajo
el mando de Felipe IV y se convierte en el mentor del joven Diego Velázquez.
Finalmente, fallece el 30 de Mayo de 1640 en su casa de Amberes, a punto de cumplir
63 años.
Rubens se convierte por lo tanto en el pintor más característico y reconocido de la
escuela flamenca en Flandes, su arte se extiende por todo el continente y se convierte en
un referente del arte barroco. En su pintura, podemos decir, que influye la tradición
realista flamenca y las influencias italianas renacentistas. Entre las características
principales de su obra podemos destacar:
1. Gran riqueza de colorido veneciano, generalmente tiene predilección por los
colores cálidos sobre los fríos.
2. Movimiento y vitalidad en la composición. Predominan las líneas curvas y las
composiciones diagonales.
3. Las figuras masculinas se muestran tersas y musculosas y las femeninas, sensuales
y carnosas.
4. Sus cuadros, de gran tamaño, tienen un claro mensaje político y religioso.
La obra de Rubens se vuelve un poco controvertida debido a que la gran cantidad de
encargos que le llegan, le hacen crear en su casa una especie de taller con aprendices. De
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25. Esse est percipi
este modo surge la discrepancia entre las obras realizadas íntegramente por el maestro,
las que solamente fueron supervisadas y en las que pintó algunas partes como las caras y
las manos.
Adopta temas muy variados, religiosos, mitológicos, pasando por retratos y paisajes.
En todos ellos destaca el espíritu optimista y jovial con el que concibe el mundo.
De su primera etapa, en la que cultiva los temas religiosos, podemos destacar La
erección de la Cruz y El Descendimiento.
La erección de la Cruz (1610)
Nos encontramos ante un lienzo de
formato vertical que representa una de las
escenas de la Pasión de Jesucristo,
concretamente el momento en el que Cristo ya
se encuentra clavado a la cruz y los soldados
se disponen a elevarlo. La figura de Jesucristo
en una marcadísima línea diagonal es el centro
de la composición, parece clara la influencia
de la obra El entierro de Cristo muerto de
Caravaggio en la potente diagonal que Rubens
aún representa más marcada. Especial
mención merece el gesto del crucificado que, eleva sus ojos hacia el cielo en un gesto de
súplica, en este lugar debía de situarse las esculturas de Dios Padre y los ángeles en el
altar mayor.
Alrededor de la cruz un buen número de hombres musculados completa la
composición, en su musculatura y en las posturas con diversos escorzos se hace patente
la influencia de Miguel Ángel. Los soldados presentan grandes gestos de esfuerzo para
elevar la cruz, como si la figura de Jesucristo fuese demasiado pesada.
En la actualidad la pintura se encuentra en la Catedral de Amberes.
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26. Esse est percipi
El descendimiento (1611)
La escena se desarrolla en un
pequeño espacio, las figuras parecen
oprimidas y sus cuerpos son demasiado
volumétricos. La musculatura de las
figuras es robusta otorgándoles una
gran carga volumétrica.
El artista combina a la perfección la
línea con el color, ésta aparece
destacada en la figura de Jesucristo que
se recorta contra la sábana a la vez que
los colores destacan en la parte central,
el blanco de la sábana y el rojo del
manto de María. El ambiente está
cargado y el genio barroco ha sabido
captar perfectamente la atmósfera del
momento gracias a la perspectiva aérea. El potente claroscuro acentúa el dramatismo de
la escena y gracias a la combinación con el movimiento de las formas y líneas la obra
adquiere gran realismo y patetismo.
En la obra ya sólo queda el dolor de la madre al recibir el cuerpo de su hijo, el
sufrimiento se ve reflejado en el rostro de los personajes. El cuerpo sin vida de Jesucristo
cae de la cruz.
También se conserva en la catedral de Amberes.
Sobre los temas profanos, destacan dos de sus obras: Las Tres Gracias y El juicio de
Paris.
El juicio de Paris (1638)
Esta obra se realiza durante unos de los últimos años de vida de Rubens, no obstante
no es la primera vez que el artista representa este tema, una versión más pequeña y que
realiza en la etapa de juventud se conserva en el Museo del Prado.
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27. Esse est percipi
Rubens representa el momento en el que Mercurio, mensajero de los dioses, le
entrega la manzana al joven Paris mientras las tres diosas, Minerva, Venus y Juno,
intentan seducirlo para ser coronadas como la más bella con la entrega de la manzana.
Cada diosa aparece identificada con sus atributos, así Minerva diosa de la guerra y de la
sabiduría es acompañada por una lechuza y una armadura, la diosa ofreció al joven Paris
la victoria en cualquier guerra si accedía a nombrarla como la más bella; Venus diosa del
amor y acompañada de Cupido le ofrece el amor de la mujer más bella; por último Juno
representada por el pavo real y diosa del hogar le ofrece innumerables riquezas.
Finalmente Venus será la ganadora y en premio a su elección Paris obtiene el amor de
Helena comenzando así la Guerra de Troya.
Las figuras de las tres diosas y Mercurio se disponen según los cánones clásicos. Las
figuras son las típicas de la época y sobre todo de la obra del flamenco: Son figuras
carnosas y desnudas, con aspecto grácil pero poco delicado. Sus senos y caderas son
abultados aludiendo a la condición de madre de la mujer que para Rubens era inseparable.
El artista utilizó como modelo a su segunda esposa para retratar a la diosa del amor.
De la obra cabe destacar el movimiento de la composición en la zona de las diosas
que parecen danzar grácilmente, Rubens realizaría por esta época otra de sus mejores
obras en la que todavía es más patente este elegante dinamismo, Las Tres Gracias.
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28. Esse est percipi
Las Tres Gracias (1638)
Esta posiblemente sea la obra más
famosa de Rubens.
En la imagen aparecen las tres hijas de
Zeus, Aglaya, Talía y Eufrosine, las tres
gracias de la mitología griega. Se
representan a dos de ellas de perfil y la del
medio, de espaldas con la cabeza vuelta,
estando las tres con el cuerpo desnudo.
Simbolizan el amor, la belleza, la sexualidad
y la fertilidad.
El trío está enmarcado con un árbol a
la izquierda que se tuerce y quiebra con
contraste cromático y el color de una gasa en la rama y a la derecha hay un cupido con
una cornucopia dorada de la que cae agua y arriba del cuadro una guirnalda de flores. A
esto se le une un gran colorido y luz, con un fondo en el que se representa un paisaje en
el que hay una seria de animales.
Las tres gracias están representadas
con un peinado de la época, desnudas y
reunidas, pero conectadas entre sí a
través de los brazos, el velo transparente
y las miradas. Parecen iniciar una danza.
Se caracterizan por la flacidez de sus
carnes y la ampulosidad de sus
contornos.
La composición es elegante y las carnaciones claras irradian luz a la obra, con
seguida con la fusión de los tres colores primarios. El colorido es muy brillante y
predomina el color sobre el dibujo. Hay movimiento en los escorzos y posturas de ellas,
además del círculo que forman.
Se dice que Rubens pintó el retrato de su segunda mujer Helena Fourment, o
variaciones del rostro de su esposa Isabella Brant. Otros dicen que aparece el rostro de
las dos, siendo el de Helena la mujer más rubia que se sitúa a la izquierda del cuadro, y
el de Isabella, el que aparece más a la derecha del cuadro.
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29. Esse est percipi
Además de a Rubens, es necesario mencionar dentro de esta escuela a Antonio Van
Dyck.
Antonio Van Dyck (1599-1641)
Nace en Amberes y con 18 años es admitido dentro del gremio de los pintores. A la
edad de 21 años se convierte en el principal colaborador de Rubens y comienza a viajar
por diferentes zonas de la geografía italiana (Roma, Génova, Venecia…) hasta que se
establece en Londres en 1632. Fallece en 1641.
En su primera etapa y bajo la influencia de Rubens, destacan los temas religiosos
como el Beso de Judas o la Coronación de las Espinas.
Sin embargo, no es conocido por este tipo de cuadros sino que lo que realmente hizo
conocido a Van Dyck fueron sus retratos. De este modo, podemos considerarle como el
fundador o el precusor de la escuela inglesa del retrato. Entre sus obras más brillantes
encontramos el retrado del rey Carlos I, de
Guillermo II de Orange y su Espoda, su
propio autorretrato… En todos ellos
dignifica al retratado con un exquisito
refinamiento tanto en las actitudes en las
que se les representa como en las
tonalidades plateadas que acentúan un
aspecto distinguido y elegante.
Triple retrato de Carlos I (1636)
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30. Esse est percipi
6. Escuela Holandesa: FRANS HALS. REMBRANT.
En la zona de los Países Bajos, actualmente Holanda, independiente desde su
reconocimiento por la Paz de Westfalia en 1640, se va a generar una escuela pictórica
independiente al resto de influencias continentales. La escuela holandesa se yergue sobre
los valores reformistas y la religiosidad protestante.
El desarrollo del protestantismo provoca la casi total desaparición de las imágenes
religiosas centrándose los cuadros en temas de carácter burgués y aristocrático. La
burguesía es el cliente principal del artista que no va a gozar del reconocimiento social
que recibe en otras zonas de la Europa barroca. Las obras están destinadas a decorar las
estancias palaciegas y los salones burgueses.
Además del retrato (individual y colectivo), los interiores burgueses o escenas
domésticas, las escenas costumbristas, los paisajes, los animales, el mar y los bodegones
serán los géneros más representados y los favoritos de la clientela.
Destacan dos artistas: Frans Hals y Rembrant Van Rijn.
Frans Hals (1580-1666)
Hals nace en Amberes en el año 1580. En
esta ciudad no permanece durante mucho
tiempo, en el año 1591 el artista ya se
encontraría fuera de su ciudad natal, debido a
la caída de la ciudad a manos de las tropas
españolas en la Guerra de los Ochenta Años. A
partir de 1620 recibe una gran cantidad de
encargos que le permiten desplegar una gran
capacidad pictórica. Pese a ello, siempre tuvo
dificultades económicas que muchos
historiadores han achacado a sus problemas con el alcohol.
Fallece el 1 de septiembre de 1666 en un albergue para ancianos que hoy es el Museo
Frans Hals en Haarlem.
Al principio Hals, pinta retratos de personas aisladas, con un colorido vivo y
alegre,posteriormente su colorido se reduce a tonos más serios, en los que predominan el
blanco y el negro.
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31. Esse est percipi
Jóven sosteniendo una calavera
(1626)
Esta pintura no es un retrato, sino una
alegoría de la vanidad, como recuerda
la calavera que sostiene el joven,
recuerdo de la transitoriedad de la
vida y la certidumbre de la muerte.
Este tipo de obra se conoce con el
nombre de vanĭtas (palabra latina que
significa vanidad), un nombre
derivado de un verso en el Antiguo
Testamento: «Vanidad de
vanidades», dijo el Predicador; «todo
es vanidad» (Eclesiastés, 12:8).
Frans Hals sigue aquí un tema tradicional de la pintura holandesa: la
representación de jóvenes con calaveras, como puede verse ya en grabados de principios
del siglo XVI. Lo adoptaron también los seguidores de Caravaggio de la escuela de
Utrecht, vistiendo a sus modelos con ropa exótica. No obstante, Hals se aparta de ellos en
cuanto a que no adopta un fondo no es oscuro, sino claro, por lo que la figura no se
desarrolla desde la oscuridad hacia la luz.
Rembrant (1606-1669)
Rembrant Van Rijn nace en 1606 en el seno
de una familia acomodada de molineros y recibe
una esmerada educación. Aunque consigue
ingresas en la Universidad de Leiden, el segundo
año decide abandonarla y dedicarse a la pintura. De
los dos maestros que tiene, uno de Leiden y otro de
Ámsterdam, este último es el que más influye en su
obra y el que le transmite las tendencias italianas en
boga.
Sin duda, Rembrant se convierte en un exponente de la pintura barroca. Entre sus
características se encuentran:
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32. Esse est percipi
1. La influencia de Caravaggio en lo que respecta al realismo y el uso contrastado
de la luz y las sombras.
2. El empleo del claroscuro que degrada en doradas penumbras. La luz adquiere
un valor simbólico y psicológico como ocurre en las obras de Caravaggio.
3. Representación de figuras borrosas y manchas densas y amplias.
4. Pincelada suelta.
5. Realismo impregnado de idealismo y espiritualidad.
6. Prepcupación por captar el estado anímico de sus retratados.
7. Gran variedad de temas: religioso, mitológico, retratos individuales, retratos
colectivos, paisajes, bodegones…
La evolución de su obra pictórica es paralela a su vida, en un primer
momento el éxito le sonríe, tiene grandes ingresos y es aceptado en los
círculos sociales más sofisticados de la sociedad holandesa y se casa con una
joven de la alta sociedad burguesa. En 1642, pinta la Ronda de Noche, el
cuadro comienza a suscitar enfrentamientos y desaprobaciones dentro de la
alta burguesía y se empieza a ver rechazado por el gremio. Además, esta
época coincide con la muerte de su esposa y la relación con la niñera de su
hijo Tito, de condición humilde y con la que pudo contraer matrimonio. A
todo esto se le suma la ruina de sus negocios, su vejez ensombrecida y la
muerte de su hijo y de su segunda esposa.
A continuación podemos observar la evolución de la obra de Rembrant entre
su primer retrato colectivo y una de sus últimas pinturas:
Lección de Anatomía (1632)
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Los síndicos de los pañeros (1662)
Otras obras de Rembrant:
La ronda de Noche (1642) Tormenta en el mar de Galilea (1633)
Flora (1634) Dánae (1636)
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34. Esse est percipi
7. Conclusión
El Barroco no es solo una corriente artística; es una forma de entender la vida, es cambiar
los postulados clásicos para crear una nueva imagen del mundo. Consiste en retorcer lo
rígido, en recargar lo ya decorado, en recubrir los edificios con sorpresas, en llamar la
atención a través de la pintura, en proporcionar una infinidad de sensaciones auditivas
con la música, deleitar con la literatura, provocar un cambio en lo establecido.
Digamos que el Barroco es un canto a la revolución, es dar un giro de 180 grados
a lo que el Renacimiento había proclamado bello y armonioso, es un himno a los
ornamentos, a la exageración, es una vía de escape a las derrotas que estaban sacudiendo
Europa de manera impasible al sufrimiento humano, es el arte del lujo, del poder, del
triunfo, de la gloria, es el arte de la apariencia, porque lo que parece, es (Esse est percipi).
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35. Esse est percipi
8. Webgrafía
1. http://aprendersociales.blogspot.com.es/2007/03/la-arquitectura-barroca-europea.html
2. http://arte.about.com/od/Artistas-Latinos/fl/Caravaggio.htm
3. http://arte.laguia2000.com/pintura/la-ereccion-de-la-cruz-rubens
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6. http://es.slideshare.net/Almudenaarroyo3/rubens-almudena-arroyo-2-bach-a
7. http://es.slideshare.net/Miloiko/la-europa-del-barroco-7927876
8. http://es.slideshare.net/tomperez/la-pintura-barroca-caractersticas-generales-el-
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19. http://www.ciber-arte.com/movimientos/tenebrismo.htm
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21. http://www.ejoven.net/dentro/recursos/barroco/archiv/pintura.htm
22. http://www.lacrisisdelahistoria.com/crisis-del-siglo-xvii/
23. http://www.teinteresasaber.com/2012/07/michelangelo-merisi-caravaggio-breve.html
24. https://es.wikipedia.org/wiki/Joven_sosteniendo_una_calavera
25. https://es.wikipedia.org/wiki/La_vocaci%C3%B3n_de_San_Mateo_(Caravaggio)
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