Este documento resume la obra del pintor barroco italiano Caravaggio, destacando su estilo tenebrista y naturalista. Usa fuertes contrastes de luz y sombra para modelar las figuras de forma realista. También se describe brevemente la obra del pintor barroco italiano Aníbal Carracci y su énfasis en la belleza ideal y el paisaje.

1. ARTE BARROCO
Pintura italiana
(Caravaggio; Carraci)
ITALIA

2. Caravaggio
(1571-1610)
TENEBRISMO
NATURALISMO Violentos contrastes de
La realidad es antes luz y sombra.
que los modelos clásicos La luz modela las
figuras
Cuadros religiosos
sin referencias
santificadoras
(personajes vulgares)
Vida muy agitada Pintura directa
= (Ausencia de estudios
Obra muy personal previos)
Caravaggio, Santo Entierro, 1602-1603
Escenarios vacíos Detallismo en los
+ objetos
Fondos neutros (“naturalezas muertas”)

3. Caravaggio, Baco, 1596
•Mito clásico
•Alegoría de los placeres
•Vinculación placer-juventud
(carácter efímero del gozo)
Fondo neutro •Alegoría de los sentidos
Iluminación no tenebrista
(obra de juventud)
Cuidadoso tratamiento de objetos
Texturas, calidades táctiles
Bodegón/Naturaleza muerta

4. Caravaggio, Martirio de San Pedro,
Capilla Cesari, Iglesia de Santa
María del Pópolo, Roma, 1601
Sayones:
Violenta fuerza ascensional
Caras ocultas
San Pedro:
Expresividad de su rostro
Su cuerpo organiza la composición
Su cuerpo/rostro concentra la luz
Primer plano de
extremo naturalismo

5. Caravaggio, Conversión de Palafrenero ajeno a
la experiencia mística
San Pablo, Capilla Cesari, que vive Pablo
Iglesia de Santa María del
Pópolo, Roma, 1601
¡Un cuadro religioso en el
que un caballo ocupa más
de la mitad del espacio
compositivo!
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Iluminación tenebrista:
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•Resalta la acción narrativa
•Expresa la presencia divina

6. CARAVAGGIO
Capilla Contarelli,
Iglesia de San Luis
de los Franceses,
1599 a 1602
a

7. Caravaggio, Ángel en escorzo
San Mateo y el ángel,
Capilla Contarelli, Un remolino de
1602 telas haciendo
las veces de
rompimiento de
gloria
Fondo plano
Iluminación
tenebrista
Taburete con una pata en el aire
Punto de vista compositivo muy bajo Posición inestable del santo
(El espectador debe recorrer la La difícil escritura del Evangelio
composición en sentido ascendente) (dictada por mediación divina)

8. •Los dos niños en el mismo banco, abiertos
a lados opuestos acotan el espacio
•Niño y acompañante de Cristo de espaldas ¡Ventana que
cierran al espectador campo visual no da luz! Haz de luz que acompaña
•Pero el lado frontal de la mesa deja abierto el gesto de Cristo
el espacio de Mateo (iluminación “milagrosa”)
Personajes ajenos
a la llamada
milagrosa
(Siguen contando
dinero)
Iluminación

9. Miradas
Gestos
Reacciones
(actitudes)

10. Caravaggio, Muerte de la Virgen, 1605-1606
Telón rojo superior:
¿Rompimiento de gloria?
¿Presencia de lo divino?
Apóstoles: miradas, gestos, actitudes
¿Virgen en tránsito o un vulgar cuerpo muerto?
En pleno debate sobre la naturaleza divina o humana de la Virgen
Luz posada y brillantez cromática del rojo
Delicada presencia doliente de la Magdalena en primer plano

11. Caravaggio, Virgen de Loreto o de los Peregrinos,
Capilla Cavalletti, iglesia de San Agustín, Roma,1603
La Virgen con el Niño.
Dos peregrinos postrados.
El valor religioso de la
peregrinación
(El Jubileo papal de 1600)
Una madre a la puerta de casa (desconchones).
Un niño muy pesado para ser llevado en brazos.
Un pobre andrajoso (remiendos)
y sucio (plantas de los pies)
Una vieja pobre desdentada.
Petición de limosna.

12. Caravaggio, La cena en Emaús, 1601
No modifica nada de sus modelos populares
Los escorzos crean los ejes de una
composición abierta que “nos sienta a la
mesa” y nos muestra una prodigiosa
“naturaleza muerta”
Potente foco frontal muy teatral

13. Caravaggio, Amor victorioso, 1601-1602.
Encargada por el marqués Vincenzo Giustiniani
Desnudo muy naturalista
¿intencionadamente provocativo?
Alegoría del amor terrestre
¿O del amor divino?
¿O es un “guiño” al comitente:
“Amor vincit Vincenzo”?
En el suelo un “bodegón”
¿Las artes y las ciencias vencidas
por el amor?
¿Los disfrutes mundanos
vencidos por el amor divino?
¿Un “guiño” a los gustos y
habilidades del marqués?
Poderosa luz teatral desde el
lado izquierdo
(la luz/sombra modela el cuerpo)

14. Aníbal Carracci
Aníbal Carracci
(1560aa 1609)
(1560 1609)
Búsqueda de la
Paisaje Pintura religiosa
belleza ideal Color + Anatomía (protagonismo extremo) (clara y devocional)
(Dibujo muy preciso)
Miguel Ángel Ensamblar:
(Capilla Sixtina) Escena + naturaleza
como modelo + atmósfera
A. Carracci, La huida a Egipto,
capilla del palacio del Corso del
cardenal Aldobrandini, 1603-1604

15. Grandes frescos decorativos
vistos como paradigma de la
habilidad pictórica.
Necesidad de usar un lenguaje
clásico.
Encargos de estancias, galerías
y salas de palacios y techos
de iglesias.
Ciclo mitológico: Amores entre dioses y
Mortales.
Fundamento conceptual: La fuerza del
amor, ante el que ceden mortales y
divinidades.
Protagonismo: Desnudo (sensual y
erótico).
A. Carracci, Galería del Palacio
Farnesio, Roma, 1597-1600

16. Estrutura del conjunto:
1. Arquitectura sustentada por
grisallas mitológicas.
2. Falsos medallones de bronce encastrados.
3. Putis e ignudis que “juegan”.
4. Escenas encuadradas en falsos marcos.
(Evidente vínculo con la Capilla Sixtina)
4
2
1
3 3

17. A. Carracci, Triunfo de Baco y Ariadna, Bóveda de la galería del palacio Farnesio, 1597-1600
Simbología báquica (vino)
amorcillos
Constelación
bacantes sátiros
Baco Ariadna
Sátiro
(amor brutal)
Espacio libre Venus
de espaldas
en primer plano (amor humano)
(Permite “leer” la composición en dos partes) de frente
Ejes diagonales Gozosa comitiva que avanza en agitado desfile triunfal
de ordenación Paisaje abierto en el centro que aligera la abigarrada comitiva
que dan una
composición muy
abierta
Composición muy estudiada (se conocen numerosos estudios previos, muy influidos por Rafael)
que busca monumentalidad (tratamiento de los cuerpos) y claridad (composición diáfana)