El documento describe las características principales del arte del Renacimiento en Italia durante los siglos XV y XVI, incluyendo la arquitectura, escultura y pintura. También analiza obras maestras de artistas renacentistas como Botticelli, Da Vinci, Rafael y Miguel Ángel.

1. R enacimiento Taller de arte de la Edad Moderna

2. ARTE DEL RENACIMIENTO Desarrollado principalmente en Italia durante los siglos XV y XVI Características generales: Desarrollo del antropocentrismo. Inspiración en la arquitectura y la escultura de Grecia y Roma (grecorromano). Realización de una belleza ideal, ajustada a cánones dictados por la razón. Búsqueda de la serenidad y el equilibrio que proceden de la armonía del todo. Creación de obras, cuya claridad y perfección, atributos exigidos por la razón universal, les dan una validez permanente.

3. Características Arquitectura Utilización de la planta central y de la cruz latina. Muros de sillares regulares y columnas inspiradas en los modelos clásicos (toscano, dórico, jónico y corintio). Predomina el arco de medio punto, la cubierta adintelada y las cúpulas; en la decoración el uso de frontones, medallones y hornacinas. Escultura Los materiales más empleados eran el mármol y el bronce. Adquirieron importancia las esculturas de bulto redondo (exentas). Desarrollo del retrato y los desnudos Búsqueda de la belleza ideal. Pintura Representaba el espacio tridimensional mediante la perspectiva Logro de volumen por medio de distintos tonos de color Mayor naturalismo Empleo de pintura al óleo y pintura al fresco

4. Obras artísticas El nacimiento de Venus: Pintura de Sandro Botticelli realizada hacia el año 1485 la técnica utilizada es temple sobre lienzo En general el cuadro representa un uso de colores mezclados, con diferentes tonalidades. El dibujo es claro y preciso, y utiliza líneas claramente marcadas y de limpieza en los contornos. Hay además un uso de la perspectiva, que se aprecia en la diferencia de tamaños entre los elementos del fondo y los del comienzo del cuadro. No obstante a Boticelli no le importaban los efectos de perspectiva o volumen, sino que más bien se dejaba guiar por su inspiración. El estilo es el Renacimiento Italiano, es una pintura mitológica. Representa la llegada de Venus diosa del amor después de su nacimiento a la isla de Citera según Homero. La primavera : Pintura también realizada por Botticelli realizada hacia 1482. Se trata de una obra de temple sobre tabla. se produce una ruptura de los valores plásticos de volúmenes rotundos y de perspectiva lineal. Frente a estos dos valores utiliza además valores basados en la linealidad llena de gracia y elegancia. En el color hay un intento de resaltar las acciones de los personajes ya que el fondo de la obra esta pintado con colores oscuros y apagados, mientras que los personajes están pintados con colores claros y vivos que resaltan sobre el fondo. Podemos observar volumen y perspectiva en las figuras pintadas. La escena de este cuadro equivale a un poema lírico que invoca al espíritu de Venus, la diosa del amor y de la primavera. Las figuras de la pintura están representadas casi a tamaño natural. Venus simboliza la fertilidad de la estación.

5. La Sagrada Cena o La Última Cena es una pintura mural al fresco hecho con temple y óleo original de Leonardo da Vinci realizada entre 1494 y 1498. La escena se presenta como prolongación artificial del refectorio en el que está situada, empleando una perspectiva drástica, que muestra las puertas laterales abriéndose tan bruscamente que, parece que se esté mirando el extremo de un hexágono en vez de un rectángulo. La composición es simétrica, ya que dispone a los apóstoles en cuatro grupos a ambos lados de Cristo. La escena está iluminada por las ventanas del fondo, pero también viene de frente, por la ventana del refectorio real. Respecto al color, ha sufrido tantas restauraciones que resulta difícil analizarlos. Representa la escena de la Última Cena de los últimos días de la vida de Jesús de Nazaret según narra la Biblia donde anuncia que uno de sus 12 discípulos le traicionaría. La Gioconda o ''La Mona Lisa'', es otra obra de Da Vinci elaborada entre 1503 y 1506. Leonardo realizó un esbozo del cuadro y le aplicó óleo diluido en aceite esencial, lo que se conoce como sfumato. Esta técnica consiste en diluir los contornos, haciéndolos menos nítidos y precisos que se empleaban en el Quattrocento, quedando envuelto en una neblina que difumina los contornos, produciendo una impresión de atmósfera envolvente, lo cual da una tridimensionalidad a la figura. El cuadro representa a una dama sentada en un sillón, que posa con sus brazos apoyados sobre el asiento. Los ojos y manos muestran claramente las características del sfumato. También realiza juegos de luces y sombras, que provocan la sensación de volumen.

6. La Escuela de Atenas: es una de las pinturas más famosas del artista Rafael Sanzio. Fue pintada entre 1510 y 1511 y la técnica usada fue pintura al fresco. En esta obra, Rafael adapta el espacio a las leyes de la superficie. En esta obra, Rafael adapta el espacio a las leyes de la superficie. Ordena las figuras de izquierda a derecha. La perspectiva queda rota por los muros laterales sobresalientes. La perspectiva se inspira en las obras de Leonardo da Vinci y los personajes recuerdan a Miguel Ángel, que en estas fechas pintaba la Capilla Sixtina. Se ha pretendido ver en esta pintura una representación de las siete artes liberales. Muestra a los filósofos, científicos y matemáticos más importantes de la época clásica. En el primer plano, a la izquierda: Gramática, Aritmética y Música, a la derecha: Geometría y Astronomía y en lo alto de la escalinata Retórica y Dialéctica.

7. La Capilla Sixtina La mayoría de las pinturas son de Miguel Ángel aunque existe la participación de otros grandes artistas que se encuentran en escenas de los laterales de la nave. En la parte frontal de la Capilla, en la pared del altar, se encuentra la representación del Juicio Final o Juicio Universal, obra que Miguel Ángel realizó una vez terminada la decoración de la bóveda entre 1536 y 1545. La escena está dominada por Cristo, que se encuentra en actitud de juzgar con su brazo levantado. Todos los personajes de la obra parecen estar envueltos por un ambiente apocalíptico, que es penetrado por el dramatismo de la muerte y la vida. La bóveda, realizada entre 1508 y 1512, presenta una distribución arquitectónica en la que son adaptados los diferentes personajes de la composición. En la parte central de la bóveda se encuentran nueve escenas sobre diferentes acontecimientos históricos relatados en la Biblia. Si hacemos una exposición cronológica de los hechos, en primer término vemos a Dios separando la luz de las tinieblas, La creación del Sol y los astros, La separación de tierras y aguas, La creación de Adán, La creación de Eva, El pecado original y La expulsión del Paraíso terrenal, Sacrificio de Noé, El diluvio universal y La ebriedad de Noé. Todas estas escenas se encuentran rodeadas por diferentes figuras desnudas, profetas y sibilas.

8. El David: Es una obra realizada por Miguel Ángel Buonarroti entre 1501 y 1504 Es una escultura de bulto redondo, tallada en mármol y con una altura de 4,10 metros que representa el cuerpo desnudo de un varón en la adolescencia. Para su modelado, Miguel Ángel se sirvió de un bloque de mármol de Carrara abandonado. Este factor está considerado hoy en día como uno de los responsables del deterioro acuciante que presenta la obra, El David se nos muestra con una expresión desafiante en el rostro, a la espera de divisar a Goliat, dirigiendo la vista hacia un punto determinado. Miguel Ángel logró una gran perfección anátomica, vigor, vitalidad y belleza fusionando la armonía y la belleza clásica con la expresión, el significado y el sentimiento. La figura está en tensión. David es un personaje bíblico-histórico; era pastor del rebaño de su padre y tras vencer al filisteo Goliat fue proclamado rey del pueblo de Israel. La Piedad del Vaticano o Pietà es un grupo escultórico en mármol realizada por Miguel Ángel entre 1498 y 1499. Sus dimensiones son 174 por 195 cm. Esta maravillosa obra es de bulto redondo, lo que significa que se puede ver en todos los ángulos, pero el punto de vista es frontal. Una Virgen joven, bella y piadosa cuyas vestiduras se expanden con numerosos pliegues, sostiene al Hijo muerto y que, intencionadamente, aparenta mayor edad que la Madre, en una composición triangular sosegada y llena de ternura. La juventud de la Virgen es muestra del idealismo renacentista: se trata de representar el ideal de belleza y juventud, una Virgen eternamente joven y bella.