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ANÁLISIS DE UNA OBRA PICTÓRICA
MARÍA ANTONIA FERNANDA DE BORBÓN Y
FARNESIO
María Isabel Moreno Marrero
1º Modelismo de indumentaria

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Índice
1. Identificación-Clasificación…………………………………………………... 5
2. Jacopo Amigoni…………………………………………………………………. 6
3. Museo del Prado………………………………………………………………… 11
4. Características del estilo artístico al que se adscribe la obra…………....... 12
5.1 Descripción de María Antonia Fernanda de Borbón y Farnesio……..….. 14
5.2 Análisis de la obra……………………………………………………………… 15
6. Relación de la indumentaria con otras obras del autor………………….… 16
7. Webgrafía y Bibliografía………………………………………………….......... 17

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Denme los lujos de la vida y con gusto prescindiré de las necesidades.
Frank Lloyd Wright, Arquitecto
(1867-1959)

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1. IDENTIFICACIÓN-CLASIFICACIÓN
Título
María Antonia Fernanda de Borbón y Farnesio, infanta de España.
Lugar de conservación de la obra
Museo Nacional del Prado, Madrid
Cronología
Hacia 1750
Técnica
Óleo
Soporte
Lienzo
Tema
Retrato (figurativo)
Estilo
Rococó

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2. JACOPO AMIGONI
Jacopo Amigoni fue un pintor italiano de
influencia rococó nacido en Nápoles en 1682.
Pertenecía a la escuela veneciana 1
y su estilo se
caracteriza por la presencia de elegancia y color.
Gracias a sus retratos fue especialmente valorado y
se llevó consigo el aprecio de distintas cortes
europeas. Fue en Venecia donde recibió la
influencia de pintores como Antonio Belluci,
Sebastiano Ricci, Antonio Balestra, Giovanni
Antonio Pellegrini y Rosalba Carriera.
Durante los años 1717 y 1719 residió en el
castillo de Nymphenburg y en el castillo de
Schleissheim, para finalmente entre los años 1725 y
1729 instalarse en la abadía benedicta de Ottobeuren.
En los frescos que Amigoni realiza en esta época se muestra como uno de
los primeros seguidores del rococó veneciano, causa por la cual en Alemania lo
denominan como el estilo “Amigoni”.
Además de pintor, Amigoni, desarrolló el arte de la decoración y el retrato
desarrollando una carrera internacional que lo llevó a Baviera, Inglaterra,
Flandes, Francia y España, residiendo en Inglaterra entre 1730 y 1739 y su mejor
obra conservada de este periodo es la serie de cuatro pinturas sobre la Historia de
Júpiter e Io aunque tuvo gran éxito con sus retratos.
La Historia de Júpiter e Io
1
fue un conjunto de movimientos artísticos, de corte esencialmente pictórico, que se desarrollaron en la región de la República
de Venecia, expandiéndose luego al resto de Europa.
Jacopo Amigoni

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En 1747 se estableció en España como pintor
de Cámara de Fernando VI gracias al papel que
ocupaba en la corte española el cantante de ópera
Farinelli2
cuando fue llamado por la segunda esposa
de Felipe V, Isabel de Farnesio, con la intención de
subsanar las frecuentes crisis de ansiedad y
momentos de melancolía al monarca español con la
voz del famoso. Farinelli sería desde entonces una
pieza clave para el desarrollo de la vida cultural de
la Corte, incluyendo la pintura.
Sus opiniones tenían una gran influencia
sobre los monarcas de la corte española, en un
momento en el que el gusto por el arte francés que
en un principio prevaleció con la llegada de Felipe
V, estaba cambiando a favor de Italia.
Gracias a él, Amigoni recibió el encargo de pintar dos cuadros para los
monarcas españoles cuando todavía se encontraba en Londres, Escena de la
historia de Aníbal y Don Carlos recibiendo la Corona de Nápoles. Finalmente los
intentos de Farinelli de favorecer a su amigo y familia se verían materializados
con la llegada del pintor en 1747 como Primer Pintor del Rey.
En la estancia de cinco años de Amigoni en nuestro país desarrolló una
intensa labor en la que tocó todos los ámbitos pictóricos que anteriormente había
desarrollado: retrato, pintura alegórica, de historia, religiosa y decoraciones al
fresco3
.
Además, hay constancia de que colaboró con Farinelli en la ejecución de los
decorados de algunas de las óperas en las que participaba el cantante. Así mismo,
realizó cuatro pinturas para decorar el Palco Real del Teatro del Palacio del Buen
Retiro, con escenas de las cuatro estaciones; escenas que después serían
transformadas en tapices y que actualmente se conservan en el Palacio Real de
Madrid.
2
cantante castrato italiano, uno de los más famosos del siglo XVIII
3
técnica pictórica que consiste en pintar con colores en combinación con agua de cal sobre la superficie de un muro con
revoque de cal húmedo, o lo que es igual "fresco".
Retratro de Frinelli por
Amigoni

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Pero sin duda el gran ciclo decorativo es el que lleva a cabo en la Sala de
Conversación del Palacio Real de Aranjuez. Tras el incendio del 6 junio de 1748,
se inicia una intensa labor de reconstrucción Amigoni decoró la bóveda de la gran
sala rectangular con una alegoría referente al bienestar material y el paso de las
estaciones, representado por figuras femeninas que portan gavillas de trigo y
cornucopias4
repletas de frutos, mientras que en el centro se representa la Fe
católica, pilar de la Monarquía Española, acompañada por algunas de las
Virtudes que debe tener un buen monarca: la Caridad, la Justicia y la Templanza.
Esta decoración del techo se completaría con las seis sobre puertas que
representan otras Virtudes: la Fortaleza, la Mansedumbre, la Concordia, la
Liberalidad, la Humildad y la Fidelidad; dos de ellas realizadas por Charles
Joseph Flipart5
, colaborador de Amigoni, llamado por el mismo en 1750 para
ayudarle en la decoración del techo.
4
símbolo de prosperidad y afluencia que data del siglo V a. C.
5
fue un pintor y grabador francés formado en Venecia con Jacopo Amigoni y establecido en Madrid al servicio de Fernando VI.

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Techo del Comedor de Gala del Palacio de Aranjuez
En esta obra podemos apreciar las amplias pinceladas, fundiendo las figuras con
el fondo, con los perfiles poco definidos y los tonos pasteles fríos.
.

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El cantante Farinelli y sus amigos (hacia 1750–52)
Galería Nacional de Victoria, Melbourne
Amigoni incluye su autorretrato en el cuadro y la postura de su brazo sobre
el hombro de Farinelli es una clara indicación de que el artista formaba parte del
círculo de amistades de Farinelli Su pose, con sus pinceles en la mano, indica que
estaba trabajando en este mismo lienzo y es un detalle que da al cuadro un
sentido de sencillez e intimidad.
Una vez establecido en Madrid y habiéndole otorgado Fernando VI el título
de director de la entonces recién creada Real Academia de Bellas Artes de San
Fernando, Amigoni fallece en 1752 dejando consigo, una gran huella en la
historia del arte de su época.

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3. Museo del Prado
Fundado en noviembre de 1819 y situado en el centro de Madrid, el museo
del Prado es considerado uno de los más importantes y prestigiosos del mundo
con una arquitectura neoclásica. El museo, es rico en cuadros de maestros de los
siglos XVI hasta XIX, donde Goya, Velázquez, El Greco, Rubens y El Bosco
tienen una importante presencia.
La fundación de amigos del
museo del Prado6
tiene como
objetivo principal promover,
fomentar, apoyar y desarrollar
cuantas acciones tengan relación
con los fines y la actividad del
Museo Nacional del Prado, así
pues, nos ofrece acceso al museo,
exposiciones, cursos de verano y de
literatura y acceso al museo
cerrado para miembros de honor y círculo Velázquez.
Actualmente la obra de Jopoco Amigoni se exhibe en este museo aunque
pertenece a la Colección Real (colección Isabel Farnesio, Palacio de La Granja de
San Ildefonso, Segovia, antecámara del rey-pieza de la vianda)
Exterior del Museo del Prado
6
Año 1980. Organización privada sin ánimo de lucro.

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4. Características del estilo artístico al que se adscribe la
obra.
Esta obra pertenece al movimiento artístico del rococó originado en Francia
donde se desarrolla de forma progresiva entre los años 1730 y 1760 durante los
reinados de Luis XV y Luis XVI.
Este estilo es definido como el sumun del barroco aunque se diferencia en
una ruptura con el pesimismo y la oscuridad del anterior estilo. Se caracteriza por
ser un arte individualista, antiformalista y cortesano donde la opulencia y la
elegancia sumada a la presencia de colores vivos cobran un nuevo protagonismo.
La temática queda exenta de influencias religiosas donde predomina las formas
inspiradas en la naturaleza, la mitología, la belleza de los desnudos y el arte
oriental, sin embargo, la más recurrida serán la galante y la amorosa.
Es por lo tanto una corriente con una visión aristocrática de la vida que se
concentra en la armonía de una vida despreocupada y placentera, es decir,
superficial hasta el punto de considerarse a menudo, esnobista y frívolo.
Las composiciones son sensuales, alegres y frescas, predominan los colores
pasteles, suaves y claros. La mujer se convierte en el foco de inspiración, ya que es
la figura bella y sensual.
En esta línea de pensamiento
basado en la búsqueda de placer
personal la indumentaria (tanto
femenina como masculina) “se elevó”
conceptualmente a la categoría de arte
durante el reinado de Luis XIV.
Para las mujeres, el espíritu
esencial de la moda rococó residía en la
elegancia, el refinamiento y la
decoración, así como en elementos
caprichosos y extravagantes, como
coquetería. En contraposición a la
solemnidad de la indumentaria del
siglo XVII, el atuendo femenino del siglo XVIII era a la vez ornamentado y
sofisticado. El traje masculino del siglo XVII había sido más extravagante y
vistoso que el femenino, tomaron entonces las mujeres la iniciativa y adquirieron
una elegancia espléndida.
LACMA, Los Ángeles exhibición 2010

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La indumentaria del Rococó es distintiva por
su fantasía, asimetría, sus finos detalles y su
ligereza; su vistosa belleza estaba acentuada por
el uso de sus tejidos. Los más comunes en la
ropa de mujer y de hombre eran las telas de
satén, atlas, brocados y encajes, normalmente en
tonos pastel.
Los extravagantes tejidos de seda
producidos en Lyon resultaban esenciales para la
moda rococó. A partir del siglo XVII el gobierno
francés apoyó la diversificación de la producción
de tejidos de seda en Lyon mediante el desarrollo
de nuevos mecanismos para telares, así como
nueva tecnología para el tinte. Sustituyendo los
productos de seda italianos que habían
dominado el mercado en el siglo anterior.
Met Museum of Art Image 2010, LACMA Royal Ontario Museum,
Toronto
Sack-back gown, Britain, 1760

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5.1 Descripción de Maria Antonia Fernanda de Borbón y
Farnesio
María Antonia
Fernanda de Borbón y
Farnesio era la menor de
los hijos del rey de España
Felipe V de Borbón y de
su segunda esposa Isabel
de Farnesio. Nació en los
Reales Alcázares de
Sevilla el 17 de noviembre
de 1729. Pasó su infancia
en Sevilla antes de
trasladarse a Madrid en
1733. Como hija del Rey
de España, ostentaba el
título de Infanta de España y
el tratamiento de Alteza Real.
En un plan de doble matrimonio, se casaría con Luis, delfín de Francia en
1739, y su hermano el Infante Felipe se casaría con la hermana del delfín Luisa
Isabel de Francia en 1745, atendiendo a la insistencia de su madre por esperar M.
Antonia alcanzara una edad más madura. El 31 de mayo de 1750, finalmente
contrajo matrimonio en las cercanías de Turín con el Príncipe Víctor Amadeo III
de Saboya, quien luego sería Rey de Cerdeña con el nombre de Víctor Amadeo III.
Adquiriendo el título de Reina Consorte de Cerdeña. La pareja tuvo doce hijos.
La reina falleció en el Castillo de Moncalieri (en las afueras de Turín) el día
19 de septiembre de 1785. Sus restos reposan en la Basílica de Superga junto a su
esposo y al resto de los monarcas de la Casa de Saboya.
Felipe V e Isabel de Farnesio

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5.2 Análisis de la obra
En el retrato de Jacopo Amigoni podemos observar cómo la retratada,
María Antonia de Farnesio, porta en su cabello una diadema de joyas con
pluma para adornar su recogido con trenza, dándole vistosidad y
ajustándose a la preferencia del siglo XVIII de llevar la piel lo más blanca
posible, con un toque de color rosáceo en mejillas y labios.
En la indumentaria de María Antonia vemos claramente un vestido a
la francesa constituido por los pliegues a la Watteau, en este caso una capa
de piel que caía de la nuca al suelo acompañada de la pieza de estómago, que
era un pedazo de tejido de forma triangular frecuentemente enderezado con
barbas de ballena que se utilizaba para cubrir la vista del corset en la parte
del pecho y unas mangas pagoda, que se caracterizaban por ensancharse a
partir del codo, en este caso, las mangas tienen un triple volante de encaje.

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Si contemplamos más allá de la indumentaria de María Antonia
vemos que el motivo principal de Jacopo son las flores, que además de
adornar el vestido, estas, sobresalen del cuadro; también dos ángeles que
adornan y resaltan la belleza de la infanta, su elevada alcurnia y la riqueza
que le ha permitido detentar su posición dentro de la estructura social.
6. Relación de la indumentaria con otras obras del autor
Portrait of a Lady Princesa Carolina Elizabeth de Gran Bretaña
En estas dos obras, vemos como las caracterizadas adornan sus cabellos con joyas. La
indumentaria se asemeja al retrato de María Antonia, llevando ellas también, un vestido a la
francesa de seda. En el caso de la Princesa Carolina el escote es más pronunciado y adornado
con un broche. La princesa lleva una capa de piel designando su origen real al igual que
María Antonia. Las mangas son pagodas.
Jacopo en estos dos retratos no añadí elementos florales ni fantásticos como los
querubines o las flores que sobresalían de la anterior obra.

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7. WEBGRAFÍA
 http://es.wikipedia.org/
 http://mismuseos.net/
 http://books.google.es/books
 http://www.profesorenlinea.cl/artes/rococo.htm
 https://www.museodelprado.es/
 http://www.artehistoria.jcyl.es/v2/personajes
 http://www.thefamouspeople.com
 http://www.historiadeltraje.com.ar/rococo.html
 http://www.slideshare.net
 http://modadossiglosatras.blogspot.com.es
 http://es.texsite.info
 http://lineadeltiempo-rococo.blogspot.com.es
 historiadelaindumentaria1um.blogspot.com.es

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BIBLIOGRAFÍA
 Del barroco al rococó: indumentaria, encajes, bordados (Carlos
Bembrire, 2005)
 Manierismo, Barroco y Rococó (Simonetta Borghini de Gallego,
1977)
 Del Rococó a la Revolución: Principales Tendencias en la Pintura
Del Siglo XVIII (Michael Levey, 1998)