Eisenstein y Riefenstahl utilizaron el cine como herramienta de propaganda política durante las dictaduras totalitarias en Rusia y Alemania. Eisenstein creó películas revolucionarias que promovían el mensaje bolchevique a través de innovadoras técnicas de montaje. Riefenstahl dirigió documentales que glorificaron al nazismo y exaltaron la ideología racial aria a través de impresionantes tomas de masas. Ambos cineastas tuvieron una gran influencia pero también fueron criticados por su estrecha relación

1. EL CINE DE LOS TOTALITARISMOS: EISENSTEIN Y RIEFENSTAHL

2. Desde muy pronto se vio que el cine, además de un entretenimiento, podía ser un arma
para convencer o hacer sentir al público de una determinada manera. El cine se
convirtió en un instrumento de adoctrinamiento, especialmente en los países donde se
implantaron regímenes totalitarios.

3. En Rusia, tras la revolución bolchevique
que acabó con el zarismo, Lenin pronto
se dio cuenta de la importancia del cine
como elemento aleccionador de las
masas, especialmente en un país con un
80% de analfabetismo. Lenin declaró “De
todas las artes, el cine es para nosotros la
más importante”. El impulso bolchevique
a la creación cinematográfica llevó a la
creación de una escuela vanguardista
soviética, en la que destacó Serguei
Einsenstein (1898-1948).

4. SERGUÉI EISENSTEIN
Su obra va ligada a los diferentes conflictos bélicos y
revolucionarios que marcaron su biografía. Así se
define toda su obra, enmarcada entre el
resurgimiento obrero narrado en La huelga (1924),
su primera obra, y la agitada vida del zar Iván IV,
narrada en las dos partes de Iván el Terrible (1943-
1945).
Entre ambas obras, Eisenstein realizó El acorazado
Potemkin (1925), Octubre (1927) -ambas sobre los
conflictos revolucionarios rusos-, La línea
general (1929) -rebautizada como Lo viejo y lo
nuevo-, sobre las ventajas de la colectivización
agraria, ¡Que viva México! (1931), obra inacabada
sobre la revolución mexicana y Alexander
Nevski (1938), una epopeya sobre el príncipe ruso
que se opuso a la invasión de las tropas teutonas en
el siglo XIII, pero además dejó algunos proyectos
inconclusos como La pradera de Bejín.
EISENSTEIN EN HOLLYWOOD

5. La obra de Eisenstein es esencial
por sus inimitables aportaciones al
lenguaje, especialmente las
derivadas de su peculiar uso del
montaje. Eisenstein planteó las
combinaciones de planos como
conflictos que generasen
respuestas emocionales en el
espectador (montaje de choque).
Una vez conseguido el choque
emocional, se producía la
sensibilización hacia el problema
tratado. Es lo que bautizó con el
nombre de "montaje de
atracciones", y que puso en
práctica desde su primera obra, La
huelga.
http://www.editando.cl/2018/01/asi-funciona-el-montaje-de-atracciones-de-
serguei-eisenstein.html/

6. La película describe una huelga ocurrida en 1903 por los
trabajadores de una fábrica en la Rusia prerrevolucionaria.
La escena más famosa del film es la secuencia final donde,
haciendo uso Eisenstein de sus innovadoras teorías
de montaje, se alterna la masacre contra los huelguistas e
imágenes de bovinos sacrificados.
Otro tema de la película, que es una de las mayores
características del cine de Eisenstein, es el colectivismo frente
al individualismo del cine occidental.
LA HUELGA
http://sensesofcinema.com/2017/soviet-cinema/strike-
eisenstein/

7. EL ACORAZADO POTEMKIN (1925)
Eisenstein volvió a retratar una rebelión popular
llevada a cabo por los marineros de un
acorazado contra sus oficiales en la revolución
rusa de 1905. En su escena más famosa, la de la
escalinata de Odesa, el director soviético volvió
a hacer gala de una maestría única en el empleo
del montaje. La secuencia narra el abatimiento a
tiros de los habitantes de Odesa, en su intento
de subir las escaleras que dan acceso al palacio
gubernamental. Los 170 planos de la secuencia
la alargan hasta seis minutos, dilatando el
tiempo real de la escena, y demostrando
hábilmente la capacidad del montaje para crear
el tiempo cinematográfico. La película, que
contiene también empleos muy sutiles en la
combinación de planos, dio a conocer a su autor
en todo el mundo, aunque fue prohibida en
muchos países por su contenido revolucionario.

9. https://www.lavanguardia.com/hemeroteca/20180919/451904840773/el-
acorazado-potenkim-cine-peliculas.html

10. En esta película Eisenstein recuperó lo más
experimental de su repertorio narrativo:
montaje de atracciones, inversiones del
tiempo, angulaciones forzadas.... La
película, basada en el relato Diez días que
conmovieron al mundo del norteamericano
John Reed, rememora los acontecimientos
revolucionarios de 1917. En una secuencia
de la película, que narra el ascenso de
Kerenski al poder, Eisenstein vuelve a
romper la narración, comparando al
gobernante con Napoleón y con un pavo
real, y sugiere, a base de sutiles
combinaciones de planos, la incapacidad
para gobernar del dirigente social-
revolucionario.
OCTUBRE (1927)

12. !QUE VIVA MÉXICO!
A partir de estas películas, Eisenstein recuperó un pulso narrativo más convencional, aunque todas
sus obras siguen mostrando su original capacidad narrativa, que se hace extensible al empleo de la
composición en el plano, de los encuadres, la iluminación e incluso en la utilización del color y del
sonido, con el que pudo experimentar sus teorías de contrapunto sonoro en sus últimos filmes.
Film en cuatro episodios, más un prólogo y un epílogo. El prólogo presenta imágenes alegóricas
del México prehispánico. El episodio "Sandunga" recrea los preparativos de una boda indígena
en Tehuantepec. "Fiesta" desarrolla el ritual de la fiesta brava, mientras que "Maguey" escenifica
la tragedia de un campesino por rebelarse contra su patrón. "Soldadera" muestra el sacrificio de
una mujer revolucionaria. El epílogo, también conocido como "Día de muertos", se refiere al
sincretismo de las distintas visiones que coexisten en México alrededor del tema de la muerte.

13. IVÁN EL TERRIBLE
Película en tres partes sobre el zar ruso. Mientras primera parte mostraba al Zar como un
héroe nacional, el siguiente episodio se enfocó en resaltar una faceta más oscura del líder
ruso. Una personalidad arisca, con trazos del hombre en el poder rodeado por fantasmas
de paranoia, disgustaron a Stalin, que vetó el filme. No se estrenó hasta 1958, 5 años
después de la muerte del dictador.
El tercer episodio comenzó a filmarse en 1946, tras la furia desatada de Stalin, corrió el
rumor de que todos los metrajes habían sido destruidos por la censura. Los únicos cinco
minutos que sobrevivieron fueron exhibidos en 1988.

14. Eisenstein fue uno de los pocos directores en la
historia del cine que, partiendo de la influencia que
recibió de las películas de Griffith, fue capaz de
plantear un lenguaje alternativo al del cine
americano, una propuesta más compleja e
intelectual. Definió cinco tipos diferentes de
montaje (métrico, rítmico, tonal, sobretonal e
intelectual) y propuso combinaciones de planos
basadas en los ideogramas chinos, es decir la suma
de dos planos no relacionados crean una metáfora o
concepto nuevo. La complejidad de su
planteamiento dio como resultado filmes no siempre
de fácil comprensión para el espectador medio, que
difícilmente podía asumir toda la riqueza narrativa
de sus propuestas. A pesar de ello, Eisenstein es uno
de los directores más influyentes de la historia del
cine y muchas de sus propuestas han penetrado
profundamente en el cine y ha inspirado a los
grandes creadores posteriores.
https://ddd.uab.cat/pub/artpub/2009/106227/trafon_a2009.pdf

15. LENI RIEFENSTAHL
En la Alemania nazi destacó el trabajo de la
cineasta Leni Riefenstahl (1902-2003), cuya
obra quedó inevitablemente ligada a la
exaltación del nazismo y su ideología de pureza
“racial”.
Se inició como actriz en filmes de montaña,
debutando en La montaña sagrada (1926),
donde además de actuar aprendió los
rudimentos técnicos para dirigir películas.

16. En 1932 se atrevió a interpretar y dirigir personalmente la
película La luz azul, dramatización de una leyenda montañera
en la que se reservó el papel de la virginal Junta, conocedora
exclusiva del secreto de una gruta de cristal escondida entre
los montes, muchacha inocente que vive en un mundo de
ensueño hasta que la irrupción de un pintor (de la civilización
y la cultura) provoca la tragedia. La película es un ejemplo
paradigmático de un género asociado a la exaltación de los
mitos de lo primitivo incontaminado.

17. Las imágenes de La luz azul llamaron la
atención de Hitler, que una vez llegado al
poder no tardó en encargarle, a través del
Ministerio de Propaganda dirigido por
Goebbels, la realización de la película oficial
del V Congreso del partido nazi, a celebrar en
Nüremberg en agosto de 1933. El conocimiento
personal del Führer le produjo tal impacto que
no pudo negarse y de allí saldría Victoria de la
fe (1933), antecedente de El triunfo de la
voluntad (1934).

18. EL TRIUNFO DE LA VOLUNTAD (1934)
Documental sobre el VI Congreso del partido nazi, que
consagró definitivamente a la directora ante los dirigentes
del Tercer Reich.

19. Riefenstahl convirtió el congreso en una
exultante oda propagandística de la
escenografía nazi, genuina y virtuosa puesta
en escena de una ritualización litúrgica en la
que la coreografía de masas y el énfasis visual -
sabiamente administrados por una amplia
escala de angulaciones, contrapicados,
efectos de luz y trucos de montaje- dan
cuerpo a una sublimada síntesis de la
comunión mística entre el Führer y el pueblo
alemán.
La directora intentó mucho después presentar
su trabajo como un encargo obligado,
producido por sí misma y filmado tan sólo con
dos cámaras, cuando la película se financió
con el generoso contrato de distribución que
le brindó la UFA y dispuso de multitud de
recursos para realizarla.

20. OLIMPIADA (1936)
con el pretexto de filmar los juegos olímpicos de Berlín de
1936, Riefenstahl compuso una apasionada elegía de la
belleza del cuerpo, una exaltación beligerante del poder físico
identificado con el ideal étnico de la raza, que el montaje
pone en relación con el canon helénico y que las imágenes
metaforizan hasta escenificar el mito de la virilidad aria. De
nuevo, Riefenstahl insistió después en presentarlo tan sólo
como un “documental” de lo sucedido, como una película de
espectáculo y no como un filme de propaganda, cuando se
trata, precisamente, de una obra maestra del documental de
propaganda.

21. Olimpiada fue todo un ejercicio de vanguardia, puesto que Riefenstahl utilizó técnicas de rodaje muy
avanzadas para la época que se convirtieron en estándar de la industria del cine: utilizó ángulos de
cámara inusuales, primeros planos extremos, cortes abruptos, fijación de cámaras en el estadio para
filmar a los asistentes y tomas en cámara lenta de los movimientos de los deportistas. Varias de sus
técnicas en movimiento siguen siendo muy utilizadas actualmente. Polémica por su contexto político y
por su ensalzamiento de la figura de Hitler, pese a ello, es considerada una obra maestra del cine.

22. El documental muestra a todos los competidores, sin
importar su nacionalidad u origen. Las escenas del
atleta estadounidense Jesse Owens son las más
recordadas de la película. Riefenstahl ensalzó las
hazañas de Owens en los JJ.OO., el atleta que más
medallas ganó. Fue también muy criticada por
Goebbels y el Ministerio de Propaganda por ello. Es
en ese momento cuando la directora muestra su
mayor virtud artística, pero también su gran
defecto: el buscar la belleza de las imágenes a toda
costa, ignorando las consecuencias.

23. Tras la 2ª Guerra Mundial Leni Riefenstahl
fue juzgada por su colaboración con los
nazis, pero finalmente sólo fue
considerada simpatizante del régimen
nazi y no fue castigada. Todavía pudo
terminar, en 1954, una película que había
empezado a rodar en 1940: su particular
adaptación de Terra Baixa, la obra del
dramaturgo catalán Ángel Guimerá, con la
que exalta la victoria de la pureza del
campesino, que vive en las cumbres,
sobre la corrupción que habita en la
llanura. Ya no hizo más películas y se
decantó por la fotografía, retratando a la
tribu de los Nuba en África. En la última
etapa de su vida se dedicó a la fotografía
submarina.
TERRA BAIXA