TEMA 4. MODERNISMO

1.
FUNDAMENTOS
DEL
ARTE
II.
TEMA
4.
ARTE
ENTRE
DOS
SIGLOS,
XIX
Y
XX
(II):
EL
MODERNISMO

2.
Fundamentos
del
Arte
II
Profesora
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
2
TEMA
4.
ARTE
ENTRE
DOS
SIGLOS,
XIX
Y
XX
(II):
EL
MODERNISMO
1.Introducción
al
Modernismo.
2.
La
expansión
del
Art
Nouveau
en
Europa.
3.
La
escultura
modernista.
4
El
cartel
publicitario
modernista.
5.
Las
artes
decorativas
modernistas:
mobiliario,
vidrio
y
joyería.
1.INTRODUCCIÓN
AL
MODERNISMO
Con
el
término
Modernismo
o
Art
Nouveau
designamos
la
corriente
estética,
ligada
a
la
arquitectura
y
a
las
artes
decorativas
fundamentalmente,
que
se
desarrolla
en
Europa
entre
los
años
1890-­‐1910.
Esta
etapa
corresponde
con
el
periodo
denominado
Belle
Èpoque.
Presenta
una
idea
de
modernidad,
una
voluntad
renovadora,
aunque
podemos
considerarlo
como
el
último
gran
movimiento
artístico
del
siglo
XIX,
antes
que
el
primero
del
siglo
XX.
El
término
Modernismo
se
acuña
poco
antes
de
1900
y
responde
a
la
euforia
de
una
generación
que
se
considera
diferente
a
la
anterior,
es
la
generación
del
aeroplano,
teléfono,
luz
eléctrica,
etc.
cimas
jamás
conseguidas
anteriormente.
La
expresión
Art
Nouveau
fue
empleada
por
primera
vez
por
Edmond
Picard
en
1894,
en
la
revista
belga
L´Art
moderne
para
calificar
la
producción
artística
de
Henry
van
de
Velde.
Aunque
al
parecer
el
nombre
fue
inventado
por
el
propio
Van
de
Velde.
De
Bélgica
pasó
a
Francia
donde
en
1895
en
París,
S.
Bing,
un
coleccionista
de
arte
japonés,
abrió
una
galería
especializada
en
artes
decorativas
llamada
La
Maison
de
l´Art
Nouveau.
El
Modernismo
o
Art
Nouveau
se
convirtió
en
el
estilo
moderno
por
excelencia,
frente
a
los
historicismos
eclécticos
del
siglo
XIX1
.
Surgió
en
Europa
siendo
los
centros
creadores
del
Modernismo
más
importantes
Bruselas,
Barcelona,
Glasgow,
Viena,
Praga
y
París.
Rara
es
la
ciudad
europea
que
no
tiene
en
su
patrimonio
arquitectónico
algún
edificio
modernista.
1
Paradógicamente,
ya
que
pretende
ser
un
estilo
“moderno”,
en
ocasiones
tiende
la
mirada
al
pasado:
así
se
explica
que
aparezcan
elementos
ornamentales
tomados
de
la
tradición
(neogótico)
y
otras
etapas.

3. 3
El
Modernismo
nació
con
pretensiones
de
universalidad,
de
convertirse
en
un
estilo
internacional
presentando
distintas
denominaciones
según
los
países:
Modern
Style
en
Gran
Bretaña,
Secessionstil
o
la
Secesión
vienesa
en
Austria,
Art
Nouveau
en
Francia,
Liberty
o
Floreale
en
Italia,
Jugendstil
en
Alemania,
Modernismo
en
España…
Fue
un
movimiento
cultural
de
gran
complejidad
y
no
muy
homogéneo
porque
en
cada
país
va
a
tener
sus
propias
peculiaridades.
Así,
encontraremos
una
vertiente
más
geométrica
(el
caso
escocés)
y
otra
más
naturalista
(con
pasión
por
la
curva-­‐contracurva
como
se
muestra
en
Bruselas,
Nancy
o
en
Barcelona).
Son
diferentes
variantes
de
un
mismo
movimiento.
Pero
común
a
todos
fue
el
rechazo
de
los
estilos
históricos
y
la
pretensión
de
imitar
algunas
formas
y
procesos
de
la
naturaleza.
El
Modernismo
fue
un
movimiento
cultural
hedonista,
que
muestra
cierto
optimismo
y
alegría
de
vivir.
Busca
la
belleza
y
elegancia
como
muestran
la
espectacularidad
de
algunos
de
sus
propuestas
(como
la
arquitectura
de
Gaudí).
El
Modernismo
es
el
arte
de
la
burguesía
triunfante.
Implicó
el
“lavado
de
cara”
de
las
ciudades
(puertas,
farolas,
picaportes,
etc.)
Hay
un
cuidado
extremo
en
todos
los
detalles.
El
Modernismo
aspiraba
a
ser
un
“estilo”,
el
de
la
civilización
industrial.
Los
motivos
decorativos
del
Modernismo
son
muy
variados.
En
general
son
formas
estéticas
de
impacto
rápido,
de
gran
exquisitez
formal
a
base
de
líneas
curvas,
parabólicas
y
serpenteantes,
de
estilizaciones
naturalistas
(florales
y
animales).
Predomina
mucho
-­‐sobre
todo
en
Francia
y
Bélgica-­‐
el
arabesco
denominado
“golpe
de
látigo”.
Se
han
visto
rasgos
comunes
sobre
todo
con
el
Rococó
francés
y
de
hecho
se
ha
dicho
que
fue
una
especie
de
revival
de
ese
estilo
francés,
por
su
pasión
por
las
líneas
curva
y
contracurva
que
ya
se
vislumbraban
en
Van
Gogh
o
en
Toulouse-­‐Lautrec.
También
guarda
concomitancias
con
el
estilo
Bierdermeier,
siendo,
además,
patentes
las
influencias
orientales,
sobre
todo
del
arte
japonés
pero
también
del
arte
chino,
persa
o
egipcio.
El
Modernismo
buscaba
hacer
realidad
la
idea
del
arte
total,
propiciando
la
fusión
de
la
arquitectura
con
la
pintura,
la
escultura,
las
artes
decorativas
(vidrio,
joyería,
cerámica,
forja,
artes
gráficas,
mobiliario…).
Manifestaba
la
voluntad
de
embellecer
la
vida
moderna
en
todas
sus
manifestaciones
desde
las
viviendas
hasta
las
cuberterías,
las
telas,
los
picaportes,
los
pendientes,...
De
hecho,
Van
de
Velde
llegó
a
diseñar
hasta
el
peinado
y
vestuario
del
ama
de
casa.
Fue
un
movimiento
hiperdecorativo,
con
una
fuerte
carga
esteticista.
El
diseño
fue,
en
términos
generales,
muy
refinado,
y
no
se
escatimó
en
la
calidad
y
variedad
de
los
materiales.
Cuidaron
mucho
los
acabados
artesanales
y
la
apariencia
artística
de
todos
los
elementos,
pero
se
mostró
también
audaz
en
el
empleo
de
nuevos
materiales
y
en
la
adopción
de
estructuras
industriales.
Con
frecuencia
el
Modernismo
es
meramente
epidérmico,
es
decir,
sólo
se
aprecia
en
los
motivos
decorativos,
pero
no
en
el
resto
de
la
construcción.

4.
Fundamentos
del
Arte
II
Profesora
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
4
Conciben
el
espacio
generado
desde
el
interior
hasta
el
exterior,
encubriéndolo
artísticamente.
Los
críticos
al
Modernismo
lo
denominaron
un
tanto
despectivamente
como
estilo
“cervecería”
o
estilo
Nouille
(fideo).
En
España
llegó
con
cierto
retraso.
El
modernismo
se
extendió
por
medio
de
revistas
de
arte
y
moda,
por
la
publicidad,
las
exposiciones
universales,
etc.
2.
LA
EXPANSIÓN
DEL
ART
NOUVEAU
EN
EUROPA
BÉLGICA
El
Modernismo
o
Art
Nouveau
surge
en
Bélgica
con
las
primeras
creaciones
de
Victor
Horta
y
de
ese
país
se
expandirá
por
toda
Europa.
Tres
nombres
dominaron
la
arquitectura
del
“nuevo
estilo”
que
se
estaba
forjando
en
Bruselas:
Victor
Horta
(1861-­‐1947),
Paul
Hankar
(
1857-­‐1901)y
Henry
Van
de
Velde
(1863-­‐1957).
En
ellos
parecen
unirse
las
influencias
inglesas
con
las
parisinas.
Victor
HORTA
(1861-­‐1947)
ha
pasado
a
la
posteridad
como
el
ideólogo
del
movimiento.
Fue
uno
de
los
primeros
arquitectos
en
tomar
conciencia
de
las
posibilidades
expresivas
-­‐y
no
sólo
utilitarias-­‐
del
hierro.
Hizo
que
algunas
vigas
y
bandas
de
este
material
se
curvaran
como
tallos
vegetales
o
como
“golpes
de
látigo”,
célebre
motivo
decorativo
que
usará
con
profusión.
También
se
interesó,
como
todos
los
modernistas,
por
la
decoración.
Característico
de
Horta
son
sus
diseños
de
escaleras,
donde
se
hace
presente
su
pasión
por
los
arabescos
y
las
líneas
sinuosas.
Asimismo,
concedía
gran
importancia
a
las
fachadas,
de
gran
elegancia
y
en
las
que
no
solían
faltar
los
miradores.
En
Horta,
las
formas
florales
eran
algo
más
que
un
ornamento
adicional,
eran
elementos
estilísticos
que
transformaban
el
edificio,
buscando
dinamismo
y
belleza.
Formado
en
París
y
en
la
Academia
de
Bruselas,
su
primera
obra
netamente
modernista
y
uno
de
los
primeros
edificios
de
ese
estilo
en
Europa,
fue
la
casa
del
profesor
Paul-­‐Émile
Tassel
(c.1892).
La
distribución
interior
de
esta
vivienda
era
completamente
novedosa:
los
pasillos
y
las
habitaciones
se
fundían
produciendo
la
sensación
de
una
absoluta
fluidez
espacial.
Presentaba
mosaicos
en
el
suelo
también
inspirados
en
formas
florales.
La
lujosa
casa
Solvay
(1895-­‐1900)
o
su
propia
vivienda2
,
hoy
Museo
Horta,
son
también
relevantes
ejemplos
de
la
arquitectura
Art
Nouveau
bruselense.
Desgraciadamente
una
de
sus
obras
más
interesantes,
la
Casa
del
Pueblo,
de
1897,
fue
derruida
en
1966.
Según
John
Pile,
Víctor
Horta,
aunque
tuvo
una
larga
y
exitosa
carrera,
no
acabó
de
desarrollar
todo
el
potencial
enorme
que
llevaba
en
sus
primeras
obras.
Henri
VAN
DE
VELDE
(1863-­‐1957)
fue
la
otra
gran
personalidad
del
Art
Nouveau
belga.
Pintor,
arquitecto,
diseñador
y
teórico
de
las
artes,
ejerció
mucha
influencia
en
la
Europa
de
su
época.
En
1895
diseñó
todos
los
elementos
de
su
propia
casa,
desde
el
edificio
hasta
los
muebles.
Demostraba
así,
una
adhesión
a
la
idea,
típicamente
finisecular,
de
la
“obra
de
arte
total”:
gesamtkunstwerk.
FRANCIA
En
Francia
se
produce
una
combinación
de
las
distintas
tendencias
Art
Nouveau,
en
especial
la
influencia
de
la
escuela
belga
–más
en
sintonía
con
el
gusto
neorrococó
de
la
burguesía
francesa-­‐.
2
Presenta
una
fachada
asimétrica
con
grandes
ventanas
de
cristal
y
balcones
de
hierros.
Diseñó
cada
detalle
desde
los
muebles,
hasta
las
lámparas,
los
marcos
de
puertas
y
las
ventanas.

5. 5
En
el
modernismo
francés
descuellan
los
ejemplos
de
París
y
Nancy.
Héctor
GUIMARD
(1867-­‐1942)
es
el
principal
representante
del
Art
Nouveau
del
país
galo
con
sus
célebres
bocas
del
Metro
parisinas.
La
intención
de
Guimard
era
embellecer
la
ciudad
industrial
sin
modificar
el
trazado
urbano
a
través
de
motivos
ornamentales
curvilíneos
que
aplica
en
el
cristal
y
el
hierro.
Como
curiosidad
hay
que
destacar
que
en
Montreal
(Canadá)
hay
algunas
estaciones
de
metro
que
imitan
las
de
Guimard
de
París,
del
mismo
modo
que
su
catedral
de
Notre-­‐Dame
se
inspira
en
la
barroca
basílica
de
San
Pedro
del
Vaticano.
A
Guimard
se
le
debe
también
la
realización
de
la
bellisima
escalera
de
los
grandes
almacenes
Lafayette
(1900)
de
la
capital
francesa.
AUSTRIA
En
Viena
el
movimiento
modernista
es
de
una
gran
originalidad
y
tiende,
no
solo
hacia
formas
ondulantes
sino
geométricas
dentro
de
un
gran
esteticismo.
La
vertiente
austriaca
del
Modernismo
surgió
en
1897
y
se
denomina
Secesión
vienesa3
.
Fue
una
asociacion
de
pintores,
escultores,
arquitectos
y
diseñadores
que
reaccionaron
contra
el
academicismo
imperante
y
apostaron
por
un
arte
nuevo.
Entre
los
artistas
vinculados
a
este
movimiento
cultural
sobresalen
Gustav
Klimt,
Koloman
Moser,
Hoffmann
y
Olbrich.
Preconizaban
la
idea
del
arte
total.
La
revista
oficial
de
este
grupo
se
llamaba
Ver
Sacrum.
Los
máximos
representantes
de
la
arquitectura
modernista
vienesa
fueron
Otto
WAGNER
(1841-­‐1918)
y
Joseph
María
OLBRICH
(1867-­‐1908).
Otto
Wagner
realizó
las
estaciones
de
Metro
de
la
Karlsplatz
vienesa
(1898)
con
su
estructura
de
metal
curvado
que
enmarca
paneles
florales
o
en
la
llamada
Majolikahaus
(1898),
bloque
de
viviendas
que
presentan
la
fascinación
por
lo
curvilíneo
en
los
balcones
e
hiperdecorativos
motivos
vegetales
realizados
en
placas
de
cerámica
mayólica.
Olbrich,
discípulo
de
Otto
Wagner,
realizó
la
sede
de
la
Secesión,
sala
de
exposiciones
de
este
grupo
(1898-­‐1899)
en
Viena,
uno
de
los
edificios
más
emblemáticos
de
ese
estilo.
En
este
bellísimo
edificio,
donde
se
puede
leer
en
la
entrada
el
lema
del
grupo
“a
cada
época
su
arte,
al
arte
la
libertad”,
destaca
una
cúpula
metálica
calada
con
motivos
ornamentales
florales
simulando
un
seto
vegetal.
Entre
los
motivos
decorativos
del
edificio
hallamos
cabezas
de
gorgonas
que
simbolizan
la
pintura,
la
escultura
y
la
arquitectura.
También
encontramos
tres
lechuzas
alusivos
a
la
diosa
Atenea,
referente
de
sabiduria
y
de
protección
a
las
artes.
En
el
interior
del
edificio
se
conserva
el
friso
de
Beethoven
realizado
por
Klimt.
La
belleza
cúbica
y
limpia
de
los
volúmenes
anticipa
las
composiciones
de
los
protorracionalistas.
El
arquitecto
vienés
Joseph
Hoffmann
diseñó
el
Palacio
Stoclet
de
Bruselas
(1905-­‐11)
para
un
rico
coleccionista
de
obras
de
arte.
No
era
una
simple
mansión
lujosa
sino
una
especie
de
museo,
un
templo
dedicado
a
la
creación.
En
el
interior
hay
muebles
exquisitos
y
murales
de
Gustav
Klimt,
que
fue
el
pintor
más
importante
de
la
Secesión.
ESCOCIA
(Reino
Unido)
Otro
foco
de
gran
interés
de
la
arquitectura
modernista,
pero
con
un
lenguaje
propio,
que
enfatiza
lo
geométrico,
lo
encontramos
en
Glasgow
de
la
mano
del
arquitecto
y
diseñador
escocés
Charles
Rennie
MACKINTOSH.
Fue
uno
de
los
grandes
arquitectos
y
diseñadores
de
todos
los
tiempos
de
todos
los
tiempos.
Fue
considerado
por
Nicolás
Pevsner
como
uno
de
los
pioneros
del
diseño
moderno.
Fue
un
artista
muy
completo
y
diseñó
todo
tipo
de
objetos
domésticos,
desde
cubertería
hasta
telas,
vidrios,
trescientos
muebles,
relojes,
fue
pintor
de
paisajes…
En
su
obra
fue
esencial
la
colaboración
de
su
mujer
Margaret,
incluso
de
su
cuñada
Frances.
3
La
Secesión
Vienesa
estuvo
precedida
por
la
Secesión
de
Berlín
y
de
Munich,
movimientos
artísticos
similares
que
se
difundieron
en
la
Alemania
fin
de
siglo.

6.
Fundamentos
del
Arte
II
Profesora
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
6
De
su
esposa
dijo
que
“Margaret
es
un
genio,
yo
sólo
tengo
talento”.
Junto
con
otro
diseñador
Herbert
MacNair
y
las
hermanas
Macdonald
formaron
el
grupo
de
los
Cuatro,
The
Four.
Expusieron
en
Munich,
Budapest,
Dresde,
Venecia,
Moscú.
Influirán
en
el
Modernismo
alemán,
austriaco,
etc.
Su
obra
esencial
es
la
Escuela
de
Arte
de
Glasgow
(1898-­‐1909)
pero
luego
sus
encargos
disminuyeron
entre
otros
motivos
por
la
crisis
económica
que
Glasgow
sufrió
hacia
1910.
Mackintosh
decidió
trasladarse
a
Londres
en
1915
y
allí
acabó
solo,
pobre
y
alcoholizado
dedicándose
a
pintar
paisajes.
Fue
una
estrella
fugaz.
En
sus
diseños
se
han
señalado
influencias
japonesas,
también
celtas.
Entre
sus
obras
destaca
Hill
House
(Escocia,
1902-­‐3),
el
tea
room
de
Miss
Cranston
en
Glasgow,
The
House
for
an
Art
Lover,
etc.
ESPAÑA
Antonio
GAUDÍ
,
el
genio
del
Modernismo
catalán
BARCELONA
fue
una
de
las
principales
ciudades
vinculadas
al
Modernismo.
Allí
encontraríamos
a
los
mejores
arquitectos
de
este
movimiento,
como
Jose
Puig
i
Cadafalch
(1867-­‐1956),
que
siguió
la
tradición
neogótica
o
Luis
Domènech
i
Montaner
(1850-­‐1923),
que
fue,
sin
embargo,
más
innovador
(su
obra
cumbre
fue
el
maravilloso
Palau
de
la
Música
Catalana
de
Barcelona).
Pero
ningún
arquitecto
de
su
generación
puede
compararse
al
catalán
Antonio
GAUDÍ
(1852-­‐1926).
Gaudí
suele
ser
considerado
el
gran
maestro
del
modernismo
catalán,
pero
su
obra
va
más
allá
de
cualquier
estilo
o
intento
de
clasificación,
es
una
obra
personal
e
imaginativa
que
encuentra
su
principal
inspiración
en
la
naturaleza.
Es
una
de
las
figuras
más
importantes
de
la
arquitectura
universal.
Gaudí
se
inspiraba
en
la
naturaleza
para
llevar
a
cabo
sus
obras
(células
orgánicas,
ramificaciones
de
los
árboles,
los
huesos
y
tendones
animales,
las
escamas
de
los
peces
y
reptiles,
las
rocas,
etc.).
También
se
hace
presente
en
él
la
influencia
de
diversos
estilos
artísticos
como
el
arte
barroco
o
el
gótico
y
la
presencia
de
constantes
referencias
religiosas.
Los
exteriores
de
sus
edificios
se
mueven
en
poderosas
ondulaciones.
Fue
un
verdadero
genio,
muy
creativo,
innovador
y
original.
Ha
sido
comparado
con
Borromini.
Tuvo
una
salud
frágil
y
políticamente
era
cercano
al
catalanismo.
En
vida
contó
con
el
apoyo
y
la
amistad
de
grandes
mecenas
como
Eusebio
Güell,
el
marqués
de
Comillas
o
Pedro
Milá.
Gaudí
fue
además
un
consumado
diseñador
de
muebles
(sillas,
armarios,
etc.)
y
valoraba
muchísimo
todos
los
detalles
ornamentales
en
su
arquitectura.
Su
fortuna
crítica
ha
sido
variable.
En
vida
tuvo
un
gran
renombre,
aunque
algunos
de
sus
proyectos
como
el
Parque
Güell
fueron
un
fracaso
crematístico.
Pero
en
los
inicios
del
siglo
XX
recibiría
los
embates
de
los
arquitectos
vanguardistas,
ligados
al
funcionalismo
y
al
Movimiento

7. 7
Moderno
que
rechazaban
el
estilo
decorativo
y
burgués
del
Modernismo
y
por
ende,
de
Gaudí.
Sin
embargo,
hoy
en
día
es
muy
valorado
y
millones
de
turistas
de
todo
el
mundo
visitan
sus
obras.
Murió
atropellado
por
un
tranvía
en
Barcelona.
Por
su
aspecto
de
mendigo
tardaron
en
darse
cuenta
que
se
trataba
del
genial
arquitecto.
Sintetizando
mucho,
podemos
diferenciar
dos
etapas
en
su
obra:
durante
la
primera,
muy
influida
aún
por
el
historicismo
contemporáneo,
construye
edificios
con
abundantes
referencias
neomudéjares
y
neogóticas.
La
obra
maestra
de
esta
etapa
es
el
Palacio
Güell
(1885-­‐1889),
notable
por
la
cúpula
central
y
por
la
terraza,
poblada
por
un
conjunto
fantástico
de
formas
geométricas
y
naturalistas.
La
segunda
fase
es
mucho
más
personal,
aunque
acusa
la
influencia
de
las
formas
curvilíneas
del
Art
Nouveau
franco-­‐belga.
La
obsesión
de
Gaudí
por
imitar
las
formas
y
los
procesos
de
la
naturaleza
se
nota
especialmente
en
el
Parque
Güell
(1900-­‐1913),
que
se
concibió
como
una
urbanización
de
lujo
en
una
finca
con
fuerte
pendiente.
La
arquitectura
y
la
escultura
se
funden
en
este
parque
con
las
formas
naturales.
Gaudí
era
un
hombre
muy
religioso
y
su
honda
religiosidad
se
hace
presente
en
casi
todas
las
obras
de
este
último
período.
La
Casa
Batlló
(1904-­‐1906)
fue
cubierta
con
un
tejado
de
escamas
verdosas,
como
si
fuera
un
dragón
gigantesco
a
punto
de
ser
abatido
por
la
cruz
de
elementos
florales
que
hay
sobre
un
pequeño
torreón.
Esta
escondida
lección
moral
y
religiosa
es
comparable
a
la
de
la
vecina
CASA
MILÁ,
(también
conocida
como
LA
PEDRERA,
1906-­‐
1912),
en
la
que
se
evocó
a
Montserrat,
la
montaña
sagrada
de
Cataluña.
Otras
obras
destacadas
de
Gaudí
fueron
la
iglesia
de
la
Sagrada
Familia
en
Barcelona,
el
edificio
del
Capricho
en
Comillas
(Cantabria)
o
el
Palacio
Episcopal
de
Astorga
(Castilla
y
León)
y
la
Casa
de
los
Botines
de
León.
La
CASA
MILÀ,
llamada
popularmente
LA
PEDRERA4
(pedrera,
en
catalán,
significa
cantera),
fue
realizada
por
Gaudí
entre
los
años
1906
y
1910
en
la
cosmopolita
calle
barcelonesa
del
Paseo
de
Gracia.
La
casa
fue
un
encargo
de
P.
Milá,
quien
al
contemplar
la
belleza
de
la
Casa
Batlló
quedó
maravillado
y
por
eso
encargó
a
Gaudí
la
realización
de
este
edificio.
El
proyecto
debería
contemplar
además
áticos,
cocheras,
cuadras
para
caballos
y
un
estacionamiento
subterráneo
para
automóviles
(uno
de
los
primeros
en
construirse
en
Europa).
Para
la
construcción
de
la
casa
Gaudí
contó
con
la
cercana
participación
de
varios
colaboradores
(artesanos
de
la
forja,
estucadores,
etc.)
buscando
crear
la
obra
de
“arte
total”
como
era
habitual
en
los
modernistas.
Posee
un
total
de
seis
plantas
y
la
azotea,
así
como
los
dos
grandes
patios
interiores,
uno
circular
y
el
otro
ovalado,
comunicados
entre
si.
Se
trata
en
realidad
de
un
edifico
dual,
es
decir
dos
edificios
unidos
en
los
que
los
4
La
denominación
de
La
Pedrera
(La
Cantera)
surgió
con
carácter
despectivo.

8.
Fundamentos
del
Arte
II
Profesora
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
8
elementos
arquitectónicos
se
relacionan
entre
sí.
Además
de
la
residencia
de
los
Milá
que
ocupaba
todo
el
segundo
nivel,
cada
piso
estaba
compuesto
de
cuatro
apartamentos.
Las
habitaciones
se
organizan
alrededor
de
dos
patios
que
las
dotan
de
iluminación
y
ventilación.
Por
tanto,
cada
apartamento
gozaba
de
vista
tanto
a
la
calle
como
hacia
el
patio
interior.
Por
lo
que
se
refiere
a
la
fachada,
es
un
muro
cortina
que
envuelve
la
estructura
principal.
Gaudí
aprovechó
esta
ubicación
en
chaflán
para
plantear
una
impresionante
fachada
ondulante
recubierta
en
piedra,
en
las
que
su
ubican
con
libertad
grandes
ventanas.
Toda
la
fachada
está
realizada
en
piedra
natural,
salvo
la
parte
superior
que
está
cubierta
de
azulejos
blancos,
cuya
combinación
evoca
una
montaña
nevada.
La
libertad
con
la
que
se
desenvuelve
la
fachada
con
respecto
a
la
estructura
es
una
referencia
de
Gaudí
de
la
piel
cubriendo
el
esqueleto.
El
bellísimo
hierro
forjado
de
los
balcones
simula
plantas
trepadoras.
Es
un
ejemplo
paradigmático
de
arquitectura
escultórica.
La
azotea-­‐terraza
es
de
una
fantasía
exuberante,
las
chimeneas
presentan
formas
que
recuerdan
guerreros,
y
componen
un
bosque
de
figuras
que
sorprende
por
su
variedad
y
el
vanguardismo
de
las
formas.
Gaudí
decía
que
si
el
humo
sube
retorciéndose,
se
le
ayudaba
en
su
salida
dándole
a
las
chimeneas
forma
helicoidal.
Algunas
chimeneas
están
decoradas
con
trozos
de
vidrio
y
cerámica,
es
decir,
trencadís
como
los
que
aparecen
en
el
Parque
Güell.
El
acceso
a
la
azotea
es
mediante
ocho
escaleras
de
caracol
que
están
decoradas
exteriormente
con
fragmentos
de
baldosas
de
mármol.
Esta
forma
de
recubrimiento
le
permitía
adaptarlo
a
las
formas
curvas
que
surgían
de
su
fantasía.
La
casa
Milà
fue
la
última
obra
civil
ejecutada
por
Gaudí,
antes
de
centrarse
de
lleno
en
el
desarrollo
de
la
iglesia
de
la
Sagrada
Familia.
Se
ha
considerado
esta
obra
como
un
juego,
un
experimento
estético
modernista
hiperdecorativo
pero
un
tanto
incómodo
para
vivir
dado
el
carácter
ondulante
de
paredes,
techos,
etc.
Esta
obra
no
estuvo
exenta
de
polémica.
Algunos
dibujos
publicados
por
la
prensa
la
ridiculizaron
como
un
garaje
para
dirigibles
o
como
una
mona
de
Pascua.
Llegó
a
ser
definida
como
“aberrante”.
La
construcción
de
este
edificio
provocó
varios
problemas
administrativos
al
sobrepasar
sus
medidas
a
las
establecidas
por
las
Ordenanzas
Municipales.
El
reconocimiento
por
parte
del
Ayuntamiento
del
edificio
como
obra
de
interés
artístico,
justificó
su
no
sujeción
a
las
normas.
El
MODERNISMO
en
CANARIAS.
NÉSTOR
modernista
En
Canarias,
desde
mediados
del
siglo
XIX
predominaron
los
eclecticismos
e
historicismos
arquitectónicos.
A
inicios
del
siglo
XX
se
impuso
el
estilo
decorativo
del
Modernismo,
que
se
expandió
por
amplias
zonas
de
la
calle

9. 9
Triana
y
Perojo,
en
Las
Palmas
de
Gran
Canaria,
así
como
en
el
Barrio
de
los
Hoteles,
en
Santa
Cruz
de
Tenerife.
Los
principales
arquitectos
modernistas
canarios
fueron
Estanga,
Pintor
y
Pisaca.
En
general
fue
el
triunfo
de
un
Modernismo
epidérmico
de
viva
policromía
que
enfatiza
los
motivos
ornamentales
de
las
fachadas
de
los
edificios
más
que
propiamente
las
estructuras
arquitectónicas.
Uno
de
los
máximos
exponentes
del
Modernismo
en
la
capital
grancanaria
es
el
palacete
del
Gabinete
Literario,
en
la
céntrica
Alameda
de
Colón,
obra
del
arquitecto
López
Echegarreta
y
en
Santa
Cruz
de
Tenerife
descuella
el
palacio
Martí
Dehesa.
Fechado
a
inicios
del
siglo
pasado,
durante
años
fue
la
sede
de
la
Presidencia
del
Gobierno
de
Canarias.
En
su
interior
presenta
un
comedor
semicircular
con
ventanas
cubiertas
con
vidrieras,
una
escalera
que
recuerda
a
la
tipología
“golpe
de
látigo”de
Horta;
lámparas,
candelabros
y
mosaicos
de
claro
estilo
Art
Nouveau.
NÉSTOR
MÁRTÍN
FERNÁNDEZ
DE
LA
TORRE
(1887-­‐1938)
es
uno
de
los
principales
pintores
modernistas-­‐
simbolistas
españoles.
Nació
en
Las
Palmas
de
Gran
Canaria
en
el
seno
de
una
familia
burguesa
con
inquietudes
culturales
que
le
inculcó
el
amor
por
el
arte,
la
música
y
la
literatura5
.
Estudió
en
el
Colegio
San
Agustín,
como
en
su
día
hiciera
Benito
Pérez
Galdós
o
Tomás
Morales.
Aficionado
a
la
pintura
desde
niño,
fue
un
artista
polifacético
que
no
se
conformó
solo
con
pintar:
realizó
ilustraciones,
grabados,
escenografías
de
ópera,
ballet,
teatro
y
zarzuelas;
diseños
de
vestuario
y
artes
textiles;
diseños
publicitarios,
gráficos,
de
joyas
etc.
5
Su
tío
fue
el
barítono
Nestor
de
la
Torre,
su
primo
el
escritor
Claudio
de
la
Torre
y
su
hermano
Miguel
llegaría
a
ser
un
gran
arquitecto
vinculado
al
racionalismo
y
funcionalismo.

10.
Fundamentos
del
Arte
II
Profesora
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
10
Todo
un
dandy
y
un
esteta
exquisito,
heredero
en
muchos
rasgos
del
Romanticismo,
su
lema
era
“es
necesario
hacer
de
toda
la
vida
una
obra
de
arte”.
Su
pintura
Epitalamio,
también
llamada
Las
bodas
del
joven
Néstor
es
una
de
las
obras
seminales
del
Modernismo-­‐Simbolismo
español
y
todo
un
manifiesto
de
su
ideario
estético:
el
pintor
se
autorretrata
como
un
príncipe
a
lo
Oscar
Wilde,
de
una
belleza
idealizada,
que
se
desposa
con
la
belleza
y
el
arte
representada
por
la
figura
femenina
elegantemente
vestida.
Las
referencias
mitológicas,
musicales
y
literarias
abundan
en
su
pintura
como
en
las
obras
Adagio,
El
niño
arquero
o
Hércules
y
la
tumba
del
Pirene
(inspirado
este
último
en
el
poema
La
Atlántida
de
Verdaguer).
Su
ideario
estético
cabe
adscribirlo
al
Modernismo-­‐Simbolismo,
pero
en
sus
inicios
tuvo
influencias
impresionistas
–como
se
observa
en
Calle
Mayor
de
Madrid-­‐,
del
Arts
&
Crafts
-­‐la
Hermana
de
las
Rosas-­‐.
Fue
evolucionando
hacia
formas
cercanas
al
Art
Déco
–en
especial
en
sus
retratos
como
el
de
Madame
Bocher;
Señora
Moss
y
sus
hijas-­‐
y
al
arte
de
vanguardia
(Cubismo)
como
se
aprecia
en
algunas
de
sus
escenografías,
entre
lo
mejor
de
su
producción:
impresionantes
el
Amor
Brujo
(Falla),
El
fandango
del
candil
(Gustavo
Durán);
Triana
(Albeniz),
etc.
Cosmopolita
y
viajero,
se
formó
en
la
Academia
de
Bellas
Artes
de
Madrid
con
pintores
de
la
talla
de
Rafael
Hidalgo
de
Caviedes
y
vivió
temporadas
en
Las
Palmas
de
Gran
Canaria,
Madrid,
Barcelona
y
París.
En
París
tuvo
una
rica
clientela
de
origen
sudamericano
a
la
que
retrató
dentro
de
sus
parámetros
esteticistas
e
idealizados.
Miguel
Ángel
Buonarroti
y
el
Renacimiento
fueron
dos
de
sus
referentes
estéticos
esenciales.
Conoció
el
mundo
del
teatro
gracias
a
su
tío
el
barítono
Néstor
de
la
Torre.
Escribió
un
opúsculo
sobre
“El
traje
en
el
teatro”.
En
sus
diseños
para
espectáculos
se
dejó
influir
por
el
escenógrafo
León
Bakst
en
particular
por
los
trabajos
que
ese
artista
realizó
para
los
Ballets
Rusos
de
Diaghilev.
Conoció
a
lo
más
granado
de
los
pintores,
escritores
y
músicos
de
su
época
–Dalí,
Benjamín
Palencia,
Valle
-­‐Inclán,
Federico
García
Lorca,
Alberti,
Joaquín
Rodrigo,
Enrique
Granados,
Gustavo
Durán,
etc.
y
trabajó
para
los
mejores
cantantes
de
ópera
y
las
más
célebres
bailarinas
de
las
primeras
décadas
del
siglo
XX.
Nunca
se
insistirá
lo
bastante
en
la
importancia
de
Néstor
como
escenógrafo
y
diseñador
de
vestuario.
Sus
producciones
se
estrenaron
internacionalmente
cosechando,
por
lo
general,
grandes
éxitos:
en
Hamburgo6
,
París,
Londres,
Barcelona,
Madrid,
Las
Palmas
de
Gran
Canaria,
etc.
6
Véase
por
ejemplo,
el
gran
éxito
internacional
del
ballet
“El
fandango
del
candil”:
http://www.albidanza.com/single-­‐post/2016/03/06/En-­‐torno-­‐al-­‐ballet-­‐El-­‐
fandango-­‐del-­‐Candil

11. 11
Concedía
gran
importancia
a
las
joyas
y
a
la
indumentaria
en
sus
pinturas.
Como
retratista,
destacó
con
desigual
fortuna,
aunque
algunos
de
sus
retratos
son
formidables
como
el
del
torero
Joselito,
el
de
los
músicos
Gustavo
Durán
y
Enrique
Granados
o
sus
majas
y
manolas.
Posiblemente
las
obras
más
conocidas
de
Néstor
sean
el
Poema
del
Mar
y
el
Poema
de
la
Tierra,
quedando
ésta
última
inconclusa
por
la
temprana
muerte
del
artista.
Estas
series
son
una
parte
del
ambicioso
Poema
de
los
Elementos,
un
homenaje
a
la
naturaleza
canaria.
Ningún
artista
canario
se
había
atrevido
a
pintar
tan
extraordinarias
decoraciones
murales.
Otros
ejemplos
se
pueden
contemplar
en
el
Teatro
Pérez
Galdós
de
Las
Palmas
o
en
el
Casino
de
Santa
Cruz
de
Tenerife.
El
“tipismo”
fue
la
apuesta
de
Néstor
por
transmitir
en
diseños
arquitectónicos,
publicitarios
y
textiles
un
neoestilo
canario
imaginativo
y
muy
criticado.
Murió
en
1938
de
una
pulmonía
en
su
ciudad
natal
y
su
entierro
fue
apoteósico.
Parte
de
su
producción
artística
se
conserva
en
el
delicioso
Museo
Néstor
de
Las
Palmas
de
Gran
Canaria.
Más
información
y
una
actividad
sobre
Néstor
en
http://artpower-­‐ana.blogspot.com.es/2016/11/actividad-­‐
proyecto-­‐museo-­‐nestor.html
3.
La
ESCULTURA
modernista
EL
Modernismo
abogaba
por
la
libertad
creadora
a
diferencia
del
academicismo
anterior,
y
la
escultura
no
fue
una
excepción.
Conviene
recordar
que
la
escultura
modernista
no
surgió
necesariamente
al
margen
de
la
arquitectura,
ya
que
es
muy
frecuente
encontrarla
integrada
en
los
edificios,
igual
que
sucedió
con
otras
artes
decorativas
(cerámica,
forja...).
Muchos
escultores
colaboraron
con
los
arquitectos,
algunos
de
forma
anónima,
como
los
que
trabajaron
con
Gaudí
en
la
decoración
de
la
puerta
del
Nacimiento
de
la
Sagrada
Familia
de
Barcelona.
Otros
escultores,
trabajaron
independientemente
de
la
arquitectura,
realizando
obras
exentas
o
de
bulto
redondo.
Suelen
abundar
los
desnudos
femeninos,
a
caballo
entre
el
realismo
y
simbolismo,
con
fuerte
lirismo
que
nos
retrotrae
al
Romanticismo
y
carácter
sensual.
Privilegian
las
formas
sinuosas.
Algunas
piezas
escultóricas
de
pequeño
tamaño
presentaban,
como
veremos
en
el
Art
Déco,
la
técnica
criselefantina
(oro
y
marfil).
Otros
materiales
frecuentes
en
la
escultura
Art
Nouveau
europea
fueron
el
mármol,
la
piedra
e
incluso
la
porcelana.
Entre
los
escultores
modernistas
descuellan
José
LLIMONA,
Miguel
BLAY
o
José
CLARÁ.
Todos
presentaban
influencias
de
Auguste
Rodin.
José
LLIMONA
(1864-­‐1934)
José
Llimona
nació
en
Barcelona
en
1864.

12.
Fundamentos
del
Arte
II
Profesora
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
12
Está
considerado
como
uno
de
escultores
más
destacados
del
modernismo
catalán.
Estudió
en
la
escuela
Llotja
de
Barcelona
y
en
Roma
completó
sus
estudios
gracias
a
una
beca
del
Ayuntamiento
barcelonés.
En
Italia
recibe
la
influencia
de
la
escultura
renacentista
florentina.
Con
las
obras
que
realizó
en
Roma
consiguió
una
gran
celebridad,
por
ello,
a
su
regreso
a
Barcelona,
los
encargos
y
las
realizaciones
fueron
constantes.
Incluso
fundó,
en
1982,
junto
a
su
hermano,
el
pintor
Joan
Llimona,
el
"Centre
Artístic
de
Sant
Lluc",
que
era
una
asociación
artística
catalana
de
carácter
religioso
y
de
gran
influencia
dentro
del
mundo
artístico
de
Barcelona.
A
partir
de
una
estancia
en
París,
su
estilo
derivará
hacia
el
modernismo,
con
influencias
de
Rodin
y
Meunier.
De
este
periodo
destaca
su
escultura
femenina
en
mármol
Desconsol,
de
1907.
Esta
obra
fue
un
referente
del
modernismo
catalán.
En
la
misma
línea
que
Desconsol,
descuella
la
sensual
Juventud
(1913).
4.
El
CARTEL
PUBLICITARIO
MODERNISTA
El
cartel
es
un
mensaje
visual
–litografiado
e
impreso
en
papel
por
lo
general-­‐
de
mediano
o
gran
tamaño,
realizado
para
ser
adherido
temporalmente
sobre
un
un
soporte
rígido,
como
una
pared,
por
ejemplo.
Surge
para
ser
reproducido
masivamente.
En
él
se
yuxtaponen
textos
e
imágenes
con
la
finalidad
de
transmitir
un
concepto
de
fácil
comprensión.
Este
mensaje
puede
ser
de
tipo
propagandístico,
si
presenta
una
función
y
significación
política,
o
publicitaria
(espectáculos,
alimentos,
etc.).
Sin
embargo,
también
puede
tener
una
mera
finalidad
artística,
como
objeto
y
sujeto
estético.
Por
lo
general,
suele
existir
una
homogeneidad
total
de
estilo
entre
la
tipografía
y
la
imagen
respresentada.
La
edad
de
oro
del
cartel
surgió
entre
los
años
1880-­‐1910
en
pleno
auge
del
Modernismo
o
Art
Nouveau.
Es
ingente
la
nómina
de
artistas
de
campanillas
que
dedicaron
sus
esfuerzos
en
la
producción
de
carteles,
ese
“grito
en
la
pared”
como
ha
sido
frecuentemente
definido:
desde
el
postimpresionista
con
toques
modernistas
Henri
Toulouse-­‐Lautrec
hasta
Leonetto
Cappiello,
pasando
por
Jules
Chéret,
Henry
Van
de
Velde,
Aubrey
Beardsley,
Alphonse
Mucha,
Ramón
Casas,
Alexander
de
Riquer,
Manuel
Orazi,
etc.
En
definitiva,
el
cartelismo
experimentó
en
esta
etapa,
vinculado
al
Art
Nouveau,
un
auge
sin
precedentes.
Aunque
el
precedente
del
cartelismo
modernista
tiene
en
Toulouse-­‐Lautrec
a
su
precursor,
podríamos
considerar
al
francés
Jules
CHÉRET
(1836-­‐1933)
como
el
iniciador
de
los
carteles
artísticos
y
publitarios.

13. 13
Concibió
sus
obras
como
auténticos
“murales”,
inspirándose
esencialmente
en
el
arte
barroco
y
rococó.
Creó
un
arquetipo
de
mujer
alegre
y
desenfadada,
las
denominadas
cheretes,
que
repite
una
y
mil
veces
en
sus
carteles
y
que
intentan
ser
una
superación
de
la
dicotomía,
entonces
tan
en
voga,
entre
la
mujer
angel
versus
la
mujer
fatal.
La
influencia
de
Chéret
en
el
arte
de
su
tiempo,
en
particular
en
el
cartelismo,
fue
duradera.
Fomentó
el
diseño
publicitario
y
llegó
a
realizar
más
de
1000
carteles.
Alphonse
MUCHA
(1860-­‐1939)
El
artista
checo
Alphonse
Mucha
es
uno
de
los
máximos
exponentes
del
cartelismo
modernista.
Muy
esteticista,
las
líneas
ondulantes
y
el
hórror
vacui
dominan
su
obra.
En
ella
tampoco
falta
la
inspiración
bizantina
por
la
fascinación
que
muestra
por
los
mosaicos
y
los
fondos
dorados,
que
nos
recuerdan
también
a
Klimt.
Así
se
aprecia
en
el
cartel
de
la
obra
Gismonda
(1894).
Fue
pintor
con
aficiones
esotéricas
y
masónicas
así
como
escenógrafo
y
diseñador
de
vestuario
y
joyas,
estas
últimas,
en
colaboración
con
Georges
Fouquet,
siendo
las
más
destacadas
las
que
realizó
para
la
gran
actriz
Sarah
Bernhardt.
La
temática
de
sus
carteles
publicitarios
gira
en
torno
a
espectáculos
(teatros,
óperas);
productos
alimenticios
(chocolate,
galletas);
papel
de
fumar
y
un
largo
etcétera.
En
Praga
(Chequia)
se
conserva
un
museo
con
lo
más
granado
de
su
producción
artística.

14.
Fundamentos
del
Arte
II
Profesora
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
14
Leonetto
CAPPIELLO
(1875-­‐1942)
Gran
pintor,
ilustrador
y
caricaturista,
los
carteles
de
Cappiello
son
de
una
modernidad
fascinante.
Suponen
un
paso
más
en
el
diseño
modernista,
anticipándose
al
Art
Déco
por
las
formas
geométricas
que
se
aprecian
en
algunos
de
sus
carteles.
A
lo
largo
de
su
carrera,
produjo
circa
530.
Entre
1901
y
1914
revolucionó
el
cartelismo
con
sus
diseños.
Después
de
la
Primera
Guerra
Mundial
realizó
las
icónicas
imágenes
de
productos
ligados
a
grandes
marcas
como
Campari,
Pirelli
o
Chocolates
Klaus.
Ramón
CASAS
(1866-­‐1932)
Como
señala
Daniel
Giralt-­‐Miracle,
la
génesis
del
cartel
modernista
catalán
va
ligado
a
la
promoción
de
espectáculos
teatrales
y
musicales,
así
como
las
publicaciones
de
libros
y
las
exposiciones
de
Bellas
Artes.
Andando
el
tiempo,
el
auge
de
la
industria
catalana
a
finales
del
siglo
XIX
propiciaría
el
desarrollo
del
cartel
modernista
para
difundir
sus
productos:
chocolate,
textiles,
licores,
champagne,
etc.
Estos
carteles
privilegian
la
línea
sobre
la
mancha.
Las
figuras
aparecen
definidas
en
muchas
ocasiones,
de
perfil
sobre
un
fondo
monocromo.
Se
aprecia
el
gusto
por
mostrar
espacios
unitarios.
Grandes
pintores
catalanes
–
como
los
ligados
al
grupo
de
Els
Quatre
Gats-­‐
produjeron
inolvidables
carteles
publictarios
modernistas.
Entre
ellos
podemos
destacar
a
Ramón
Casas
y
Alexander
de
Riquer.
Ramón
CASAS,
el
más
parisino
de
los
artistas
catalanes
de
la
época,
no
fue
solo
un
excelente
pintor,
que
supera
el
marchamo
de
modernista,
sino
también
un
gran
ilustrador,
dotado
de
un
talento
poco
común.
La
mujer
como
en
el
resto
de
los
carteles
europeos
modernistas
es
la
auténtica
protagonista
de
los
carteles
de
este
artista.
Como
Picasso
o
Néstor
no
rehuye
las
representaciones
de
majas
o
manolas
en
sus
ilustraciones,
en
las
que
no
faltan
los
mantones
de
Manila
ni
la
castiza
flor
en
el
pelo.
Son
ejemplo
de
ello,
los
famosísimos
carteles
de
Anís
del
Mono.
Impresionante
también
su
affiche
Sífilis7
en
el
que
se
anunciaba
un
sanatorio
para
la
curación
de
enfermos
de
esta
dolencia.
Muestra
a
una
mujer,
desmejorada
y
pálida,
presumiblemente
una
prostituta,
ofrenciendo
tentadora
una
flor
con
una
mano
pero
escondiendo
con
la
otra
una
serpiente,
alusión
a
la
sífilis
como
lo
es
también
la
forma
sinuosa
de
esa
letra.
De
este
cartel
existe,
además
un
excelente
dibujo
preparatorio
del
año
1900.
7
Este
cartel
mostraba
publicidad
engañosa
pues
prometía
la
“curación
absoluta
y
radical”
de
la
Sífilis,
enfermedad
que
por
aquel
entonces
no
tenía
cura.

15. 15
Alexandre
de
RIQUER
(1856-­‐1920)
Ilustrador,
pintor
y
poeta,
el
versátil
Alexandre
de
Riquer
fue
un
destacado
representate
del
Modernismo
catalán.
Nació
en
el
seno
de
una
familia
aristocrática
de
Barcelona,
y
estudió
en
la
Escuela
de
la
Llotja
de
Barcelona
y
también
en
Francia
(Bézier
y
Toulouse).
5.
LAS
ARTES
DECORATIVAS
MODERNISTAS:
MOBILIARIO,
VIDRIO
Y
JOYERÍA
Las
artes
decorativas
experimentaron
un
etapa
de
esplendor
bajo
el
Art
Nouveau. Debe
decirse
que
el
Art
Nouveau,
en
general
se
apasionó
por
los
objetos
de
uso
cotidiano
en
una
medida
hasta
entonces
desconocida:
todo
podía
concebirse
como
obra
de
arte.
La
cerámica,
junto
con
la
joyería
y
el
vidrio
fueron
los
materiales
más
apropiado
para
plasmar
los
ideales
del
Modernismo,
no
sólo
desde
el
punto
de
vista
estético
sino
también
práctico
o
utilitario.
La
indumentaria
privilegia
una
mujer
muy
femenina
con
silueta
“reloj
de
arena”,
con
cinturas
de
avispa,
mangas
jamón
y
faldas
con
mucho
volumen.
El
pelo
suelto
o
recogido,
siempre
con
ondas,
suele
cubrirse
con
grandes
sombreros
decorados
con
motivos
florales.
Las
joyas
son
el
complemento
perfecto.
En
el
Art
Nouveau,
más
que
en
ningún
otro
estilo
a
lo
largo
de
la
historia,
encontramos
la
cerámica
aplicada
a
la
arquitectura.
Y
no
sólo
en
el
exterior
del
edificio,
sino
también
en
la
decoración
interior.
De
ahí
que
la
colaboración
entre
arquitectos
y
ceramistas
fuera
muy
estrecha
así
como
con
ebanistas,
artesanos
del
hierro
y
la
forja
etc.
(F.
Vidal,
J.
Busquets,
Gaspar
Homar…)8
.
Las
notas
distintivas
del
mobiliario
modernista
europeo
vienen
dadas
por
su
sempiterna
inspiración
en
la
naturaleza,
el
uso
de
líneas
sinuosas
y
la
asimetría.
La
mayor
innovación
en
la
decoración
de
interiores
se
situa
8
El
metal
también
tendría
una
fuerte
presencia
en
los
edificios
modernistas
en
elementos
como
las
rejas,
vallas,
puertas,
barandillas
construidas
con
hierro
forjado
-­‐-­‐por
excelentes
artesanos
como
Masriera
i
Campins-­‐
y
picaportes,
tiradores,
etc.
en
bronce
o
latón.

16.
Fundamentos
del
Arte
II
Profesora
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
16
en
la
búsqueda
de
la
unidad,
la
homogeniedad
de
estilo
que
abarca
hasta
los
mínimos
detalles
decorativos
como
los
picaportes,
las
artes
textiles,
los
vasos
cerámicos
o
las
lámparas.
Sin
embargo,
no
escapan
a
ciertos
paralelismos
con
la
tradición,
a
pesar
de
sus
intentos
de
ser
modernos,
en
particular
son
frecuentes
las
referencias
al
Gótico,
el
Barroco
o
el
Rococó.
El
Gótico
les
sirve
como
modelo
teórico,
el
Barroco
como
fuente
de
inspiración
en
la
concepción
plástica
de
las
formas
y
el
Rococó
como
aplicación
de
la
asimetría.
El
Japonismo
con
el
tratamiento
lineal
de
las
volúmenes
está
también
presente.
Quieren
crear
un
vocabulario
nuevo
utilizando
materiales
tradicionales
como
la
madera
y
la
piedra
pero
también
el
acero
y
el
cristal,
habituales
en
la
decoración
de
interiores.
La
madera
toma
formas
extravagantes.
Imitan
los
entrelazos
fluidos
de
la
naturaleza
con
formas
tortuosas.
Las
líneas
ondulantes
y
sensuales
impregnan
las
estructuras
de
los
muebles:
sillas,
armarios,
mesas,
camas
y
hasta
cunas
como
se
aprecia
en
una
célebre
caricatura
de
la
época.
En
la
localidad
francesa
de
Nancy
es
donde
las
afinidades
entre
el
Rococó
y
el
Art
Nouveau
con
respecto
a
la
decoración
de
interiores
se
hacen
más
evidentes.
La
Escuela
de
Nancy,
constituida
en
torno
a
Émile
Gallé
en
1901,
trabaja
en
una
vertiente
plenamente
naturalista
con
una
fuerte
dosis
de
simbolismo
de
origen
literario.
Las
tipologías
de
los
muebles
realizados
por
Gallé
son
las
tradicionales
–fundamentalmente
basadas
en
los
estilos
Luis
XI
y
Luis
XVI-­‐
pero
cambia
la
estructura
sinuosa
y
la
abundancia
de
motivos
florales
y
animalísticos
como
libélulas
o
mariposas.
La
ornamentación
aparece
tallada
o
incrustada
aplicando
diversos
materiales
(nácar,
vidrio)
o
maderas
como
el
ébano
(marquetería).
Entre
sus
obras
destacan
la
cama
mariposa
–lit
papillon-­‐.
Gallé
además,
incluye
en
sus
muebles
inscripciones
literarias
de
contenido
simbólico.
A
este
artista
se
debe
también
una
extraordinaria
y
muy
innovadora
producción
de
objetos
de
vidrio.
También
de
la
Escuela
de
Nancy
y
discípulo
de
Gallé,
encontramos
al
diseñador
Louis
Majorelle
(1859-­‐1926).
Majorelle
modelaba
sus
muebles
en
arcilla
antes
de
construirles.
En
sus
diseños
abundan
apliques
decorativos
de
bronces
dorados.
Frente
al
mobiliario
Art
Nouveau
de
Nancy,
el
parisino
es
mucho
más
ligero,
refinado
y
austero.
Los
motivos
de
inspiración
naturalística
son
mucho
más
estilizados.

17. 17
Célebres
arquitectos
modernistas
como
Gaudí
o
Mackintosh,
cada
uno
en
su
estilo,
diseñaron
muebles
perfectamente
integrados
en
su
arquitectura.
Entre
los
muebles
más
representativos
de
Gaudí
destacan
las
sillas
de
la
casa
Batlló,
Calvet
o
Milá.
Los
muebles
de
Mackintosh,
aunque
se
convirtieron
en
iconos
del
diseño
moderno,
no
se
adaptaban
muy
bien
para
ser
fabricados
en
serie
e
incluso
presentaban
defectos
técnicos
pues
le
gustaba
trabajar
con
artesanos
sencillos,
antiguos
constructores
de
barcos
y
no
con
exquisitos
ebanistas
como
hacían
los
artistas
del
Modernismo
en
Nancy,
París
o
Viena.
En
Bélgica
destaca
el
mobiliario
e
interiorismo
diseñado
por
Victor
Horta,
Henry
van
de
Velde
y
Gustave
Serrurier-­‐
Bovy
que
representa
el
lazo
de
unión
entre
el
modernismo
belga
y
la
experiencia
esteticista
Arts
and
Crafts
británica.
En
Alemania,
el
Jugendstil
se
desarrolla
fundamentalmente
en
Munich
y
Darmstadt
y
en
el
mobiliario
que
allí
se
produce,
encontramos
el
linealismo
floral
característico
del
Modernismo.
En
la
Secesión
Vienesa,
la
vertiente
autriaca
del
Art
Nouveau,
se
percibe
una
mayor
geometrización
en
los
elegantes
muebles
diseñados
por
los
arquitectos
Hoffmann
y
Olbrich.
En
Italia,
el
estilo
Floreale,
es
desarrollado
por
un
grupo
de
arquitectos
y
diseñadores
entre
los
que
es
obligado
citar
a
Ernesto
Basile,
Eugenio
Quarti,
Carlo
Zen
o
Giacomo
Cometti
y
por
supuesto
Carlo
Bugatti.
En
España
el
protagonismo
del
mueble
modernista
se
centra
en
los
arquitectos
catalanes,
especialmente
en
Antonio
Gaudí
y
en
diseñadores
como
Gaspar
Homar
y
Joan
Busquets
entre
otros.
VIDRIO
y
JOYERÍA
modernista
Entre
los
objetivos
del
Art
Nouveau
se
hallaba
conseguir
la
unidad
del
arte
y
la
vida
así
como
reaccionar
contra
la
fealdad
de
los
objetos
industriales
realizados
en
serie
y
desprovistos
de
carga
estética.
Es
por
ello
que
los
artistas
de
este
estilo
quieren
embellecer
la
realidad
cotidiana
tomando
a
la
naturaleza
como
fuente
de
inspiración:
flores,
plantas,
árboles,
insectos
u
otros
animales
aparecen
por
doquier
en
las
artes
decorativas
modernistas,
en
especial
en
el
mobiliario,
la
joyería
y
en
las
artes
del
vidrio,
tanto
por
lo
que
se
refiere
a
las
vidrieras
como
a
todo
tipo
de
piezas
decorativas
y
funcionales.
El
vidrio
experimentó,
ya
desde
inicios
del
siglo
XIX,
grandes
avances
técnicos
que
implicaron
una
mejora
en
la
calidad
de
la
producción
de
las
piezas.
La
técnica
del
moldeado
con
presión
se
inventó
en
Estados
Unidos
en
la
década
de
1820
y
el
poder
del
vapor
se
aplicó
sistemáticamente
para
cortar
el
vidrio.
Pero
más
imporante
fue
el
interés
que
se
dio
a
las
composiciones
químicas
de
las
fórmulas
empleadas
para
incrementar
la
eficiencia
del
soplado.
Estilísticamente,
hasta
que
surgió
en
Modernismo
a
finales
de
siglo,
el
vidrio
estaba
marcado
por
el
eclecticismo
e
historicismo
imperantes
en
la
época.
Émile
GALLÉ
Émile
Gallé
no
fue
solo
un
afamado
ebanista,
quintaesencia
del
Modernismo,
sino
también
ceramista
y
maestro
vidriero.
Fascinado
por
la
naturaleza
–“mis
raíces
son
profundas
en
el
bosque”
era
el
lema
sobre
la
puerta
de
su
estudio-­‐,
produjo
piezas
únicas
de
una
calidad
exquisita.
Tenía
influencias
también
del
Japonismo.
Gallé
destacó
sobre
el
resto
de
los
artistas
del
Modernismo.
Inspiró
a
toda
una
generación
de
artistas
e
hizo
de
la
Exposición
Universal
de
París
de
1900
un
escaparete
formidable
de
sus
creaciones
de
vidrio
que
no
han
tenido
parangón.
Sin
duda
supuso
un
punto
de
inflexión
en
la
historia
del
vidrio.
Recordemos
que
Gallé
había
nacido
en
Nancy
y
en
esa
ciudad
el
vidrio
era
la
industria
tradicional.
Además
de
una
completa
educación
que
incluía
literatura
y
botánica,
Gallé
se
formó
en
las
artes
del
vidrio
en
Meisenthal
(ahora
Alemania).
Las
creaciones
más
personales
de
Gallé
también
reflejan
su
afición
por
la
literatura:
a
menudo
plasmaba
fragmentos
de
obras
de
poetas
franceses

18.
Fundamentos
del
Arte
II
Profesora
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
18
directamente
sobre
el
vidrio
(Victor
Hugo,
Baudelaire,
Mallarmé,
Verlaine,
Gautier
y
Rimbaud)
así
como
Shakespeare
o
la
Biblia.
Una
de
las
innovaciones
más
destacadas
que
utilizó
Gallé
fue
el
“cristal
con
camafeo”
donde
se
esculpían
dos
o
más
capas
de
vidrio
o
se
retiraban
con
ácido
dejando
el
diseño
en
relieve
de
uno
o
más
colores,
sobre
la
base.
Esta
técnica
era
de
origen
chino.
La
prosperidad
del
negocio
de
Gallé
se
basó
en
una
versión
de
su
técnica
de
camafeo
de
producción
en
masa
y
el
uso
de
ácidos
en
el
proceso
de
grabado.
Los
efectos
combinados
de
color
y
transparencia
le
proporcionaban
a
Gallé
tonos
iridiscentes
a
sus
piezas.
Dos
de
sus
obras
más
destacadas
fueron
Main
aux
algues
(mano
con
algas)
y
la
lámpara
Les
Coprins
donde
se
muestra
las
tres
fases
de
crecimiento
de
un
hongo.
Louis
Comfort
TIFFANY
(1848-­‐1933)
Ningún
diseñador
americano
estuvo
más
estrechamente
vinculado
al
Art
Nouveau
que
Louis
Comfort
Tiffany.
Sus
luminosos
diseños
de
lámparas
de
cristal,
con
viva
policromía
fueron
innovaciones
técnicas
de
gran
belleza
artística.
Los
principales
motivos
decorativos
de
sus
diseños
son
de
carácter
floral
y
animalístico.
Louis
Comfort
Tiffany
era
hijo
del
fundador
de
la
mítica
joyería
Tiffany
de
Nueva
York.
Empezó
su
carrera
como
pintor
pero
en
1878
dió
un
giro
a
su
vida
abriendo
una
empresa
de
diseño
de
interiores
en
la
ciudad
de
los
rascacielos.
Se
convirtió
en
uno
de
los
diseñadores
más
célebres
de
Estados
Unidos,
con
una
clientela
selecta
y
adinerada.
Después
de
visitar
Europa
en
1889
y
conocer
el
vidrio
antiguo
(romano),
el
veneciano,
y
la
obra
de
Émile
Gallé,
decidió
centrar
sus
esfuerzos
en
la
producción
de
vidrieras,
lámparas
y
objetos
netamente
Art
Nouveau.
Su
inspiración,
como
no
podría
ser
de
otra
forma
siendo
modernista,
fue
la
naturaleza.
Tiffany
fue
de
los
primeros
en
reconocer
el
potencial
que
llevaba
aparejado
el
invento
de
la
electricidad
para
los
artistas
Art
Nouveau.
Recordemos
que
la
invención
de
la
lámpara
eléctrica
incandescente
por
Thomas
Edison
en
la
década
de
1880
supuso
un
desafio
para
los
diseñadores
de
vidrio
que
ya
no
estaban
forzados
a
crear
lámparas
que
las
protegieran
de
las
llamas.
Así
las
cosas,
hacia
1906,
había
realizado
con
gran
éxito
más
de
125
diseños
de
lámparas,
los
objetos
más
célebres
de
su
producción.
Utilizaba
paneles
emplomados
de
cristales
de
colores
como
si
fuera
una
vidriera
tradicional,
siendo
así
sus
diseños,
facilmente
reconocibles
y
muy
imitados.

19. 19
La
JOYERÍA
modernista
deseaba
aunar
utilidad
y
belleza,
forma
y
función.
Son
piezas
esteticistas,
de
diseños
sinuosos
y
orgánicos
y
de
inspiración
naturalista
y
sensual
(flores,
libélulas,
mariposas…).
La
mujer
se
configura
como
uno
de
los
motivos
“decorativos”
más
habituales:
se
realizan
muchas
esculturas
cerámicas
(bustos)
y
se
utilizan
también
como
motivo
“ornamental”
de
broches
o
colgantes.
Suelen
ser
mujeres
sensuales
y
etéreas
de
pelo
largo
y
ondulado.
¿Cuál
era
su
fuente
de
inspiración?
La
escultura,
las
artes
decorativas
modernistas
y
en
especial
la
obra
del
maravilloso
pintor
y
diseñador
de
artes
gráficas,
el
checo
Alphons
MUCHA.
Su
influencia
será
palpable
en
todos
los
diseños
Art
Nouveau,
incluso
colaborará
con
el
orfebre
George
Fouquet.
Las
joyas
Art
Nouveau
triunfaron
plenamente
en
el
panorama
europeo
hacia
el
año
1900,
coincidiendo
con
la
Exposición
Internacional
de
París.
En
ocasiones
no
pierden
la
tendencia
a
los
revivals
e
historicismos
ligados
a
reinterpretaciones
de
modelos
del
siglo
XVIII
y
XIX.
El
artista
francés
René
LALIQUE
(1860-­‐1945)
hacia
el
año
1900
empezó
a
trabajar
el
vidrio
para
realizar
objetos
artísticos,
joyas,
jarrones,
frascos
de
perfume
y
vidrieras
obteniendo
un
gran
éxito
desde
sus
inicios.
Con
el
paso
del
tiempo
evolucionaría
hacia
el
Art
Déco.
Con
Lalique
el
vidrio
alcanzó
la
categoría
de
arte
con
mayúsculas.
En
Museo
Gulbenkian
de
Lisboa
se
conservan
varias
piezas
espectaculares
de
este
artista.
Luis
MASRIERA
(1872-­‐1958)
En
la
joyería
modernista
no
podíamos
pasar
por
alto
la
labor
desempeñada
por
el
barcelonés
Luis
Masriera,
creador
de
unas
joyas
muy
representativas
de
ese
estilo.
Procedente
de
una
familia
de
artistas,
estudió
en
París,
Londres
y
Ginebra
y
en
Limoges
aprendió
la
técnica
del
esmalte,
técnica
que
luego
sería
muy
habitual
en
sus
joyas.
La
influencia
más
acusada
del
Art
Nouveau
francés
en
Masriera
fue
a
través
de
las
obras
de
René
Lalique.
En
sus
diseños
se
aprecian
las
características
de
la
joyería
modernista:
sinuosidad
floral
y
sensualidad
femenina,
decorativismo,
y
calidad
extrema
en
todas
sus
producciones.
Además
en
muchas
de
sus
joyas
encontramos
todo
un
imaginario
femenino
fantástico
donde
aparecen
hadas,
ninfas,
mujeres
de
agua
y
mujeres-­‐insecto.

20.
Fundamentos
del
Arte
II
Profesora
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
20
Masriera
expuso
en
varias
ciudades
españoles
como
Zaragoza,
Barcelona
o
Madrid,
y
por
supuesto
en
París.
Con
el
tiempo
evolucionaría
como
hicieron
otros
artistas
modernistas,
hacia
un
mayor
geometrismo
vinculado
al
Art
Déco.
Fue
coleccionista
de
arte
oriental
así
como
de
pintura,
escultura
y
artes
decorativas.
FUENTES
DE
IMÁGENES
Y
DOCUMENTACION
Blog
de
Redondus:
https://sites.google.com/site/fundamentosdelarteii/home
Blog
de
Algargos:
rte-­‐e-­‐historia/14-­‐siglo-­‐xx-­‐y-­‐xxi/14-­‐3-­‐pablo-­‐picasso
Web
de
Artium
www.wikiart.org
https://en.wikipedia.org/wiki/Art_Nouveau
https://fr.wikipedia.org/wiki/Art_nouveau
artecreha.com
artehistoria.com
http://www.march.es/conferencias/anteriores/
http://www.theartstory.org
http://www.hortamuseum.be/fr
https://www.fin-­‐de-­‐siecle-­‐museum.be/en/the-­‐musee-­‐fin-­‐de-­‐siecle-­‐museum
http://www.gaudiexperiencia.com/es/blog/casas-­‐de-­‐gaud%C3%AD-­‐en-­‐barcelona-­‐casa-­‐milà-­‐la-­‐pedrera
http://www.gobiernodecanarias.org/educacion/culturacanaria/arte/arte.htm
http://guity-­‐novin.blogspot.com.es/2012/03/graphic-­‐design-­‐and-­‐french-­‐school.html
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http://www.ramoncasas.cat/es/retratos-­‐casas-­‐el-­‐retratista-­‐del-­‐modernismo/
http://www.mucha.cz/index.phtml?S=home&Lang=EN
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http://www.gaudiallgaudi.com/E0000.htm
http://artpower-­‐ana.blogspot.com.es/2012/05/el-­‐templo-­‐de-­‐la-­‐sagrada-­‐familia-­‐de.html
https://en.wikipedia.org/wiki/Art_Nouveau
http://gshm01.blogspot.com.es/2013/03/muebles-­‐del-­‐siglo-­‐xx.html
http://historiadelmueble.blogspot.com.es
http://gshm01.blogspot.com.es/2013/03/muebles-­‐del-­‐siglo-­‐xx.html
http://www.ecole-­‐de-­‐nancy.com/web/index.php?page=presentation-­‐men
http://www.lesartsdecoratifs.fr/francais/musees/musee-­‐des-­‐arts-­‐decoratifs/collections/dossiers-­‐thematiques/zoom-­‐sur-­‐301
https://gulbenkian.pt/museu/en/publication/rene-­‐lalique-­‐at-­‐the-­‐calouste-­‐gulbenkian-­‐museum/
http://www.pinterest.com/caraaaarose/sarah-­‐bernhardt/
http://www.bagues-­‐masriera.com