Wassily Kandinsky es considerado el fundador de la pintura abstracta. Sus obras prescindían de la representación de objetos naturales y buscaban una pintura pura guiada por principios de armonía y contraste de colores. Kandinsky desarrolló la idea de sinestesia en la que los colores se asocian a sonidos y estados de ánimo. Sus escritos como "De lo espiritual en el arte" influyeron en muchos artistas posteriores al proponer que cada color tiene un significado emocional.

2. Wassily Kandinsky pasa por ser el fundador de la
pintura abstracta, y cualquier valoración de su
importancia relativa en la historia del arte
contemporáneo parte necesariamente de ese hecho. En
efecto, fue el primer pintor que prescindió de la
representación de objetos y temas de la naturaleza de
forma programática, también el primero que entendió la
renuncia a la figuración como medio necesario para
llegar a una pintura pura.

4. La obra de Kandinsky se distancia tanto de la imitación
como de la mera decoración. La distribución del color
en el cuadro está guiada por principios de armonía y
contraste como en la música, de forma que cada
elemento despierte una escondida vibración en el alma
del espectador. Kandinsky sigue así la tradición del
romanticismo alemán y noreuropeo; según ella, la
sustancia de todas las artes es idéntica, sólo la forma
la diferencia

6. El artista debe aspirar a reconstruir esa obra de arte total, en la que
lo visual y lo auditivo se integran en una sola unidad que conforma el
alma del espectador. Kandinsky toma estas ideas de la ópera de
Wagner, desarrollando el principio de sinestesia, tan importante para
el arte y la poesía moderna de principios de siglo.
La sinestesia consiste en definir equivalencias entre distintos órdenes
perceptivos-imágenes y sonidos, olores y sabores-. Kandinsky
mantuvo siempre un vivo interés por la música sin el que no se
puede entender su pintura. El uso de términos musicales en los
títulos de sus cuadros -composición, improvisación, sonoridad-no es
gratuito; responde a una concepción sinestésica y trascendental del
mismo, en el que los colores se asocian a sonidos y armonías por un
lado, y a estados de ánimo por otro.

8. El arte abstracto de Kandinsky encuentra su justificación teórica
cuando Wilhem Worringer publica "Abstracción y empatía". En 1908,
argumentando que la jerarquía de valores de uso, basada en el
Renacimiento, no es válida en todas las culturas y que el arte
abstracto es una de las últimas tendencias delante, dado en
sociedades ,menos materialistas.
En el libro escrito en 1910, "De lo espiritual en el arte" habla del
nuevo modo de entender el arte, basándose en un lenguaje de color
y dando las pautas que hicieron que cada color se identificará con
una propiedad emocional. Básicamente a Kandinsky no le interesa el
espectro de color, sino el significado sentimental que tiene cada tono
en el alma.
Ésta es, sin duda una de las ideas más revolucionarias del arte que,
como hemos visto en los años posteriores, influyó en gran medida a
muchos de los autores que, en el siglo XX y siglo XIX, han marcado
un antes y un después en la pintura y en el resto de artes,
incluyendo el cine y la música.

10. Kandinsky aspiraba a hacer realidad la vieja
aspiración romántica de la obra de arte toral;
sus piezas teatrales y óperas, de títulos bien
significativos-sonoridad amarilla, sonoridad
verde (1909)-, así lo aprueban. Entonces, de
esta forma con el proyecto de la vanguardia de
renovar el arte para el hombre, aunque la
utopía de Kandinsky no es social ni política, sino
espiritual. Su objetivo final se cifra en lo que él
llamaba la "mirada interior", aquella que
desvela el alma de las cosas.

12. En la capital Bávara, Kandinsky se transforma en animador de
pequeñas asociaciones de artistas modernos que promueven
exposiciones. Phalanx, fundado en 1901, es el primero de esos
grupos, que expone obras impresionistas, simbolistas y modernistas.
Las tres influencias más visibles en los primeros cuadros de
Kandinsky. Por esos mismos años hace sus primeros grabados en
madera -xilografías-, una técnica de gran tradición en Alemania
desde la Edad Media. En ese mismo tiempo, Alexel Jawlensky y Paul
Klee, dos de los artistas con los que encontrará mayores afinidades
con distintas etapas de su vida.
También, conoce Gabriele Münter,una pintora con la que mantendrá
una intensa relación intelectual y amorosa hasta 1914 que le llevará
a separarse de su primera mujer.

14. En 1906 y 1908 viaja por Europa en compañia de Münter y expone
en los Salones de Otoño y de los Independientes en París, donde
conoce el fauvismo y el cubismo. En 1909, funda la Nueva
Asociación de Artistasde Munich, al tiempo que empieza a fraguarse
el entramado ideológico que desembocará en la abstracción: se
interesa por la teosofía y las ciencias ocultas a través de los escritos
de Rudolf Steiner y Helena Blavatsky.
Estudio para la Composición II o Cuadro con Arqueros son cuadros
todavía figurativos, en los que el tema parece disolverse cada vez
más en una vorágine de formas coloreadas al estilo fauve, y
atestiguan el estado de la carrera de Kandinsky durante estos años.

16. Kandinsky tantea su definitivo camino a la abstraccción y escribe "De
lo espiritual en el Arte"-publicado en 1911- y sus famosas óperas de
color, que nunca se representaron en vida del artista. En 1912, funda
el Jinete Azul, su último y más famoso grupo muniqués. Los
postulados espiritualistas y románticos de Kandinsky encajaban mal
con el radicalismo de constructivistas y suprematistas, pese a lo cual
ocupó importantes cargos en la administración artística y cultural del
Nuevo Estado Soviético. Durante los años siguientes la obra de
Kandinsky se disciplina; al color se añade la geometría y la
interacción de la forma, y su pintura se aprovecha de las múltiples
tendencias que coinciden en distintos momentos en la Bauhaus.

18. Obligado a abandonar Alemania por el ascenso del nazismo, que
incluye en su obra la siniestra nómina del arte degenerado, se
instala en Neully, cerca de París, en 1933. Allí espera encontrar un
clima propicio, pero la escena francesa está entonces dominada por
corrientes poco afines a la abstracción. André Bretón intenta ganarlo
para la causa surrealista con poco éxito y, aunque adquiere la
nacionalidad francesa, el último tramo de su obra se produce en
tranquilidad, pero ante la incomprensión de la crítica; hay que
destacar aquí el apoyo de su galerista, Jeanne Bucher, que le
organizó incluso exposiciones semiclandestinas durante la ocupación
alemana. Sus últimas obras se alejan de la geometría de la
Bauhaus, optando por formas orgánicas y biomórficas. Muerto en
1944, no pudo ver su definitiva consagración tras el triunfo de la
abstracción en los años posguerra.