Educacion artistica 1_año

Educación Artística Página 1
EDUCACIÓN ARTÍSTICA
LECCIÓN N°1
Objetivo: Conocer, apreciar y fomentar la creatividad en educación
artística y estética.
1.1
Introducción
Las manifestaciones artísticas han rodeado siempre la cotidianidad de los seres
humanos quienes a lo largo de su historia han tenido que desarrollar su percepción, a
través del aprendizaje de los lenguajes artísticos y sus códigos particulares.
La Educación Estética es un proceso único en el que participan plenamente la
inteligencia y sensibilidad humana, sus funciones cognitivas complejas, el dominio de la
expresión corporal, la representación de las emociones a partir de cada experiencia
individual y cultural, la creatividad y deseo de aprender y crear, y la comunicación en la
que interviene la identidad y las capacidades críticas.
Todos los anteriores son aprendidos por medio del cuerpo a través de sus sentidos. El
desarrollo de las capacidades estéticas de los estudiantes, al provocar
fundamentalmente, la experiencia interna (vida psíquica) y externa (realidad percibida a
través de los sentidos), está condicionada en la actualidad por la infotecnología (grupo
de herramientas para el manejo, organización y procesamiento de la información digital)
y la cultura visual.
El objetivo de la educación estética entonces busca potenciar la imaginación y la
creatividad, desarrollando la participación y la comunicación de los estudiantes, a fin de
lograr nuevas capacidades en función de su formación integral y su integración social.
Es decir, de manera resumida la Educación estética persigue que los estudiantes

puedan “Conocer, disfrutar, apreciar, crear, desarrollar identidad y criticar los procesos
artísticos y su apropiación personal como mediadores del pensamiento emocional para
la interacción social y el desarrollo de la creatividad”.
El advenimiento de las nuevas tecnologías conduce a las nuevas generaciones por
diferentes procesos cognitivos estrechamente ligados al mundo estético a través de
imágenes, sonidos, texturas, colores y estímulos que generan sensaciones y
sentimientos en cambiantes entornos comunicativos.
1.2 Conceptos
Básicos
La Educación Estética tiene estrecha relación con otras áreas y conocimientos que se
utilizarán a lo largo del curso, estos conceptos son la base para construir ideas más
complejas y frecuentemente las estaremos tratando; por tanto es muy importante
tenerlas muy bien clarificada.
Estética.- ciencia que estudia el conjunto de valores relacionados con lo bello que el
hombre encuentra en el mundo que lo rodea, ya sea creada por él en su diario vivir o de
manera natural.
Educación estética.- proceso educativo orientado a la formación y/o desarrollo de una
actitud estética en el hombre, hacia todo lo que posee valor estético en el mundo, lo
cual contribuye al desarrollo integral de la personalidad en relación a su contexto
sociocultural.
La educación estética se manifiesta en:
a. La naturaleza.- se puede apreciar en la puesta del sol, en el canto de un pájaro
en la observación de un paisaje, etc.
b. Las relaciones humanas.- al sentir placer ante su pareja, ante un gesto solidario
de un amigo, etc.
c. Los objetos creados por el hombre.- una obra de ingeniería civil, un
aparato tecnológico novedoso, etc.
d. El propio hombre.- de manera externa en su apariencia física desde su forma
de vestir, peinarse, etc., y de manera interna en sus sentimientos, cualidades
morales, etc.
e. El arte.- disfrute apreciación y creación de obras de arte tales como la pintura
escultura y demás.
Una de las principales vías para la educación estética es la educación artística la cual
educa a las personas para que comprendan, sientan, aprecien y hagan arte, formando
seres sensibles ante el arte y creadores de sus propias obras.

Educación Artística.- es un método de enseñanza que ayuda a las personas a
canalizar sus emociones a través de la música, la educación plástica (dibujo, pintura,
escultura, fotografía, cine, televisión, etc.) y la educación expresiva del cuerpo (danza o
teatro.)
La educación artística desarrolla capacidades, actitudes, hábitos y comportamiento,
incrementa las habilidades y destrezas, siendo un medio de interacción, comunicación y
expresión de sentimientos, emociones y actitudes que permiten la formación integral de
los individuos.

LECCIÓN 1
NOMBRE: _______________________________________________________________
PARALELO: _______ CURSO: _________________ LECCION N°:____________________

INVESTIGO:
Consulta y escribe dos obras maestras en cada una de las ramas de la educación
artística mencionadas a continuación
Literatura: ……………………………………………………………………………..
Música: ……………………………………………………………………………..
Pintura: ……………………………………………………………………………..
Danza: ……………………………………………………………………………..
Teatro: ……………………………………………………………………………..
Cine: ……………………………………………………………………………..
CUESTIONARIO:
a. ¿Cuál es el objetivo de la educación estética?
……………………………………………………………………………………………………
……………………………………………………………………………………………………
………………………………………………………………………………………
b. Escribe un ejemplo de cómo la educación estética se relaciona con:
La naturaleza………………………………………………………………………..
Las relaciones
humanas…………………………………………………………...
Los objetos creados por el hombre
………………………………………………
c. Escribe una semejanza y una diferencia entre la educación estética y la
educación artística.
GLOSARIO
Cotidiano.……………………………………………………………………………………
Cognoscitivo.…………………………………………………………………………………
Psíquico………………………………………………………………………………………
Advenimiento…………………………………………………………………………………
Mediador

BUSQUE CINCO PALABRAS QUE USTED DESCONOZCA EN ESTÁ LECCIÓN
CON SU
RESPECTIVO SIGNIFICADO:
1. ……………………………………………………………………………………………
2. …………………………………………………………………………………………….
3. ……………………………………………………………………………………………..
4. ……………………………………………………………………………………………..
5. ………………………………………………………………………………………………
Firma del estudiante Firma del profesor Calificación
OBSERVACIONES………………………………………………………………………………
…………
………………………………………………………………………………………………..

Lección N° 2
CINE
Objetivo: Conocer la definición de cine y adentrarse al
mundo del mismo.
Introducción a la historia y estética del cine
El poder de convocatoria del fenómeno cinematográfico ha demostrado que puede
superar en un grado muy elevado al de otras actividades carácter cultural, social y
religioso. Dichas producciones en poco más de un siglo han logrado un reconocimiento
económico, comunicativo y estético sin precedentes, más aun con el impulso de las
nuevas tecnologías que se han alineado para contribuir a su desarrollo y
espectáculo.
Definición
El cine (abreviatura de cinematográficas) es la técnica de proyectar fotogramas
de forma rápida y sucesiva para crear la impresión de movimiento, al cual se lo
conoce con el nombre de video, película, filme o film.
Historia del cine
El cine hace su aparición el 28 de diciembre de 1895, mediante la proyección pública de
la salida de obreros de una fábrica francesa, la demolición de un muro , la llegada de
un tren y un barco saliendo de un puesto, por parte de los hermanos Lumiere.
Posteriormente después de crear cerca de 500 películas de este tipo y con los
espectadores aburridos por la monotonía de las tomas, aparece George Meliés quien
desarrollo nuevas técnicas cinematográficas presentando los filmes “viaje a la luna” en
1904 y 2 viaje a través de lo imposible” en 1904, para los cuales empleo los primeros
efectos especiales. Posteriormente los films conocidos como cine mudo, en el que se

destacaron grandes directores como Alfred Hidchcock y Charles Chaplin, hasta que en
1927 se estrena l primera película con sonido denominada “el cantante de jazz”. No
fue sino hasta 1935, que apareció las películas a color con la cinta “la feria de
las vanidades”, demostrándose una gran mejoría en 1939 con “lo que el viento se llevo”.
Con el surgimiento de las voces, en 1928 hace su aparición el cine animado con Mickey
Mouse de Walt Disney, género que incorporo a los niños como espectadores.
Con la llegada de la segunda guerra mundial el cine se basa en la propaganda
nacionalista, el documental de guerra o el producto escapista. Al terminar la guerra las
producciones fílmicas abordan temas humanitarios, policiacos y relacionados con los
padecimientos a lo largo de la guerra. A partir de los años 50 con la aparición del
televisor, el cine decrece en número decrece en número de espectadores por lo
Que se vuelve más espectacular, por lo que la pantalla crece, se proyecta en color y el
sonido se convierte en estéreo.
A finales de los años 70, después de un cine basado en el catastrofismo, quizá como
reflejo del peligro atómico, se impone las superproducciones desde el punto de vista de
la calidad y rentabilidad con producciones como “ la guerra de las galaxias” 1977 de
George Lucas. A partir de os años 80, la aparición e introducción del video y el
aumento de los canales televisivos permiten que muchos espectadores del cine, se
queden en casa, por lo que el cine busca nuevamente la espectacularidad que gracias
a los nuevos procedimientos para crear efectos especiales se realizan producciones
basadas en héroes del comic como “Superman”. En los años 90 continúan los comics
en las salas de cine, así como las comedias clásicas, los grandes dramas, los dibujos
animados, así como series de televisión exitosas creadas para la pantalla grande. Con
el aparecimiento del computador y su capacidad para manipulas imágenes inicia una
nueva era del cine en la que los hombres de carne y hueso son fácilmente
transformados en hombres cibernéticos, reviven los dinosaurios, así como los
personajes muertos hace décadas. Se estrena la primera película creada
completamente en el computador denominada” Hoy Story” en 1995, considerada la
primera cinta creada en su totalidad con efectos de animación digitales en estrenarse
en la historia del cine. Actualmente el cine ha tenido un nuevo repunte gracias a la
tecnología
3D que mediante el uso de unas gafas especiales permite ver las producciones
cinematográficas tal como lo viéramos en el mundo real, lo que ha volcado
enormemente al público nuevamente hacia las salas del séptimo arte.
Estética del cine
La estética abarca la reflexión de los que consideramos fenómenos artísticos, por lo
tanto, la estética del cine comprende el estudio del cine como arte y el estudio de los
filmes como mensajes artísticos.
La estética del cine comprende dos aspectos: es aspecto estético propio del cine y el
análisis de los filmes o la crítica en el sentido de la palabra, tal como se utiliza en las

artes plásticas o la musicología.
Realización cinematográfica
Generalmente el cine de producción industrial requiere de cinco etapas para su
realización: desarrollo, preproducción, rodaje, postproducción y distribución. El equipo
técnico básicamente está conformado por:
El productor cinematográfico, principal responsable de los aspectos organizativos
y técnicos de la elaboración de una película.
El director cinematográfico, encargado de la filmación de la película y dar las
instrucciones a los actores y personal técnico para garantizar la calidad del filme.
El guionista, encargado de crear el guion ya sea una historia original, una
adaptación de otro guion o de una obra literaria.
El técnico de sonido, encargado del sonido durante el rodaje y quien luego
junto al editor de sonido, el compositor de la música, los artistas de efectos
sonoros y doblaje, generan la banda sonora original.
El director de fotografía, encargado del encuadre, la iluminación, la óptica y todo
lo visual de la producción.
El montador, encargado del montaje cinematográfico, es decir de escoger
una vez rodada la
Película, ordenar y elegir una selección de planos, de acuerdo al punto de vista
del director y del propio montador.
Así mismo, la producción contara también de la participación de un director de
arte, escenógrafos, maquilladores, utileros, dobles, etc.

Educación Artística Página
10
Lección No. 2
NOMBRE: _______________________________________________________________

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¿Qué es el cine mudo?
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CUESTIONARIO
¿Qué es cine?
……………………………………………………………………………………………………
……………………………………………………………………………………………………
……………………………………………………………………………………
¿Cuál es la fecha oficial del nacimiento del cine?
……………………………………………………………………………………………………
……………………………………………………………………………………………………
Enumere las cinco etapas de realización cinematográfica
……………………………………………………………………………………………………
……………………………………………………………………………………………………
……………………………………………………………………………………………………
……………………………………………………………………………………………………
…………………………………………………………………………
GLOSARIO
Fotogramas:
…………………………………………………………………………………
Cinematografía……………………………………………………………………………
…
Comedia:……………………………………………………………………………………
Rodaje:………………………………………………………………………………………
Preproducción:
………………………………………………………………………………………..

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BUSQUE CINCO PALABRAS QUE USTED DESCONOZCA EN ESTA LECCIÓN
CON SU RESPECTIVO SIGNIFICADO:
1.-
2.-
3.-
4.-
5.-
Firma del estudiante Firma del profesor
Calificación
OBSERVACIONES………………………………………………………………………………
…………
………………………………………………………………………………………………..

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Lección N°3
Objetivo: Conocer y formar a espectadores en los recursos técnicos y personales
necesarios para el desarrollo del cine.
Elementos Fundamentales de un Filme
El cine es considerado como séptimo arte.
Elementos del Lenguaje audiovisual.
Desde el punto de vista de la imagen fílmica, tenemos distintos componentes, que
los describimos brevemente a continuación.
A) El Fotograma.- cada una de las fotografías fijas (diapositivas o imágenes)
que forman el conjunto de una película cinematográfica rodada en celuloide.
Es el elemento más pequeño de una película.
B) El Plano.- conjunto de imágenes que constituyen una misma forma. Hay de
diferentes formas según el ángulo de la cámara. Los diferentes tipos de planos
que se utilizan en el cine dependen de la distancia existente entre la cámara y el
sujeto fotografiado, además por la longitud focal del objetivo empleado.
C) Movimientos de cámara.- los movimientos de cámara pueden ser ópticos o
físicos, entre los que destacan los movimientos físicos y los movimientos ópticos
de la cámara.
D) La luz.- la utilización de la luz y la sombra en las grabaciones permiten crear
una atmósfera
determinada, ayuda a expresar sentimientos y emociones y resalta la
profundidad de los ambientes. La luz puede ser natural o artificial y su estilo
puede ser realista o efectista.
E) El vestuario.- el uso del vestuario en el cine no es diferente al que se lo utiliza
en el teatro pero si es más marcada su importancia distinguiéndose los
siguientes tipos:
En el vestuario realista.- el sastre lo diseña conforme a la realidad histórica
del libreto.
En el vestuario parar realista.- el sastre se inspira en los documentos de
la época, pero los rediseña buscando una espectacularidad de la

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indumentaria por encima de su
exactitud histórica.
En el vestuario simbólico.- la exactitud histórica no tiene importancia y la
indumentaria sirve fundamentalmente para ayudar a caracterizar el
carácter de los personajes, así como su clase social o estado de ánimo.
F) Los Decorados.- es el espacio preparado para el rodaje de escenas, construido
con diferentes materiales y que permite simular lugares reales. Los tipos de
decorados son interiores o exteriores y reales o artificiales.
G) El color en el cine.- El color en el cine proporciona mayor adecuación a la
realidad y una amplia libertad para el juego
De carácter creativo. Adicionalmente el color juega un papel fundamental en la
sensación de proximidad o lejanía de un filme por ejemplo los colores cálidos
(rojo, naranja, amarillo) dan una impresión de proximidad, mientras que los
colores fríos (verde, azul, violeta) dan una impresión de lejanía.
Simbolismo del
color.
COLOR SIGNIFICADOS TÍPICOS
Negro Formalidad, nitidez, riqueza, fuerza, elegancia
Azul Frialdad, melancolía, depresión, tranquilidad, serenidad,
grandeza.Oro Amor, realeza, riqueza, imperial.
Rojo Pasión, ira, odio.
Rosado Ternura.
Anaranjado Festividad, alegría, energía, salud.
Amarillo Claridad, madurez, traición, vergüenza.
Verde Frescura, crecimiento, juventud.
Blanco Pureza, virginidad, limpieza inocencia, paz.
Violeta Lujo, religiosidad, ostentación.
H) El sonido.- desde el inicio el cine contó con la utilización del sonido en la
proyección de sus
imágenes, ya sea mediante el acompañamiento musical en vivo o mediante la
utilización de máquinas especiales que producían sonidos como tempestades o
el trinar de los pájaros y a partir del año 1922 se logra integrar dentro del filme
tanto la imagen como el sonido dando inicio al cine sonoro. El cine
cinematográfico actualmente se presenta en forma de voz, música, ruidos o
efectos y silencios y su función está estrechamente relacionada en función de la
imagen.
La voz junto con la imagen desarrollan el relato de manera lógica,
ayudan a economizar el filme y hacerlo más comprensible.
La música cumple la función de anuncio y reiteración cada vez que
aparece un personaje u ocurre una situación.
Los ruidos y los efectos son utilizados principalmente como elementos
onomatopéyicos de los objetos que aparecen en la imagen.
El silencio es utilizado como un valor altamente emotivo.

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PLANOS VISUALES Y SONOROS.
Así como el lenguaje verbal utiliza sustantivos, verbos, adjetivos, y otros elementos
gramaticales, el lenguaje audiovisual se construye utilizando algunos elementos
morfológicos que se dividen en visuales y sonoros (música, efectos de sonido, palabras
y silencios); pero además de estos elementos para construir un mensaje verbal, es
necesario seguir ciertas normas sintácticas que nos permitan elaborar frases con
sentido, de igual modo, al crear un mensaje audiovisual tenemos que seguir ciertas
normas sintácticas, que influirán en su significado final. Estos aspectos sintácticos a
considerar son los planos, los ángulos y los movimientos de cámara, los cuales a su
vez estarán integrados ordenadamente tanto de manera visual como sonora.
A continuación detallaremos los principales planos que nos permitirán crear mensajes
audiovisuales efectivos:
Planos.- indican la cercanía o lejanía de la cámara respecto a lo que se filma. Los
principales planos que se utilizan son:
Gran plano general.- también conocido como plano panorámico, muestra un
escenario amplio en donde aparecen muchos personajes. Existe una gran
distancia entre la cámara y el objeto a filmar.
Su objetivo es mostrar el espacio en donde se desarrolla la escena, siendo utilizado
muchas veces
Para destacar la pequeñez de los personajes en un contexto.
ano general.- capta a los personajes de cuerpo entero y muestra en detalle el
entorno que los rodea. Se utiliza para comenzar una escena o situar una acción.
Frecuentemente aparece como portada de las películas.
Plano entero.- se realiza de manera más cercana y muestra el cuerpo del
personaje como límite de toda la pantalla (de los pies a la cabeza) muestra a la
perfección la acción que desarrollan los actores permitiendo apreciar sus
características físicas.
Plano medio.- la cámara se ubica cerca y muestra el personaje de la cintura
hacia arriba, presenta la acción que despliega el actor, permitiendo apreciar sus
emociones.
Plano americano.- similar al plano medio, pero muestra al personaje de las
rodillas, hacia arriba, poniendo énfasis en el rostro y manos del actor. Fue muy
utilizado en las películas del viejo oeste donde se mostraba las pistolas y rostro
del vaquero.
ano conjunto.- en el encuadre aparecen dos personas, utilizados
generalmente en conversaciones.
lano medio corto.- la cámara muestra al personaje desde la cabeza hasta la
mitad del pecho, permitiendo una atención máxima en el personaje.

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Primer plano.- la cámara muestra el rostro
y los hombros del personaje, mostrando confidencia e intimidad respecto al
personaje.
imerísimo primer plano.- capta el rostro del actor desde la base del mentón
hasta la parte de arriba de la cabeza dotando de gran significado a la imagen.
Plano detalle.- muestra en su máxima expresión a una figura, personaje u
objeto destacando algún detalle que de otra forma pasaría desapercibido.
Plano secuencia.- secuencia filmada de manera continua, sin corte entre
planos, en la que la cámara debe desplazarse bajo una meticulosa
planificación.
Plano subjetivo.- esta toma nos muestra desde el punto de vista del personaje,
es decir vemos la
Acción y los acontecimientos como si fuésemos el personaje mismo dentro de la
pantalla.
F
i
c
h
a
N
o
.
3

COLEGIO PARTICULAR A DISTANCIA
“CONTINENTAL”
Acuerdo Ministerial Numero Nº 3701
17
LECCION N°3
NOMBRE: _______________________________________________________________

“CONTINENTAL”
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INVESTIGO
Ver la película “THE KID” de Charles Chaplin y emitir un comentario.
……………………………………………………………………………………………………
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CUESTIONARIO
Define
¿Qué es un plano general?
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¿Qué es un plano medio?
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¿Qué es un plano secuencia?
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¿Qué proporciona el color en el cine?
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“CONTINENTAL”
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GLOSARIO
Pararrealista………………………………………………………………………………
Simbólico…………………………………………………………………………………
Indumentaria………………………………………………………………………………
Onomatopeya……………………………………………………………………………
Infotecnología……………………………………………………………………………
BUSQUE CINCO PALABRAS QUE USTED DESCONOZCA EN ESTÁ LECCIÓN
CON SU
RESPECTIVO SIGNIFICADO:
1. ……………………………………………………………………………………………
2. ……………………………………………………………………………………………
3. ……………………………………………………………………………………………
4. ……………………………………………………………………………………………
5. ……………………………………………………………………………………………
Firma del estudiante Firma del profesor
Calificación
OBSERVACIONES…………………………………………………………………………………
………
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“CONTINENTAL”
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Lección N° 4
ELEMENTOS FUNDAMENTALES DE UN FILM
Objetivo: Conocer cuáles son los elementos fundamentales para la producción
de una película.
Ángulos.- Según la posición de la cámara, podremos captar el objetivo bajo distintos
ángulos entre los que destacamos:
Angulo normal: El ángulo de la cámara es paralelo al suelo a la altura de la mirada
del personaje. Es el que se utiliza habitualmente
Angulo picado: Este ángulo se obtiene dirigiendo la cámara desde arriba hacia
abajo del personaje, haciendo este parezca más pequeño en relación a su entorno.
Contrapicado: Este ángulo se obtiene dirigiendo la cámara de abajo hacia arriba del
personaje, haciendo que este parezca más grande en relación a su entorno.
Inclinación lateral: El ángulo de la cámara se ubica con una inclinación hacia un
costado, mostrando de esta manera imágenes inclinadas.

“CONTINENTAL”
21
Movimientos de cámara: Como lo habíamos visto anteriormente los movimientos de
cámara pueden ser físicos u ópticos.
1. Movimientos físicos de la cámara:
La panorámica es el giro dela cámara sobre su propio eje. Puede ser horizontal,
vertical u oblicuo.
Se utiliza generalmente para descubrir un escenario o para relacionar elementos
de una misma escena que no aparecen en el mismo cuadro.
El travelling es un movimiento que desplaza la cámara de un lugar a otro,
normalmente sobre unos rieles, grúa o el movimiento del camarógrafo. Los
principales movimientos son travelling lateral y travelling frontal.
El movimiento libre es cuando la cámara se mueve sin seguir un orden
concreto. También se lo conoce como cámara al hombro o steadycam, muy
utilizado en filmaciones sobretodo televisivo realizado en condiciones difíciles
como accidentes, guerras o aglomeraciones.
2. Movimientos ópticos de la
cámara
El zoom se realiza con las cámaras que tienen objetivos de focal variable u
objetivos zoom.
Permite hacer que los objetos se acerquen o se alejen sin desplazar la cámara.
Mediante el uso del zoom los objetos que se acercan se comprimen, impidiendo
encontrar áreas escondidas detrás de los objetos. Actualmente se evita usar este
recurso de manera excesiva pues cansa y marea al espectador.
El desplazamiento es de foco es un movimiento óptico que permite descubrir
nuevos elementos dentro de un plano.
Organización de los planos
Todos los planos dependen de cuatro elementos que se diferencian según se muevan o
no, los cuales son: El objetivo.- Hay diferentes clases de objetivos con diferentes
características. Un cambio de objetivo o una alteración de la colocación influyen en el
contenido del plano.
La cámara.- Como ya vimos anteriormente la cámara puede rodar hacia arriba o hacia
abajo, en picado o contrapicado, o a derecha o a izquierda, en panorámica.

“CONTINENTAL”
22
La montura.- Se trata de soporte en el que se asienta la cámara que puede moverse
hacia arriba o hacia abajo, a la izquierda o a la derecha, en dirección lateral,
acercándose o alejándose del individuo. Hay monturas que se colocan en el hombro, en
un trípode, hasta una grúa totalmente mecanizada.
El sujeto.- Puede tratarse de una o más personas, un ser vivo, un objeto animado o un
objeto no animado. Una adecuada organización de los planos se realiza ya en el
proceso de montaje.
El montaje como proceso básico
El montaje es el proceso que se utiliza para ordenar los planos y secuencias de una
película, de forma que el espectador los vea tal y como quiere el director. La
manera de colocar los diversos planos puede cambiar completamente el sentido, y
por lo tanto el mensaje, de una película. Un montaje se puede realizar mediante
uno de los siguientes procedimientos:
Por corte.- mediante este procedimiento la transición entre plano y plano no es
percibida por el espectador.
Por encadenado.- la transición es gradual de plano a plano que se la consigue
montando una sobre otra las imágenes y si es percibida por el espectador.
Cada uno de los procedimientos se elige según los requerimientos del director.
El resultado de un montaje dependerá de los elementos que se utilizan y como
se los utilice.
La razón de realizar un montaje básicamente es darle continuidad al filme y
producir un efecto psicológico en el espectador.
Manejo del encuadre, la puesta en escena, la narración, las actuaciones y otro
recursos cinematográficos.
El proceso de creación de una película consta de tres grandes fases, muchas veces
difíciles de separar. La primera fase es la de preparación o producción en la que se
establece el guion, una sinopsis del filme y todos los aspectos necesarios para el rodaje
del filme. La segunda fase, que consiste en el rodaje en sí, al que también se le conoce
como la fase de producción del film, aquí intervienes los actores y el equipo de
especialistas en distinto campos que contribuyen en dicha producción. Finalmente la
tercera fase, denominada post producción donde se realiza el trabajo de montaje,
es considerada para muchos cineastas, la fase más importante pues da el ritmo a la
película e inclusive su sentido.
El éxito y calidad de un filme, sin embargo, va a depender del éxito y calidad de cada
una de sus etapas, pues cada una depende del trabajo de la anterior, ya que en
definitiva se monta lo que se ha rodado.

“CONTINENTAL”
23
En la fase de producción, el uso que le demos a muchos de sus elementos
condicionara a la calidad final de in filme; entre los que podemos mencionar:
El encuadre.- Se lo puede definir como la distancia relativa que existe entre el
sujeto u objeto representado y el observado, lo que nos permite tener la
impresión de estar cercano lejos del motivo principal de la imagen. Existen
diferentes encuadres los cuales van desde el más cerrado hasta el más abierto.
La puesta en escena.- Hace referencia a plasmaren imágenes el guion de la
película, para lo cual el director deberá conjugar todos los elementos necesarios
tales como decorados, escenografía, iluminación, vestuarios, caracterización,
interpretación, sonido, etc. En resumen la puesta en escena es el momento que
coincide con la entrada y salida de los personajes al marco de escena, es decir,
el momento que el director empieza diciendo: luces, cámara, acción hasta
que grita corten.
La banda sonora.- estrecha banda a lo largo de un margen de los
fotogramas en la que esta registrado el sonido, compuesto por diálogos, los efectos
de sonido y la música. En el montaje de una película, en la edición de un video se lo
puede incorporar al filme de manera separada para mejorar la calidad, eliminar
ruidos producidos durante la filmación, agregar efectos especiales, etc.
El tiempo en el cine.- la habilidad del director para resumir en unas cuantas
escenas diferentes periodos de tiempo, permite observar al espectador
trasladarse a lo largo del tiempo imperceptiblemente. Con la ayuda de la persona
que realiza el montaje , de manera visual se comprime o expande el tiempo a
través de las hojas de un calendario que va pasando, titulares de diarios,
escenas del desayuno que se muestran desde el presente hacia el pasado o
futuro, etc.
La actuación.- expresión verbal; a diferencia del teatro en la que la
exposición hacia los espectadores es directa, la actuación cinematográfica está
sujeta a la medición de la cámara, el montaje y otros elementos que permiten
modificar la interpretación original. Durante la filmación, las escenas se
ruedan plano a plano, por lo que se realizan varias tomas de los mismos,
supeditados a factores económicos y el plan de rodaje que obliga a los
actores a interpretar algunos papeles de manera no secuencial lo que hace que
pierda continuidad de la trama del filme.

“CONTINENTAL”
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Diseño de una historia utilizando storyboard
El storyboard conocido también como guion grafico está formado por
un conjunto de ilustraciones mostradas en secuencia que sirve de guía para
entender una historia, pre visualizar una animación o seguir la estructura de una
película antes de realizarse o filmarse.
Características básicas de estructura del storyboard:
El storyboard está formado por viñetas o cuadros en los que se dibujan las
imágenes más importantes de la acción.
Las imágenes corresponden a los planos o tomas específicas de cada escena,
determinados por el realizador del storyboard, por lo que el dibujante deberá
poseer conocimientos básicos del lenguaje visual del cine y televisión, sobre
todo en lo referente a planos, ángulos y movimientos de cámara.
Existen infinidad de variantes para ordenar las viñetas, es recomendable
diseñarlo para leer de izquierda a derecha y de arriba hacia abajo.
Junto a cada viñeta se escriben generalmente la siguiente información:
número de la escena, identificación de la escena, numero del plano, breve
descripción del audio, breve descripción de la imagen a filmar, etc.
La memoria visual del entorno
“la imagen se recuerda mejor que la palabra” con esta fase queremos dar a notar la
importancia de la imagen en nuestra vida diaria y que se encuentra relacionada con la
capacidad que tenemos las personas para recordar rostros, formas o cualquier objeto
que lo miremos.
Actualmente la industria del cine con la ayuda de la tecnología ofrece imágenes
impactantes y de alta calidad que nos permiten tener un recuerdo casi real de lo
observado en la pantalla.
Evaluación de la calidad artística de un filme
Para determinar la calidad artística de un filme (y no limitarse a repetir lo que otros han
dicho), necesariamente se deberá analizar las películas, a sus actores y la estética de
la misma. Esto no implica que no vayamos a disfrutar de la obra fílmica, por el
contrario es una forma más culta de apreciarla, ya que además de estimular su
belleza, se reflexiona sobre ella y se descubre los procedimientos de su creación.
Las fichas filmográficas representan un modelo de análisis simplificado útil para
la lectura e interpretación de un filme. Dependiendo del género de la película
resaltaran distintos elementos, por ejemplo, en una comedia musical serán muy
importantes la escenografía y la banda sonora, mientras que en un drama resultara

“CONTINENTAL”
25
indispensable el análisis de los personajes y los diálogos.
La ficha técnico- artístico
El uso de esta ficha permite explicar elementos del contexto de la
producción tales como:
Empresa productora
Año y país
Productor
Guionista
Operadores
Actores
Género
Sonido
Fechas y lugar de rodaje formato de película
Fecha de estreno
Recaudación y número de espectadores, etc.

EDUCACIÓN ARTISTICA
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Ficha No. 4
NOMBRE: _______________________________________________________________

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INVESTIGO
¿Qué es un cortometraje?
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.........................................................................................................................................
.........................................................................................................................................
.........................................................................................................................................
.......................................................................................................................
CUESTIONARIO
Los planos dependen de cuatro elementos que se diferencian según se muevan o no,
los cuales son:
……………………………………………………………………………………………………
……………………………………………………………………………………………………
……………………………………………………………………………………………............
.................................................................................................................................
¿Qué es el montaje? Procedimientos para realizar un montaje:
……………………………………………………………………………………………………
……………………………………………………………………………………………………
……………………………………………………………………………………………………
………………………………………………………………………………………..
Explica en tus propias palabras, en que consiste la pre-producción, la producción y
la post-producción de un filme.
……………………………………………………………………………………………………
……………………………………………………………………………………………………
……………………………………………………………………………………………………
……………………………………………………………………………………………………
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28
GL
OSARIO
Contrapicado: ………………………………………………………………
Plano…………………………………………………………………………
Encadenado:…………………………………………………………………
Escenografía:…………………………………………………………………
Escena: ………………………………………………………………………
BUSQUE CINCO PALABRAS QUE USTED DESCONOZCA EN ESTA
LECCIÓN CON SU RESPECTIVO SIGNIFICADO:
1.
……………………………………………………………………………………………………
2.
…………………………………………………………………………………………………..
3.
………………………………………………………………………………………………….
4.
………………………………………………………………………………………………….
5.
…………………………………………………………………………………………………..
Firma del estudiante Firma del profesor Calificación
OBSERVACIONES……………………………………………………………………
………………………………………………………………………………………………..

29
LECCION 5
EL STORYBOARD
Antes de pasar a la filmación de una
película se debe elaborar un guion. El
guion cinematográfico es un
documento de producción, en el que
se expone el contenido de una obra
cinematográfica con los detalles
necesarios para su realización y
contiene la división por escenas,
acciones y diálogos entre personajes,
acontecimientos, descripciones del
entorno y acotaciones breves para los
actores sobre la emoción con que se
interpretará. Existen guiones literarios
y guiones gráficos como el
Storyboard.
El storyboard se utiliza para definir las
secuencias, así como las variaciones
de plano, gestos y posiciones de los
actores, en cada una de las escenas
antes de rodarla. Además, incluye
anotaciones con las dificultades de algunos planos o cosas a tener en cuenta por el
equipo técnico al momento de rodad. En la creación de un estoryboard, los personajes
y el fono se pueden retratar únicamente mediante siluetas, pero siempre recalcando los
elementos importantes en la acción como pueden ser flechas para indicar movimiento
de cámara o de actores, o la expresión de un actor en un plano determinado.
El stroyboard ayuda a visualizar las ideas del guionista y es muy utilizado en películas
con diseños visuales muy elaborados. En el storyboard, cada dibujo va acompañado de
un comentario descriptivo de la acción, narración o diálogo.
El producto final es muy parecido a una tira cómica con viñetas individuales que
presentan las imágenes importantes del desarrollo de la historia. Se puede hacer
utilizando fotografías, recortes de revistas, transparencias y, en general, cualquier
material visual. Puede diseñarse a lápiz, a tinta, a color o en blanco y negro. La calidad
artística es lo de menos si el storyboard explica claramente lo que se quiere captar en
cada escena.
Las mejores razones para elaborar un storyboard son las siguientes:

30
1. Facilita visualizar el desarrollo de la
historia de una manera más clara
2. Permite al guionista ubicar precisamente el efecto que quiere, haciendo sus
indicaciones en dibujos.
3. Le permite al guionista saber si una acción dada se traducirá bien del guión a la
escena.
Características básicas de la estructura del Storyboard
El storyboard está formado por viñetas o cuadros, proporcionales al formato de pantalla
que se utilizará en la producción fina, en los que se dibujan las imágenes más
importantes de la acción que corresponden a planos o tomas específicas de cada
escena, determinados por el realizador del storyboard con base a movimientos de
cámara específicos.
Existen infinidad de variantes en la ordenación de las viñetas. Algunos storyboards se
leen de arriba hacia abajo; otros presentan una lectura de izquierda a derecha, lo
recomendable es diseñarlo tomando en cuenta que la cultura occidental nos ha
acostumbrado a leer de izquierda a derecha y de arriba hacia abajo. Debajo de cada
viñeta se escribe brevemente la siguiente información:
Número de la escena.
Identificación de la escena.
Número del plano o imagen dentro de la escena.
Breve descripción del audio (diálogo, música y/o sonidos).
Observaciones técnicas breves (opcional).
Entre una viñeta y otra, se indica la manera en que se dará la transición entre
imágenes. Estas transiciones pueden ser por:
Corte directo.
Movimiento de cámara o del lente de la cámara (zoom).
Disolvencia entre una imagen y otra.
LA MEMORIA VISUAL DEL ENTORNO
El cine y la historia logran conectarse estrechamente debido a que en muchos de los
casos el séptimo arte ha ayudado a la historia a narrar o relatar efectivamente lo
sucedido sin perder muchos datos. El cine otorga detalles narrados por los distintos
cronistas que hoy en día se hubieran olvidado o inclusive no serían reconocidos
mundialmente de no haberlo hecho.
La historia sólo existe en las palabras que la explican motivo por el cual ésta va
cambiando continuamente y constantemente. El hombre se define por su historia, ya
que el pasado narra su cultura y esencia, por lo tanto, son indispensables para todos
los distintos medios para poder ampliar nuestros conocimientos de manera que estos
queden en la memoria de por vida; siendo uno de estos medios el arte del cine que fija

31
los conocimientos de manera especial,
utilizando la memoria visual, auditiva y en ciertos casos con humor, romanticismo y
tragedia.
FICHA Nº 5
EL STORYBOARD
INVESTIGO
Investigue el nombre de cinco storyboards.
______________________________________________________________________
______________________________________________________________________
______________________________________________________________________
______________________________________________________________________
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______________________________________________________________________
______________________________________________________________________
______________________________________________________________________
________________________________________________________
GLOSARIO
 Guionista:
________________________________________________________________
 Corte directo:
________________________________________________________________
NOMBRE: _________________________________
CURSO: ___________________________________
PARALELO: ________________________________
FECHA: ___________________________________

32
 Escena:
_______________________________________________________________
 Zoom:
________________________________________________________________
 Tira cómica:
________________________________________________________________
Escriba cinco palabras no asimiladas en la lección con su concepto:
________________________________________________________________
________________________________________________________________
________________________________________________________________
________________________________________________________________
________________________________________________________________
RESUMO
Elabore un resumen de la ficha con sus propias palabras, para esto puede utilizar
mapas conceptuales, cuadros sinópticos o un resumen.

33
CUESTIONARIO
 Contesta: ¿Qué es un storyboard?
___________________________________________________________________
___________________________________________________________________
___________________________________________________________________
________________________________________
 Contesta: ¿Cuáles son las funciones del storyboard?
___________________________________________________________________
___________________________________________________________________
___________________________________________________________________
_______________________________________
 Completa el cuadro:
Las mejores razones para elaborar un stroyboard son:
CALIFICACIONES
INVESTIGO GLOSARIO RESUMO CUESTIONARIO

34
LECCIÓN 6
CALIDAD ARTÍSTICA EN UN
FILME
El cine es un medio de
comunicación que cuenta
historias, transmite valores y es
portador de arte y de
conocimientos, por lo tanto es
necesario interpretar sus
resultados para descubrir qué es lo que nos quiere comunicar. Por eso no basta con
ver un filme, sino que hay que conocer, descubrir e interpretar, con ojo crítico, las
técnicas utilizadas para que los mensajes lleguen a nosotros de la forma más parecida
a como quienes la han realizado, lo han pretendido.
Cómo se realiza una película
Analizar una película es reflexionar sobres sus distintos elementos, partes y personajes
por separado, con el fin de encontrar lo que la película puede enseñarnos técnica y
subjetivamente.
Elementos técnicos
Toda película puede analizarse teniendo en cuenta en primer lugar los elementos
objetivos: narración, planos, encuadres, montaje, sonido, color, etc.
Se debe desglosar escenas o secuencias de películas para analizarlas por separado
para luego llegar a analizar la película completa.
También se puede separar todas las
secuencias distintas, o de una secuencia
diferenciar claramente los planos y cada tipo
de ellos. Debemos profundizar en la
actuación de los actores, si se está
expresando bien la idea central, si la
narración de la historia es correcta, si la
estructura musical es adecuada para
transmitir el mensaje que se ha deseado.
También podemos realizar una ficha técnica de la película, en la cual se detallan datos
importantes como el nombre, año de filmación, minutos de duración, director, director
de fotografía, diseño de vestuario y maquillaje, actores principales, premios y género al
que pertenece.
FICHA TÉCNICA
Película:
Año: Duración:
Director:
Director de fotografía:
Diseño de vestuario y maquillaje:
Actores principales:
Premios:
Género:

35
El género cinematográfico es el tema
general de una película que sirve para clasificarla. Por su estilo se clasifican en:
DRAMA
Se centran principalmente en el desarrollo de un conflicto
entre los protagonistas, o del protagonista con su entorno o
consigo mismo.
COMEDIA Tiene la intención de provocar humor, entretenimiento o/y risa.
ACCIÓN
Argumento implica una interacción moral entre el bien y el mal
llevada a su fin por la violencia o la fuerza física.
AVENTURA Contienen situaciones de peligro y riesgo.
TERROR Tiene la intención de provocar tensión, miedo y/o el sobresalto.
CIENCIA
FICCIÓN
Presentan la progresión de lo desconocido a lo conocido por el
descubrimiento de una serie de enigmas.
ROMÁNTICO Hacen hincapié en los elementos amorosos y románticos.
MUSICAL
Contiene interrupciones en su desarrollo, para dar un breve
receso por medio de un fragmento musical cantado o
acompañado de una coreografía.
MELODRAMA
Tiene una carga emocional o moral muy fuerte o emotiva,
atendiendo al gusto de cada persona.
CATÁSTROFE El tema principal es una gran catástrofe natural o provocada.
Elementos subjetivos

36
Luego de analizar la parte técnica de la
toma y secuencias se puede llegar a sacar conclusiones propias, valorando el film
desde un punto de vista crítico. Las películas llevan en su interior multitud de mensajes,
que debemos saber encontrar e interpretar, por esto es importante prepararnos para
investigar sobre una película, ya que muchas veces los mensajes no están expresados
con claridad, y hay que descubrirlos mediante el análisis. Los realizadores de las
películas ven y valoran las distintas situaciones de manera distinta, y esto puede influir
en el espectador beneficioso o perjudicialmente, por esto hay que conocer y analizar
los mensajes para poder concluir con un criterio propio.
FICHA Nº 6
Calidad artística de un filme
INVESTIGO
Investigue 5 nombres de films de terror, 5 films de drama, 5 films de melodrama, 5 films
de aventura.
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NOMBRE: _________________________________
CURSO: ___________________________________
PARALELO: ________________________________
FECHA: ___________________________________

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__________________________________
______________________________________________________________________
______________________
GLOSARIO
 Narración:
________________________________________________________________
 Planos:
_______________________________________________________________
 Encuadres:
______________________________________________________________
 Drama:
________________________________________________________________
 Terror:
________________________________________________________________
________________________________________________________________
________________________________________________________________
________________________________________________________________
________________________________________________________________
________________________________________________________________
RESUMO

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CUESTIONARIO
 ¿Cuáles son los elementos objetivos de una película?
______________________________________________________________________
______________________________________________________________________
______________________________________________________________________
 Conteste Verdadero o Falso:
a. No se debe desglosar escenas o secuencias de películas para analizarlas
por separado para luego llegar a analizar la película completa. ( )
b. El cine es un medio de comunicación que cuenta historias, transmite valores
y es portador de arte y de conocimientos. ( )
c. En el drama se centran principalmente en el desarrollo de un conflicto entre
los protagonistas, o del protagonista con su entorno o consigo mismo. ( )
d. La comedia tiene la intención de provocar llanto y tristeza. ( )
 Enumere los elementos que tiene una ficha técnica.
___________________________________________________________________
___________________________________________________________________
___________________________________________________________________
___________________________________________________________________
_____________________________________________________

39
TEATRO
LECCIÓN 7
El Teatro
Es una rama de las artes escénicas que
representa historias mediante la
actuación en frente del público, usando
para estos fines el habla, los gestos, la
mímica, la danza, la música, sonido,
escenografía y espectáculo con los que
se sitúa la historia en un tiempo y
espacio concretos. Su característica esencial es la acción; la obra está escrita, pero lo
principal en ella es lo que ocurre gracias a la actuación de los actores que utilizan
gestos y actitudes que expresan el conflicto haciendo que la obra adquiera su
verdadera dimensión expresiva.
Los orígenes del teatro los encontramos en la unión de antiguos rituales sagrados para
asegurar una buena caza o temporada agrícola acompañados de la música y la danza.
En el antiguo Egipto ya que se representaban dramas sobre la muerte y la vida, usando
máscaras durante la dramatización. Durante el siglo V (a.C.), en Grecia, se sentaron
las bases de lo que vendían a ser los modelos tradicionales de la tragedia y la comedia
en occidente. Al comienzo las obras fueron representadas con un actor y un coro, pero
autores como Esquilo y Sófocles comenzaron a hacer teatro con más actores, lo que a
su vez llevó a construir los grandes teatros de piedra sobre las faldas de las colinas.
Los griegos desarrollaron la tragedia, representando temas relacionados con sus
héroes y dioses, con gran contenido emocional, y la comedia donde se ridiculizaba a
los políticos y personajes famosos de su tiempo.
Estructura de la obra de teatro
Toda obra de teatro debe seguir una estructura básica que consta de tres partes:
Exposición o detonante: es el principio de la obra y en ella se presentan los
datos más importantes de la obra.
Nudo: coincide con el momento de mayor tensión y donde la trama se complica.
Desenlace o clímax: es el momento en que se resuelve el problema planteado
en el desarrollo de la obra.
Personajes

40
Principales: son aquellos sobre los
que se recae el peso de la acción. Pueden ser protagonistas quienes actúan de
una forma y antagonista quien actúa de forma contraria al protagonista.
Secundarios: ayudan a los principales.
Escenografía
Puede estar compuesta de:
Decoradas: elementos necesarios para ambientar el escenario.
Vestuario: prendas y ropas de vestir.
Iluminación: luces y elementos luminosos para provocar efectos: día, noche,
tormentas….
Sonido: música y efectos sonoros para complementar lo que aparece en
escena: ruidos, etc.
CÓDIGOS VERBAL, PARAVERBAL Y NO VERBAL
Código verbal
El código verbal de comunicación que utiliza el lenguaje
escrito u oral presenta un emisor – receptor – mensaje –
contexto – canal – código, donde:
 El emisor: es quien emite el mensaje, quien
habla o escribe.
 El receptor: es quien recibe el mensaje, es decir, quien escucha o lee.
 Mensaje: es el enunciado, lo que se transmite desde el emisor al receptor, es
decir, lo hablado o escrito, construido según un código lingüístico.
 El código: es el sistema de señales o signos que se usan para transmitir un
mensaje, por ejemplo el idioma que se utilice.
 El contexto situacional: es el entorno donde se realiza la comunicación, ya sea
el entorno físico o la situación: política, social, histórica o de otro tipo.
 El contexto temático: es el tema en torno al que se organiza la situación
comunicativa.
 El canal: es el elemento físico que establece la conexión entre el emisor y el
receptor. Es el soporte material por el que circula el mensaje.
Tipos de textos utilizados en el teatro

41
Una obra de teatro está formada por dos
tipos de textos:
El TEXTO PRINCIPAL: es el contenido de la obra que se divide en actos, cuadros y
escenas. El acto es una unidad temporal y narrativa marcada por la subida y bajada del
telón. Los cuadros son parte del texto que está marcada por el cambio total o parcial
del decorado y las escenas están determinadas por la entrada o salida de los actores,
es decir que, cada vez que cambia el número de actores en escena, cambia la escena.
El texto principal usa cuatro formas de expresión:
Diálogo: es la conversación entre dos personajes.
Monólogo: es el modo de expresarse cuando un solo personaje está hablando.
Se llama también soliloquio.
Aparte: es la forma de hablar de uno o varios personajes que utilizan cuando
dicen algo sobre la obra, y los demás personajes fingen no enterarse.
Off: cuando se habla fuera de escena.
TEXTO SECUNDARIO O ACOTACIONES: son datos que aportan información para la
representación teatral y pueden ser:
Sobre la acción: datos e indicaciones sobre el lugar en el que se desarrolla la
acción: decoradas, épocas, mobiliario, etc. Iluminación con la que se expresan la
hora del día, un espacio concreto, etc. Sonidos, para indicar o provocar diversos
efectos.
Sobre los personajes: vestuario, movimientos, gestos, tono de voz,
intencionalidad expresiva.
Código para verbal
Son las entonaciones e inflexiones de la voz, distancias, velocidad a la que hablamos,
pausa, sincronía de los gestos. Este tipo de lenguaje, tiene la doble función de mejorar
la comprensión del lenguaje verbal y favorecer la manifestación de sentimientos,
emociones y de actitudes del que habla. Se compone de una serie de características
que complementan al lenguaje verbal como son: el volumen, el ritmo, tono de la voz,
las repeticiones, enlaces, sonidos y silencio.
Este código influye en la regulación de la conversación, expresando la invitación a
participar en ella a través de la elevación de tono al acabar el turno propio, en los
silencios que instan al entrevistado a hablar, en mostrar deseo de intervenir, etc.
El código para verbal tiene como elementos las entonaciones y el énfasis o pausas, es
decir aquello que nos permite decir algo en tono de pregunta, de exclamación o de
afirmación; en un tono irónico o no convencional; expresar un silencio o interrupción,
indicar el cambio de turno de los interlocutores, etc. y sus funciones son motivar al
receptor, permitir que el otro procese la información, señalar un proceso comunicativo
defectuoso, indicar el cambio de turno en los hablantes y manifestar sentimientos o

42
emociones lo que se traduce en su forma
escrita a los signos de puntuación y entonación.
Código no verbal
Son todos los movimientos de la cabeza, la expresión corporal, la orientación de la
mirada, el parpadeo, las expresiones faciales, los gestos corporales, señalar con el
dedo, muecas.
Clasificación
El código no verbal se clasifica en:
Kinésica: corresponde a los movimientos faciales
y corporales.
Proxémica: se
relaciona con la concepción,
estructuración y el uso del espacio, relacionándolo con la
distancia que se establece entre los participantes del
proceso comunicativo.
Icónica: incluye imágenes, señales y lenguajes
gráficos.
Musical: la música es otra manifestación de la comunicación no verbal. Las
melodías no necesariamente deben ir acompañadas de una letra para crear un
ambiente. Se usa la música para el cine, teatro y la televisión, reflejando estados
anímicos.
Kinésica
Proxénica
Icónica

43
Las manos: muy usada por el ser
humano para la comunicación. Hay tres posiciones
principales: con las palmas hacia arriba el cual es un
gesto no amenazador que denota sumisión, con las
palmas hacia abajo con el cual el personaje adquiere
autoridad y con la palma cerrada apuntando con un
dedo en alguna dirección. Este último gesto puede
irritar a la persona con quien se habla, especialmente si se acompaña con
ciertos gestos en el rostro.
Por otro lado, las palmas hacia afuera se asocian a la honestidad, la verdad, la
lealtad y la deferencia. A lo largo de una conversación también se dice mucho
mediante la posición en la que se colocan las manos. Los dedos entrelazados
son sinónimos de un gesto de
frustración. Cuantas más altas
estén las manos, más negativa
será la actitud del contrario.
Al mantener apoyados los dedos
de una mano contra otra,
formando un arco, se demuestra
gran confianza en uno mismo, se
denota superioridad y
conocimiento sobre un tema.
Cogerse las manos por detrás de
la espalda es también un gesto de superioridad; por el contrario, ponerlas en las
caderas resulta sumamente agresivo.
Ojos: también se comunica a través de la mirada. La mirada fija es
amenazadora. Los guiños expresan complicidad o simpatía.
Hombros: levantar los hombros expresa duda o ignorancia sobre un tema.
Cabeza: se utiliza para señalar una serie de ideas. Al mover la cabeza de arriba
hacia abajo indicamos aprobación, conformidad con una idea y mover la cabeza
de izquierda a derecha es un gesto de negación.

44
FICHA Nº 7
El Teatro
INVESTIGO
Investigue 10 nombres de obras de teatro que hayan sido realizadas en el Ecuador.
______________________________________________________________________
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NOMBRE: _________________________________
CURSO: ___________________________________
PARALELO: ________________________________
FECHA: ___________________________________

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GLOSARIO
 Teatro:
________________________________________________________________
 Tragedia:
_______________________________________________________________
 Comedia:
______________________________________________________________
 Desenlace:
________________________________________________________________
 Emisor:
________________________________________________________________
________________________________________________________________
________________________________________________________________
________________________________________________________________
________________________________________________________________
________________________________________________________________
RESUMO

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CUESTIONARIO
 Escriba sobre los tipos de textos que utilizan en el teatro.
______________________________________________________________________
______________________________________________________________________
______________________________________________________________________
 Conteste Verdadero o Falso:
a. La mirada fija es amenazadora. ( )
b. Levantar los hombros expresa seguridad e inteligencia sobre un tema.( )
c. La cabeza no se suele utilizar para señalar una serie de ideas. ( )
d. Mover la cabeza de izquierda a derecha es un gesto de afirmación. ( )
 Enumere en qué se clasifica el código no verbal.
___________________________________________________________________
___________________________________________________________________
___________________________________________________________________
___________________________________________________________________
_____________________________________________________
 ¿Qué es el código para verbal?
___________________________________________________________________
___________________________________________________________________
___________________________________________________________________
___________________________________________________________________
_____________________________________________________

47
LECCIÓN 8
CÓDIGOS NO VERBALES EN LA INTERPRETACIÓN DE UN PERSONAJE
El teatro no puede apoyarse solamente en
códigos verbales, ya que representa
aspectos de la realidad y en ella las personas
se comunican de manera compleja y no se
limitan al comportamiento verbal usando el
no verbal como apoyo o directamente
excluyéndolo, es por esto que los códigos no
verbales son muy importantes.
Los códigos no verbales utilizados en el
teatro se clasifican en:
El comportamiento espacial
Contempla todas aquellas relaciones que determinan la comunicación interpersonal, en
las cuales el espacio juega un papel fundamental. Incluye la utilización del espacio
personal y social y la percepción del mismo por parte del hombre donde se tienen en
cuenta tres factores determinantes del comportamiento no – verbal: el cultural, el
socioemocional y los factores de la estructura física del ambiente.
Este aspecto se subdivide en cinco grupos que son:
a. El contacto físico.
b. La proximidad.
c. La orientación.
d. La postura.
e. La configuración espacial, que en cierta
medida daría cuenta de las cuatro
anteriores, ya que toda interacción social,
desde el punto de vista de las relaciones
espaciales, determinan una configuración

48
del espacio dentro del que se
produce la comunicación entre individuos.
Los movimientos del cuerpo
La gestualidad del cuerpo, las manos y la cabeza ocupan un lugar importante. Se debe
tomar en cuenta que en la vida real muchas veces los gestos van mezclados, unos
apoyan o a veces contradicen a los otros. En las señales de las manos y los brazos se
tomaron en cuenta cinco grupos:
Los emblemas: todos aquellos gestos de las manos y los brazos que pueden ser
reemplazados fácilmente por palaras o frases. Por ejemplo: ¡Venga! ¡Salga! ¡Pare!, o
los saludos tales como agitar la mano o el brazo en alto.
Los ilustradores: gestos que acompañan y complementan la comunicación verbal con
delineamientos de formas, objetos y movimientos. Por ser complementarios, son muy
difíciles de aislar del aspecto verbal. Se conocen seis clases de ilustradores: las
batutas y los ideó grafos, que son gestos que van siguiendo la dirección del
pensamiento; los deícticos, que señalan lugares imaginarios o reales: los espaciales,
que ilustran las dimensiones, tamaños, volúmenes de las cosas o de las ideas: grande,
pequeño, lejano, etc.; los dictógrafos, que trazan las formas o las configuraciones
icónicas de los descrito; los gestos, que ilustran conceptos tales como vasto, delgado,
horizontal, fino, sinuoso, etc.,; los kinetógrafos, que ilustran los movimientos como
rápidos, lentos, zigzagueantes, etc.
Las manifestaciones de afecto: son indicadores de estado emotivo, que aunque su
principal medio expresivo es la cara, en este caso se refieren fundamentalmente al
cuerpo, tales como el frotarse las manos para demostrar inseguridad o impaciencia. Se
puntualizan siete sentimientos como estados primarios, con las múltiples variedades
que pueden derivarse de sus
combinaciones.
a. Felicidad.
b. Sorpresa.
c. Tristeza.
d. Temor.
e. Ira.
f. Asco.
g. Desprecio.

49
Veamos algunos gestos y lo que reflejan:
Acariciarse la quijada Toma de decisiones
Entrelazar los dedos Autoridad
Dar un tirón de oreja Inseguridad
Mirar hacia abajo No creer en lo que se escucha
Sentarse con las manos agarrando la
cabeza por detrás
Seguridad en sí mismo y superioridad
Pararse con las manos en las
caderas
Buena disposición para hacer algo
Manos en las mejillas Evaluación
Unir los tobillos Aprensión
Frotarse los ojos Cansancio
Tocarse ligeramente la nariz Mentir, dudar o rechazar algo
Brazos cruzados a la altura del
pecho
Actitud a la defensiva
Reguladores: son los gestos que regulan la sincronización de las intervenciones a lo
largo del diálogo recíprocamente entre el emisor y el receptor y se encargan de
puntualizar la conversación con movimientos de cabeza, cambios de postura, arqueo
de las cejas, etc., a manera de puntos, comas, interrogaciones, punto final, comillas o
puntos suspensivos.
Adaptadores: son gestos muy personales cuya función es adaptar a cada persona
como tal a la intención de comunicación. Son, en su mayoría, inconscientes, tenues y

50
muy personales, y se aprenden en la
niñez y con el paso del tiempo se vuelven gestos muy personales de cada persona. En
teatro, los actores deben desarrollar la capacidad de observación sobre este aspecto
del comportamiento no – verbal, tanto a nivel personal como sobre los demás para
poder llegar a realizar una excelente interpretación de cualquier personaje.
La expresión de la cara
La cara es el medio más rico e importante para
expresar emociones y estados de ánimo. A
través del conocimiento y de la observación de
las expresiones y movimientos faciales
podemos conseguir una mejor comprensión de
lo que comunican y usarlos en el trabajo actoral.
Existen gestos socialmente aprendidos según
reglas y otros que están fuera de control del
emisor como el sudor de la frente, el sonrojo,
pequeños tics, etc. Para el actor es interesante
conocer las reglas de exhibición, que van
desde la intensificación de los gestos para
una mejor comunicación, hasta los gestos de disimulo que enmascaran las
emociones o cambian una emoción por la contraria u otra diferente.
Un aspecto muy importante para los actores del teatro es el conocimiento de la
representación de sentimientos y emociones lo que les ayuda a mejorar su capacidad
expresiva y su destreza en el análisis y la observación de las emociones humanas.
El antropólogo americano Rey Birdwhistell encontró cincuenta y tres variantes a los que
llamó quinemas, los cuales acompañan la comunicación verbal de los interlocutores y
subrayan las transformaciones de los rasgos de la cara, como los movimientos de las
cejas, contracción de los párpados y de la
boca, etc.
La mirada
La mirada está ligada estrechamente a
las expresiones de la cara. Dentro del
carácter comunicativo de la mirada
existen dos elementos predominantes: la
dirección y la duración.
En la representación de un personaje, los
ojos desempeñan un papel
importantísimo en la demostración de los estados de ánimo, fundamentalmente en lo

51
relativo a la intensidad, la orientación, la
dirección y las variantes individuales según los rasgos de la personalidad de cada uno.
El aspecto exterior
Es muy importante en el arte teatral específicamente en el campo del plano operativo,
es decir, en el vestuario, maquillaje y escenografía. Existen dos grupos de señales:
estáticas y dinámicas.
Las estáticas son todas las señales enviadas por la cara, la configuración física de
cada persona, la voz, el vestido, el maquillaje y la piel; y las dinámicas aquellas que
pueden cambiar durante el transcurso de la interacción comunicativa, incluyendo todas
las señales estáticas por ejemplo cambio del peinado, distancia, del aspecto del
vestuario, posturas, gestos, movimientos del cuerpo, expresiones del rostro, dirección
de la mirada, tono de voz, ritmo y velocidad de discurso.
Este aspecto es de gran importancia en ciertas obras donde en el montaje es evidente
la preocupación por la figura de los personajes como elementos de presentación en
donde se utilizan máscaras, pelucas, etc., acentuando el aspecto exterior como
propuesta fundamental del estilo.

52
FICHA Nº 8
Códigos no verbales en la interpretación de un personaje
INVESTIGO
Investigue sobre la interpretación de Charles Chaplin en el teatro paraverbal.
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________________________________________________________
GLOSARIO
NOMBRE: _________________________________
CURSO: ___________________________________
PARALELO: ________________________________
FECHA: ___________________________________

53
 Emblemas (referente a los
movimientos del cuerpo):
________________________________________________________________
 Ilustradores (referente a los movimientos del cuerpo) :
________________________________________________________________
 Gestos:
________________________________________________________________
 Déiticos:
________________________________________________________________
 Pictógrafos:
________________________________________________________________
________________________________________________________________
________________________________________________________________
________________________________________________________________
________________________________________________________________
________________________________________________________________
RESUMO

54
CUESTIONARIO
 Enumere la clasificación de los códigos no verbales utilizados en el teatro.
______________________________________________
_______________________________________________
_______________________________________________
_______________________________________________
 Conteste Verdadero ( V )o Falso ( F ):
a. El comportamiento espacial son todas aquellas relaciones que determinan la
comunicación interpersonal, en las cuales el espacio juega un papel
fundamental. ( )
b. Los emblemas son los gestos que acompañan y complementan la
comunicación verbal. ( )
c. Los ilustradores son todos los gestos de las manos y brazos que pueden ser
reemplazados por palabras o frases. ( )
d. Los gestos reguladores son los que sincronizan las intervenciones a lo largo
del diálogo. ( )
 Enumere 5 gestos y lo que reflejan.
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___________________________________________________________________
___________________________________________________________________
_____________________________________________________
 Enumere las manifestaciones de afecto
___________________________________________________________________
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_______________________________
___________________________________________________________________
______________________
 ¿Qué puede reflejar la mirada?
___________________________________________________________________
___________________________________________________________________
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LECCIÓN 9
EL LENGUAJE PARAVERBAL EN LA
COMUNICACIÓN ESCÉNICA
Una sola frase puede tener las más diversas
entonaciones, según las circunstancias en que
se la pronuncie. Es decir que si la misma frase
la dice un director de banco, un mayordomo
inglés, un policía, un viejo profesor, una criada
o una dama de sociedad, las interpretaciones
serán distintas.
En el teatro, por importante que sea la interpretación plástica, la interpretación verbal
constituye siempre la base del trabajo del actor ya que su finalidad es dar vida a la
palabra del dramaturgo. La interpretación verbal exige como fundamento el correcto
fraseo y la cara dicción.
Fraseo
Es aprender a leer de acuerdo con el sentido de la frase, y tan claramente, que nada de
lo dicho se pierda. Cada frase encierra una imagen que le da su sentido. Esta imagen
puede ser representada por una sola palabra o por un conjunto de palabras, que
llamaremos palabras – guía. Se determina por medio de pausas de diferente duración.
Estas pausas pueden ser sólo un brevísimo instante o alcanzar una larga duración con
objeto de efectuar una transición. Su función es ordenar la frase y sirve a la vez para
respirar. Se respira siempre después de terminar definitivamente una idea; si la frase
es larga se busca el momento adecuado y más lógico para poder respirar. Las
siguientes son reglas de fraseo en relación con la puntuación gramatical:
1. La coma no significa forzosamente una pausa breve, en muchos casos se
ignora.
2. Donde debiera hacerse una pausa, faltan con frecuencia los signos respectivos.
3. Punto y coma pueden significar una pausa breve como una pausa prolongada,
lo define el sentido de la frase.

56
4. El punto no significa siempre bajar
la voz.
5. La voz se baja siempre antes de una transición y definitivamente donde
concluye una idea.
6. Los puntos suspensivos al final del parlamento significan un diálogo truncado
que hay que leer como si la frase estuviera completa; es decir, el actor debe
complarla “in mente” como si tuviera que decirla íntegra, cuidando, sobre todo,
de no hacer un “retardado” donde empiezan los puntos suspensivos.
7. Cuando entre dos parlamentos existe una pausa hay que marcarla; pero si es
necesario, al terminar el primer actor, entrará el segundo inmediatamente para
evitar pausas molestas y así llegar los dos parlamentos.
8. Debe mantenerse siempre el tiempo del diálogo para no violentar la frase ni
pisar la anterior.
9. Debe mantenerse siempre el tiempo del diálogo para no violentar la frase ni
pisar la anterior.
10.El final de las frases tiende a precipitarse, siendo este uno de los defectos más
comunes que hay que evitar.
11.La dicción defectuosa permite que las vocales se mezclen o confundan, que las
vocales se mezclen o confundan, que dobles consonantes desaparezcan: “En
nada” suena “enada” y “del lado”, “delado”. La defectuosa pronunciación es
imperdonable en el teatro.
12.Se entona una pregunta (dejando la voz en alto) cuando la frase empieza sin
elemento interrogativo y si la respuesta puede ser sí o no. No se entona una
pregunta cuando la frase empieza con elemento interrogativo, tal como: ¿Por
qué? ¿Cuándo? ¿Cómo? ¿Quién?. Hay preguntas que son en realidad
exclamaciones, y hay que entonarlas como tales.
Una vez acostumbrado a ignorar la puntuación gramatical y leer de acuerdo con el
sentido de la frase, el actor ya no necesita fijar el fraseo fonético a menos que se
trate de un defecto especial, como una pausa entre dos parlamentos. Pero sin
haber vencido las dificultades de una clara dicción, uso efectivo de la voz y fraseo
lógico, el actor no puede empezar a interpretar un personaje teatral.
La expresión de las más diversas emociones debe ser siempre el elemento básico
de la actuación y, por consiguiente, también de la entonación. La finalidad de todo
drama es llevar al público con un sentimiento definido ya que todo conflicto teatral
es, en el fondo, un conflicto de emociones.
Saber decir una frase con su acento lógico, aplicando las palabras y las pausas de
un modo inteligente, no sólo es indispensable para el actor, sino para toda persona
que tiene que leer de tal suerte que se le comprenda sin el menor esfuerzo:
abogados, locutores de radio, profesores, etc.
Dicción

57
La dicción es la exacta y clara
pronunciación de todas las letras y las palabras, cuando un actor pronuncia con
claridad, articulando perfectamente los sonidos del habla y dándoles las
expresiones y pausas requeridas, decimos que tiene una excelente dicción.
Una herramienta importante del actor es la voz, por esto se debe aprender a
modular y mantener un tono de voz que se entendible, es decir colocando la voz
tomando en cuenta la respiración, colocación correcta del diafragma, posición de los
labios, articulación y desde luego, la dicción.
Con la dicción se busca corregir las letras comidas y cambiadas, como no
pronunciar las eses al final de las palabras o cambiar la I por la r, la r por la l, la c
por la p. También están las palabras mal dichas como haiga en vez de haya,
hubieron en vez de hubo, naiden en vez de nadie, satisfació en vez de satisfizo
entre otras. Pero tampoco se debe exagerar con la dicción ya que le resta
naturalidad a quien habla y puede llegar a escucharse extraño al idioma que se está
hablando.
Para esto los actores realizan ejercicios como los siguientes:
Ejercicio 1
Muerde un lápiz, como si tuvieras un freno de caballo en la boca. En esa posición,
ponte a leer un periódico. Haz este ejercicio durante cinco minutos. Verás cómo vas
aflojando todos los músculos de la cara.
Ejercicio 2
Toma un libro y ponte a leer en voz alta, lentamente, silabeando y exagerando la
lectura, como haciendo muecas para hablar:
A-me-nos-tre-ce-cau-sa-les-ex-plí-ci-tas-pa-ra…
Avanza algunos párrafos así y luego, silabea más rápido, asegurándote que
pronuncias cada una de las letras de cada palabra.
Ejercicio 3
Los trabalenguas son muy útiles. Busca uno con letras incómodas para ti. Por
ejemplo, si tienes problema con las erres, practica el consabido erre con erre
cigarro, erre con erre barril, rápido corren los carros siguiendo la línea del ferrocarril.
Pronúncialo dos, cuatro, ocho, dieciséis veces” ¡hasta que la lengua te obedezca!

58
FICHA Nº 9
Códigos no verbales en la interpretación de un personaje
INVESTIGO
¿Si usted fuera dramaturgo, que acontecimiento presentaría en una obra de teatro y
por qué?.
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NOMBRE: _________________________________
CURSO: ___________________________________
PARALELO: ________________________________
FECHA: ___________________________________

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GLOSARIO
 Dicción:
________________________________________________________________
 Lenguaje:
________________________________________________________________
 Punto:
________________________________________________________________
 Coma:
________________________________________________________________
 Transición:
________________________________________________________________
________________________________________________________________
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RESUMO

60
CUESTIONARIO
 ¿Qué es el fraseo?.
______________________________________________________________________
______________________________________________________________________
______________________________________________________________________
_________________________________________
 Completa las siguientes reglas de fraseo en función a la puntuación
gramatical:
a. Los ___________________________ significan generalmente pausas
breves cuando están dentro del parlamento, dejando la voz en alto; sobre
todo cuando se quiere dar la impresión de que se buscan las palabras.
b. La _________ no significa forzosamente una pausa breve, en muchos casos
se ignora.
c. _____________________ pueden significar una pausa breve como una
pausa prolongada, lo define el sentido de la frase.
d. Donde debiera hacerse una _________________, faltan con frecuencia los
signos respectivos.
e. _____________________________ al final del parlamento significan un
diálogo truncado que hay que leer como si la frase estuviera completa; es
decir, el actor debe completarla “in mente” como si tuviera que decirla
íntegra, cuidando, sobre todo, de no hacer un “retardado” donde empiezan
los puntos suspensivos.
f. El _____________ no significa siempre bajar la voz.
g. La voz se baja siempre antes de una __________________ y definitivamente
donde concluye una idea.

61
LECCION N° 10
REPRESENTACIÓN TEATRAL EMPLEANDO LOS CÓDIGOS VERBALES, NO
VERBALES Y PARAVERBALES
Al montar una representación teatral a partir de un texto se debe seguir el siguiente
proceso de trabajo:
TRABAJOS DE MESA
Del director: en esta etapa el director debe elegir de la obra que se va a
representar, analizarla en su contexto histórico y su vigencia actual, busca
documentación histórico – literaria, o de cualquier tipo, que tenga relación con el
texto para así poder establecer las intenciones ideológicas, estéticas, morales que
se quieren plasmar en el montaje. El director también es el responsable de elegir al
reparto de actores que participarán en la obra; y diseña la planificación del montaje:
ensayos, colaboradores, listas de utilería, escenografía, vestuario y sonido.
Con los actores: los actores deberán hacer la primera lectura de la obra para luego
analizarla con el director y compartir comentarios, preguntas, dudas que se
planteen. Ya teniendo la obra clara, se da una segunda lectura de la obra.
IMPROVISACIONES
La improvisación es el hecho de transmitir o generar de forma espontánea una idea
o sentimiento a través de la imaginación y la aplicación de recursos y en el teatro.
Puede tener diversos fines como construir los personaje, encontrar el ambiente,
buscar el ritmo y establecer relaciones entre dos o más personajes.
PASES DE LETRA

62
Pasar letra es decir el texto de corrido,
sin dudas hasta que el actor no se sepa el texto sin una sola duda para poder
empezar a trabajar. El texto es material de recurrencia, los actores deben saberlo a
la perfección y de corrido ya que sin dudan del texto, paran la actuación o se les
olvida alguna acción que deberían hacer, pues se encuentran en recordar el texto y
se olvidan de lo demás.
- Italianas: son ensayos donde se trabajan, una vez aprendido el texto, los
códigos paraverbales a utilizarse, las entonaciones e intenciones, sin que el
actor actúe su papel todavía.
- Montaje de escenas: en el montaje se construye la coreografía de acciones
y conflictos de cada una de las escenas de la obra.
- Ensayos:
a. Ensayos técnicos: son ensayos de acciones o situaciones que
necesitan una preparación intensa o una precisión determinada. Por
ejemplo, una pelea o espada.
b. Ensayos por escenas: luego de los ensayos técnicos, se arman y
ensayan las escenas enteras para buscar el ritmo apropiado y el
afinamiento máximo.
c. Ensayos parciales o por bloques: varias escenas que forman un
bloque de acción, se reúnen para un ensayo en continuidad.
d. Ensayos generales: ensayos de toda la obra, con todo: vestuario,
escenografía, maquillaje, luz y sonido. Al actor se le debe facilitar el
trabajo dándole soportes, ayudas para que pueda entender mejor su
personaje y lograr de esta manera una mejor interpretación. Por esto,
al actor hay que darle los siguientes datos:
 Espacio, donde se desarrolla la acción.
 Conflicto.
 Quién desencadena el conflicto.
 Actividad concreta y/o física a desarrollar.
 Estado de ánimo.
 Relación emocional con los demás.
 Urgencia en conseguir su propósito.

63
LECCIÓN 10
REPRESENTACIÓN TEATRAL EMPLEANDO LOS CÓDIGOS VERBALES, NO
VERBALES Y PARAVERBALES
INVESTIGO
Investigue 10 nombres de grandes directores de cine a nivel mundial.
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NOMBRE: _________________________________
CURSO: ___________________________________
PARALELO: ________________________________
FECHA: ___________________________________

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GLOSARIO
 Actor:
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 Montaje:
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 Ensayo:
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 Escenas:
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 Reparto:
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RESUMO

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