1) El documento describe tres obras del pintor renacentista Giovanni Bellini: Alegoría Cristiana, Presentación en el Templo y El Retablo de Pésaro. 2) También incluye breves descripciones de las pinturas Judith y La vieja del artista Giorgione. 3) Por último, presenta información sobre la obra La asunción de la Virgen del pintor Correggio.

1. TERCERA PARTE ARTISTAS
GIOVANNI BELLINI
Alegoría Cristiana
También conocida como Alegoría Sagrada. Es una de las obras
realizadas en el periodo de madurez del artista.Realizada al
temple sobre tabla en el año de 1490.
Esta gran obra se encuentra en la Galería de los Uffizi en
Florencia.Es posible que el cuadro haya sido encargado por Isabel
de Este. Se puede interpretar como una alegoría del Purgatorio,
inspirado en el poema Le Pelerinage de L’Ame, del poeta
Guillaume de Deguileville.
Ha sido interpretado como un debate sobre los atributos divinos:
la misericordia, la verdad, la justicia y finalmente la paz.
Tambien existe otra interpretación, la obra puede ser una
meditación sobre la Redención.
La obra se desarrolla en un marco arquitectónico con un colorido
paisaje de fondo. Existen varias figuras de santos cuyo nexo de
unión o sentido general de la obra no está muy claro.
En la terraza podemos observar elaboradas baldosas en
perspectiva de mármol. La profundidad del paisaje también por el
cromatismo del cuadro.
Su brillante luz unificadora y su detalle en el tratamiento realista
de los personajes en un balcón celestial es todo un misterio.
El niño que esta agitando un árbol en el centro del cuadro puede
ser una representación a la inocencia anterior al pecado original.

2. A la izquierda de este patio celestial, la Virgen sentada en un
trono sobre el que cuelgan uvas de la Eucaristia.
Presentación en el Templo
Una pintura realizada por Giovanni Bellini, entre 1450 y 1460.
La hermana de Giovanni, llamada Nicolasia se casó con Mantegna,
es por esta razón que hay una influencia entre los dos artistas.
Tienen la misma composición y personajes: La Virgen y el Niño
apoyados en un marco marmóreo en primer plano, con un viejo y
caduco sacerdote que se adelanta a coger al niño mientras que
José, en segundo plano y medio oculto, mira la escena
frontalmente. En la representación de Bellini hay dos más,
incluido su autorretrato. Organiza el grupo de otra manera, como
una pequeña muchedumbre humana. La cornisa ha dejado el sitio

3. a un alfeizar mas ágil, que aísla menos las figuras respecto al
espectador, y los colores, sobre todo blancos y rojos, presentan
con mayor dulzura y naturalismo en las carnaciones y demás
superficies. El fondo es absolutamente negro, resaltando las
figuras de todos los personajes. Sobre todo la de la virgen a la que
el reflejo de la luz ilumina su rostro. Este tipo de iluminación es
típicamente veneciana, acentuando el color.
Giovanni Bellini se interesa también por el estudio de los
volúmenes y de la perspectiva creada con la sucesión de figuras
en diferentes planos y colocando en primer término una amplia
barandilla donde se apoya la Virgen y el Niño.Se interesa mucho
por los pliegues de la tela, que los resuelve de manera simple.
El Retablo de Pésaro

4. Es una de las obras famosas del pintor renacentista Giovanni
Bellini, realizada en 1471 y 1474 en óleo sobre tabla.
Está dedicado a la Coronación de la Virgen, la mando a pintar la
familia de los Pésaro para la Iglesia de San Francisco de Pésaro.
Es una forma de arte que anteriormente casi logró monopolizar
en Venecia la escuela rival de los Vivarini.
Se inspira en Piero della Francesca, aunque Giovanni se va
alejando poco a poco del estilo paterno y supera resabios del
gótico tardío. La perspectiva en este cuadro se manifiesta en el
suelo adornado con baldosas de diferentes colores. Asi mismo el
paisaje le da un toque de profundidad a la pintura.
En el retablo Pésaro el artista sintetiza el color con la forma y

5. unifica en un mismo espacio los objetos y demás seres figurados.
Representa una escena de la Biblia, la Virgen se encuentra en un
acto de coronación, acompañada de santos y santas en las calles
laterales. El autor muestra varias escenas con santos en la
predela.
Sentados en un trono que se parece a un arco de triunfo se
encuentra el personaje principal de la obra, María junto a Cristo
en el acto de coronación.
Cuatro santos están presentes al igual que una pequeña corte de
querubines en el cielo junto con una paloma blanca que simboliza
el espíritu santo.
Al ser un gran escultor, sus imágenes adquieren una grandiosidad
empapada de volumen.
GIORGIONE, TIZIANO, CORREGGIO
GIORGIONE
Judith
TERCERA PARTE ARTISTAS
GIOVANNI BELLINI
Alegoría Cristiana
También conocida como Alegoría Sagrada. Es una de las obras
realizadas en el periodo de madurez del artista.Realizada al
temple sobre tabla en el año de 1490.

6. Esta gran obra se encuentra en la Galería de los Uffizi en
Florencia.Es posible que el cuadro haya sido encargado por Isabel
de Este. Se puede interpretar como una alegoría del Purgatorio,
inspirado en el poema Le Pelerinage de L’Ame, del poeta
Guillaume de Deguileville.
Ha sido interpretado como un debate sobre los atributos divinos:
la misericordia, la verdad, la justicia y finalmente la paz.
Tambien existe otra interpretación, la obra puede ser una
meditación sobre la Redención.
La obra se desarrolla en un marco arquitectónico con un colorido
paisaje de fondo. Existen varias figuras de santos cuyo nexo de
unión o sentido general de la obra no está muy claro.
En la terraza podemos observar elaboradas baldosas en
perspectiva de mármol. La profundidad del paisaje también por el
cromatismo del cuadro.
Su brillante luz unificadora y su detalle en el tratamiento realista
de los personajes en un balcón celestial es todo un misterio.
El niño que esta agitando un árbol en el centro del cuadro puede
ser una representación a la inocencia anterior al pecado original.
A la izquierda de este patio celestial, la Virgen sentada en un
trono sobre el que cuelgan uvas de la Eucaristia.
Presentación en el Templo

7. Una pintura realizada por Giovanni Bellini, entre 1450 y 1460.
La hermana de Giovanni, llamada Nicolasia se casó con Mantegna,
es por esta razón que hay una influencia entre los dos artistas.
Tienen la misma composición y personajes: La Virgen y el Niño
apoyados en un marco marmóreo en primer plano, con un viejo y
caduco sacerdote que se adelanta a coger al niño mientras que
José, en segundo plano y medio oculto, mira la escena
frontalmente. En la representación de Bellini hay dos más,
incluido su autorretrato. Organiza el grupo de otra manera, como
una pequeña muchedumbre humana. La cornisa ha dejado el sitio
a un alfeizar mas ágil, que aísla menos las figuras respecto al
espectador, y los colores, sobre todo blancos y rojos, presentan
con mayor dulzura y naturalismo en las carnaciones y demás
superficies. El fondo es absolutamente negro, resaltando las
figuras de todos los personajes. Sobre todo la de la virgen a la que
el reflejo de la luz ilumina su rostro. Este tipo de iluminación es

8. típicamente veneciana, acentuando el color.
Giovanni Bellini se interesa también por el estudio de los
volúmenes y de la perspectiva creada con la sucesión de figuras
en diferentes planos y colocando en primer término una amplia
barandilla donde se apoya la Virgen y el Niño.Se interesa mucho
por los pliegues de la tela, que los resuelve de manera simple.
El Retablo de Pésaro
Es una de las obras famosas del pintor renacentista Giovanni
Bellini, realizada en 1471 y 1474 en óleo sobre tabla.
Está dedicado a la Coronación de la Virgen, la mando a pintar la
familia de los Pésaro para la Iglesia de San Francisco de Pésaro.

9. Es una forma de arte que anteriormente casi logró monopolizar
en Venecia la escuela rival de los Vivarini.
Se inspira en Piero della Francesca, aunque Giovanni se va
alejando poco a poco del estilo paterno y supera resabios del
gótico tardío. La perspectiva en este cuadro se manifiesta en el
suelo adornado con baldosas de diferentes colores. Asi mismo el
paisaje le da un toque de profundidad a la pintura.
En el retablo Pésaro el artista sintetiza el color con la forma y
unifica en un mismo espacio los objetos y demás seres figurados.
Representa una escena de la Biblia, la Virgen se encuentra en un
acto de coronación, acompañada de santos y santas en las calles
laterales. El autor muestra varias escenas con santos en la
predela.
Sentados en un trono que se parece a un arco de triunfo se
encuentra el personaje principal de la obra, María junto a Cristo
en el acto de coronación.
Cuatro santos están presentes al igual que una pequeña corte de
querubines en el cielo junto con una paloma blanca que simboliza
el espíritu santo.
Al ser un gran escultor, sus imágenes adquieren una grandiosidad
empapada de volumen.
GIORGIONE, TIZIANO, CORREGGIO
GIORGIONE
Judith

10. Es una de las pinturas de Giorgine, realizada en óleo sobre tabla,
en 1503.
Uno de los maestras de la composición, en su obra Judith ubica los
elementos de la composición en planos sucesivos y que ayudan a la
correcta interpretación de la perspectiva, inserta de manera muy
correcta la figura en el paisaje.
Giorgione pinta a Judith, una heroína bíblica, en primer plano
pisando la cabeza de Holofernes. Su cabeza se encuentra
contemplándola, su rostro presenta un semblante de confidencia y
serenidad. Recibe un fuerte impacto lumínico que resalta las
tonalidades de su vestido.
La protagonista viste un vestido rosado con un corte en la pierna
izquierda, la que se muestra sobre la cabeza de Holofernes,
su cabella está recogido, en su mano derecha sujeta una espada
que se oculta detrás de su esbelto vestido.
Detrás de Judith se encuentra un muro con grietas, dando la
sensación de un muro viejo. Colocando su brazo izquierdo en la
parte más alta del mismo.
Al fondo de la composición se encuentra situado un paisaje en
perspectiva, dividido por un murete que no impide la visión de una
ciudad envuelta en tinieblas que es interpretada por el artista,

11. cuyos colores siguen la misma línea cromática que la escena. Pinta
el cuadro con colores suaves entre los que se incluyen: marrón,
amarillo y salmón.
La vieja

12. La obra del retrato de la vieja fue una muy reconocida por el autor,
fue realizada en 1505. Pocos años antes de la muerte del pintor.
Encargo privado posiblemente de gente adinerada de aquel
entonces.
Es una colección de Vendramin, esta citada en los inventarios de
1567-69 y 1601. Existen varias hipótesis sobre la simbología de
esta obra, una de ellas es una alegoría. La anciana porta un billete
en su mano derecho, el que tiene una leyenda “Con el tiempo”.
Otra de las hipótesis apunta que se trata de un sensacional retrato.
La pintura refleja ideas que se adjudican a Leonardo, por la fusión
entre el fondo y la figura en sí, así como también la pose de la
mano sobre el antepecho. En sintonía con la disposición del
apóstol Felipe en la Ultima Cena de Milán.
Giorgione poseía un estilo naturalista, del que rodeaba a sus
cuadros. La protagonista es una mujer mayor, con el cabello cano,
arrugas propias de la edad, vestimenta antigua y un poco sucia y
descuidada, tal vez, para mostrar el paso del tiempo. Por estos
factores, podemos decir que el cuadro nos muestra sensaciones.
Se dice que Giorgione se pudo haber inspirado en un cuadro de
Alberto Durero llamado “La Avaricia” o también conocido como
“Anciana con monedero”.
Adoración de los Magos
Este cuadro de Giorgione fue realizado en 1504, en óleo sobre
tabla. Se debe decir que el artista fue uno de los discípulos de de

13. Leonardo, adoptando varias referencias de Da Vinci, como el
sfumato leonardesco y los perfiles suaves.
Hace uso de un elemento arquitectónico, un muro de ladrillos, que
lo crea gracias a la iluminación empleada que manifiesta una
sensación atmosférica.
En la zona de la izquierda, remarcada por colores oscuros que
plasman una zona de penumbra, el pintor representa la Sagrada
Familia, con sus miembros: San José, que se encuentra en una
posición de desproporción respecto a la Virgen. La zona de la
derecha está iluminada por un potente foco, el cual resalta
luminosas y brillantes tonalidades de los ropajes, tanto de los
magos como de los pajes.
Este es uno de los cuadros del autor en el que la disposición de los
caballos en el fondo, impiden que se desarrollo profundidad en la
obra, reduciendo el espacio pictórico, pues dispone las figuras en
un primer plano, que al estar cerca del espectador, cierra el
espacio. Mostrando al autor un poco primitivo en este aspecto.
Muestra una escena bíblica, donde representa a María cargando en
sus brazos al niño Jesús y a su lado se encuentra José, frente a ellos
el pintor muestra a los reyes magos arrodillados ante el rey,
ofreciéndole regalos. Una muchedumbre se representa detrás de
ellos, y dos caballos orientados hacia el Salvador.
CORREGGIO
La asunción de la Virgen

14. Es un fresco pintado en la cúpula, por el pintor Correggio entre los
años de 1526 y 1530, realizado para la Catedral de Parma en
Italia.
A diferencia del clasicismo, no se basa en una composición con un
eje central. Esta obra esta descentrada, desestructurada,
haciendo hincapié en el estilo barroco.
La obra representa la Asunción de la Virgen María, quien se
encuentra representada con un vestido color rojo y azul, los
ángeles la levantan para subirla al cielo en cuerpo y alma.
Alrededor de la protagonista, varios ángeles giran
concéntricamente, algunos de ellos con instrumentos musicales,
al igual que otros personajes, por ejemplo Adán y Eva, Judith con
la cabeza de Holofernes. En los cuatro triángulos curvados que
forman las cuatro pechinas, están representados los santos
patronos de la ciudad: San Hilario que viste un manto amarillo,
San Juan Bautista junto a un cordero, Santo Tomas, con el que se
encuentra un ángel llevando la palma del martirio, y San Bernardo
quien fija su mirada hacia arriba.
Las figuras del fresco están iluminadas por una luz ideal, simbólica
y que dan la sensación de atravesar el espacio material y de ser
aspiradas por el espacio divino. El autor se metió tanto en el
tema, que utilizo absolutamente todo para dar la sensación de

15. que las figuras estaban subiendo junto con María al cielo.
Tiene gran influencia en lo que respecta a perspectiva adquirida
por Melozzo.
Júpiter e Io
Es uno de los cuadros más conocidos del pintor Correggio, pues
en ella llega a la cúspide de sus posibilidades artísticas.
Realizado en óleo sobre lienzo entre los años de 1531 y
1532.Encargada por Federico II Gonzaga para decorar la Sala de
Ovidio en el Palazzo de Te de Mantua.
Esta obra conformaba una pieza de El rapto de Ganimedes y
Dánae otra de sus obras.

16. Representa una escena de la Mitología griega que se encuentra
narrada en Las Metamorfosis de Ovidio, Io era una doncella de
Argos, hija de Inaco y sacerdotisa de Hera, hija del rey Yaso, a la
que Zeus quien era el dios griego del que es equivalente según los
romanos a Júpiter, visito en forma de una enorme neblina para
quitarle la virginidad.
Esta manifestación representa el momento de la unión carnal
entre Io y Zeus, arropándola en forma de nube, de la cual se
puede observar ciertas facciones de hombre, que hacen el amor a
la protagonista. Destacando en la obra el erotismo que nace del
cuerpo de Io, mientras La nube, Zeus, la acaricia.
El ciervo representado en el cuadro, bebiendo agua, en la esquina
inferior derecha del cuadro, no aparece en la historia de Ovidio,
fue un elemento añadido por Correggio. Que se cree que puede
hacer referencia a la interpretación del pintor, el padre de Io era
Inaco, una oceánida o dios fluvial.
Los colores en la obra están basados en el contraste entre el cielo,
dibujado con densas nubes oscuras, y la blanca figura de Io, en
una postura retorcida típicamente manierista. El cuerpo está
colocado en forma serpentinata, es decir en S, típica del autor, a
la que cogieron como referencia tiempos después los pintores
barrocos.
El rapto de Ganimedes

17. Es una de las obras más importantes del autor, ya que con ella
alcanza la máxima representación de su pintura y sus
posibilidades artísticas.
Esta realizado en óleo sobre lienzo entres los años de 1531 y
1532.
Fue pintada para conformar un conjunto de obras del autor, una
de ellas fue Jupiter e Io y la otra fue Danae, forman parte de 4
telas, para decorar la Sala de Ovidio en el Palazzo Te de Mantua,
aunque luego, fueron un reglao para el emperador Carlos V, y, en
consecuencia, el ciclo fue dispersado fuera de Italia.
Un cuadro que representa una escena de la mitología griega,
Ganimedes era un hermoso príncipe de Troya, hijo del mismo
epónimo Tros. Ganimedes vivía en el Monte Ida de Frigia, y Zeus
lo rapto adoptando la forma de un águila. En el Olimpo, Zeus hizo
a Ganimedes su amante, y también su copero en sustitución de
Hebe.
Se puede observar el momento del ascenso del bello joven
Ganimedes, cogido por el águila. En la parte inferior, hay un perro
mirándolos, mientras que Ganimedes fija la mirada en el
espectador. Tanto este perro como las rocas que están formadas
por numerosas líneas verticales subrayan la idea de movimiento
ascendente. El formato del cuadro, estrecho y alto, es idóneo para

18. representar estas imágenes de ascensión.
ALBERTO DURERO
Fiesta del Rosario
Conocido en alemán, como Rosenkranzaltar, o también conocido
como La Virgen de la fiesta del Rosario, es un cuadro realizado en
1506, en óleo sobre madera de álamo. Es la obra más importante
de su carrera, ya que se dice que incluso en su época tuvo gran
éxito, a tal punto, que se acercaba a verlo incluso el patriarca, el
dux y muchos más. Es una síntesis de su obra anterior.
Fue un encargo del banquero Jacob Fugger, quien era el
intermediador entre el emperador Maximiliano y el papa Julio II
con respecto a la coronación de aquel. Es por esta razón que
participan en la obra de Alberto Durero.
El artista realizo el cuadro siguiendo sus conocimientos de
anatomía, geometría y matemáticas, lo que caracteriza al
humanismo renacentista. En sus viajes que realizaba a Venecia,
pudo resolver y mejorar sus técnicas, como el arte del matiz y el
uso de la perspectiva matemática, influenciado por Giovanni

19. Bellini.
En esta obra, a diferencia de otras podemos observar que el autor
se centra muchísimo en los detalles, para acercarse más al
realismo; utilizando sombras por ejemplo.
La organización es más pronunciada en torno a un rígido triangulo
o pirámide central en donde se situan los personajes principales,
llegando a ser Maria quien se muestra en la cúspide de la
pirámide, estando estructurado en la base el emperador y el
papa. El niño Jesus queda ligeramente descentrado con relación al
eje del cuadro.
Autorretrato de Durero
Es un retrato del autor, también conocido como autorretrato con
traje de piel, que lo realizo cuando tenía 27 años de edad,
realizado en 1498 en óleo sobre tabla, aunque su aspecto en el
cuadro parece de un hombre mucho mayor que de 27 años.
Se ve frontalmente el abrigo de pelliza, Durero tiene una

20. expresión seria, pero al mismo tiempo serena. Su larga melena
que le llega a los hombros marca muy definidamente su cabello
rizado de color rubio dorado; da la apariencia de una figura muy
parecida a la de Cristo. Dando un tratamiento minucioso de su
cabello, del cual se dice que estaba obsesionado.
El artista logro en su autorretrato dibujar un rostro con una
mirada profunda y al mismo tiempo cautivadora. Sus ojos color
verdes en conjunto con su mirada fija hacia el espectador,
demuestran a un Durero sincero, sereno, noble y honesto. Pocos
son los autores que han logrado realizar un trabajo de
sensaciones y expresiones como lo hizo Alberto Durero en su
propio rostro, recordando a la iconografía de Jesucristo.
El fondo oscuro resalta la figura de Durero, dando un efecto de
silencio, mostrando un espacio en el que todo parece estar tan
tranquilo, lleno de quietud; su cara, su cabello, sus manos, su
vestimenta, todo está dentro de una atmosfera de tranquilidad.
Su cara sobresale dramáticamente por su cromática y los efectos
que maneja.
Su vestimenta es simple, destacando su color marrón y el
terciopelo de la bata con el cuello de lana que se deja ver una
parte del traje que Durero porta en el autorretrato de 1493. Su
mano derecha acaricia levemente su bata, lo que nos devuelve a
las representaciones de Cristo, donde tenia una postura
semejante, tocando el pecho.
La luz que representa el autor en el cuadro es muy pobre,
proviene del lado izquierdo del cuadro y es el único foco que
alumbra la escena.
Los cuatro apóstoles

21. Es una obra realizada a modo de díptico, acabada en 1526, es una
pintura al oleo sobre madera de tilo.
El autor después de haber viajado muchísimo por los países bajos,
al volver a Nuremberg decidió realizar este díptico como una obra
monumental y una especie de testamento espiritual, pues estas
figuras representan su presencia espiritual, la encarnación, los
pilares y las garantías de una fe y una moral nuevas y del estado
espiritual, universal y natural.
Durero encargó un marco muy elaborado para esta pintura y la
regalo al municipio de la ciudad de Nuremberg, constando la
donación en un documento de 1526 que decía que espera que
acepten esa humilde obra que les ofrece, habiéndola escogido
entre las pocas obras que le quedaban. Aunque estaba pintada
con mucho cuidado.
Es una obra realizada en la madurez del pintor, donde se observa
la influencia veneciana que tuvo, por sus viajes a esta ciudad, no
dejando de ser una obra nórdica por la expresividad de los rostros
y los minuciosos detalles; por su intenso cromatismo y por la
concepción estatuaria y escultórica de los personajes. Contrasta
las tonalidades cálidas e intensas como el rojo, el azul y el dorado;
con las tonalidades frías representadas por el blanco y el gris
azulado.
Una vez más se inspira en su colega Giovanni Bellini, tomando
como referencia modelos inmediatos del pintor, para la iglesia de

22. Frari en Venecia.
En uno de los dípticos se encuentran las figuras de San Juan y San
Pedro, a los que se puede reconocer por la llave, leen la Biblia en
el propio evangelio de Juan. En el panel de la derecha aparecen
San Marcos y San Pablo, quienes portan un Bilbia en la mano.
Los personajes representarían el hombre, sus edades, los cuatro
temperamentos clásicos.
GRUNEWALD MATIAS
Crucifixion
Es una obra realizada por Grunewald ente los annos de 1512 y
1516. Esta realizado al temple en oleoo, sobre el panel de madera
de tilo.
La Crucifixion es una escena representada en los dos paneles
centrales del Retablo de Isemheim. La representación refleja una
dramática expresividad por parte de las figuras.
En el centro de la composición se encuentra la cruz, que ha sido
tallada a partir de un árbol groseramente, que soporta la figura
principal, Jesucristo, quien está ligeramente descentrado con una
tonalidad que da la impresión que el cuerpo esta putrefacto con

23. heridas purulentas y crispado. Se muestra un hombre cuya
posición y heridas están acabando poco a poco con su vida, fue
retratado en los últimos espasmos que precede a la muerte. Por
esta razón se ve sus brazos contorsionándose de manera
impresionante, desarticulados. La cabeza se muestra inclinada
debido a la falta de fuerza que tiene para mantenerla hacia arriba,
su boca parece haber exhalado su último suspiro.
A lado derecho de la cruz se encuentra a los pies de
Jesucristo, Magdalena quien parece estar implorando a Cristo.
Viste un amplio manto color rosa, se retuerce de lamento y
levanta sus manos hacia la cruz.
A un costado derecho de la cruz vemos a María sostenida por San
Juan, quien viste un velo y blanco habito monacal. Con un rostro
que por su palidez y agotamiento muestra una belleza diferente.
Su posición angustiada, por encontrar el cuerpo de su hijo
crucificado.Se retuerce las manos hasta hacerse daño.
San Juan es quien está mostrando apoyo a María, y dándole
fuerzas, viste un manto rojo, su cabello es dorado y parece un
joven estudiante alemán.
A la derecha esta Juan Bautista y a sus pies el Cordero de Dios
símbolo de aquel Jesús que él ha bautizado.
Virgen de Stuppach

24. Es un cuadro del pintor alemán Matthias Grunewald. Realizado en
la segunda mitad de los años 1510 en temple, pintado sobre una
madera resinosa de la mejor calidad, es decir es una obra de
técnica mixta.
Es la parte central del retablo Ashaffenburger, considerada la obra
maestra de Grunewald. Se desarrollo al mismo tiempo que el
retablo de Isemheim, por esta razón se puede observar que La
Virgen tiene gran similitud con la del retablo de Isemheim. Fue un
encargo realizado por el canónigo Kaspar Schantz en el año de
1514.
Se representa a María con el Nino siendo un cuadro de ideología
religiosa, esta obra fue realizada como una pintura devocional
para la nueva capilla.
El Escarnio de Cristo

25. Es un cuadro del pintor Grunewald. Se realizo en año de 1503, es
la obra mas antigua, cuya autoria no es controvertida. Pintada al
temple y oleoo sobre panel de madera.
Jesus de Nazaret es representado con una benda en los ojos,
sentado. Sus brazos y las manos se encuentran atados con una
cuerda. Recibe indefenso los golpes de los siervos: un verdugo,
delante de el, tira de la cuerda; otro detrás, alza el puno para
pegarle al mismo tiempo que le tira del pelo.
A la derecha se observa un personaje con un bastón sujetado por
su mano izquierda y con la derecha imita una cachetada como
ademan. En el hombro de este verdugo se apoya otro hombre,
mucho más viejo con el que habla.
En el fondo de la pintura se observan tres hombres: Uno de ellos
toca la flauta al tiempo que golpea el tambor, otro, el más joven,
parece estar al margen de todo lo que ocurre, aunque se ven
atisbos de alegría en él, el tercero, al que solo se le ve la cabeza,
muestra una expresión de desconsuelo y lamento.
Este cuadro está repleto de sensaciones y expresiones por la
misma representación que se realiza al igual que su tema. Los

26. verdugos casi parecen caricaturas, y expresan brutalidad y falta de
piedad. Lleno de dramatismo, el que en ese entonces era inédito.
CRANACH LUCAS
La ninfa de la fuente
Es una obra realizada por Lucas Cranach, el viejo, conocido así
porque su hijo, pintor igual que él, se llamaba igual.
Se realizo entre los años de 1530 y 1534.
Optó por la mitología griega y por ende la sensualidad del
desnudo femenino.
Esta tabla representa a la ninfa de la fuente Castalia, de cuya agua
bebían filosofos y poetas, quien les brindaba inspiración. Se
muestra tumbada sobre un tupido césped, en una posición
antinatural, con la cabeza apoyada sobre el brazo derecho. Se
encuentra levemente girada hacia el espectador, con su pierna
izquierda levantada para entrecruzarse con la derecha.
Detrás de la ninfa se halla un tronco de árbol, y destras de este
podemos observar los diferentes planos que usa el autor para dar
un sentido de profundidad en la pintura, conseguidas con la
perspectiva.
Se puede asimiliar esta ninfa, según el criterio de su postura, a la

27. Venus de Giorgione de la Gemaldegalerie De Dresde y a las de
Tiziano por la cartela del angulo superior izquierdo, el texto de la
misma corresponde a un poema latino. El carcaj con flechas y el
arco apoyados en el árbol se cree que según las hipótesis
realizadas pueden hacer referencia a Diana cazadora o bien a
Cupido, quien acompañaba a Venus.
Venus desnuda
Esta pintura tiene como protagonista a Venus, salida de la
mitología griega.
Remarca la sensualidad del desnudo con la Venus, por sus
delicadas carnaciones, el suave claro oscuro que realiza además
de cómo resuelve la gasa transparente que pinta el artista, cuyo
trazado curvilíneo y su textura erótica, que apenas tapa su pubis,
expresa sensualidad.
Su postura es equilibrada y armónica, no posee un cuerpo
totalmente perfecto ni de Diosa, pero su saber estar y su posición

28. la hacen parecer tan esbelta como las mismas diosas, la cual
corresponde al arte clásico y renacentista, aunque sus rasgos en el
rostro muestran el origen germánico del autor. Así como también
los detalles que lleva en su cabeza, un cintillo rojo, el detallismo
del tocado del cabello, la gargantilla y el collar que porta la
protagonista, revela la tradición nórdica del artista.
La luz de la pintura, el color y la textura, hacen de la Venus una
mujer de gran belleza que además seduce y muestra sensualidad
por doquier. Su piel blanquecina genera luminosidad que
contrasta directamente con el fondo del cuadro ennegrecido.
Este cuadro fue censurado en el Metro de Londres, al ser tachado
de inmoral e impúdico.
Venus y Cupido con una panal de abejas
Conocida obra también como Venus y amor, del artista alemán

29. Cranach.
Realizado en 1525 aproximadamente.
Representa, una escena de la mitología griega, en la que se
encuentra una Venus y un niño a su lado.
La Venus con piel blanquecina, cuya cromática es muy parecida a
las demás obras. Y su estilo del cuerpo esbelto de la Venus, es muy
parecido a las que ha pintado en varias obras. Sus líneas refinadas
y fluidas son muy alejadas del estilo de estatuas antiguas. La
Venus se encuentra mirando hacia el espectador con un gesto
sensual y erótico. Se vuelve a presentar la gasa transparente que
sostiene con sus manos la Venus. Este es uno de los elementos, que
caracterizan a las Venus de Cranach.
El niño que estaa a su lado, representa a la figura mitológica de
Cupido, en esta obra lo pinta con un panel de abejas sujetado por
sus manos, varias abejas lo rodean y se posan algunas de ellas en
su brazo. El pequeño Cupido, inocentemente coge un panal y no
se da cuenta del dolor hasta que las abejas ya lo habían picado.
La fina pincelada de artista se ve también en el fondo de la pintura,
donde se observa un árbol, al que le podemos contar las arrugas de
su corteza.
La fuente de la Juventud
Este cuadro lo realizo el artista Cranach, llamado el pintor de la

30. Reforma.
Representa la fuente de la Juventud, producto de su imaginación.
Aunque tomo arqueotipos de la realidad, como la piscina que
ilustra en la obra, estas piscinas si existían, y eran accesibles para
todos lo que querían usarla.
Es probable que los manantiales curativos se frecuentaran durante
toda la Edad Media. Al tratar de desempeñar lo que tiene de
fantasioso el cuadro de Cranach, aunque aun no se conoce si fue
pintado por Cranach el viejo o Cranach el joven.
En ese entonces, en la Edad Media, la gente creía muchísimo en
los milagros, esperaban en cualquier momento la intervención
directa de las fuerzas sobrenaturales en los acontecimientos
terrenales, ya fuera a través del poder de Dios o a su vez del poder
del mal, del poder del diablo.
La división entre ciencias naturales y religión tal como se concibe
en la actualidad, todavía no se había consumado. La ciencia
empezaba a dar sus primeros pasos, como se advierte sobre todo en
la medicina.
En esos momentos el realizar trabajos e investigaciones anatómicas
con cadáveres era totalmente prohibido, por lo que el estudio era
muy pobre. Y todavía estaba vigente la antigua doctrina de los
cuatro humores como fundamento d etodos los métodos de
curación. Se creía que cuando alguien se enfermaba, era porque su
ser interno, sus humores, no estaban proporcionalmente
armonizados, y que había que sangrarlo.
Las fuentes y balnearios de aguas minerales se beneficiaron del
atraso que existía, por la ignorancia de la medicina.
BALDUNG GRIEN
Las edades y la Muerte

31. Es una pintura realizada por Hans Baldung, un pintor alemán, que
se caracterizaba por pintar lo macabro de la vida y la muerte.
Este cuadro fue realizado en 1547 en oleo sobre tabla.
El tema de esta inquietante tabla tiene mucho que ver con la
Vanitas, la Vanitas es un elemento de reflexión cristiana que tuvo
gran trascendencia en la Europa central, en la pintura flamenca y
en España.
La Vanitas se refiere a lo efímero de los placeres mundanos y la
presencia constante de la muerte, que convierte en vanos los
placeres del amante desde el conocimiento del filosofo.
La armonía y las Tres Edades, hacen evidente la belleza de la
juventud y su capacidad para el amor, así como su final inevitable
en la fealdad y la muerte, convirtiéndolas por tanto en inútiles.
Posee un formato vertical, son figuras cercanas a la vista del

32. espectador.
En esta obra el autor representa a la muerte como una vieja calva,
desdentada y con el vientre lleno de gusanos, agarra del brazo a
una señora mayor para llevársela.
Forman una cadena, ya que la señora mayor arrastra a su vez
consigo y con la muerte a una mujer joven, con un rostro
malencarado y enjaezada con collares. A los pies de estas mujeres
hay un bebe dormido, bajo la lanza rota de la Muerte.
Hay dos hipótesis sobre el significado de este cuadro. Es la vida
renovada venciendo a la Muerte, o al contrario representa a la
Muerte omnipresente velando el sueño del recién nacido.
Al otro lado, una lechuza, se posa sobre una torre demoniaca al
fondo.
Las tres Gracias

33. Es una obra de Hans Baldung, realizado entre los años de 1541 y
1544, pintado en óleo sobre tabla.
Es una alegoría también conocida como La Armonía. Marca el
erotismo en su obra, llevado por el semidesnudo de los personajes.
Dos jóvenes semidesnudas sostienen un libro, en el que lee una de
ellas. Una tercera joven a la derecha, sostiene un laúd en la mano y
tiene una viola a sus pies. Completan la escena tres niños
desnudos, el de primer término con un cisne y un papel de música.
Una serpiente enroscada al árbol del fondo completa esta
representación alegórica, de complicada lectura, alusiva a los
placeres de la vida: Belleza, música, libros. Su interpretación se
esclarece a la vista de su compañera Las Edades y la Muerte.
Esta obra alude al concepto de Vanitas, a la fugacidad de la vida y
las cosas terrenales, al paso inexorable del tiempo y la
imposibilidad de escapar al destino de la muerte.

34. La Muerte y la Doncella
Es una obra realizada en 1515, el artista dibujo la obra, y dos años
después se interesó por pintarla.
Esta pintada en óleo sobre tabla.
Representa un encuentro de una dama, y la Muerte, representada
por un esqueleto con poquísima masa muscular de un color
putrefacto, su piel disecada apenas se sostiene con sus huesos.
Nos muestra a los personajes en una posición frontal, La Muerte
está indicando a la doncella con su mano derecha al lugar donde se
la va a llevar consigo, a la tierra.
El pintor escribe una leyenda en la parte superior central, que
significa Allí es donde debes ir, esta leyenda nos dice que nuestro
destino es el que está viviendo la doncella en la representación de
la Muerte y La Doncella.
La Muerte la esta agarrando de la cabellera virginal a la doncella, y
ella con un gesto de dolor y suplica, cruza sus dedos entrelazados
para pedir e implorar a la Muerte que no se la lleve. La doncella
sabe que no puede confrontar a la Muerte, pero tampoco se opone
a ela, asi como tampoco trata de cubrir su desnudez. Llora, dejando

35. ver su piel desnuda y blanquecina.
Asi como en otras obras de este artista se muestra la relación entre
las personas y la muerte, hay un rechazo que extrañamente se
conjuga con un deseo. La muerte es desagradable, fea y de
apariencia enigmática y brutal, pero estas características son las
que la hacen atractiva.
HOLBEIN HANS
El cuerpo de Cristo muerto en la tumba
O también conocido como el Cristo muerto. Realizada entre los
años de 1520 y 1521.
Holbein pinto el Jesús que relataban en los evangelios de aquella
época, en una forma tan desoladora y con un desgarrador
naturalismo, el que no han logrado muchos artistas. Lo muestra
como un cadáver tan mortal, que parece que no podría concebirse
la idea de la resurrección de Cristo.
No es una representación distinta a las anteriores, pues el artista lo
pinta en sentido totalmente horizontal como algunos otros lo
habían hecho. Un ejemplo es el Descendimiento de la Cruz de
Pietro Lorenzetti, en Asis.
El cadáver de Cristo está pintado con mucha crudeza por parte del
artista, aunque su crudeza aumenta al pintar incluso el lugar donde
estaba el Cristo, un lecho de madera tallada en su parte superior,
muestra un espacio lúgubre de reclusión y marginación.
La posición de Cristo muestra a los espectadores un posición real
que se pudo haber visto.
Algunos creen que representa a un Cristo solo, sin esperanzas de
resurrección y olvidado por el mundo entero. Sin promesas de
resurrección, que pondría en tela de juicio su condición divina

36. como triunfador sobre la muerte, dando a relucir su condición
humana.
El rostro refleja aún el sufrimiento de la cruz, el dolor que sintió,
un dolor moral y psicológico que lo llevo a la muerte.
Los embajadores
El nombre real de Jean de Dinteville y Georges de Selve, es una
pintura de Hans Holbein realizada en 1533, en óleo sobre tabla de
roble.
Es una de las obras maestras del pintor alemán.
En un primer plano se encuentra un elemento que mucho tiempo
permaneció como un elemento extraño del que no se sabía su
simbología ni su significado en la pintura.
Un historiador de arte en el siglo XX descubrió que ese elemento
que se encuentra inclinado es un hueso de sepia, es una
anamorfosis de un cráneo humano, la pintura realmente es una
vanidad.
En la pintura se representa en segundo plano en la izquierda al
emperador de Francia en Inglaterra, acompañado a la derecha de su
amigo, quien era obispo de Lavaur. Los dos se apoyan sobre un
mueble con dos estantes sobre él se puede observar varios objetos
pequeños que adornan el estante, estos objetos hacen que el

37. espacio parezca un despacho, ya que hacen relación con las cuatro
ciencias matemáticas entre las siete artes liberales: la aritmética, la
geometría, la música y la astronomía. Los objetos de la parte
superior se encuentran sobre una alfombra roja con un diseño
geométrico muy complicado.
El emperador viste un vestido con un abrigo de piel, en la mano
sujeta una daga guardada en su estuche, grabada en ella está la
edad del mismo 29 años. Su amigo esta totalmente vestido de
negro envuelto en un abrigo de piel, en la mano derecha lleva sus
guantes y en la cabeza un tocado.
Se observa que el emperador porta varios objetos de valor como
cadenas, mientras que el obispo se muestra más humilde.
La Virgen del Burgomaestre Meyer
Es una obra realizada por Holbein, conocida también como
Madona del Burgomaestre Jakob Meyer o Madonna de
Darmstadt.
Pintado en óleo sobre madera de conífera específicamente de
abeto, en Stadel se refieren a la madera como de tilo, siendo una

38. madera resinosa, realizado entre los años de 1526 y 1529.
Encargado para la Basilea. Aunque en esta época decreció la
demanda de obras religiosas debido a la llegada de la Reforma,
Holbein pudo realizar varias obras religiosas, entre ellas la
Madona de Darmstadt.
Es una obra de gran tamaño. En la que se representa a la virgen
con Jesus en sus brazos sentada en el trono, a sus pies una
alfombra de color rojo se muestra con un diseño impresionante. A
los costados de la Virgen se encuentra San Martin y Ursus.
Los donantes están representados solo a través de sus escudos de
armas en una alfombra que se encuentra a los pies de la Virgen.
La pintura corresponde por lo tanto con el tipo de la sagrada
conversación.
La Virgen está representada mucho más fácil de lo que es en
realidad, ya que posee una complejidad alta, hablando
iconográficamente.
En niño Jesús se encuentra mirando hacia un lado, mientras que
los tres personajes admiran su belleza.
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