El documento presenta resúmenes de varias obras pictóricas importantes de la historia del arte, incluyendo La Virgen del canónigo Van der Paele de Jan van Eyck, La Virgen del Canciller Rolin también de Jan van Eyck, San Lucas dibujando a la Virgen de Rogier van der Weyden, El jardín de las delicias de Hieronymus Bosch, La Anunciación del Beato Angélico, La resurrección de Cristo de Piero della Francesca, La primavera de Sandro Botticelli, El nacimiento de Venus también de Botticelli

1. RAMÓN VÁZQUEZ MANCHA 1º DE EDUCACIÓN PRIMARIA GRUPO T1

2. Exposición Mis 40 Principales

3. tema de la exposición El tema que voy a tratar en la exposición es el desarrollo a lo largo de la historia de las creencias del ser humano, centrándome especialmente en las cristianas y mitológicas reflejadas en el arte.

4. Autor: Jan Van Eyck Fecha: 1436 Características: 122,1x157,8cm Museo: Museo Groeninge de Brujas Material: Oleo sobre tabla Estilo Pintura Flamenca VIRGEN DEL CANÓNIGO VAN DER PAELE

5. La Virgen del canónigo Van der Paele es una pintura religiosa realizada en óleo sobre tabla por Jan van Eyck en 1436. Actualmente está expuesta en el Museo Groeninge en Brujas (Bélgica). Esta tabla tiene una posición muy particular en la historia de la pintura occidental. Es, según resulta, posiblemente el más temprano ejemplo de la llamada «Sacra Conversazione» (Santa conversación): una pintura en la que se representa a los santos en una manera realista como si estuvieran manteniendo una conversación cotidiana con su interlocutor, y a veces también presenta a mortales normales y corrientes. Es un cuadro religioso pintado al óleo sobre tabla, pero como aparece el comitente o donante, también puede ser considerado un retrato. A diferencia de la Virgen del Canciller Rolin, es una pintura más convencional en la que el comitente o donante aparece, si no de menor tamaño, al menos no se dirigir directamente a la Virgen sin intermediarios, sino que aparece presentado por un santo, el de su nombre (San Jorge). VIRGEN DEL CANÓNIGO VAN DER PAELE

6. Autor: Jan Van Eyck Fecha: 1435 Características: 66x62cm Museo: Museo Nacional del Louvre Material: Óleo sobre tabla Estilo Pintura Flamenca VIRGEN DEL CANCILLER ROLIN

7. La Virgen del Canciller Rollin es una pintura religiosa realizada en óleo sobre tabla por Jan van Eyck en 1435. Actualmente está expuesta en el Museo del Louvre en París, donde se exhibe con el título de La Vierge du chancelier Rolin. Es una obra pintada al óleo sobre tabla. El óleo es una técnica basada en la disolución de pigmentos en aceites que fue perfeccionada por los hermanos Van Eyck. Se conoce esta obra por dos nombres: la Virgen de Autun, porque estaba en la catedral de Autun, y la Virgen del Canciller Rolin, porque éste es el personaje que aparece rezando ante María Rolin está retratado por Van Eyck nada menos que de igual a igual con la propia Virgen María. Ni siquiera están en una iglesia, sino en una loggia de un castillo, abierto a un maravilloso paisaje. Decimos que el canciller está rezando ante María, pero nada indica su fervor religioso, excepto que se encuentra arrodillado. Su mirada es la de una profunda satisfacción de sí mismo, y fija los ojos en el Niño, casi desafiante. Esta igualdad, esta cercanía promiscua con las figuras divinas, eran escandalosas para la época, y resulta obvio que el canciller se está haciendo un monumento a sí mismo, más que rindiendo homenaje a la Virgen VIRGEN DEL CANCILLER ROLIN

8. Autor: Rogier de la Pasture Fecha: 1435 Características: 137,5x110,8cm Museo: Museo de Bellas Artes (Boston) Material: Oleo sobre tabla Estilo: Pintura Flamenca SAN LUCAS DIBUJANDO A LA VIRGEN

9. San Lucas dibujando a la Virgen también conocida como la Virgen de san Lucas, es una obra del pintor flamenco Roger van der Weyden. Es un óleo sobre tabla de roble, pintado en el período 1435-1440. En este cuadro se ve al evangelista Lucas con la Virgen María junto con el Niño Jesús. En la Leyenda Áurea de Jacobo de la Vorágine narra que la Virgen se apareció varias veces a san Lucas, el cual pintó un retrato. En esta leyenda se encuentra uno de los orígenes o la justificación de la representación de la imagen en la tradición en el Cristianismo. Las dos figuras se encuentran en primer plano y, detrás, una galería en la que se ven dos figuras que asomadas miran el río que transcurre hasta el horizonte; y a un lado se ve una ciudad típicamente gótica. La Virgen María está a la izquierda, dando el pecho al Niño. Un lujoso dosel de brocado dorado la cubre por encima. Al otro lado se encuentra San Lucas, vestido de rojo intenso. Lleva en la mano una punta de plata, que era un instrumento de dibujo propio del siglo XV y ello evidencia que está trazando un boceto. En el extremo de la derecha se entreve un buey, símbolo de san Lucas, así como un libro abierto. SAN LUCAS DIBUJANDO A LA VIRGEN

10. EL JARDÍN DE LAS DELICIAS Autor: El Bosco Fecha: 1503-04 Características: 220x195cm Museo: Museo del Prado Material: Óleo sobre tabla Estilo Pintura Flamenca

11. El jardín de las delicias es la obra más conocida del pintor holandés Hieronymus Bosch. Se trata de un tríptico pintado al óleo de 206 x 386 cm, compuesto por una tabla central y dos laterales (pintadas en sus dos lados) que se pueden cerrar sobre aquella. Obra de gran simbolismo (que todavía no ha sido completamente descifrado). El Jardín de las delicias se sustrae a cualquier clasificación iconográfica tradicional. Se considera, no obstante, que la obra obedece a una intención moralizante que habría sido comprensible para la gente de la época; en este sentido, el propio rey Felipe II de España, alguien poco sospechoso de herejía, llegó a adquirir el cuadro como consecuencia de su interés por el mismo. El tríptico presenta, en el panel izquierdo, una imagen del paraíso donde se representa el último día de la creación, con Eva y Adán, y en el panel central se representa la locura desatada: la lujuria. En esta tabla central aparece el acto sexual y es donde se descubren todo tipo de placeres carnales, que son la prueba de que el hombre había perdido la gracia. Por último tenemos la tabla de la derecha donde se representa la condena en el infierno; en ella el pintor nos muestra un escenario apoteósico y cruel en el que el ser humano es condenado por su pecado. EL JARDÍN DE LAS DELICIAS

12. LA ANUNCIACIÓN Autor: Beato Angélico Fecha: 1445 Características: 194cm en cuadro Museo: Museo del Prado Material: Pintura al Temple Estilo: Renacimiento Italiano

13. En esta obra podemos apreciar como tema principal la Anunciación del arcángel Gabriel a la Virgen María. Se puede contemplar junto a la Anunciación una escena secundaria, que muestra el momento de la expulsión de Adán y Eva del paraíso. Los colores, la elegancia de la habitación es una alusión a un marco refinado, principesco y tocado por la divinidad, el único posible para el misterio de la concepción de María. Desarrolla el tema de la Anunciación, tal como aparece narrado en el Nuevo Testamento, mostrando la escena en un pórtico de mármol abierto. En el ángulo izquierdo de la pintura se ven las manos de Dios y de ellas sale un rayo de luz dorada que viene recto hacia la derecha, en el que viaja la paloma del Espíritu Santo. Se trata de una obra realizada alrededor del año 1430, es decir, en un momento de transición entre la pintura gótica y el renacimiento. LA ANUNCIACIÓN

14. RESURRECCIÓN DE CRISTO Autor: Piero della Francesca Fecha: 1460-63 Características: 225x200cm Museo: Museo Cívico de Sansepolcro Material: Fresco Estilo: Renacimiento Italiano

15. La resurrección de Cristo o, simplemente, La resurrección, (en italiano, La Resurrezione), es una obra realizada por el pintor renacentista italiano Piero della Francesca. Realizó esta obra entre el año 1463 y 1465. Figura hoy en día sobre el lugar de su creación: uno de los muros de lo que hoy en día es el Museo Civico o Palazzo Civico de Sansepolcro y que era entonces la sala magna de la Residenza donde se celebraban las reuniones del Consejo Es un fresco con añadidos de témpera o temple. Se trata de una composición en tres planos: el paisaje, Cristo saliendo del sepulcro y los soldados dormidos. Tiene forma de triángulo, cuya base la forman los soldados dormidos y el ángulo superior por la cabeza de Cristo. El foco de la composición está constituido por Jesucristo, de pie, saliendo de la tumba y mirando de frente al espectador. Con su mano levanta la toga rosa y el pie lo posa en el borde de la tumba. Todas sus heridas son aparentes RESURRECCIÓN DE CRISTO

16. LA PRIMAVERA Autor: Botticelli Fecha: 1478 Características: 203x314cm Museo: Galería de los Uffizi Material: Témpera Estilo: Renacimiento Italiano

17. La primavera es una de las obras maestras de Sandro Botticelli. Está realizado al temple sobre tabla. Mide 203 cm de alto y 314 cm de ancho. Para comprender la obra La Primavera de Botticelli hay que conocer la mitología griega, la filosofía y el amor. El cuadro de dos metros de ancho y dos metros de largo se encuentra en la Galería de los oficios en Florencia, Italia. Botticelli ha representado la doble naturaleza del amor: la gracia de las artes liberales y los vientos de la pasión en un paisaje de ensueño; o, la novia al mismo tiempo casta y sensual, que siempre hará feliz al esposo. Ante un bosque de naranjos y flores, Venus, que es la divinidad tutelar de la educación humanista, libera por una parte a las Gracias, que bailan a su derecha junto a Mercurio, y por otra, a Flora, situada a la izquierda, que es producto de la unión carnal entre el viento Céfiro y la ninfa Cloris. Tiene un tono de narración situada fuera del tiempo real. Se presenta una atmósfera de fábula mitológica en la que se celebra una especie de rito pagano. Botticelli opta aquí por un formato monumental, con figuras de tamaño natural, y lo compagina con una gran atención al detalle. LA PRIMAVERA

18. NACIMIENTO DE VENUS Autor: Botticelli Fecha: 1485 Características: 172,5x278,5cm Museo: Galería de los Uffizi Material: Témpera sobre lienzo Estilo: Renacimiento Italiano

19. El nacimiento de Venus es una pintura de Sandro Botticelli (1445 - 1510). El nacimiento de Venus representa una de las obras cumbres del maestro italiano. Está ejecutada al temple sobre lienzo y mide 184,5 centímetros de alto por 285,5 cm de ancho. Se conserva en la Galería de los Uffizi, Florencia. Según cuenta la leyenda Venus, diosa del amor, nació de los genitales del dios Urano, cortados por su hijo Crono y luego arrojados al mar. El título de la obra no es, por lo tanto, exacto, ya que el cuadro no representa el momento del nacimiento de la diosa, sino que muestra la llegada de Venus, sobre una concha, a la playa de una de las islas que tradicionalmente se le dedican, como Chipre, Pafos o Citerea. La diosa es empujada por el soplo de los dioses alados, entre una lluvia de flores. A la izquierda aparecen los primeros dos personajes de la obra. Uno de ellos es Céfiro (Dios del viento del oeste); a su lado está Cloris (que significa pálido). Es la ninfa de la brisa y esposa de Céfiro a quienes los romanos apodaron Flora. También se ha identificado con Aura, diosa de la brisa. Céfiro y Cloris, fuertemente abrazados simbolizan la unión de la materia y el espíritu. A su alrededor caen rosas, flores que según la leyenda después se convertirán en seres. NACIMIENTO DE VENUS

20. Autor: Leonardo da Vinci Fecha: 1485 Características: 199x122cm Museo: Museo Nacional del Louvre Material: Óleo sobre tabla Estilo: Renacimiento Italiano VIRGEN DE LAS ROCAS

21. La Virgen de las Rocas es un nombre usado para denominar tres cuadros de Leonardo da Vinci pintados con idéntica composición pictórica con óleo sobre lienzo. En el cuadro predominan la línea que contornea las figuras y los colores más utilizados son el marrón, el negro, el azul y el color carne. Hay contrastes de luz y sombra que provocan el efecto de que el sol ilumina la imagen. Los personajes, que son lo principal, los hace resaltar más para conseguir profundidad en la superficie plana. Aquí se puede apreciar su teoría de la perspectiva aérea, según la cual la profundidad en los cuadros se consigue usando tonalidades de azul y que sean cada vez menos detallados conforme se alejan del primer plano, creando así una ilusión óptica. La Virgen está sentada en el suelo de una spelunca o refugio rocoso de alta montaña. El paisaje que se divisa entre las rocas es alpino, sin parecido a la Toscana ni a las más famosas cumbres de los Apeninos. Es un ambiente absolutamente innovador, en el que las figuras se agrupan formando una pirámide, envueltos por un paisaje salvaje de rocas que caen y aguas que se arremolinan. Tanto las flores como las plantas acuáticas están representadas con gran precisión, si bien las especies representadas son distintas en uno y otro cuadro. VIRGEN DE LAS ROCAS

22. LA ÚLTIMA CENA Autor: Leonardo da Vinci Fecha: 1495-97 Características: 480x880cm Museo: Iglesia de Sta. María delle Grazie de Millán Material: Fresco Estilo: Renacimiento Italiano

23. La Última Cena (en italiano, Il cenacolo o L’ultima cena) es una pintura mural original de Leonardo da Vinci ejecutada entre 1495 y 1497, se encuentra en la pared sobre la que se pintó originariamente, en el refectorio del convento dominico de Santa María de las Gracias en Milán (Italia). La pintura fue elaborada, para su patrón, el duque Ludovico Sforza de Milán. No es un fresco tradicional, sino un mural ejecutado al temple y óleo sobre dos capas de preparación de yeso extendidas sobre enlucido. Representa la escena de la Última Cena de los últimos días de la vida de Jesús de Nazaret según narra la Biblia. La pintura está basada en Juan 13:21, en la cual Jesús anuncia que uno de sus 12 discípulos le traicionaría. La afirmación de Jesús «uno de vosotros me traicionará» causa consternación en los doce seguidores de Jesús, y ese es el momento que Leonardo representa, intentando reflejar "los movimientos del alma", las distintas reacciones individualizadas de cada uno de los doce apóstoles: unos se asombran, otros se levantan porque no han oído bien, otros se espantan y, finalmente, Judas retrocede al sentirse aludido. LA ÚLTIMA CENA

24. Autor: Tiziano Fecha: 1517 Características: 690x360cm Museo: Iglesia de Sta. María dei Frari (Venezia) Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Renacimiento Italiano ASUNCIÓN DE LA VIRGEN

25. La Asunción de la Virgen es un cuadro del pintor renacentista italiano Tiziano. Fue acabada en 1518. Se trata de un óleo sobre madera de gran tamaño, pues alcanza los 6,90 metros de alto y 3,60 m de ancho. Es un retablo monumental, el de mayor tamaño de la ciudad de Venecia, y está dedicado a la Asunción de María. La pintura muestra diferentes acontecimientos en tres capas. En la inferior están representados los Apóstoles, con los brazos alzados hacia el cielo, con la excepción de san Pedro, cuyos brazos están cruzados. Miran a la Virgen María, vestida de azul y rojo, que está volando entre ellos y Dios, en pie sobre una nube y está rodeada de querubines celebrando y bailando. Los tres planos están unidos por un efecto de luz insólito. Los personajes están representados en movimiento, con posiciones distintas: de frente, de espaldas o en escorzo. ASUNCIÓN DE LA VIRGEN

26. Autor: Tiziano Fecha: 1553 Características: 129x180cm Museo: Museo del Prado Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Renacimiento Italiano DÁNAE RECIBIENDO LA LLUVIA DE ORO

27. Dánae recibiendo la lluvia de oro es un cuadro pintado en el siglo XVI por Tiziano Vecellio di Gregorio, y ahora expuesto en el Museo del Prado. Tiziano solía repetir los temas que más éxito tenían. Esta Dánae recibiendo la lluvia de oro es una versión de otra que existe en el Museo de Capodimonte de Nápoles, si bien existen diferencias notables entre uno y otro. Representa el mito de Dánae, quien había sido encerrada por su padre, el rey de Argos, en el momento de ser tomada por Zeus en forma de lluvia de oro. La figura central está recostada sobre la cama, con las piernas dobladas. A su derecha hay un perro pequeño, que se reputa un atributo de la cortesana. En la parte derecha hay una criada cuya espalda oscura contrasta con la blancura de Dánae; del mismo modo, hay una oposición clara entre su rostro envejecido y la juventud de la princesa de Argos. Esta sirvienta está recogiendo con un delantal las pepitas de oro que caen en forma de lluvia dorada, desde las nubes tormentosas que dominan el centro de la parte superior. Estas figuras se sitúan en un espacio indefinido. DÁNAE RECIBIENDO LA LLUVIA DE ORO

28. LA VIRGEN DEL JILGUERO Autor: Rafael Fecha: 1505-06 Características: 107x77cm Museo: Galería de los Uffizi Material: Óleo sobre tabla Estilo: Renacimiento Italiano

29. La Virgen del jilguero (en italiano Madonna del cardellino) es una pintura del artista renacentista italiano Rafael Sanzio, datada hacia 1505. Es una pintura al óleo sobre tabla con unas dimensiones de 107 centímetros de alto y 77 cm. de ancho. Se conserva en la Galería Uffizi de Florencia, Italia. En esta pintura, como en la mayor parte de las Vírgenes de su periodo florentino, Rafael colocó las tres figuras (la Virgen María, el Niño Jesús (a la derecha) y san Juanito) dentro de un dibujo geométrico. Aunque las posiciones de los tres cuerpos son naturales, juntos forman un triángulo prácticamente regular. La Virgen sostiene un libro, lo que permite identificarla como Sedes Sapientiae («Asiento de la Sabiduría»). El jilguero es un símbolo de la futura muerte violenta de Cristo. San Juan ofrece el jilguero a Cristo como advertencia en relación con su futuro. La influencia leonardesca se evidencia en muchos rasgos de la obra, como la estructura piramidal y el claroscuro. También se nota en la oscuridad del terreno y del tratamiento atmosférico del paisaje del fondo, que se pierde en las brumas del horizonte. LA VIRGEN DEL JILGUERO

30. Autor: El Greco Fecha: 1577-79 Características: 285x173cm Museo: Catedral de Toledo Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Manierismo EL EXPOLIO DE CRISTO

31. El Expolio es un cuadro pintado por El Greco (Domenikos Theotokopoulos, 1541-1614) para la Sacristía de la Catedral de Toledo. Es un Óleo sobre lienzo y mide 285 centímetros de alto y 173 cm de ancho, fue realizado entre los años 1577 y 1579 y se conserva todavía en la Sacristía de la Catedral de Toledo, España. El momento del expolio no era un tema frecuente en aquella época en el arte occidental. En la composición representa a Cristo en el centro, mirando al cielo con una expresión de serenidad, vestido con una túnica de color rojo intenso que domina el resto de la composición; y a su alrededor, una masa de figuras dispuestas a desnudarlo para comenzar la Pasión. Tanto el modelado de las figuras como el cromatismo provienen de su época veneciana . La idealizada figura de Jesucristo destaca vigorosamente del resto y parece ajena al gentío violento que lo rodea. Una figura en la parte trasera con un sombrero rojo apunta acusadoramente a Cristo, mientras otros dos discuten sobre sus vestiduras. Otro hombre vestido de verde a la izquierda de Cristo lo sujeta con una cuerda y va a proceder a desnudarlo para su crucifixión. Mientras otro vestido de amarillo en la parte inferior derecha se inclina hacia la cruz y perfora un agujero para facilitar la inserción de un clavo que atravesará los pies de Cristo Todo lo que no es el protagonista se encuentra oscurecido y rebajado mientras que Cristo se ilumina y destaca. EL EXPOLIO DE CRISTO

32. EL ENTIERRO DEL SEÑOR DE ORGAZ Autor: El Greco Fecha: 1586-88 Características: 480x360cm Museo: Iglesia de Santo Tomé de Toledo Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Manierismo

33. El entierro del Señor de Orgaz, popularmente llamado El entierro del Conde Orgaz, obra cumbre de El Greco (1541-1614), se encuentra en la iglesia de Santo Tomé, Toledo, en España. El Greco lo pinta en plena madurez artística. Tiene rigor arquitectónico y una unidad extraordinaria a pesar de los dos partes en las que está dividido. En esta obra están presentes todos los elementos del lenguaje manierista del pintor: figuras alargadas, cuerpos vigorosos, escorzos inverosímiles, colores brillantes y ácidos, uso arbitrario de luces y sombras para marcar las distancias entre los diferentes planos, etc. El cuadro representa las dos dimensiones de la existencia humana: abajo la muerte, arriba el cielo, la vida eterna. El Greco se lució plasmando en el cuadro lo que constituye el horizonte cristiano de la vida ante la muerte, iluminado por Jesucristo. En la parte inferior, el centro lo ocupa el cadáver del señor, que va a ser depositado con toda veneración y respeto en su sepulcro. Para tan solemne ocasión han bajado los santos del cielo: el obispo san Agustín, uno de los grandes padres de la Iglesia, y el diácono san Esteban, primer mártir de Cristo. EL ENTIERRO DEL SEÑOR DE ORGAZ

34. Autor: Caravaggio Fecha: 1605-06 Características: 369x245cm Museo: Museo Nacional de Louvre Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Barroco Italiano MUERTE DE LA VIRGEN

35. La Muerte de la Virgen es una obra maestra del pintor italiano Caravaggio. Está realizado al óleo sobre lienzo, en el año 1606 y se conserva actualmente en el Museo del Louvre de París, con el título de La Mort de la Vierge . Es un lienzo de gran tamaño representando la muerte de la Virgen María. Era un tema debatido y no resuelto por la doctrina católica. Alrededor de la Virgen se encuentran María Magdalena y los Apóstoles. En primer plano, María Magdalena llora sentada en una simple silla, con la cabeza entre las manos. Los Apóstoles, a su alrededor, también se muestran entristecidos, pero no mediante expresiones exageradamente emotivas, sino ocultando los rostros. La escena transcurre en un ambiente humilde. Los colores son muy oscuros, con los únicos toques luminosos del rojo de la ropa de la muerta y un gran telón rojo que pende por la parte superior del lienzo, motivo usual en un cuadro fúnebre. Es prácticamente el único elemento de una escenografía pobre. Nada hay en este cuadro que revele la naturaleza sagrada de su tema. Su tratamiento es naturalista, incluso brutal y de gran crudeza, lo que motivó su rechazo. MUERTE DE LA VIRGEN

36. Autor: Caravaggio Fecha: 1599-1600 Características: 322x340cm Museo: Iglesia de San Luís de los Franceses de Roma Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Barroco Italiano LA VOCACIÓN DE SAN MATEO

37. La vocación de san Mateo es un cuadro del pintor italiano Caravaggio. Está realizado al óleo sobre lienzo. Pertenece al ciclo de la Vida de san Mateo que le fue encargada en 1599 para decorar la capilla Contarelli en la iglesia romana de San Luis de los Franceses, donde aún se conserva. La pintura representa la historia que se narra en el Evangelio según san Mateo (Mateo 9:9): Jesús vio un hombre llamado Mateo, sentado en el despacho de impuestos, y le dijo: «Sígueme», y Mateo se levantó y le siguió. Se ha ejecutado en torno a dos planos paralelos: el superior, ocupado sólo por una ventana, y el inferior, en el que se representa el momento preciso en el que Cristo apuntando a san Mateo lo llama al apostolado. El santo está sentado frente a una tabla con un grupo de personas, vestidas como los contemporáneos de Caravaggio, como en una escena de taberna. En esta pintura, el brillo y la ventana con lienzo parece que sitúa la tabla puertas adentro. Cristo trae la luz verdadera a este espacio oscuro de los recaudadores de impuestos. LA VOCACIÓN DE SAN MATEO

38. Autor: José de Ribera Fecha: 1625-26 Características: 336x230cm Museo: Colegiata de Osuna Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Barroco Español EL CALVARIO

39. Fruto de la estrecha relación entre el duque de Osuna y Ribera es esta obra que contemplamos, aunque se especula que no fue encargada por don Pedro sino por sus herederos tras su fallecimiento, como homenaje póstumo. Se trata de una composición monumental en la que destaca el claroscuro existente en el trabajo, que hace casi invisible la figura de pie que con las manos juntas se sitúa en la derecha. Esta influencia de Caravaggio se equilibra con los ecos clasicistas existentes en la escena, especialmente en el rostro de Cristo tomado de Guido Reni mientras que el cuerpo del Crucificado está directamente inspirado en Miguel Angel, aunque Ribera haya dotado de un mayor realismo a la figura. El tratamiento de la escena está cargado de patetismo, destacando los gestos de tristeza de san Juan, la Virgen y la Magdalena. La composición se organiza a través de un triángulo invertido y diversas diagonales que aportan ritmo y dramatismo al conjunto, convirtiéndose en el trabajo más avanzado de los realizados por el artista valenciano para el Virrey. EL CALVARIO

40. Autor: Francisco de Zurbarán Fecha: 1631 Características: 480x379cm Museo: Museo Bellas Artes de Sevilla Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Barroco Español APOTEOSIS DE SANTO TOMÁS DE AQUINO

41. La Apoteosis de Santo Tomás de Aquino es un cuadro de Francisco de Zurbarán expuesto en el Museo de Bellas Artes de Sevilla, España. Está pintado al óleo sobre lienzo y mide 475 cm de alto por 375 cm de ancho. Santo Tomás de Aquino es una de las figuras más relevantes de la teología cristiana. Se le nombró Doctor de la Iglesia en 1567. Por su importancia aparece rodeado de los cuatro Padres de la Iglesia, otros tantos personajes fundamentales para la elaboración de la doctrina. A su derecha se encuentran conversando San Ambrosio y San Gregorio; a su izquierda, San Jerónimo, de rojo cardenalicio, y San Agustín. Los cinco intelectuales se encuentran en el plano superior del cuadro, que simboliza en mundo divino. Sobre sus cabezas, el cielo en pleno asiente a sus conclusiones: destacan Dios Padre y Dios Hijo con la cruz. A estas dos figuras trinitarias se añade en el centro la paloma del Espíritu Santo, que ilumina con sus rayos a Santo Tomás. En el plano inferior se encuentra representada la tierra: los personajes principales de la Orden y nada menos que el emperador Carlos V. APOTEOSIS DE SANTO TOMÁS DE AQUINO

42. Autor: Francisco de Zurbarán Fecha: 1627 Características: 290x168cm Museo: Chicago Art Institute Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Barroco Español CRUCIFICADO

43. Zurbarán, uno de los pintores a quien más se ha calificado de místico, se lanza en este Crucificado a un estudio anatómico del cuerpo masculino lleno de sensualidad y perfección. El cuerpo de este Cristo muerto puede compararse en igualdad de condiciones al Cristo Muerto de Velázquez, quien estudió al mismo tiempo que Zurbarán en Sevilla. El pintor extremeño recurre a todos los efectos del caravaggismo, como es el fondo oscuro sobre el que se aplica un tremendo foco de luz lateral; esto hace relucir fantasmagóricamente la piel blanca del muerto, limpia, sin sangre ni rasguños, incluso la herida del costado se disimula hábilmente quedando oculta por la sombra en el costado derecho. El efecto es el de un cuerpo en plena madurez, una plenitud espléndida que demuestra la perfección de Cristo, incluso más allá de la muerte. Las proporciones que Zurbarán plasma en el cuerpo son de un academicismo total, un auténtico estudio anatómico en la estela de los estudios italianos del siglo anterior. CRUCIFICADO

44. Autor: Velázquez Fecha: 1632 Características: 248x169cm Museo: Museo del Prado Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Barroco Español CRISTO CRUCIFICADO

45. Es una de las obras más famosas de Velázquez, fechada en torno a 1632. Sin duda estamos ante una maravillosa obra con una elegante figura de Cristo, con el cuerpo y los miembros suavemente modelados, recibiendo una luz clara procedente de la izquierda, recortándose la figura sobre un fondo neutro. Velázquez pinta el Cristo siguiendo la iconografía aceptada en el siglo XVII. La iconografía usada es un Cristo con 4 clavos y los pies juntos apoyados en una pequeña ménsula de madera y con un contrapposto clásico que deja todo el peso en una pierna y descansa la otra. Los brazos dibujan una suave curva en lugar de un triángulo. Pinta el paño de pureza bastante pequeño, lo suficiente, sin derroches de vuelos como era costumbre en el barroco, de esa manera puede mostrar el cuerpo desnudo al máximo posible y hacer un estudio muscular del cuerpo humano. La cabeza tiene un estrecho halo luminoso que da la sensación de que emana de la propia figura; el semblante está caído sobre el pecho dejando ver lo suficiente de sus rasgos y facciones nobles; la nariz es recta . CRISTO CRUCIFICADO

46. Autor: Murillo Fecha: 1655-60 Características: 331x249cm Museo: Museo del Prado Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Barroco Español VIRGEN Y SAN BERNARDO

47. Para el sevillano convento de San Clemente, Murillo pintó hacia 1655 una pareja de cuadros en los que la Virgen tiene especial protagonismo al realizar los milagros a los que éstos hacen referencia. El pintor ha sabido captar el momento en el que San Bernardo, debido a su gran devoción por la Virgen, es recompensado por ésta con la lactación de su pecho; por eso, vemos a María llevándose la mano derecha a su seno. La composición está resuelta con sencillez al emplear una marcada diagonal ascendente de izquierda a derecha. Otra diagonal, de derecha a izquierda, separa la escena en dos áreas similares, situando en una al santo y en la otra a la Virgen con el niño rodeados de querubines, que tan famoso harán a Murillo. Cada una de las áreas tiene una iluminación diferente; así, la zona de San Bernardo queda a oscuras mientras que la de María está perfectamente iluminada por el Rompimiento de Gloria, con una luz muy dorada para indicarnos que estamos presenciando un hecho sobrenatural. VIRGEN Y SAN BERNARDO

48. Autor: Murillo Fecha: 1650 Características: 144x188cm Museo: Museo del Prado Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Barroco Español SAGRADA FAMILIA DEL PAJARITO

49. Una de las obras realizadas por Murillo, en el estilo naturalista que habían puesto de moda Zurbarán o Velázquez en Sevilla, es la Sagrada Familia del Pajarito, que recibe ese nombre por el pajarillo que el Niño Jesús muestra al perro. La total ausencia de elementos divinos o celestiales hace que nos situemos ante una escena familiar, como si el pintor abriera las puertas de su propio hogar para mostrarnos el juego del pequeño acompañado por su padre, mientras la madre ha parado en sus labores de hilado para comer una manzana . Son figuras elegantes pero no dejan de poseer cierto realismo; el protagonista es el Niño Jesús, iluminado por un potente foco de luz procedente de la izquierda que provoca contrastes, dejando el fondo en total penumbra sobre el que se recortan las figuras, aunque junto a San José se vislumbra el banco de carpintero. La iluminación es matizada y supera el estricto tenebrismo. El colorido empleado es el que caracteriza la primera etapa del artista siguiendo el estilo de los naturalistas. SAGRADA FAMILIA DEL PAJARITO

50. Autor: Francisco de Goya y Lucientes Fecha: 1760-63 Características: 79x55cm Museo: Colección particular Material: Óleo sobre lienzo Estilo: APARICIÓN DE LA VIRGEN DEL PILAR

51. La Aparición de la Virgen del Pilar a Santiago y a sus discípulos zaragozanos es una pintura del joven Francisco de Goya, pintada entre 1768 y 1769. El esquema compositivo e iconográfico del cuadro tiene su precedente en las primeras pinturas de Goya, ejecutadas en Fuendetodos y destruidas durante la Guerra Civil. La composición, en forma de pirámide será repetida por Goya a lo largo de su carrera, como en El bebedor y La pradera de San Isidro, de sus cartones para tapices. Tiene un acentuado estilo barroco en el que predominan las diagonales, las posturas forzadas y el dramatismo de los personajes. La abigarrada escena se distribuye en diferentes bandas que incluyen personajes: la inferior contempla a Santiago Apóstol acompañado de sus discípulos, elevando su mirada al cielo para agradecer la presencia divina; la zona central está ocupada por ángeles y querubines que portan la imagen de la Virgen del Pilar y la columna donde se posa, mientras que la zona superior nos ofrece una espectacular figura de María sentada entre nubes, vistiendo sus tradicionales colores azul y rosa. Las tonalidades son muy variadas, al igual que la disposición de las figuras en el espacio APARICIÓN DE LA VIRGEN DEL PILAR

52. Autor: Francisco de Goya y Lucientes Fecha: 1760-63 Características: 79x55cm Museo: Colección particular Material: Óleo sobre lienzo Estilo: TRIPLE GENERACIÓN

53. La Sagrada Familia con San Joaquín y Santa Ana ante el Eterno en gloria o la Triple generación es una pintura al óleo de tema religioso de Francisco de Goya de hacia 1769. El cuadro representa a la Sagrada Familia, esto es, la Virgen María junto al Niño Jesús y san José portando su vara florida, bajo un cielo en gloria de resplandor amarillo anaranjado (color que habitualmente representaba lo sobrenatural) donde unos ángeles en escorzo sostienen unas nubes donde se apoya Dios Padre. Sobre él se aprecia al Espíritu Santo representado por una paloma. Junto a la Sagrada Familia aparecen san Joaquín y santa Ana contemplando la escena, formando la «Triple generación» las figuras más ancianas que completan la obra. El cuadro muestra la iluminación del Barroco tardío. El dibujo muestra modelos que se darán en otros cuadros de Goya, como las cabezas de Dios Padre y San Joaquín, que podemos identificar en los cuadros que se han visto bajo la Celestina y su hija (Fundación March) y bajo el Bautismo de Cristo. TRIPLE GENERACIÓN