Identificación de Elementos Manieristas

1. REPUBLICA BOLIVARIANA DE VENEZUELA
INSTITUTO UNIVERSITARIO POLITÉCNICO
“SANTIAGO MARIÑO”
EXTENSIÓN BARINAS
Karen Aguero
C.I. 16.402.401
TUTOR: Estela Aguilar
MATERIA: Historia de la Arquitectura II
ESCUELA: Arquitectura

2. La línea que predomina será la diagonal, pero a la vez esta línea cobrará
un movimiento curvilíneo que envuelve a las figuras.

3. El gran lienzo del retablo de la Capilla Capponi, diseñado
por Filippo Brunelleschi en la Iglesia de Santa Felicita es
considerada por muchos la obra maestra (1528) de entre las
que han sobrevivido hasta nuestros días, la decoración de
la bóveda de la capilla ahora perdida, sobreviven cuatro
tondos con los Evangelistas, trabajados conjuntamente por
Pontormo y por su discípulo e hijo adoptivo Agnolo Bronzino.
En el altar está situada la obra maestra de Pontormo El
descendimiento.
Las figuras, con sus formas bruscamente modeladas y brillantes,
los colores duros se unen en un espacio austero y aplanado.
Los dolientes y apenados que están bajando a Cristo aparecen
como angustiados. Este óvalo triste y tumultuoso de figuras le
llevó tres años antes de que Pontormo lo terminara.
Sus retratos, demuestran semejanzas en proporciones
del manierismo.
La figura de Cristo preside el conjunto, en una postura
tremendamente escorzada que tiene su continuidad en los
jóvenes que portan el pesado cuerpo. En un segundo plano se
sitúan las sagradas mujeres, disponiéndose en un esquema
piramidal que se cierra con la mujer de la línea central. Las
monumentales figuras se alargan de la misma manera que
hará posteriormente Parmigianino y El Greco. Sus rostros
llaman nuestra atención, desarrollando al máximo la
expresividad de los gestos, creando una escena cargada de
teatralidad. El empleo de una luz fría transforma los colores
que se convierten en irreales.

4. La Virgen del cuello largo es sin duda la más famosa obra de
Parmigianino. El artista ha trabajado en el último período de
su actividad. La obra fue encargada por Elena Baiardi para su
capilla en la iglesia de Santa Maria dei Servi, en 1534, que se
entregarán el próximo año. De hecho, el pintor nunca ha
entregado, y cuando murió en 1540, quedó sin terminar.
Las cifras son casi todos fuera de proporción con lo real, y
parecen seguir una lógica diferente de la percepción, ya que el
marco debe verse desde ángulos particulares. La imagen tiene
una composición muy singular y aparentemente irracional.
Por un lado están llenas de figuras de ángeles y estrechas en un
espacio cerrado, mientras que en el otro lado del espacio se
abre al exterior para ver a un espacio abierto en la distancia
donde hay algunos ejes de columnas sin capiteles, y en el fondo,
muy pequeña, la figura de San Jerónimo con un pergamino en
la mano.
Sin entrar en el fondo de la significación iconográfica
controvertido, el trabajo, aunque no completa, tiene su
encanto innegable. Afecta principalmente a la disminución
general de la atmósfera de la escena, que está dominada por
la inmovilidad y el silencio. Cada detalle es estudiado en
detalle, sobre todo en los tonos dorados del cabello y los
pliegues de las prendas. Las caras son todas muy suave y muy
dulce, especialmente la del ángel inmediatamente a la
izquierda de la Virgen, con aspecto vagamente perdida en el
vacío.

5. Correggio nos muestra a la joven y bella princesa
desnuda, sobre un paño blanco que contrasta con los
tonos grises de la niebla, que toma forma humana para
abrazar y besar a Io.
La figura de la joven resalta por sus atractivas
proporciones, destacando gracias al potente foco de luz
con el que ha sido bañada por el maestro.
La sensación atmosférica que se crea y la gracia de la
composición son elementos característicos de la pintura de
Antonio Allegri.
Se prefiere el trazado serpentiforme, los abundantes y
tensos scorzos, la distorsión como forma de expresar una
dramática escisión en la conciencia y en el mundo.
Las figuras está constreñidas en marcos estrechos, lo que
acentúa las expresiones angustiadas.
La utilización de fondos negros, en los que se representan
las figuras como auténticos objetos-luz, nos anuncian en
Barroco.

7. Esta escultura en bronce la realizó el gran artista italiano Benvenuto Cellini entre los años 1545 y 1554, y sin duda
alguna, es una de sus obras cumbres, en las que manifiesta como el arte renacentista ha ido evolucionando con el
paso de los años y va camino de convertirse en un nuevo estilo: el Manierismo.
La obra muestra una brutal tensión y un desgarramiento pasional muy propio de ese estilo, lo cual se manifiesta
de una forma muy clara en la exagerada musculatura del personaje.
De alguna forma, es un buen ejemplo de cómo la armonía de la
escultura clasicista de las décadas anteriores, iniciada por artistas de
la talla de Lorenzo Ghiberti, está desapareciendo.
El artista para su representación huye de las formas de la belleza
clásica basada en el equilibrio, la serenidad y la claridad de las
formas.
Tanto como la musculatura se exagera el gesto de Perseo, al igual
que en el rostro de la cabeza decapitada de la medusa. Y aún
siendo rompedor, el arte de Cellini se basa en la tradición
escultórica de Florencia, y más concretamente en uno de sus
escultores más prestigiosos: Donatello.
De hecho, toma como modelo tanto el David como la Judith de
Donatello. Y es que esta última está situada en la misma plaza
donde se ubica el Perseo, en la piazza della Signoria de Florencia. Y
mientras Judith está ante la fachada del Ayuntamiento de la
ciudad, el Perseo de Cellini se coloca en la Loggia dei Lanzi, a
escasos metros.

8. La composición de líneas abiertas facilita gran
variedad de gestos, ademanes y posturas imposibles
que dotan al conjunto de un trágico dramatismo. Así
se expresan los diferentes comportamientos
psicológicos de los personajes, representando los
“afecti”, los estados anímicos: brutalidad frente a
belleza, vicio frente a virtud… La obra encierra un
gran contenido alegórico y moral.
El artista muestra un gran virtuosismo técnico en el
tratamiento de la carne, al basarse en el contraste
entre la musculatura robusta del dios y la dulzura de
la joven.
De esta manera, es notable también la representación
de los detalles: Proserpina empuja la cabeza de
Plutón estirando su piel, los dedos de este aprietan
cruelmente la carne de Proserpina inmovi-lizándola,
se aprecian lágrimas en el rostro de la joven.
En cuanto a la posición de la obra, Plutón está
representado en contraposto (con una pierna fija y la
otra adelantada para conseguir el efecto de
movimiento), lo cual es una reminiscencia del
Manierismo.
Los dos cuerpos retorciéndose crean una figura
serpentinata dando lugar así, a un movimiento
helicoidal.

9. Hércules y el centauro Neso, es una gran obra del escultor
Juan de Bolonia, que se encuentra en Florencia.
Giambologna es el nombre italianizado de Jean Boulogne
(Douai 1529 - Florencia 1608) fue un escultor de origen
flamenco que llegó a Roma hacia el 1550.
Se consideraba profundamente italiano por espíritu y
educación, fue capaz de aceptar la lección de Miguel Ángel y
encontrar la medida del manierismo.
Este grupo escultórico fue colocado en primer lugar, en 1599,
en la esquina dei Carnesecchi en Florencia, luego se trasladó
al lado sur de la galería de los Uffizi, y más tarde se colocó en
la plaza que está cerca del Ponte Vecchio, en la margen
izquierda del Arno, desde 1812, se encuentra su sede
permanente en la Loggia dei Lanzi en la Piazza della
Signoria.
La escultura se caracteriza por una gran fuerza plástica
expresada por la fuerte torsión, casi elástica, del cuerpo del
centauro Neso, doblado por la fuerza de Hércules.

10. La preferencia por los espacios longitudinales y salas estrechas
que favorecen la perspectiva.

11. El punto de partida de la arquitectura manierista es la Villa Farnesina de Roma, la cual debe su nombre al segundo
propietario el cardenal Alejandro Farnesio quien se adueñó de ella en 1577, cabe destacar que su construcción la realizó
Baldassare Peruzzi y fue iniciada en 1505 y completada en el año 1511, se aprecia el inicio del Renacimiento, la nobleza y
burguesía italiana muestra en sus residencias y villas su poderío social y económico.
La villa es el perfecto ejemplo de las primeras obras renacentistas. Se compone de un bloque central del que arrancan dos
alas menores a ambos lados, formando así una especie de U. con dos alas que encierran una parte mediana en que, en el
puso inferior, se abre un pórtico construido por cinco arcos de medio punto.
El manierismo rechaza el equilibrio y la armonía de la arquitectura clásica, las estructuras verticales asumen dimensiones
excesivas y confieren al conjunto un inquietante equilibrio la presencia de cornisa intermedia, extradós e intradós, Desde el
punto de vista decorativo, asume particular importancia el fenómeno de lo grotesco, un tema pictórico de tiempos del
imperio romano, redescubierto a fines del siglo XV, durante algunas excavaciones arqueológicas.
Su decoración se llevó a cabo entre 1510 y 1519, destacando los frescos
que se extienden por fachadas y muros ilustran los mitos clásicos y
destacan los del vestíbulo principal, esta sala se completa con las
pinturas de astrología de la bóveda que muestran la posición de las
estrella en el momento del nacimiento de su primer propietario
Chigi. La estructura se inserta en una planta de dimensiones
irregulares. La fachada curvilínea presenta un pórtico con columnas
libremente espaciadas. Insólitas son las cornisas que decoran las
ventanas de los pisos superiores pegadas a una pared adornada con
almohadillado plano. Inédita es, asimismo la conformación de los
pórticos del patio: están conformados por dos logias sobrepuestas
cerradas al techo con un tercer piso abierto por ventanas
rectangulares tan largas como la columnata inferior.
Las fachadas son de color anaranjado, sencillas y armoniosas. En la
fachada delantera se encuentra la logia de Cupido y Psique que da
acceso al palacete que fue decorado por el mismísimo Rafael.

12. Fue construida en los años 1551-53, se encuentra en la ciudad de Vicenza y su estilo se encuadra en el siglo XVI en el
manierismo.
Los materiales utilizados fueron la piedra, el ladrillo estucado y el mármol. Utilizó elementos del templo romano para
diseñar cuatro fachadas idénticas orientadas a los cuatro puntos cardinales, uno de esos elementos es el elevado
basamento, que posee escalinatas pronunciadas que dan acceso a las cuatro entradas del edificio.
Otro elemento clásico son los pórticos, en este caso hexástilos y de orden jónico, con sus entablamentos y frontones. Las
estatuas son utilizadas como acabados que dan sensibilidad contemporánea a los elementos religiosos usados para
ensalzar la vida en el campo.
Tiene planta cuadrada con cúpula central. Dispone de cuatro pórticos laterales (uno por cada lado). Los pórticos
presentan orden jónico más entablamento y frontón.
En cuanto a las villas palladianas
esparcidas en los campos inmediatos
a la ciudad de Vicenza, destaca la
villa Capra (1567-1569), también
conocida como "La Rotonda", en la
que "plantea cuatro pórticos de
templos romanos con elevador
estereobato y columnas dóricas en
medio de jardines que acceden, por
los cuatro puntos cardinales, a un
cubo en cuyo centro se ha instalado
un cuasi panteón romano:
Naturaleza y Cultura no han
encontrado mejor síntesis bajo tan
limpio lenguaje clásico”

13. Fue construida en los años 1551-53, se encuentra en la ciudad de Vicenza y su estilo se encuadra en el
siglo XVI en el manierismo.
Los materiales utilizados fueron la piedra, el ladrillo estucado y el mármol. Utilizó elementos del templo
romano para diseñar cuatro fachadas idénticas orientadas a los cuatro puntos cardinales, uno de esos
elementos es el elevado basamento, que posee escalinatas pronunciadas que dan acceso a las cuatro
entradas del edificio.
Otro elemento clásico son los pórticos, en este caso hexástilos y de orden jónico, con sus entablamentos y
frontones. Las estatuas son utilizadas como acabados que dan sensibilidad contemporánea a los
elementos religiosos usados para ensalzar la vida en el campo.
Tiene planta cuadrada con cúpula central.
Dispone de cuatro pórticos laterales (uno
por cada lado). Los pórticos presentan orden
jónico más entablamento y frontón.
Otra obra del arquitecto es el Palacio
Bevilacqua, caracterizado por un
paramento rústico en el primer piso y por
grandes aperturas al arco en el registro
superior, que se alternan con ventanas de
dimensiones menores contenidas en el
espacio del intercolumnio.

14. Esta iglesia es iniciada en 1568 y consagrada en 1584. Fue financiada por Alejandro Farnesio, sobrino de Paulo III, siendo
encargada al mejor arquitecto italiano a la muerte de Miguel Ángel, Vignola. La planta es de cruz griega, con tres naves
que se corresponden con las tres puertas de entrada. El estilo arquitectónico es renacentista y la ornamentación barroca.
La Planta es una combinación de 1. Planta longitudinal (gótica) y 2. Planta central (Renacimiento).
La fachada se articula mediante pilastras y el ritmo exterior reproduce el ritmo interior, reflejando la distribución de las
naves. La parte central se encuentra destacada mediante el uso de medias columnas y un doble frontón doble, en el que
un frontón curvo engloba a otro recto (los frontones englobados serán característicos del Barroco posterior), marcando el
eje axial.
Existe un cierto dinamismo en la fachada, pero esta sigue siendo
bastante plana, únicamente con un ligero movimiento en el frontón
y el ritmo generado a través de las pilastras. En la fachada podemos
ver algunas de las características más destacadas del Barroco. La
cúpula actual no es la original, proyectada con gran solemnidad por
Paolo Valeriano, porque se derrumbó en el terremoto de 1688. Los
materiales que se utilizan son principalmente: ladrillos con mezcla
revestidos en travertino (mármol) en muros; ladrillo, piedra y
mortero revestido con estuco en bóvedas; piedra y mortero en la
cúpula; madera y tejas en la cubierta; baldosas de mármol en los
pisos.
La fachada se encuentra decorada con dos escudos marcando el eje
axial, y dos estatuas flanqueando el acceso principal. Esta obra será
el prototipo usado durante el primer tercio del siglo XVII, en el uso de
las pilastras y nichos.