Este documento presenta diferentes técnicas y materiales para la pintura, incluyendo pigmentos extraídos de plantas que se usan para pinturas naturales, pigmentos inorgánicos de base mineral, y nuevos materiales como resinas acrílicas y plásticos que artistas han incorporado a sus obras pictóricas y escultóricas. También describe el uso del cuerpo humano como lienzo en el arte corporal o body art.

2. Técnicas de pintura con nuevos
materiales
Pigmentos extraídos de plantas:
Resina, manzanilla, ruibarbo, morera, látex, índigo, abedul, lino, aceites, ceras...
Todos ellos son materiales que se utilizan para elaborar pinturas naturales al
100%. Proceden de las plantas (fibras, flores, hojas, raíces, corteza...) y,
combinados con otros elementos también biodegradables y no tóxicos, como el
agua, la tierra o el talco, ofrecen un producto con solvencia similar al de las
pinturas convencionales.
Tan natural como que las hojas verdes se vuelven rojas, las pinturas elaboradas
con plantas son el resultado de la aplicación de la química vegetal a esta industria.
El ejemplo de las hojas es solamente uno entre millones. Muchas de las materias
primas que se utilizan proceden generalmente de cultivos ecológicos o procesos
de reciclaje. Algunas de estas sustancias se cultivan o producen en las cercanías
de la fábrica reduciendo así el gasto energético del transporte. Más de 30 años de
producción y diversos reconocimientos industriales y medioambientales avalan la
calidad de estas pinturas.

3. Pigmentos inorgánicos:
La otra opción es recurrir a pigmentos inorgánicos de base
mineral. Para poder aglutinar los distintos componentes utilizados
se recurre, en este caso, a silicato potásico líquido y sol de sílice.
No se trata de ninguna innovadora fórmula revolucionaria: el
sistema se conoce desde finales del siglo XIX, época en la que se
patentó y comenzó a popularizarse en Centroeuropa.
La calidad, luminosidad, duración y efecto protector de las
pinturas hacen que todavía podamos admirar fachadas con
pinturas originales del siglo XIX. Por ejemplo, en Suiza el Mesón
"Weiser Adler" en Stein am Rhein o el Ayuntamiento de Schwyz
(1891), en Oslo, Noruega (1895) o Traunstein en Alemania (1891).
En la Edad Media ya se conocía el aglomerante de las pinturas
minerales con el nombre de "Liquor Silicium". Johann Wolfgang
von Goethe realizó numerosos ensayos con el silicato potásico
líquido e hizo concebir grandes esperanzas. Fue el rey Luis I de
Baviera quien dio el primer impulso y fomentó los trabajos
intensivos de investigación de Adolf Wilheilm Keim.

4. Los trabajos y la experimentación se fueron
sucediendo hasta dar en 2002 con una tercera
generación de pinturas que, gracias a la combinación
de dos ligantes minerales -el silicato potásico líquido y
el sol de sílice- , permite su aplicación sobre soportes
minerales, orgánicos y mixtos, abriendo nuevas
posibilidades para las pinturas minerales.
Asimismo, las pinturas minerales siguen las normas
procedentes de la bioconstrucción. Se fabrican a partir
de materias primas minerales, abundantes en la
naturaleza, y no contienen disolventes orgánicos. No
contaminan, ni en su producción, ni en su aplicación,
dando como resultado pigmentos 100% ecológicos.

5. En 1944 en Italia el artista Enrico Prampolini
publicaba un cuadernillo titulado “Arte
Polimatérico”, manifiesto considerado por otros
artistas de “Paradojas plásticas” o de “Entrevistas
con la materia”.
La materia prevalece por encima del color, las
cualidades expresivas del material, resultado de
su propia constitución física y química, van a
imponerse como protagonistas del cuadro.

6. A partir de los movimientos de vanguardia del siglo XX
cuando se rompen las fronteras tradicionales entre las
diversas artes, momento en el que tuvo lugar una importante
transformación ideológica y también técnica, crece
constantemente el interés por parte de los artistas sea cual
sea la disciplina, por la incorporación de materiales extra-
artísticos a sus obras, encontrando en los plásticos un
material que enriquecía enormemente sus posibilidades
expresivas.
En el campo de la pintura fueron las resinas acrílicas las que
ocuparon el lugar de la tradicional pintura al óleo, y en el
campo de la escultura los primeros que experimentaron con
el plástico fueron los constructivistas rusos (1915-1925), al
tiempo que se trabajaba también con este nuevo material en
la Bauhaus de Weimar (Iniciada en 1919 por Walter Gropius).

7. László Moholy-Nagy, profesor de la Bauhaus
experimenta con el material plástico, del cual nos dice:
“Simultáneamente a las esculturas con metal y vidrio,
me volví hacia los nuevos materiales industriales.
Comencé a pintar sobre aluminio, aleaciones no
ferrosas muy pulidas y sobre termoplásticos. Si no
hubiera albergado el temor de que estos últimos
materiales quizá no fueran duraderos, jamás habría
vuelto a pintar sobre lienzo.
Al trabajar con estos materiales -plásticos coloreados,
opacos o transparentes- realicé descubrimientos que
contribuyeron a que cambiara mi técnica pictórica. Esto
tuvo repercusiones inevitables en mis reflexiones
acerca de los problemas de la luz.

8. Aunque los plásticos son materiales nuevos, apenas
ensayados, tenía la sensación de que se debería
trabajar con ellos, a pesar del peligro de los efectos
meramente bonitos. Quizá nos lleve décadas llegar a
conocer realmente estos materiales y poder
desarrollar una auténtica técnica con que manejarlos.
Incluso los problemas técnicos de la pintura sobre
estos nuevos materiales están todavía por resolver.”

9. Los plásticos evidentemente no pasaron inadvertidos, se podía incidir en ellos con los útiles
propios del grabador, pero también con los del pintor y del escultor, pueden rayarse, pintarse,
doblarse, o modificar su estructura por efecto de la temperatura, algunos de ellos al menos.
Para la construcción de la plancha o matriz, se ha partido en este caso, de un soporte de madera
no superior a tres milímetros, al cual se le ha adicionado resina de poliuretano.
Las propiedades del plástico resultan atractivas desde el punto de vista pictórico, pero también
aptas para entintar e imprimir empleando el soporte como matriz para ser estampado.

10. Características de la resina
Unires RU-3981
Resina diseñada específicamente para ser aplicada en el campo de los acabados sobre cuero y que en nuestros
talleres de grabado, la hemos recuperado para su utilización como medio pictórico y como material plástico
apto para su empleo en el campo del grabado.
Descripción:
Dispersión de poliuretano alifático, brillante, incoloro, usado para producir aspecto de charol.
Características para uso:
Promueve un brillo alto y reluciente.
Buena resistencia al rascado.
Forma un film muy brillante y transparente.
Buena flexibilidad.
Incrementa la resistencia al frote húmedo y seco.

11. Los primeros antecedentes históricos en el empleo del plástico (resinas de poliuretano)
en el campo del grabado los encontramos en el artista ruso Boris Margo, quien en 1953
explora las posibilidades del plástico como matriz para grabar, pero también por sus
cualidades físico-químicas. Margo mezcla láminas de celuloide en acetona, barniz que
según el mismo explica, adquiere una consistencia adecuada para poderlo moldear o si
más no, incidir sobre él con instrumentos propios del grabador o del escultor. Tipo de
proceder que el artista incorpora también a su obra pictórica.
El equipo de investigación Neoartgraph,
Universidad de Barcelona.

13. Otro artista mucho más cercano a nosotros e
innovador de un nuevo estilo gráfico-pictórico es el
estadounidense Robert Rauschenberg. En 1962, el
artista, trabajó con una nueva técnica que iba a
convertirse en base de su trabajo en los años
siguientes: óleo y serigrafía sobre lienzo. Método
que le permitió incorporar imágenes fotográficas
sobre sus lienzos superponiéndolas y mezclándolas a
modo de collage. Rauschenberg por primera vez
trabaja con la transferencia de imágenes sobre papel
a la vez que hace uso del plexiglás mezclado con
aguarrás para conseguir efectos de craquelado.

14. Express, 1963
Óleo sobre lienzo con serigrafía, 183 x 305 cm.

15. La imagen fotográfica se traspasa al lienzo mediante una
técnica llamada serigrafía. Sobre una tela fina montada
en un bastidor rectangular (se llama pantalla) cubierta
con una gelatina sensible a la luz, se proyecta una
transparencia fotográfica. Las partes de ésta que
contienen la imagen no dejan pasar la luz, de modo que
la gelatina no se ve afectada. Las partes vacías de la
fotografía sí dejan pasar la luz y ésta, al llegar a la
gelatina, la endurece. La gelatina no endurecida –no
afectada por la luz– se elimina fácilmente con agua, pero
la otra permanece en la pantalla con la imagen
fotográfica que, una vez entintada, se trasfiere al lienzo.
Para ello se coloca la pantalla con las imágenes sobre
éste, se añade tinta especial y se distribuye de extremo
a extremo.

16. Nuevos materiales para un arte nuevo
El pintor Fran J. Muca muestra su obra
vanguardista en la galería de Yolanda Rojas
Su obra es innovadora y vanguardista. Metacrilato,
pvc, vinilo o estaño son los materiales que el
artista Fran J. Muca (www.fjmuca.com) utiliza para
romper con lo establecido. «Me gusta jugar con el
espacio. Al principio comencé con tela, como en un
bastidor, pero más tarde necesité introducir
materiales diferentes, que me permitieran
expresar todo lo que llevo en la cabeza», explica el
pintor granadino.

17. Amparo Galbis
Universidad Politécnica de Valencia
Experimentación pictórica vinculada con los aspectos
procedimentales, materiales y técnicos.
Valencia 1973. Pintora. Doctora en Bellas Artes por la
Facultad de Bellas Artes de San Carlos. Ha participado desde
2001 en distintos proyectos de investigación sobre nuevos
materiales en la pintura, con dos patentes de invención
registradas (Pintura al temple óleo-resinoso estable, Nº PAT.
ES2192987; Emulsión ligante, Nº DE SOLICITUD: 200802234)
presentadas en ferias y congresos, así como en diversas
publicaciones especializadas.
Su obra está representada en distintas colecciones, públicas y
privadas.

18. Lucio Fontana, un artista italoargentino, era hijo y nieto de escultores. También
él se dedicó a este arte, pero desechando las piedras, metales y barros
convencionales para emplear materiales de su tiempo: luces de neón,
plásticos, la televisión, el sonido, el espacio… Incluso cuando elige un elemento
tradicional como el lienzo y la pintura, lo transforma en algo nuevo.
Fontana presenta Venecia era toda de oro como una escultura, de formato
cuadrado y pintada de oro, como alusión simbólica a la ciudad de
Venecia…Pero este dorado no es el pan de oro medieval de las tablas
medievales. En su lugar ha elegido la purpurina, una imitación a dorado que se
usa para decorar marcos y muebles. Pero ¿cómo ha creado ese torbellino de
pinceladas con purpurina? El artista ha aplicado primero una capa de una
emulsión acrílica mezclada con rojo, de pintura sintética, que permite realizar
gruesos empastes. A continuación, cubre con una fina capa de purpurina la
obra.
Una vez pintada toda la superficie, Fontana se coloca delante del lienzo y,
empuñando un cutter, rasga la tela con decisión, sin titubear, con un corte muy
bien pensado en cuanto a su dimensión, sentido y lugar. Este gesto es la
culminación del acto creativo: es arte de acción. Pero todavía queda un último
paso; en el reverso de la obra, pega una tela negra cubriendo el corte, como
una venda en una herida. La finalidad es crear ese efecto de claroscuro que
consigue subrayar el movimiento barroco de la pieza.

19. Venecia era toda de oro,
1961
Acrílico sobre lienzo, 150
x 150 cm.

20. Esta obra es un monocromo con relieves en forma de
círculos enfáticos que rompen la uniformidad del
dorado. La espesura de la materia produce unos surcos y
resaltes que nos invitan a tocarla y añaden un carácter
constructivo a la obra. A medida que nuestra mirada
sigue el movimiento rítmico de las pinceladas hacia el
centro del lienzo, nos encontramos con un corte vertical
neto que produce un poderoso claroscuro frente a la
luminosidad circundante. El gesto radical del artista al
rajar el lienzo en ese lugar preciso es un acto de
destrucción, pero también una forma novedosa de
introducir el «espacio detrás» de la obra. La tela
abandona su función de soporte de la obra pictórica
para convertirse en un elemento de proyección para la
luz y el espacio real.

21. Body Art
Se trabaja con el cuerpo como material plástico, se pinta, se calca, se ensucia, se
cubre, se retuerce; el cuerpo es el lienzo o el molde del trabajo artístico. Suele
realizarse a modo de acción o performance, con una documentación fotográfica o
videográfica posterior.
El Body Art (arte del cuerpo) se considera procedente del campo de la pintura y la
escultura, pero también del happening.
Yves Klein (Niza,1928-París, 1962), utilizó el cuerpo como receptor de energía
espiritual.
Piero Manzoni (Soncino, 1934-Milán, 1963), uno de los primeros artistas plásticos en
presentar y utilizar el cuerpo como obra de arte.
Se utiliza el cuerpo como lugar y medio de expresión artística, como útil material de
soporte y como objeto, como eje fundamental de toda creación artística.
En 1965 (“las derivaciones del happening”) , se recuperaba a aquellos artistas que
como Kaprow, Brecht, Klein y Manzoni incorporaron el cuerpo humano a distintas
modalidades.
En 1970 (“La acción corporal”) algunos artistas europeos y norteamericanos utilizaban
el cuerpo como material artístico.

23. Como una reacción a la excesiva comercialización del mundo del
arte en los años sesentas surge el Arte conceptual. Esta
tendencia desarrollada inicialmente en Estados Unidos y Gran
Bretaña, aunque con una rápida proyección internacional desde
finales de los sesenta hasta mediados de los setenta, culminó el
proceso de desmaterialización y de autorreferencialidad de la
obra de arte iniciado tiempo atrás con un claro enfrentamiento
con la estética formalista del arte de post-guerra que había
dominado en la Escuela de Nueva York, principalmente del
Minimalismo. Rompiendo con los límites estrechos del arte, los
artistas conceptuales usaban aspectos de la semiótica, del
feminismo y de la cultura popular para crear obras que
dificilmente parecían objetos artísticos tradicionales.
Del arte conceptual derivó el Body Art, desarrollado durante el
final de los años sesentas y en los setentas; precursores del
Performance, sus representantes utilizaban su propio cuerpo
como material para realizar la obra en una concepción que ellos
denominaban escultórica o pictórica, más que teatral.

29. Tatoo: Tatuaje, decoración del
cuerpo con un objeto punzante que
va fijando los colores sobre la piel.

30. Las técnicas combinadas en la pintura, no es más
que la aplicación práctica combinada de las
distintas técnicas pictóricas, cuidando la
compatibilidad de materiales y el uso adecuado
de los mismos, con la intención de
complementar y enriquecer la expresión plástica
en el desarrollo de una obra. Por ejemplo, uso
de tintas y lápices de color con acuarelas, o
también, uso de acrílicos en el manchado base
de la obra y una terminación en colores al óleo.

31. http://bricolaje.facilisimo.com/reportajes/pintura/tipo
s-de-pintura/pinturas-vegetales-y-minerales-
ecologicas-100_183377.html#
http://www.educathyssen.org/captulo__los_nuevos_
materiales
http://www.ideal.es/granada/20071005/cultura/nuev
os-materiales-para-arte-20071005.html
http://pintura.webpublica.net/profesorado/profesora
do-ficha.aspx?id=21
http://abu-barras.blogspot.com/2012/02/la-pintura-y-
los-nuevos-materiales.html
Equipo Neartgraph, Universidad de Barcelona.

32. Pintura ecológica para bellas artes en la Universidad Politécnica de
Valencia.
Reportaje de una productora de programas ecológicos y
medioambientales de Puçol, para distintas cadenas de TV. 12/02/09
EMTV.
http://www.youtube.com/watch?v=laeIiKeTlxI&feature=plcp
http://www.youtube.com/watch?v=lpsH_b0-f8E&feature=plcp
http://www.youtube.com/watch?v=WCZ4XjKMz8o&feature=plcp
http://www.youtube.com/watch?v=51_y-bAtRUM&feature=plcp
Body Art
http://www.youtube.com/watch?v=g9IdONdriSQ&feature=related