El documento resume la evolución de la fotografía contemporánea desde el siglo XX, cuando se estableció como un arte. Se destacan dos corrientes principales: la artística, que aspiraba a asimilarla a las bellas artes, y la documental, como testimonio de la realidad. También describe importantes movimientos y fotógrafos como Alfred Stieglitz, Paul Strand, Ansel Adams, Man Ray, Edward Weston, la Neue Sachlichkeit y la Nueva Visión impulsada por Moholy-Nagy.

1. FOTOGRAFÍA CONTEMPORÁNEA

2. En el siglo XX se produjo la maduración y
consagración de la fotografía como una de
las bellas artes.
Casi desde su nacimiento, la fotografía trajo
consigo un debate filosófico: su necesidad
de desembarazarse de su condición de
documento fiel de la realidad para afirmar
su carácter plenamente creativo y llegar a
alcanzar un lugar en las bellas artes.
Durante mucho tiempo, la fotografía fue
considerada como un documento casi
notarial de la realidad y la imagen se
convirtió en sinónimo de verdad. Este
consenso social entró en crisis al hacerse
progresivamente visible la subjetividad del
fotógrafo. La fotografía ha mostrado, sobre
todo en el siglo XX, la convivencia de
direcciones opuestas en un lenguaje cuya
característica principal es su ambigüedad.
Foto de Samuel Aranda ganadora del World
Press Photo en 2012
Foto de Man Ray

3. A lo largo del siglo XX dos grandes corrientes
han caminado en paralelo:
- La corriente artística es aquella que aspira a
asimilar la fotografía a las bellas artes. En
ella se pueden enmarcar el pictorialismo, la
Straight Photography, la Nueva Objetividad,
La Nueva Visión, la Nueva Fotografía, las
prácticas fotográficas de algunos estilos
artísticos como el dadaísmo, el surrealismo,
la performance, el land art… y la fotografía
escenificada
- Fotografía como testimonio de la realidad,
en la que se enmarcan la fotografía
documental, el ensayo fotográfico, la
fotografía de calle y el relato de experiencia
Especialmente en las últimas décadas, artistas y teóricos han reflexionado sobre la frágil
relación entre el uso documental y el uso artístico de la fotografía. Numerosos autores han
puesto en cuestión la supuesta veracidad de la fotografía, su capacidad para reproducir
fielmente la realidad, incidiendo en la capacidad de la fotografía documental para mentir,
de ser portadora de una realidad subjetiva, parcial, reduccionista.
El beso, foto de Robert Doisneau en 1950,
aparentemente espontánea, pero preparada por el
fotógrafo.

4. STRAIGHT PHOTOGRAPHY (FOTOGRAFÍA DIRECTA)
A comienzos del S.XX se empezaron a
escuchar voces que abogaban por la
superación del pictorialismo, fotografía
que emulaba el estilo de la pintura en
boga. Emerge entonces un estilo nuevo,
denominado Straight Photography
(Fotografía directa), defendido por
fotógrafos como Alfred Stieglitz y Paul
Strand y apoyado por el ensayo de
Sadakichi Hartmann, A Plea for Straight
Photography (1904). The Steerage (1907),
de Alfred Stieglitz, se propone como el
emblema de la dirección a seguir para que
la fotografía se desembarace de la
imitación de la pintura y acceda al estatus
de arte moderno.
ALFRED
STIEGLITZ
PAUL STRAND

5. ALFRED STIEGLITZ

7. PAUL STRAND

8. Abstracción, tazones, Twin Lakes,
Connecticut, 1916
Valla blanca, Port Kent, Nueva York, 1916
Iglesia, Ranchos de Taos, Nuevo México,
1930.

9. ANSEL ADAMS
Sus fotografías revelan, con un
formidable juego de luces y sombras,
toda la magnificencia de las montañas,
nubes, desiertos, árboles, ríos y
vegetación de Estados Unidos, y en
particular, de toda la belleza original
del Parque Natural Yosemite. Fue un
conservacionista ardiente y usó su arte
para dar a conocer y proteger la
naturaleza salvaje norteamericana.
Tuvo como objetivo crear conciencia
para la conservación del paisaje
natural y de la vida animal.
Es conocido sobre todo por sus fotografías en blanco y
negro de naturaleza. Tenía un gran control sobre la luz y la
medición y llegó a inventar un sistema de zonas que le
permitía obtener la mejor exposición posible en cada
situación.

13. IMOGEN CUNNINGHAM
Destacó por la captación de motivos florales y
retratos.
Muestra de forma magistral las líneas
geométricas del cuerpo y formas sensuales
definidas por la iluminación y la composición.

15. https://oscarenfotos.com/2012/05/26/galeria-imogen-cunningham/

16. TRIANGLES TUBEROSE

17. EDWARD WESTON
Se caracterizó por la búsqueda de la belleza en
los objetos cotidianos. En un viaje a México
conoció a Tina Modotti, quien se convirtió en
su ayudante y amante y le animó a que
dirigiera la mirada hacia temas más simples.
Son famosas sus fotografías de pimientos.

19. https://culturafotografica.es/e
dward-weston-grandeza-
simple/

20. NEUE SÄCHLICHKEIT
Surgió en Alemania a mediados de los años 20 e
inicialmente designó a una escuela de pintura.
A fines de la década de 1920 se empezó a usar el
término para agrupar a fotógrafos como Albert
Renger-Patzsch, Karl Blossfeldt, H. Gorny, Fritz
Brill o W. Zielke, que vuelven su mirada hacia la
técnica y la expresión precisa del mundo
contemporáneo con una voluntad de ruptura y de
innovación, apoyándose en las cualidades
inherentes al medio: precisión de la puesta a
punto y profundidad de campo, primer plano que
aísla, luz que genera la forma...
La noción de Sachlichkeit (objetividad) es
determinante en la historia de la fotografía, pues
supo dar a ésta otra dimensión, negándose a
enmascarar su carácter técnico y sirviéndose de
él como medio de exaltación del objeto.
ALBERT RENGER-PATZSCH

21. En El mundo es bello (1928), Albert Renger-Patzsch extrae objetos
cotidianos de su contexto, estudia los efectos de luz y de sombra y les hace
adquirir una vida autónoma y específica. Utensilios de cocina, tubos de
máquinas y válvulas son objeto de un mismo tratamiento fotográfico.

22. KARL BLOSSFELDT
Kart Blossfeldt, en Formas primitivas de la naturaleza (1928), muestra
que el objetivo de la cámara fotográfica es una suerte de prótesis del ojo
que permite al hombre ampliar su visión. El objetivo de la fotografía es
que la estructura de los objetos devenga visible, que se vea la esencia del
objeto.

23. August Sander, que centra su obra en la documentación sociológica de la
época, publica en 1929 un esbozo de su gran trabajo Hombres del siglo XX,
con el que pretende retratar el orden social alemán a través de grupos de
población: granjeros, artistas, albañiles, músicos, burócratas, bailarines,
industriales, secretarias...

24. NUEVA VISIÓN
Propagada especialmente por László Moholy-Nagy y
la Bauhaus, donde la fotografía se convierte en un
elemento esencial de las experiencias artísticas.
En su ensayo fotográfico titulado Malerei, Fotografie,
Film (Pintura, Fotografía, Film), de 1925, Moholy-
Nagy resumía el abanico de posibilidades ofrecidas
por el medio fotográfico. La fotografía se ve
reconocida como práctica autónoma, liberada del
modelo pictórico. Posee sus propias leyes técnicas,
ópticas y formales. Ya no se trata de equipararse a la
pintura, sino de alejarse lo más posible de ella. La
fotografía se convierte en el instrumento de una
“nueva visión”.
El objetivo del aparato funciona como un segundo
ojo que amplía, multiplica, pero también educa la
mirada natural, mostrándole un mundo conocido
bajo un ángulo hasta entonces desconocido. Se
expresa por medio de contrastes de luz, contrastes
de formas, escorzos, ángulos de visión inusitados,
picados, contrapicados, primeros planos...

25. Estas ideas fueron recogidas en la
exposición Film und Foto, organizada por
la Deutscher Werkbund a iniciativa de
Gustaf Stotz en Stuttgart en mayo de
1929 y que contó con la colaboración de
László Moholy-Nagy, Edward Steichen,
Edward Weston y El Lissitzky. Con motivo
de esta exposición, uno de los teóricos
de la Nueva visión, Franz Roh, publicó
Foto Auge, con una introducción titulada
“Mecanismo y expresión” donde
muestra las nuevas posibilidades de la
fotografía, del fotograma a las
perspectivas inhabituales.
EDWARD STEICHEN

26. La aparición del fotomontaje fue obra algunos de los componentes del movimiento
Dadá, creado en 1916. Raoul Hausmann, en la velada dadaísta de abril de 1918 que tuvo
lugar en Berlín, abogó por la inclusión de nuevos materiales en los ámbitos pictórico y
escultórico, como el empleo de los fotomontajes.
Hannah Höch realizó su primer fotomontaje en 1918.
DADAÍSMO

27. John Heartfield es el autor del
fotomontaje del catálogo de la
Primera Gran Feria Internacional
Dadá que se celebró en Berlín el 24 de
junio de 1920. En él queda establecida
la doble línea ideológica de los
dadaístas alemanes: la ruptura con el
sistema artístico burgués y la posición
política revolucionaria.
Los fotomontajes de Heartfield se
convirtieron en un arma de combate
contra las injusticias tanto desde el
punto de vista social como político, y
especialmente contra el nazismo y el
III Reich. Ello le obligó a abandonar
Alemania en 1933, instalándose en
Praga.

29. SURREALISMO
Todos los experimentos surrealistas,
como los objets trouvés de Jacques
André Boiffard, los rayogramas de Man
Ray, las novelas-collage de Max Ernst, los
fotomontajes de Paul Nougé…, están
recorridos por la fotografía en una
interrogación del medio sobre sí mismo.
André Breton, fundador del movimiento
en 1924, afirmaba la supremacía de la
visión sobre el resto de los sentidos y
privilegió desde el comienzo el recurso a
la fotografía, que tuvo un papel
importante en las publicaciones y
revistas surrealistas.
MAN RAY

30. MAN RAY

31. ANDRÉ KERTESZ

32. Uno de los fotógrafos recientes que mejor han
continuado la tradición surrealista es el español Chema
Madoz, con imágenes enigmáticas y sugerentes y sin
manipulación digital. Su enfoque es minimalista y
utiliza encuadres con el menor número de elementos
posibles.
http://culturainquieta.com/es/fotografia/item/605-chema-
madoz.html

34. https://culturafotografica.es/chema-madoz/
https://clubdefotografia.net/chema-madoz/

35. FOTOGRAFÍA DE MODA
La fotografía de moda, creada en París a
finales del siglo XIX, se convirtió en el
S.XX en un género creativo de pleno
derecho. Grandes estudios se
consagraron al retrato de la mujer al
gusto del momento y las revistas de
moda, como Vogue, Vanity Fair y
Harper’s Bazaar, contribuyeron a la
renovación de la fotografía de moda.
A menudo la fotografía de moda adaptó
las grandes tendencias artísticas de su
época. El barón de Meyer adaptó para
Vogue el pictorialismo. Edward
Steichen, que le reemplazó en 1924,
introdujo un rigor geométrico.
BARÓN DE MEYER
EDWARD STEICHEN

36. Bajo la dirección Steichen ,
George Hoyningen-Huene,
Horst P. Horst y Cecil Beaton,
especialmente durante la
década de los treinta, adoptaron
un estilo más teatral.
Edward Steichen en Vogue y
Alexey Brodovitch en Harper’s
Bazaar jugaron un papel
primordial en el triunfo de los
fotógrafos de moda.
HORST P. HORST
GEORGE HOYNINGEN-HUENE

37. CECIL BEATON (1904-1980)
Es considerado el gran retratista del siglo
XX. Fotógrafo de la realeza, el mundo de la
moda y de las celebridades del Hollywood
clásico, además de escenógrafo y
corresponsal de guerra, ante su objetivo
posaron personajes como Marilyn Monroe,
Greta Garbo o Picasso.
Comenzó con la fotografía como un hobby.
Viajó a Hollywood en los años treinta. Allí,
quedó fascinado por los estudios de cine y
sus decorados que, en varias ocasiones,
equiparó en belleza a la arquitectura de las
catedrales europeas. Comenzó a trabajar
para Vogue. Allí pudo fotografiar las
creaciones de la flor y nata de la industria de
la moda, de Coco Chanel a Diane
Vreeland o Cristóbal Balenciaga.

38. Con el estallido de la 2ª Guerra
Mundial, comenzó a viajar por el
mundo como corresponsal del
Ministerio de Información británico.
También trabajó como diseñador de
vestuario y escenógrafo en películas
y obras de teatro como My Fair Lady.
En los años sesenta fotografió a la
nueva realeza del pop: Mick Jagger,
Jean Shrimpton, Twiggy, Penelope
Tree, Andy Warhol, etc.
Amante de la excentricidad
y verdadero ejemplo de dandi, a
finales de los setenta, su estética dejó
paso, poco a poco, a una nueva
forma de entender la fotografía
capitaneada por Richard Avedon o
Irving Penn.

43. https://www.xatakafoto.com/fotografos/cecil-beaton-el-fotografo-que-no-
dudo-en-cambiar-la-belleza-y-el-glamour-por-ser-reportero-de-guerra

44. http://www.lomography.es/magazine/64144-fotografos-del-siglo-xx-sir-cecil-
beaton

45. IRVING PENN
Blanco y negro y estudiada teatralidad son dos
de los principales rasgos del trabajo de Irving
Penn. Comenzó a trabajar para Vogue USA en
los años cuarenta, donde se consagró como
fotógrafo y el mejor escaparate desde el que
mostrar sus fotografías a las tendencias de la
Alta Costura parisina, sus bodegones y
sus retratos de algunos de los personajes más
célebres de la Historia reciente.
Auténtico precursor de la fotografía entendida
como arte y documento, mezcló vanguardia y
moda abriendo el paso a otras figuras como
Richard Avedon o Mario Testino y viajó por todo
el mundo realizando fotografías.

46. https://elpais.com/cultura/2017/04/27/babeli
a/1493281941_127065.html

49. Truman Capote, Nueva York, 5 de marzo, 1948
http://culturainquieta.com/es/foto/item/12009-los-
maravillosos-retratos-de-irving-penn-maestro-del-menos-es-
mas.html

51. RICHARD AVEDON
Es uno de los fotógrafos de moda más influyentes del
siglo, que trabajó para publicaciones como Vogue, Life o
Harper’s Bazaar. Su fotografía hizo cambiar gran parte
del panorama fotográfico e incluso influyó de gran forma
en la creación de nuevas colecciones de moda. También
fue un gran retratista.
Empezó a trabajar en la revista Harper's Bazaar y en
poco tiempo pasó a ser director de fotografía de la
revista. En un viaje a París se forjó la revolución que
introdujo en la fotografía de modas, con un estilo
novedoso, elegante y clásico, pero con un movimiento y
un glamour antes no visto, con la creación de
escenografías para la presentación de los modelos, que
transmitían y emocionaban, a pesar de ser para un
interés comercial. Además, Avedon sacudió el mundo de
la moda con el concepto de los modelos como
protagonistas y/o personajes. Sus escenografías
elegantes hicieron de la fotografía de moda algo más
parecido al mundo teatral que a la fotografía de catálogo
vista hasta la fecha. En 1966 se incorporó a Vogue.

55. Sus retratos de personalidades famosas y desconocidas posando frente a un fondo
blanco, con una aparente sencillez, tenían un fuerte carácter psicológico,
consiguieron plasmar rasgos inesperados de los rostros de personajes de la
envergadura de Marilyn Monroe, Andy Warhol, George Bush, etc...

56. Su obra más conocida fuera del mundo de la moda es In the American
West, realizada entre 1979 y 1984. Es un reportaje sobre personas desconocidas,
realizado con luz natural, al aire libre y con cámara de gran formato (placas).

57. ANNIE LEIBOVITZ
http://www.revistavanityfair.es/actualidad/galerias/las-fotos-de-annie-
leibovitz/9230/image/603275
Comenzó trabajando en
Rolling Stone, donde muy
pronto se convirtió en jefa
de fotografía. Allí surgió su
marca característica, que
implica el uso de colores
primarios y poses
sorprendentes.
Una de sus fotos más
conocidas fue la foto en la
que John Lennon aparece
desnudo acurrucado
alrededor de su esposa
vestida, Yoko Ono.

58. En 1983, Leibovitz dejó la revista Rolling Stone y comenzó a trabajar para la revista Vanity
Fair. Con una gama más amplia de temas, las fotografías de Leibovitz oscilaban entre los
presidentes a los iconos literarios o galanes adolescentes. Algunos de los más conocidos son
el retrato de Demi Moore, embarazada y desnuda y Whoopi Goldberg, medio sumergida en
una bañera de leche.

59. Conocida por su habilidad para hacer que sus modelos se involucren físicamente
en el trabajo, uno de los retratos más famosos de Leibovitz es el del artista Keith
Haring, que se pintó como uno de sus lienzos para la foto. Ha realizado varios
libros, trabajado en publicidad y es muy demandada como retratista.

63. FOTOGRAFÍA DE GUERRA
Italia, 2ª Guerra Mundial, Robert Capa
Ruanda, 1994, James Natchwey
http://www.jotdown.es/2013/01/fotoperiodism
o-de-guerra/
Uno de los primeros usos
documentales de la fotografía fue dar
testimonio de los conflictos bélicos.
Entre los fotoperiodistas más
destacados de la actualidad se
encuentra el estadounidense James
Natchwey y los españoles Samuel
Aranda, Manu Brabo y Gervasio
Sánchez.

64. ROGER FENTON
Roger Fenton es considerado el primer
fotógrafo de guerra al fotografiar la Guerra de
Crimea en 1855.
El equipo de Fenton consistía en un carro a
modo de cuarto oscuro tirado por 4 caballos,
los productos químicos, unas 700 placas y 5
cámaras. Uno de los problemas que tuvo era
que se necesitaba mucho tiempo de
exposición para lograr las imágenes, con lo que
no pudo acercarse al frente. En cambio,
sí pudo fotografiar el ambiente de los
campamentos y los campos de batalla tras los
enfrentamientos.
Su trabajo no tuvo muy buena acogida. La
gente estaba acostumbrada al romanticismo
de la guerra y la cruda realidad de los campos
de batalla que mostraban las fotografías
de Fenton no les entusiasmó.
EL VALLE DE LA SOMBRA DE LA MUERTE.

65. Fotografía de Timothy O'Sullivan
http://clio.rediris.es/n35/FotoGuerrSuce.pdf
La Guerra de Secesión de EEUU (1861-
1865) fue el primer conflicto bélico en
el que se realizaron fotografías que por
primera vez no escondían el horror de
lo sucedido. Las escenas de muerte,
pillaje, destrucción y prisioneros
famélicos se tradujeron en una
auténtica conmoción para quienes
pudieron contemplarlas, porque les
alejó del ideal romántico de lo que se
pensaba que era una guerra. Algunos
de los fotógrafos que cubrieron esta
guerra fueron Matthew B. Brady,
Alexander y James Gardner, Timothy
O´Sullivan y George S. Cook.

66. Foto icónica de Alexander Gardener, una de las primeras de la historia en las
que pudo verse a soldados muertos en combate. Los de la foto eran rebeldes
de la Brigada Starke del ejército de Virginia del Norte. La foto fue tomada dos
días después de la batalla de Antietam.

67. Soldados confederados muertos en Gettysburg, Alexander Gardner.

68. Robert Capa y Gerda Taro
ROBERT CAPA
El primer fotoperiodista de guerra
reconocido fue Robert Capa. Destaca
especialmente su trabajo sobre la Guerra
Civil española, donde su compañera la
fotógrafa Gerda Taro murió aplastada por un
tanque. Entre sus fotografías más conocidas
se encuentra Muerte de un miliciano, que
tampoco ha escapado a la polémica sobre su
veracidad. Capa también tomó las únicas
imágenes existentes sobre el desembarco de
Normandía, en la playa Omaha. Algunos de
los carretes expuestos por Capa en el
desembarco se estropearon en el
laboratorio perdiéndose así imágenes de
incalculable valor. Capa murió en 1954 al
pisar una mina mientras cubría la Guerra de
Indochina.
En la Guerra Civil también trabajó la
compañera de Robert Capa, Gerda Taro, que
murió aplastada por un tanque.

71. Fotos de Gerda Taro en la Guerra Civil

72. En España el primer fotógrafo corresponsal de
guerra fue el malagueño Enrique Fazio, que
cubrió la llamada Guerra de África en 1859 de
la mano del escritor Pedro Antonio de Alarcón.
También está probada la presencia en este
escenario del fotógrafo José Requena López,
fotógrafo militar que realizó un reportaje sobre
diversos personajes en Tetuán, con los cuales
se confeccionó un lujoso álbum que fue
regalado a la reina.
Charles Monney realizó el primer
reportaje gráfico de un conflicto
sucedido en España: el bombardeo de
Bilbao por parte de las tropas carlistas el
21 de febrero de 1874.

73. https://daomagazine.com/agusti-centelles-
fotografo-guerra-civil-espana/
AGUSTÍ CENTELLES
Es considerado el padre del
fotoperiodismo español y para los
historiadores de la fotografía, su talento
iguala e incluso supera al de
Capa. Durante la Guerra Civil se destacó
por no ocultar su simpatía hacia la
izquierda y suya es una de las primeras
fotos de la contienda, el 19 de julio de
1936 en las calles de Barcelona, en la
que unos milicianos se parapetan tras un
caballo que yace muerto en medio de la
calle. Centelles no pudo captar la imagen
cuando se produjo y pidió a los
milicianos que posaran, reproduciendo la
escena.

74. En 1939, el fotógrafo abandonó España con una
maleta en la que transporta más de 4.000
negativos. El resto del material fue requisado por
las tropas franquistas. Centelles retrató también
el sufrimiento de los españoles en los campos
de refugiados en Francia, donde él también
estuvo internado. Durante la 2ª Guerra Mundial
colaboró con la resistencia francesa y aumentó la
muestra documental de su maleta con otras 600
fotografías sobre los campos de concentración.
Centelles escondió su valiosa maleta en la casa de
unos campesinos de la localidad francesa de
Carcassonne y prometió volver a recogerla algún
día. Tras la 2ª Guerra Mundial regresó a España,
fue juzgado por los franquistas, que le
prohibieron ejercer el fotoperiodismo. A partir de
entonces dedicó su tiempo a la fotografía
publicitaria e industrial. En 1975, tras la muerte
del dictador Franco, volvió a por su maleta a
Carcasonne.

77. ALFONSO SÁNCHEZ PORTELA
Fue conocido como
“Alfonsito”, para distinguirlo
de su padre, el también
fotógrafo Alfonso.
Retrató a numerosos
personajes de la época de la
dictadura de Primo de Rivera
y la 2ª República.

78. Imagen del Monte Arruit
Con 16 años en 1921 cruzó el Estrecho y para cubrir la Guerra de Marruecos,
donde obtuvo estremecedoras imágenes tales como las del monte Arruit tras
el Desastre de Annual y se ganó el aprecio del director del diario Libertad, que
le encargó hacer un reportaje de Abd-el-Krim.
Abd-el-Krim

79. Retrató episodios claves tales como la proclamación de la 2ª República y durante la Guerra
Civil destacó por su instinto fotográfico, retratando el sufrimiento de la población civil. Tras
la guerra fue depurado por el gobierno de Franco, lo cual hizo que se le retirase su
autorización de periodista hasta 1952, algo que sin duda desmotivó su carrera siendo desde
entonces menos extensa.

80. Barricada en Zocodover en 1936 (Toledo) Metro de Madrid, estación de Ventas, 1937,
https://youtu.be/Sz98-NTo1lM
La boda de los milicianos.

81. Patio del Cuartel de la Montaña
https://www.xatakafoto.com/historia-de-la-fotografia/12-fotoperiodistas-de-
guerra-espanoles-clasicos-que-deberias-conocer
- Bombardeos en el barrio de Argüelles, Madrid

82. http://culturainquieta.com/es/foto/item/5305-gervasio-sanchez-
fotografo-de-guerra.html
Gervasio Sánchez es uno de los fotógrafos
españoles contemporáneos que han cubierto
las guerras recientes y sus consecuencias.

83. FOTOGRAFÍA COMO DOCUMENTO SOCIAL
Desde su origen, la fotografía fue reconocida por
su valor de prueba objetiva de la realidad,
documento, testimonio y considerada durante
mucho tiempo como una fuente fiable de
información.
La fotografía documental trata de situaciones
existentes y prolongadas, examina sucesos y las
condiciones relacionándolos con las vidas
afectadas por ellos. Busca las causas del suceso y
las consecuencias de éste para las personas que
han tomado parte o que se ven afectadas por él
y está motivada por un sentimiento de
identificación, la toma de cierta postura y por
el interés que posee el fotógrafo.
Orfanato del hospital del Campamento de Kaibumba,
Sebastiao Salgado, 1994
https://oscarenfotos.com/2013/02/23/galeria-sebastiao-salgado/
https://www.rsf-es.org/news/albumes-de-fotos-100-fotos-de-sebastiao-salgado-por-la-
libertad-de-prensa/

84. LEWIS HINE
https://rebecapardo.wordpress.com/
2014/05/02/lewis-hine-el-padre-de-
la-fotografia-social/
http://www.jcaro.es/lewis-hine/
Considerado el padre de la fotografía
social y el fotoperiodismo. Estudió
Sociología y en Nueva York, trabajó de
profesor en la Ethical Culture
School, donde animaba a sus estudiantes
a utilizar la fotografía como un medio
educativo.

85. La familia Tenement, Chicago, 1910
Chicos del periódico, 1906
Entre 1904 y 1909 visitó con frecuencia
Ellis Island, con el fin de hacer retratos
de inmigrantes recién llegados que
sirvieran de inspiración a sus alumnos.
Entre 1904 y 1909, Hine hizo unas 200
placas fotográficas, se dio cuenta que su
vocación era el fotoperiodismo,
abandonó las clases y empezó a trabajar
para organizaciones en defensa de los
derechos de los trabajadores. Sus
imágenes cambiaron la visión sobre los
inmigrantes en EEUU y contribuyeron a
mejorar las condiciones de trabajo de
los niños. En 1932 publicó Men at
Work, sobre la construcción del Empire
State. Hine apuntó por vez primera que
la idea de una fotografía documental
completamente real y objetiva era
imposible.

86. Mecánico de planta eléctrica, alrededor de
1921
Día cálido en el lado este, ciudad de
Nueva York, alrededor de 1908
Flores artificiales, ciudad de Nueva York, 191

87. Familia rusa en Isla Ellis, 1905
Beneficiaria de la casa Hull, abuela
italiana, 1910

88. Ascendiendo en América (grupo de la Isla
Ellis), 1908
Una de muchas trabajadoras jóvenes en
las fábricas de algodón de Carolina, 1910

89. Rompedores de carbón en Pennsylvania
Trabajador en el Empire State Building

90. Impresor, Escuela de Cultura Ética, Nueva
york, 1905
Patriarca en Isla Ellis, 1905

91. DOROTHEA LANGE
Las fotografías humanistas de Lange sobre las
terribles consecuencias de la Gran Depresión la
convirtieron en una de las periodistas más
destacadas del fotoperiodismo mundial. Sus
estudios de desempleados y gente sin hogar
llamaron pronto la atención de fotógrafos locales y
la llevaron a ser contratada por la Farm Security
Administration. En diciembre de 1935 se casó con el
economista agrario Paul Schuster Taylor, profesor de
economía de la Universidad de California. Taylor
formó a Lange en asuntos sociales y económicos, y
juntos realizaron un documental sobre la pobreza
rural y la explotación de los cultivadores y
trabajadores inmigrantes durante los siguientes seis
años. Entre 1935 y 1939 Lange trabajó para
departamentos oficiales, siempre retratando en sus
fotos a pobres y marginados, especialmente
campesinos, familias desplazadas e inmigrantes.
Distribuidas sin coste a los periódicos nacionales,
sus fotos se transformaron en iconos de la era,
como Migrant Mother.

95. Durante la 2ª Guerra Mundial retrató también a los ciudadanos de origen japonés
confinados en campos de concentración de EEUU.

96. WALKER EVANS
Conocido principalmente por sus fotografías del proyecto Farm Security
Administration, con las que documentó durante 18 meses las comunidades rurales en
el periodo de depresión americana, su fotografía se caracterizó por mostrar el mundo
de forma directa, representando a los retratados de las clases más bajas con absoluta
dignidad.

97. Recopiló las fotografías tomadas
en una granja de Alabama
durante seis semanas en un libro
bajo el título Elogiemos a los
hombres ilustres.

98. https://moovemag.com/2013/06/la-fotografia-de-walker-evans/
Su libro Many are called, fue el
recopilatorio de una serie de
fotografías tomadas con su Contax
de 35 mm escondida bajo el abrigo
de los pasajeros del metro de
Nueva York. Con ello pretendía
retratar los rostros de la manera
más natural, sin poses ni
intimidaciones. De esta manera
fue pionero de la Street
photography o fotografía callejera

99. PHOTO LEAGUE
Fue la única asociación independiente
que se ocupó de la fotografía social en
los Estados Unidos. En 1936, en Nueva
York, los fotógrafos del grupo dirigen su
atención a la documentación de la forma
de vida de la clase trabajadora. Llegan a
formar parte de ella B. Abbott, W.
Eugene Smith, Lewis Hine, Weegee,
Aarond Siskind y Walter Rosenblum.
Durante la era McCarthy aparece en la
“lista negra” como organización
subversiva. Se disuelve en 1951.
Berenice Abbott

100. En España, en las décadas de los cincuenta y sesenta, la fotografía documental gozó de
un gran desarrollo de la mano de creadores como Joan Colom, Francesc Català-Roca,
Xavier Miserachs, Oriol Maspons o Ramón Masats, la mayoría aglutinados alrededor de
la revista Afal, que se convirtió en el foro ideal para divulgar su trabajo.
FRANCESC CATALÀ-ROCA
http://www.catalaroca.com/#!/page_Portfolio

101. XAVIER MISERACHS RAMÓN MASATS
http://www.revistaojosrojos.com/ramon-masats/

102. HENRI CARTIER-BRESSON
http://culturainquieta.com/es/foto/item/10122-henri-cartier-breson-maravillosos-y-
pioneros-ojos-del-fotoreportaje.html
El fotógrafo francés es, por antonomasia, el
padre del fotorreportaje. Sus fotografías
fueron catalogadas como “imágenes a
hurtadillas”. Su mayor influencia en el mundo
de la fotografía es su teoría del momento
decisivo. Las imágenes de Bresson están
cargadas de paciencia y, sobre todo, de
momentos únicos que sólo podrían haberse
retratado si el artista estaba preparado para
tomar la fotografía en ese momento justo.
Cartier-Bresson fue uno de los fundadores de
la Agencia Magnum.

103. https://hipertextual.com/2015/07/magnum-photos
La Agencia Magnum fue fundada en 1947
en Nueva York por cuatro fotógrafos
convencidos de la fuerza del medio
fotográfico para dar testimonio de los
problemas del mundo y provocar una toma
de conciencia: Robert Capa, Henri Cartier-
Bresson, David Seymour y George Rodger.
Recién terminada la Segunda Guerra
Mundial, la creación de Magnum Photos
significó para sus fundadores el comienzo
de una nueva forma de vivir y de trabajar
con la fotografía. La agencia iba a
convertirse en el espejo de la naturaleza
independiente tanto como individuos,
como profesionales de sus cuatro creadores
un referente que la define como una
entidad a la que le interesa lo que se ve,
pero también, y sobre todo, la manera de
verlo.

104. Una delas peculiaridades de Cartier-Bresson era que nunca recortó los negativos,
sino que se positivaban completos y no se encuadraban o cortaban.

109. Cartier-Bresson fue el primer periodista occidental que pudo visitar la URSS tras la
muerte de Stalin y fue el primer fotógrafo en exponer en el Museo del Louvre.

112. Ensayo fotográfico Un pueblo español, de W. Eugene Smith,
realizado en Deleitosa (Cáceres)
http://culturainquieta.com/es/foto/item/13302-w-eugene-
smith-maestro-de-la-fotografia-comprometida.html
Nació con la aparición en la época de
entreguerras de revistas de información como
Life, Fortune o Look. Los fotógrafos del ensayo
fotográfico deciden sus temas, viajan a los
lugares, dedican un tiempo más dilatado a cada
trabajo y tratan de controlar al máximo su
presentación. El ensayo fotográfico es una
creación mixta en la que intervienen el
fotógrafo, el productor del texto –a veces el
mismo fotógrafo– y sobre todo las diversas
instancias editoriales del periódico o revista.
Algunos fotógrafos, especialmente Walker
Evans en Fortune, Margaret Bourke-White y
sobre todo W. Eugene Smith en Life, lucharon
por controlar al máximo sus proyectos, siendo
considerados como los verdaderos responsables
de sus ensayos. W. Eugene Smith llevó el género
a su apogeo con obras como Country Doctor
(1948), Spanish Village (1951) o A Man of Mercy
(1954).
ENSAYO FOTOGRÁFICO O FOTOENSAYO

113. https://oscarenfotos.com/2013/06/15/margaret_bourke-white_la_primera_dama/
https://hipertextual.com/2015/05/margaret-bourke-white
Una de las fotoperiodistas más destacadas
fue Margaret Bourke-White. En su obra
destaca un ensayo sobre la Gran Depresión
titulado You have seen their faces y las
fotos de la liberación del campo de
Buchenwald.

114. CRISTINA GARCÍA RODERO

115. STREET PHOTOGRAPHY (FOTOGRAFÍA DE CALLE)
La Fotografía de calle goza de una gran tradición desde
los comienzos del medio.
Uno de sus más destacados practicantes fue el
fotógrafo húngaro Gyula Halásaz, más conocido
como Brassaï, que se especializó en retratar el París
nocturno. Durante el resto de su vida retrató la vida en
las calles.
Vendedor de marisco, Sevilla ,1951
https://elpais.com/cultura/2018/03/22/babelia/152172600
5_504434.html

116. La denominación Street Photography se refiere especialmente a fotógrafos como Robert Frank,
cuyo libro Los Americanos, publicado en 1958, marcó toda una época, William Klein, cuyo libro New
York (1955) se convirtió en una referencia a seguir y a los fotógrafos de la Escuela de Nueva York,
que en las décadas de 1950 y 1960 hicieron de la calle su punto de partida para una fotografía más
subjetiva, con un lenguaje visual radical subrayado por encuadres y puntos de vista inusuales.
Los Americanos, Robert Frank
https://culturafotografica.es/robert-frank/ William Klein, New York

117. Garry Winogrand, Diane Arbus y Lee Friedlander se convirtieron en los máximos representantes
de la fotografía de calle, con un nuevo estilo documental desprovisto de todo sentimentalismo
y romanticismo. No pretenden denunciar, persuadir, luchar o remover conciencias. Su expresión
personal prevalece por encima del compromiso. Su cámara pretende ser un espejo de la
sociedad americana, inscribiéndose en la estirpe de Robert Frank.
DIANE ARBUS
https://www.xatakafoto.com/fotografos/diane-arbus-el-deseo-de-
hacer-fotos-para-satisfacer-sus-instintos-vitales

118. GARRY WINOGRAND
http://www.oldskull.net/fotografia/10-fotografias-imprescindibles-de-garry-winogrand/

119. LEE FRIEDLANDER
https://graffica.info/lee-friedlander/

120. En 1949, Otto Steinert fundó en
Alemania el grupo Fotofor, que trata de
devolver a la fotografía alemana su
carácter experimental, dando
continuidad a las experiencias de la
Nueva Visión de los años veinte y
treinta y borrando los daños
ocasionados por las prohibiciones de
los nazis. El concepto de fotografía
subjetiva reintroducía esencialmente la
creatividad individual y valorizaba la
experiencia técnica y visual. La
exposición de Otto Steinert Subjektive
Fotografie (1951) fue la primera
tentativa globalmente emprendida en la
Alemania de posguerra para restablecer
la tradición de antes de 1933 y
presentar la fotografía contemporánea.
FOTOGRAFÍA SUBJETIVA

121. En 1975, la George Eastman House organizó en su
museo de Rochester una exposición que reunía a
varios fotógrafos cuyas imágenes tenían como tema
central el paisaje: Robert Adams, Lewis Baltz, Frank
Gohlke, Stephen Shore y los alemanes Bernd and
Hilla Becher. La muestra llevaba por título New
Topography: Photographs on a Man-Altered
Landscape y trataba de caracterizar el trabajo de
esos artistas y distinguirlos de sus predecesores
paisajistas. Sus imágenes testimonian una
preocupación por medir el impacto de la
civilización sobre el medio ambiente natural, como
la urbanización salvaje, la modificación de los
emplazamientos, etc. La influencia de los fotógrafos
de la Nueva topografía será importante en sus
colegas europeos. Su estilo es perceptible en el
proyecto francés de la DATAR (Délégation à
l’Aménagement du Territoire et à l’Action Regionale),
que encargó a varios fotógrafos en los años ochenta
la documentación sobre el paisaje francés.
NEW TOPOGRAPHICS
STEPHEN SHORE
BERND AND HILLA BECHER

122. ESCUELA DE LOS BECHER
Los Becher desarrollan muy pronto una visión fotográfica que reduce y limita a lo
imprescindible los factores subjetivos, con el fin de favorecer la impresión de la mayor
objetividad y neutralidad posibles. Su vasta labor fotográfica se extiende desde Europa hasta
Norteamérica y muestra todo tipo de edificios -depósitos de agua, altos hornos, silos, pozos
mineros...–, muchos de ellos en desuso pero que se han mantenido como signos del desarrollo
industrial. Los fotografiaban siempre aislados de su entorno, evitando la aparición de personas,
con una perspectiva central fija y una profundidad de campo homogénea, y trabajaban con
series y tipologías.

123. PERFORMANCE
A finales de los sesenta y los setenta se
convirtió en un medio de expresión
privilegiado de los artistas que querían
expresar su insatisfacción con la
comercialización del arte y el acomodamiento
del objeto artístico. Eliminando el objeto
artístico, la fotografía se convirtió en vehículo
de comunicación para artistas como Vito
Acconci, Joseph Beuys, Rebecca Horn, Chris
Burden, Ana Mendieta, Bruce Nauman, Denis
Oppenheim, Gina Pane o Hannah Wilke,
Adrian Piper, Carolee Schneemann, Marina
Abramovic o Valie Export.
JOSEPH BEUYS
VITO ACCONCI

124. En los años sesenta, los artistas del Pop Art utilizaron a sabiendas imágenes fotográficas mediáticas
extraídas de la prensa o de la publicidad y las incorporaron a sus obras (Andy Warhol, Robert
Rauschenberg...). El Pop Art exploró la imagen del mundo de la cultura popular, de donde procede su
nombre. Basando su técnica, estilo e imaginería en ciertos aspectos de la reproducción de masas, los
media y la sociedad de consumo, estos artistas se inspiraron en la publicidad, las revistas baratas, las
vallas publicitarias, las películas, la televisión, el cómic y los escaparates de las tiendas.
POP ART
Pink Car Crash, Andy Warhol
Retroactive I, Robert Rauschenberg

125. El Land Art se desarrolla sobre todo en Estados
Unidos en los años sesenta y setenta, fruto del
rechazo a la producción de obras de arte
destinadas a los museos y de una voluntad de
actuar directamente sobre lo real, sobre la
naturaleza, in situ. Sus representantes son, entre
otros, Walter de Maria, Carl Andre, Robert
Smithson y Andy Goldsworthy.
Para archivar y conservar al menos una imagen
de la obra, con el fin de que existiera para los
demás, emplearon la fotografía y el vídeo, que
documentaba el proceso artístico de
actuaciones sobre el terreno a menudo
efímeras. Más tarde sustituirían a la obra misma
como la única huella que queda de ella.
LAND ART
Spiral Jetty, Robert Smithson
A line in Scotland, Richard Long

126. Andy Goldsworthy
https://lanubedealgodon.net/este-hombre-pasa-horas-pegando-palos-entre-si-para-conseguir-algo-
espectacular/

127. Bajo este epígrafe se agrupan una serie de autores
que, desde los setenta y especialmente en los
ochenta y noventa, han desarrollado una fotografía
documental centrada en el territorio de lo íntimo,
en la crónica de los sentimientos, una fotografía en
la que la vida del artista y de su entorno es el centro
de sus trabajos, convirtiéndose éstos en una suerte
de autobiografía personal y colectiva.
En 1971, Nobuyoshi Araki publicó Sentimental
Journey, una monografía que marcó época, con
retratos de su esposa Yoko durante su luna de miel.
Le seguirá en 1991 Winter Journey, con fotografías
tomadas a Yoko, enferma de cáncer, durante su
enfermedad y funeral. Ambos se convirtieron en un
documento fotográfico, tierno y desolador, sobre la
vida, la enfermedad y la muerte de su esposa.
RELATO DE EXPERIENCIA
https://www.20minutos.es/noticia/2733405/0/araki/retrospectiva-fotografia/paris/
https://www.xatakafoto.com/fotografos/nobuyosi-araki-y-su-universo-fotografico-entre-la-
perversion-y-la-excelencia

128. También en 1971 Larry Clark publica su libro
Tulsa, retrato intenso e íntimo, en parte
autobiográfico, del estilo de vida de sus
amigos en un ambiente en el que proliferan
las drogas, el sexo y la violencia.
La balada de la dependencia sexual (1977-
1994) de Nan Goldin narra su historia y la de
su comunidad, su familia electiva, amigos
unidos por una sensibilidad común. Un
documento sobre la soledad, las ansiedades
y las frustraciones de las relaciones
amorosas, la violencia, las drogas, la
sexualidad, el SIDA...
Foto de Tulsa, de Larry Clark
http://www.oldskull.net/fotografia/tulsa-la-cruda-
realidad-de-larry-clark/
https://oscarenfotos.com/2017/07/23/la-balada-
de-la-dependencia-sexual-de-nan-goldin-serie-
completa-y-comentada/
Foto de La balada de la dependencia sexual,
Nan Goldin

129. Descubrió la fotografía con una pequeña cámara
Polaroid a comienzos de los años 70. Su obra es
indisociable de la carnalidad y el blanco y
negro. Lo primero, manifiesto a través de
las referencias sexuales explícitas y las
alusiones a la homosexualidad y al
sadomasoquismo, y lo segundo, consecuencia de
su sentido de la composición, de la luz, las
gradaciones y las texturas. Pretendía dignificar la
homosexualidad.
El escándalo acompañó siempre a las
exposiciones de Mapplethorpe, sobre todo en
aquellas en las que se podían ver de forma
explícita prácticas sadomasoquistas homosexuales.
Con él, el desnudo masculino adquirió cuotas de
belleza ausentes desde la Antigua Grecia.
Además de en galerías y museos, sus
instantáneas siempre estuvieron presentes en
las páginas de algunas de las revistas más
prestigiosas del momento, de Vogue a Harper’s
Baazar. Entre sus influencias se encontraron Andy
Warhol, la película Cowboy de medianoche (1969)
y los filmes de Fellini y Pasolini, las fotografías de
ROBERT MAPPLETHORPE

132. https://elpais.com/cultura/2016/03/08/babeli
a/1457450794_272222.html

133. ALBERTO GARCÍA ALIX
Sus fotografías son una crónica
de su tiempo y discurren en
paralelo a sus experiencias
vitales.

134. MISE EN SCÈNE O FOTOGRAFÍA ESCENIFICADA
Se desarrolló especialmente a partir de los años
ochenta, en un momento en que se intensificó el
debate sobre la fotografía documental, en que las
fronteras entre realidad y ficción tienden a
diluirse.
El fotógrafo es ante todo un escenógrafo; más
que captar la realidad la construye, abriendo
todo un campo a la ficción y poniendo en cuestión
la noción misma de realidad. Lo que se ve no es lo
que parece. A menudo son los autores los que se
ponen en escena en sus ficciones narrativas. Unas
veces es el mismo autor el que representa
diversos papeles, asumiendo identidades
ficticias; otras son actores reales o maniquís los
que bajo la dirección del artista interpretan
papeles relacionados con la vida social, la
mitología, los sueños... También se construyen
maquetas de edificios o espacios que
posteriormente se fotografían.
Dos de los fotógrafos españoles más destacados
son Joan Fontcuberta y Cristina de Middel.
Cindy Sherman, Fotogramas sin título

135. JOAN FONTCUBERTA
http://graffica.info/premiosgraffica/joan-fontcuberta/
https://www.eldiario.es/cultura/arte/Joan_Fontcuberta-
mentira-plausible_0_468253759.html

136. CRISTINA DE MIDDEL
La fotógrafa alicantina Cristina
De Middel reconstruye un
proyecto real del país africano
para celebrar su independencia
en 1964. Las imágenes
documentan lo que pudo ser el
primer programa espacial
africano.
https://www.20minutos.es/noticia/115529
3/0/afronautas/zambia/carrera-
espacial/#xtor=AD-15&xts=467263