Este taller tiene como objetivo fortalecer las habilidades comunicativas de los maestros participantes para convertirlas en una poderosa herramienta pedagógica y de investigación, haciendo énfasis en el lenguaje audiovisual. Se desarrollarán conceptos como idea, historia, escenario, sinopsis, argumento, guión y producción audiovisual. Adicionalmente, se presenta un breve resumen de la historia del cine desde la cámara oscura hasta el desarrollo del sonido y el color.

1. Taller
de
introducción
al
lenguaje
audiovisual:
“Diciendo
y
haciendo”

2. Objetivo:
Fortalecer las habilidades comunicativas de los maestros
participantes del laboratorio para convertirlas en una
poderosa herramienta pedagógica y de investigación,
haciendo énfasis en el lenguaje audiovisual.

3. Desarrollo de los siguientes conceptos:
- Breve historia del cine
- Idea
- Escenario
- Historia
- Investigación
- Sinopsis
- Argumento
- Conflicto
- Escaleta
- Guión
- Story Board
- Pre produccion
- Produccion
- Post produccion

4. BREVE HISTORIA DEL CINE

5. La Cámara Oscura
Originalmente, consistía en una sala cerrada cuya única fuente
de luz era un pequeño orificio practicado en uno de los muros,
por donde entraban los rayos luminosos reflejando los objetos
del exterior en una de sus paredes.
El orificio funciona como una lente convergente y proyecta, en
la pared opuesta, la imagen del exterior invertida tanto vertical
como horizontalmente.
Los aparatos fotográficos actuales heredaron la palabra
cámara de las antiguas cámaras oscuras.

6. LA ESQUINA DEL MOVIMIENTO
Edward James Muybridge, en Estados Unidos, se pasó cinco años (entre 1872 y
1877) tratando de fotografiar varias imágenes seguidas de animales y personas en
movimiento.
Eran muchas las personas en todo el mundo que estaban tratando de inventar el cine
sin que todavía se llamara cine, un científico francés llamado Etienne Jules Marey
vio la idea de Muybridge y se ideó, en 1882, una manera para hacer varias fotos
seguidas. Creó una escopeta qu que tomaba 12 fotos en un sólo segundo.

7. EL QUINETOSCOPIO
En 1891 Thomas Alba Edison, se obsesionó con crear
un mecanismo que permitiera grabar el movimiento real
de las cosas, a partir de fotografías.
Uno de sus asistentes de apellido Dickson, se puso a
hacer experimentos y dio con varios aparatos, que se
fueron perfeccionando, hasta que llegó al
quinetoscopio, una máquina impulsada por electricidad
que hacia girar la película sobre cilindros y mostraba las
situaciones registradas, pero para sólo un espectador a
la vez.

8. En Francia conocieron ese aparato y lo
perfeccionaron los hermanos Auguste y Louis
Lumiere a quienes siempre se les ha adjudicado
el invento del cine.
El 28 de diciembre de 1895, en el sótano de un
café en París, estos dos hermanos hicieron la
primera proyección pública de cine en el mundo.
La aventura de ese día impactó tanto a la gente,
que los empresarios de espectáculos vieron en él
una nueva entretención y la fuente de un nuevo
negocio.
EL TREN QUE VENÍA DE FRENTE

9. LA REALIDAD Y LA MAGIA
Los Lumiere siguieron filmando y mostrando en la
pantalla cosas de la vida diaria. Las películas que no
quieren inventar nada sino filmar la vida real de la
gente se llaman “documentales”.
Por esa misma época (1.900) un mago llamado
George Melies se dio cuenta que el nuevo invento
servía para contar también historias fantásticas.
Con el cinematógrafo, como se terminó llamando el aparato de los Lumiere, se podía
hacer magia: Una persona aparecía y desaparecía en un segundo, un hombre se
cortaba la cabeza y caminaba con ella debajo del brazo, se podia viajar a la luna…
ese fue el origen del cine de “ficción” o sea de las películas con actores e historias
que no están filmando la “realidad” tal como es, sino que han sido inventadas y
actuadas.

10. EL PRIMER ROBO QUE SE HIZO EN UNA PANTALLA
Al principio las películas eran muy quietas. La
cámara filmaba lo que los actores vivían en el
escenario. No se movía. Era como ver obras de
teatro filmadas.
Pero en 1903 Edwin S. Porter hizo una
película sobre un robo a un tren que fue muy
distinta a todas las que se habían hecho antes.
La historia del robo no se veía como yendo a
teatro sino que la cámara nos mostraba
distintos momentos del robo. Podíamos ver lo
que estaba pasando en el mismo instante en
dos partes distintas.

11. Porter no grababa toda película en el orden en que la
vemos. Si un día iba a filmar el tiroteo entre policías y
ladrones en el bosque y ese día llovía mucho, filmaba
entonces una escena que ocurriera en un lugar con techo,
como por ejemplo el interior de la oficina donde los
ladrones amordazan al empleado. Así ahorraba tiempo y
plata. Filmaba por pedazos separados y en desorden.
Luego de filmar, Porter tomaba los distintos pedazos de
cinta (celuloide) y los organizaba dándoles un orden a la
historia del robo, con un principio y un fin. A ese trabajo de
darle orden a las imágenes grabadas en desorden se le
llamó edición o montaje.
UN IDOMA QUE SE LLAMA “CINE”

12. En 1915 Griffith hizo un largometraje (una película larga)
que se llamó “El Nacimiento de una nación”. Con esa
película le dijo a los espectadores cosas que uno no
alcanzaría a expresar sólo con las palabras y que para
poderlas decir necesitan otro lenguaje, el lenguaje del cine.
Un poco después, en 1925, un ruso llamado Sergei
Einsestein, perfeccionó aún más el lenguaje de las
películas. Hizo una que se llamó “El acorazado de
Potemkin”, con la que hacía que uno sintiera emociones
(tristeza, alegría, pesar, temor) por la manera en que
organizaba los distintos pedazos de la película filmada o sea
por el montaje.
UN IDIOMA QUE SE LLAMA “CINE”

13. Pero el cine todavía era imperfecto. El sonido no
existía y durante dos décadas las películas se
proyectaban acompañadas por un pianista o un
narrador que contaba los pormenores de la trama.
Esa fue la época en la que surgieron grandes cómicos
que todavía nos hacen reír. Charles Chaplin, con su
bastón, su sombrerito de hongo y su caminado de pies
hacia fuera, fue el mas conocido. Pero además de él
hubo otros como Buster Keaton (un personaje que
casi nunca se reía), Harold Loyd (uno al que siempre
le pasaban cosas arriesgadas y cómicas) y una pareja
dispareja formada por un gordo muy gordo y un flaco
muy flaco llamados Laurel y Hardy, entre muchos
otros más.
CUANDO LA GENTE SE REÍA SIN PALABRAS

14. En 1927 se hizo la primera cinta con sonido incorporado y
se llamó: “El cantante de jazz”.
Y en 1939 se pudo ver una de las primeras películas en
color y que aun hoy es recordada, esta película se llamo “Lo
que el viento se llevo”.
Había historias que generaban miedo, otras que hacían reír,
otras llorar o pensar... Todas las emociones que podamos
tener empezaron a ser generadas por el cine. Esos distintos
tipos de historias exigían también una manera propia de
contarlas: “comedia” o “drama” o “thriller” etc. A esos tipos de
historias y a su manera de ser contadas se les llama
“géneros”.
CUANDO LA OBRA SE COMPLETA

15. IDEA, HISTORIA, ESCENARIO

16. Estructura mínima de la narración
Una narración presenta siempre, como mínimo, lo que se
denomina un 'actor' (o 'personaje'), que es aquel elemento
que experimenta los sucesos o hechos referidos en ella. Este
personaje puede o no, ser también narrador de la historia.
En muchas narraciones especialmente en las breves, por
ejemplo el Cuento es posible identificar lo que se conoce
como argumento o estructura argumental, tipo:
• introducción (inicio o planteamiento o presentación)
• nudo (conflicto o quiebre)
• desenlace (resolución o final)
Narrar implica que los hechos referidos estén relacionados,
encadenados, y que se vayan sucediendo de forma más o
menos lógica. Más concretamente: lo fundamental es que la
sucesión de los hechos venga determinada por un principio
de causalidad, esto es, que todo lo narrado tenga un 'antes'
del que provenga y un 'después' al que se dirija.

17. Lenguaje escrito y lenguaje audiovisual
“Una imagen vale más que mil palabras". Entendiendo el
"valor" de una palabra o una imagen como la cantidad y
calidad de información que transmite se podría explicar el
famoso aforismo antes citado, porque en un gran número de
casos la lectura de una representación visual puede aportar
mayor número de datos en muchos menos tiempo.
Pensemos por ejemplo en la ilustración de una habitación
llena de muebles y cachivaches diversos y en la descripción
escrita de dicha habitación, es bastante lógico suponer que la
lectura de una descripción exhaustiva de la habitación
requeriría invertir mayor cantidad de tiempo y aún así es
probable que se escaparan detalles gráficos que podrían
apreciarse en la ilustración con unos cuantos vistazos.

18. Por ejemplo mirando los muebles de una habitación en una
imagen, nos podemos hacer una idea del tacto o incluso del
olor y el sonido que produce ese material, sin embargo a
través del texto, el autor puede utilizar todo tipo de adjetivos,
comparaciones y otros recursos estilísticos hasta crear una
sensación casi real de todas las carácterísticas del material,
de la misma manera puede describir la temperatura que
hace en la habitación, la sensación que le produce estar ahí
dentro, etc hasta llevarnos a que nosotros mismos nos
imaginemos en el interior de esa habitación.
Lenguaje escrito y lenguaje audiovisual
El lenguaje escrito permite una mayor precisión a la hora de
transmitir ciertos detalles debido a la capacidad que tiene de
"recrear“, es decir de hacer que el propio lector reconstruya
en su mente las sensaciones, los hechos o los objetos
descritos. Se pueden dar detalles sobre la textura, el olor o
el sonido de una forma menos ambigua de lo que lo puede
hacer una imagen.

19. El Tema, la idea
Toda narración manifiesta un tema. El tema lo concreta el autor
concertando tres elementos: idea, historia y escenario.
Para mayor precisión, las acepciones --del Diccionario de la Real
Academia Española --, con que usamos estos términos son:
TEMA: Proposición o texto que se toma como materia o asunto de
un discurso.
IDEA: Concepto, opinión o juicio formado de una persona o cosa.
HISTORIA: Relación de cualquier aventura o suceso.
ESCENARIO: Conjunto de circunstancias que rodean a una persona
o un suceso.

20. Historia y escenario
La elaboración del tema en la mente del autor procede de la
siguiente manera: uno cualquiera de estos tres elementos aparece
en primer lugar; por ejemplo, la idea.
Idea: El progreso, el maquinismo, deshumanizan la sociedad.
O aparece primero la historia.
Historia: Un hombre lucha por preservar su individualidad.
O aparece primero el escenario.
Escenario: Las máquinas dominan la ciudad.
(Los ejemplos son de "Tiempos Modernos", de Chaplin.)
La obra, sea cual sea su elemento generador inicial, debe
incorporar idea, historia y escenario, porque es palmario que una
historia conlleva una idea y se narra con imágenes de un escenario.

21. Investigación: la búsqueda de un código
La visión del autor busca ahora, en la elaboración de la
obra, el código de la narración.
La visión del narrador busca concertar los elementos del
tema, integrados en un género, de manera que su precisa
interacción y correspondencia generen un mensaje de un
valor expresivo único, singular. Cuando esto se consigue
se ha en-contrado un código. El tema se encarna en un
código.
Todo narrador, intuitivamente, busca un código. La mayor
o menor consistencia y eficiencia del código propuesto por
el autor confiere a la obra su mayor o menor eficacia frente
al receptor.

22. SINOPSIS, ARGUMENTO,
PERSONAJES: GUIÓN.

23. La Sinopsis
Una vez definido un tema iniciamos el proceso de desarrollo del
guión, primera versión de la película que vamos a hacer. El
rodaje será la segunda versión y la edición nos dará la obra
definitiva.
La sinopsis es el primer paso en la escritura del guión.
SINOPSIS: Exposición general de una materia o asunto,
presentados en sus líneas esenciales. (DRAE)
Al principio del proceso, y a pesar de que el autor considere tener
claro y definido el tema en su mente, se está bastante lejos de su
concreción. Será la continua confrontación entre el tema y los
desarrollos de guión, rodaje y edición, lo que lleve a la obra
definitiva y, por tanto, a la precisión definitiva del tema. Que es
la sinopsis ideal. Por ahora, el guionista tiene que establecer, lo
más claramente posible, los elementos del tema en la redacción
de la sinopsis: idea, historia, escenario.

24. El Argumento
El argumento desarrolla la sinopsis en una estructura narrativa,
hasta lograr una primera versión inteligible de la obra en
gestación; un escrito que delinea el derrotero que seguirá la obra
y que comprende la presentación de los personajes y el conflicto,
desarrollo del conflicto y los personajes, clímax y desenlace, tal
como indica la estructura narrativa clásica.
Un bautizo, un sepelio, una riña, un almuerzo, un amor, una
ambición, una carrera, una vida, tienen el mismo devenir, la
misma estructura. No hay como evadirla.
Y esta es la estructura que debe contener el argumento, en el
orden que sea.

25. La Escaleta
La sinopsis y el argumento son gérmenes que podrían dar origen a cualquier narración:
novela, cuento, obra de teatro, película...
La escaleta, en cambio, es el primer instrumento específicamente audiovisual del proceso.
El cine, por su componente industrial (no se podía esperar indefinidamente un guión),
buscó y encontró instrumentos para sistematizar el proceso narrativo. La escaleta es uno de
ellos.
Escaleta viene del italiano scaletta, que significa escalerilla, e indica que ahora se debe
desarrollar la narración, peldaño a peldaño, mostrando el devenir de los personajes y sus
conflictos. Si en el argumento se establece, gracias a indicaciones someras, que Juan va
de A á Z en su periplo, en la escaleta se debe precisar todo el derrotero a seguir por Juan,
empezando por A y continuando por B y C y D, etc., hasta Z.
Escaleta, entonces, es la organización diacrónica de la narración en secuencias.
SECUENCIA: Sucesión no interrumpida de planos que en una película se
refieren a una misma parte o aspecto del argumento. (DRAE)
Se puede precisar esta definición diciendo que secuencia es una unidad de acción.

26. El Personaje
Un personaje es cada uno de los seres, ya sean humanos o de
cualquier otro tipo, que aparecen en una obra artística. Más
estrictamente, es la persona o seres conscientes que se
imagina que existen dentro del universo de tal obra. Además de
personas, pueden ser cualquier otro tipo de ser vivo, incluyendo
animales y dioses, o incluso objetos inanimados.
Estos personajes son casi siempre el centro de los textos de
ficción, especialmente los cinematográficos, historietísticos y
literarios. De hecho, es difícil imaginar una novela sin
personajes, aunque se ha intentado hacer textos de este tipo
(la obra Finnegans Wake de James Joyce es uno de los
ejemplos más conocidos). En la poesía siempre hay algún tipo
de persona presente, pero generalmente como narrador u
oyente imaginario.

27. El personaje es una construcción mental elaborada
mediante el lenguaje y la imagen.
El personaje, como concepto, permanece estático, y se
reduce a un conjunto de características o a una función
necesaria en el desarrollo de la acción.
A través de la historia del drama se han desarrollado cierto
número de personajes estereotipados.
También se denomina personaje a aquellas personas
distinguidas, o que obtienen representación en la vida
pública.
El Personaje

28. Los llamados géneros cinematográficos son en su mayoría escenarios:
western, policíaca, gangster, thriller, road movie, bélica, musical,
artes marciales, ciencia ficción, bíblica, histórica, etc.
GÉNEROS DRAMÁTICOS.
Los narradores no se preocupan mayormente del género dramático de la
obra dado que, como se dijo, este se manifiesta espontánea e
intuitivamente cuando el tema se concreta en la mente del autor.
Y tal como la naturaleza prefija la estructura narrativa --nacimiento, vida,
muerte--, de la misma manera ha terminado por señalarnos que los
probables o posibles personajes humanos y sus probables o posibles
derroteros se resumen en los géneros. Los seres humanos viven
derroteros trágicos o cómicos o dramáticos o tragicómicos o
melodramáticos o farsescos.
Géneros Dramáticos y Cinematográficos

29. “Al definir los elementos del tema, el autor los integra en un género
dramático: tragedia, comedia, drama, tragicomedia, farsa o
melodrama. Farsa en el caso de Tiempos modernos.” Esto ocurre
porque al definir la historia se precisa el derrotero del protagonista y,
como hemos visto, es éste el que determina el género.
El dato primordial, entonces, para determinar el género de una obra
es el derrotero del protagonista.
Los géneros dramáticos son seis:
Tres géneros realistas: tragedia, comedia, drama.
Tres géneros no realistas: melodrama, tragicomedia, farsa.
Los géneros realistas se llaman así porque sus protagonistas viven lo
lógico, lo inevitable, lo que de sólito ocurre, o sea lo probable.
Los géneros no realistas se llaman así porque sus protagonistas viven
lo casual, lo insólito, o sea lo imposible.
Géneros Dramáticos y Cinematográficos

30. TRAGEDIA: Obra dramática cuya acción presenta conflictos de
apariencia fatal que mueven a compasión y espanto, con el fin de
purificar estas pasiones en el espectador y llevarle a considerar el
enigma del destino humano, y en la cual la pugna entre libertad y
necesidad termina generalmente en un desenlace funesto.
Subgénero dramático al cual pertenecen las obras cuyos
protagonistas acometen inflexiblemente determinadas empresas, o se
dejan llevar de pasiones que desembocan en un final funesto.
Derrotero del personaje:
Sucumbe por transgredir valores absolutos.
Marqués de Sade, Napoleón, Mussolini, Hussein...
O sucumbe por defender valores absolutos.
Bolívar, Che Guevara, Martín Luther King, Mahatma Gandhi...
En el personaje trágico clásico, el conflicto es ético o religioso. En el
moderno, el conflicto es social.
Géneros Dramáticos y Cinematográficos

31. COMEDIA: Obra dramática en cuya acción predominan los
aspectos placenteros, festivos o humorísticos y cuyo desenlace
suele determinarse por algunos de estos. (DRAE)
Derrotero del personaje:
Agrede a la sociedad y ésta lo sanciona de alguna manera.
Es el vicioso, avaro, cínico, beato, arribista, engreído,
hipócrita, cobarde...
O agrede a la sociedad y la pone en ridículo.
Es el virtuoso, tímido, ingenuo, astuto, ingenioso, honesto,
valeroso...
Géneros Dramáticos y Cinematográficos

32. DRAMA: Obra de teatro o de cine en que se presentan
acciones y situaciones infaustas o dolorosas, atemperadas por
otras más propias de la comedia, que no alcanza plenitud
trágica. (DRAE)
Derrotero del personaje:
Algún suceso lo lleva a tomar conciencia de sus conflictos y
contradicciones con el mundo y a evaluar y revaluar su vida.
Es alguien del común que cuestiona su fe, su trabajo, su amor,
su moral, su egoísmo, su honestidad, relaciones ...
O se niega a tomar conciencia de sus conflictos y
contradicciones con el mundo y persiste en sus convicciones.
Géneros Dramáticos y Cinematográficos

33. MELODRAMA: Obra teatral, cinematográfica o literaria en que se
exageran toscamente los aspectos sentimentales y patéticos, y en la
que se suele acentuar la división de los personajes en moralmente
buenos y malvados.
Por extensión, obra en que tales aspectos dominan sin que puedan
considerarse peyorativos.
Derrotero del personaje:
Sus cualidades lo llevan a lograr su objetivo.
Mohamed Alí, Nelson Mandela, Evo Morales, Pelé, Pavarotti...
O sucumbe a pesar de sus cualidades.
Mozart, Van Gogh, Marilyn Monroe, John Kennedy, John Lennon,
Airton Senna...
Géneros Dramáticos y Cinematográficos

34. TRAGICOMEDIA: Obra dramática con rasgos de comedia y
de tragedia. (DRAE)
Trayectoria del personaje: Viaja hacia un ideal superando
obstáculos hasta alcanzar su meta.
Marco Polo, Galileo Galilei, Cristóbal Colón, Cervantes,
Beethoven, Darwin, Helen Keller, Lindberg, Jacques
Costeau, Picasso, Stephen Hawkins...
O viaja hacia un ideal y encuentra la muerte en el camino.
Alejandro Magno, Giordano Bruno, Magallanes, Gardel,
García Lorca...
Géneros Dramáticos y Cinematográficos

35. FARSA: Pieza cómica, breve por lo común, y sin más objeto que
hacer reír o ridiculizar (DRAE)
Trayectoria del personaje:
Pretende un mundo imposible. Parte de la realidad y busca
sustituirla. Su origen es trágico, cómico o dramático.
Farsa trágica: Hitler, Torquemada, Mata Hari, Al Capone...
Farsa cómica: Roberta Close, Walter Mercado, Escrivá de
Balaguer...
Farsa dramática: Eva Perón...
O reviste la realidad transformándola en otra.
Nostradamus, Coco Channel...
Géneros Dramáticos y Cinematográficos

36. EL GUIÓN ES LA FORMA ESCRITA de un proyecto audiovisual, en él se
establecen la historia, los diálogos, los personajes, los lugares y el tiempo
en el que se desarrolla la acción. La creación de un film comienza con
una historia de corte más o menos literario. Esta narración, de ficción o
tomada de un hecho real, se enriquece hasta convertirse en un guión
cinematográfico, a partir del cual se llega a la puesta en escena. Todo
consiste en el fondo en un pasar de las palabras a las imágenes en
movimiento, del relato escrito al audiovisual.
El propósito del guión es transformar la historia para que pueda llevarse a
la pantalla y atrape al espectador.
En el camino se marcan señales que guían la tarea, más compleja cuanto
más se profundiza, de exponer y desplegar la historia hasta convertirla en
guión. Se avanza paso a paso, señalando puntos como la construcción de
acciones, a través de la sinopsis y la scaletta. Estas herramientas hacen
referencia a la idea y el tema, que permiten llegar a una primera versión
del guión.
¿Qué es un guión?

37. ¿Cómo se hace un Guión?
1. Escribir la historia en 5 líneas (sí, 5, no más). Se
escribe la historia completa con final incluido, sin
detalle alguno, este es el "concepto" o "idea general".
A esto se le llama una "sinopsis".
2. Una vez con la idea diagramada, desarrolla el
argumento en aprox. 1 o 2 hojas, esto puede variar
si es para un cortometraje o un largometraje.
3. Ahora desarrolla aún más el argumento en aprox. 10 hojas (de nuevo la longitud varía con
respecto al proyecto). A esto se le llama tratamiento y es la etapa final del planteamiento de
la historia. Es recomendable hacerlo en forma de relato.

38. ¿Cómo se hace un Guión?
4. Definir a los personajes ¿cómo se hace esto? Toma a
los personajes que tendrán una relevancia importante en el
guión y definen sus características, rasgos físicos, manera de
hablar, biografía, si el personaje hace algo, ustedes tienen
que saber el porqué de esa acción.
5. Escribir el guión escena por escena, separando la historia
en unidades de acción o secuencias; armando las escenas
con todos los detalles, si es interior o exterior, si es de día o
de noche, etc.
Importante
• Escribir siempre en presente.
• No extenderse en la descripción de las escenas, la cámara
hace el trabajo.
• Describan únicamente lo que la cámara ve, nada de
pensamientos o sensaciones, si es necesario para la historia
o el desarrollo de la escena, se hace un apunte).

39. ¿Cómo se hace un guión?
• Personajes: son los seres sobre los cuales recae la
historia, sustentan el peso de la acción dramática.
Corresponde al quién de la historia.
• Acción dramática: es la forma en que se va a resolver
la historia. Corresponde al cómo de la historia.
• Tiempo dramático: es el tiempo interno del desarrollo
de una escena. Corresponde al cuándo de la historia.
• Unidad dramática: es la interacción equilibrada de
todos los elementos antes mencionados, la cual da como
resultado un guión listo para ser realizado.
La elaboración de un guión es un proceso paulatino, para el cual se deben tener en cuenta
algunos conceptos básicos:
• Idea: es el fundamento del guión, el hecho o suceso eje de la historia. Corresponde al qué
de la historia.
• Conflicto: es la base dramática de la historia, el acontecimiento o acontecimientos que
darán un giro a la historia permitiendo el desarrollo narrativo y dramático de los personajes.

40. Por ejemplo:
INT. CASA DE JUAN - NOCHE
Es probable que no sepan aún con exactitud los diálogos, entonces
se recomienda armar las escenas con su respectivo encabezado y
una pequeña descripción para cada una. Luego con las escenas ya
diagramadas les pueden agregar el dialogo.
Ahora ya con esto hay que poner en "imágenes" el tratamiento. Por
ejemplo si ustedes tienen la siguiente frase: "Juan saluda felizmente a
su amigo y lo invita a que tome asiento"
La escena sería así:
Juan se pone de pie y saluda a su amigo
JUAN:
Hola Jorge, toma asiento
¿Cómo se hace un Guión?

41. El primer guión o guión de filmación
Ten el tema de tu documental totalmente investigado. Antes de comenzar a
filmar necesitas tener una idea de cuál va ser tu historia. Al igual que en
películas dramáticas, necesitan haber personajes, conflictos y tramas
interesantes. A diferencia de estas películas, los hechos deben ocurrir
naturalmente, sin dirigir a la gente en tu documental.
Escribe un esquema sobre lo que piensas que se va a tratar el documental.
Este esquema necesita incluir a los personajes, sus conflictos y cómo te
imaginas que estos conflictos se van a resolver. Tu documental cambiará a
medida que filmas, así que ahora todo lo que necesitas es un esquema vago.
Crea una lista de preguntas que quieres hacer a los personajes. Estas
preguntas ayudarán a desarrollar los personajes y a investigar su conflicto. A
medida que filmas, las respuestas de tus personajes te proveerán más material
para tu documental.
Guión Documental

42. Segundo guión o guión pos-filmación
Completa toda tu filmación y comienza tu guión pos-filmación. El
propósito de este guión es ayudarte a ti o a tu editor a saber
exactamente qué hacer para completar el proyecto.
Elige las escenas que filmaste que mejor desarrollan tus personajes,
conflictos y trama. Escribe un esquema de las escenas que quieres
usar en el documental final.
Escribe, palabra a palabra, el guión para tu documental. Esto
significa que escribirás el dialogo de tus personajes así como el
dialogo del narrador. Recuerda, tu guión necesita estar completo
para que la otra persona que edita el documental corte el dialogo de
la manera en la que lo previste.
Guión Documental

43. El guion técnico es la transcripción en planos cinematográficos de las escenas definidas
en el guion literario. En él, el director planifica la realización, incorporando indicaciones
técnicas precisas como el encuadre de cada plano, la posición de la cámara, los detalles
de iluminación o de decorado o los efectos de sonido.
Guión Técnico

44. ¿Qué es un Storyboard?
Un storyboard o guión gráfico, es un conjunto de
ilustraciones mostradas en secuencia con el
objetivo de servir de guía para entender una
historia, pre visualizar una animación o seguir la
estructura de una película antes de realizarse o
filmarse.
Un storyboard es esencialmente una serie de
dibujos que ordenan la narración de los hechos de
una película. Se utiliza como planificación previa a
la filmación de escenas y secuencias; en él se
determina el tipo de encuadre y el ángulo de visión
que se va a utilizar.

45. ¿Qué es un Storyboard?
El proceso de storyboarding, fue desarrollado en el
estudio de Walt Disney durante principios de los años
1930, después de varios años de procesos similares
que fueron empleados en Disney y otros estudios de
animación.
Un storyboard proporciona la disposición visual de
acontecimientos tal como deben ser vistos por la
cámara, aquí los detalles más técnicos o complicados
pueden ser descritos en el cuadro (la imagen), o en la
anotación al pie del mismo.
Podemos encontrar storyboards llenos de color o en blanco y negro, lleno de detalles o
simplemente trazos que esbozan una idea de figuras.

46. Los planos son la unidad básica del lenguaje
audiovisual. Determinan como se verá la acción en
cámara, así como el “tamaño” de la imagen, y permiten
subrayar algunos elementos que influyen en el desarrollo
dramático de la historia. Hay cuatro planos básicos:
Plano general, plano americano, plano medio y primer
plano.
Es la parte de una película rodada en una única toma.
Es una vista desde la cámara de cine.
¿Qué es un Plano?

47. Tipos de Planos
Plano general (Long shot)
Introduce al espectador en la situación, le ofrece una vista general
y le informa acerca del lugar y de las condiciones en que se
desarrolla la acción.
Puede realizarse de varios modos, según su grado de
generalidad:
Panorámico: los personajes tienen menos importancia que el
paisaje.
Plano general largo: mayor acercamiento de objetos o personas.
Plano general corto: Abarca la figura humana entera con
espacio por arriba y por abajo.
Plano americano: Toma a las personas de la rodilla hacia arriba.
Su línea inferior se encuentra por debajo de las rodillas.

48. • Plano medio (Medium shot)
Limita la acción mediante un encuadre más reducido y dirige
la atención del espectador hacia el objeto. Los elementos se
diferencian mejor.
Plano medio corto (Medium close shot): encuadre de una
figura humana cuya línea inferior se encuentra a la altura de
las axilas. Es mucho más subjetivo y directo que los
anteriores, permite una identificación emocional del
espectador con los actores.
Tipos de Planos

49. Primer plano (Close up): El rostro del actor llena la pantalla.
Tiene la facultad de introducirnos en la psicología del personaje.
Con este encuadre se llega a uno de los extremos del lenguaje
visual: los objetos crecen hasta alcanzar proporciones
desmesuradas y se muestran los detalles (ojos, boca, etc.).
Semiprimer plano (Semi close up shot): Concentra la atención
del espectador en un elemento muy concreto, de forma que sea
imposible que lo pase por alto. Desde el punto de vista narrativo
nos puede transmitir información sobre los sentimientos, analiza
psicológicamente las situaciones y describe con detenimiento a
los personajes.
Plano detalle: Primerísimos planos de objetos o sujetos, flores,
una nariz, un ojo, un anillo, etc.
Tipos de Planos

50. Corresponde a la posición de la cámara en el set y al tamaño del cuadro o
de lo que se verá en cámara según el ángulo en el que se coloca la cámara
en relación al objeto. Estos son: Normal, picado y contrapicado.
Plano en Picado:
Cuando la cámara está sobre el objeto, en un cierto ángulo. El objeto está
visto desde arriba. La cámara inclinada se ubica arriba de la acción y desde
allí la registra. Esto genera la sensación de opresión visual (se utiliza para
denotar inferioridad de los personajes o para resaltar la sensación de
opresión de una acción).
Plano en contrapicado:
Al contrario que el anterior, la cámara se coloca bajo el objeto, destacando
este por su altura. La cámara se ubica en la parte inferior de la acción. Esto
genera una sensación de grandeza o sublimidad (se utiliza para denotar una
superioridad física o psicológica de los personajes).
Plano frontal ó normal:
Cuando la cámara está en el mismo plano que el objeto.
¿Qué es el Encuadre?

51. Cada movimiento de cámara debe corresponder a una intención
narrativa y dramática por parte del director en función de la
historia. Estos movimientos son:
• Tilt up: Es una panorámica vertical, la cámara se mueve sobre
su eje hacia arriba.
• Tilt down: Es una panorámica vertical, la cámara se mueve
sobre su eje hacia abajo.
• Travelling: Desplazar la cámara de izquierda a derecha de
cuadro o adelante y atrás del mismo; se puede hacer con
cámara en mano, utilizando un dolly (carro de transporte
horizontal, que funciona en línea recta) o una grúa.
• Paneo: Es una panorámica horizontal de la acción que se logra
moviendo la cámara sobre su eje de derecha a izquierda o de
izquierda a derecha del cuadro.
Los movimientos de cámara

52. PRE – PRODUCCION