Fotografía digital (0578)

FOTOGRAFIA DIGITAL 2
CARRERAS PROFESIONALES CIBERTEC

Índice
Presentación 5
Red de contenidos 7
Unidad de Aprendizaje 1
CONCEPTOS GENERALES DE FOTOGRAFÍA DIGITAL 9
1.1 Tema 1 : Introducción a la Fotografía 11
1.1.1 : La cámara fotográfica: partes, funciones y configuración
básica 11
1.1.2 : Enfoque 18
1.1.3 : Diafragmas, velocidades, ISO y exposición 20
1.1.4 : Sensores y formatos digitales 28
1.1.5 : Modos y espacios de color 35
1.1.6 : El histograma, el sistema de zonas, el rango dinámico y
profundidad de bits 38
1.1.7 : Práctica de campo: Exposición 60
1.2 Tema 2 : Lentes y Profundidad de Campo 61
1.2.1 : Los lentes 61
1.2.2 : Profundidad de campo 72
ILUMINACIÓN 81
2.1 Tema 3 : Iluminación de estudio y elementos de revelado
digital 83
2.1.1 : Aprestamiento de luces 83
2.1.2 : Luces de estudio 85
2.1.3 : Propagación y regulación de luces por potencia y
distancia (Ley del cuadrado inverso) 105
2.1.4 : Clave alta y clave baja 108
2.1.5 : Diseño de diagramas de planta de iluminación 113
2.1.6 : Temperatura de color 115
2.1.7 : Práctica de estudio (Ratios) 117
2.1.8 : Revelado digital en Camera RAW (Adobe Bridge, Adobe
Photoshop y Adobe Photoshop Lightroom) 119
2.1.9 : Calibración de monitores 136
FOTOGRAFÍA DE CONCEPTO, EDITORIAL Y PUBLICITARIA 139
3.1 Tema 4 : Fotografía de Concepto 141
3.1.1 : Ejemplos
3.2 Tema 5 : Fotografía de Portada 148
3.2.1 : Ejemplos
3.3 Tema 6 : Fotografía Publicitaria 157
3.3.1 : Ejemplos
Bibliografía 165

Presentación
El Curso Fotografía Digital pertenece a la línea de Herramientas de Diseño y se dicta
en la carrera de Diseño Gráfico. Brinda al alumno conceptos básicos del lenguaje
fotográfico para dominar la imagen, y su capacidad expresiva y comunicacional.
El curso se desarrolla a través de sesiones teórico prácticas con alta participación,
propuesta y realización de tomas fotográficas. Está compuesto por unidades que
brindan los conocimientos necesarios para manejar una cámara fotográfica digital semi
profesional y la manipulación de la luz en diferentes condiciones.
El manual para el curso ha sido diseñado bajo la modalidad de unidades de aprendizaje,
las que se desarrollan durante semanas determinadas. En cada una de ellas, está el
logro que debe alcanzar el alumno al final de la unidad; asimismo, el tema tratado, el
cual será ampliamente desarrollado y los contenidos que debe desarrollar, es decir, los
subtemas. Por último, se encuentran las actividades que deberá desarrollar el alumno
en cada sesión que le permitirá reforzar lo aprendido en la clase.
El curso es eminentemente práctico: consiste en un taller de fotografía digital. En primer
lugar, se inicia con el reconocimiento de las características propias la cámara
fotográfica, su uso y su manejo. Continúa con la presentación de los criterios de
composición fotográfica que se debe tener. Por último, se concluye con toda la
formación necesaria para manejar la iluminación.

Red de Contenidos
FOTOGRAFÍA
DIGITAL
Conceptos
Generales de
Fotografía
Iluminación
Fotografía de
Concepto, de
Portada y
Publicitaria

CONCEPTOS GENERALES DE
FOTOGRAFÍA DIGITAL
LOGRO DE LA UNIDAD DE APRENDIZAJE
Al término de la unidad, el alumno opera correctamente una cámara fotográfica
digital semi profesional identificando las partes más importantes y los
accesorios.
TEMARIO
 La cámara fotográfica: partes, funciones y configuración básica
 Enfoque
 Diafragmas, velocidades, ISO y exposición
 Sensores y formatos digitales
 Modos y espacios de color
 El histograma, el sistema de zonas, y el rango dinámico y la profundidad de
bits
 Los lentes
 Profundidad de campo
ACTIVIDADES PROPUESTAS
 El alumno realiza una práctica de aprestamiento en el uso de la cámara.
 El alumno realiza ejercicios donde profundizará cómo exponer correctamente
una fotografía y de largas exposiciones.
 El alumno realiza ejercicios de retrato.
UNIDAD
1

1.1 INTRODUCCIÓN A LA FOTOGRAFÍA
1.1.1 LA CÁMARA FOTOGRÁFICA: PARTES, FUNCIONES Y
CONFIGURACIÓN BÁSICA:
1.1.1.1 Trayectoria de la luz y partes de una cámara réflex
Para que una fotografía pueda ser registrada, debe seguir un camino desde la fuente
de luz hasta la película o sensor siguiendo el mismo principio de la cámara lúcida.
Después de que la luz es emanada, rebota sobre lo que se desea fotografiar y se
dirige a la cámara. La luz atraviesa el objetivo o lente. Dentro de este, se encuentra el
diafragma, que viene a ser el agujero de la cámara estenopéica, lugar donde la
imagen se forma y se proyecta. Luego, la luz continúa hacia un espejo que rebota la
imagen a través de un prisma que termina proyectando la imagen sobre un ocular o
visor. Cuando uno toma la fotografía, este camino cambia su curso. Al oprimir el
disparador, el espejo se levanta dejando que la imagen continúe su camino hacia el
obturador, que se abre y hace que la película o sensor genere la imagen sobre estas
superficies.
Origen: Cámara Oscura o Estenopeica
La primera mención de los principios de la cámara oscura datan alrededor del año 400
antes de Cristo, de los manuscritos de un filósofo chino llamado Mozi. El principio
consiste en un fenómeno de naturaleza óptica. Si a una habitación (o caja) totalmente
oscura, pintada internamente en color negro, se le hiciera un agujero en uno de sus
lados, al otro extremo aparecería una imagen invertida, de lo que se encuentra al
frente de este agujero.

Este principio era usado principalmente por los astrónomos durante cientos de años
para poder ver los eclipses de forma indirecta.
Abu Ali Al-Hasan Ibn al-Haitham fue el primer científico al que se le atribuye la
construcción de la primera cámara oscura entre los siglos X y XI D.C. Sin embargo,
no sería hasta muchos siglos después que se crean los medios sensibles para
aprovechar este conocimiento con fines de reproducción de la realidad.
Inicios
Vista desde la ventana de Le Gras Primera fotografía de 8 horas de exposición

La historia de la fotografía se inicia a principios del siglo XIX cuando, en el año 1816,
el científico francés Nicéphore Niepce obtuvo las primeras imágenes fotográficas,
aunque la fotografía más antigua que se conserva es una imagen conocida como Vista
desde la ventana en Le Gras (gráfico superior), obtenida en 1826 con la utilización de
una cámara oscura y un soporte sensibilizado mediante una emulsión química de
sales de plata.
Cuando Niepce comenzó sus investigaciones necesitaba ocho horas de exposición a
plena luz del día para obtener sus imágenes. En 1839, Louis Daguerre hizo público su
proceso para la obtención de fotografías basado en la plata denominado daguerrotipo,
que resolvía algunos problemas técnicos del procedimiento inicial de Niepce y reducía
los tiempos necesarios de exposición. Su procedimiento resulta ser el antecesor de la
actual fotografía instantánea de Polaroid. Casi al mismo tiempo, Hércules Florence,
Hippolythe Bayard y William Fox Talbot desarrollaron otros métodos diferentes. El
creado por William Fox Talbot se basaba en un papel cubierto con cloruro de plata que
es mucho más cercano al de la fotografía de hoy en día, ya que producía una imagen
en negativo que podía ser posteriormente positivada tantas veces como se deseara.
Por esos tiempos, el daguerrotipo era mucho más popular, ya que era particularmente
útil para los retratos, que empezaron a divulgarse entre la clase media burguesa de la
Revolución Industrial por ser mucho más baratos que los pintados, lo que dio un gran
impulso a esta nueva técnica.
1.1.1.2 Nomenclatura Básica
Objetivo: Lente o Distancia Focal
Obturador: Cortina que protege el sensor o película de la luz. El disparador hace que
esta cortina se abra.
Diafragma: Agujero o círculo hueco que deja pasar luz a la cámara y que genera el
efecto óptico para crear la imagen.
Tiempo de Obturación: Conocido, también, como tiempo de exposición o velocidad,
es el tiempo que se usa para exponer la película o sensor a la luz. Usualmente, son
fracciones de segundo.
Plano Focal: Zona donde se proyecta la imagen proveniente del objetivo. Una vez
abierto el obturador, el plano focal se sitúa sobre la superficie de la película o sobre el
sensor de la película.

1.1.1.3 Partes de la cámara digital
Cuerpo de la Cámara
En el cuerpo de la cámara, se encuentran la mayoría de funciones y controles: el
sensor, el sistema réflex digital o DSLR, el visor, la palanca de encendido, los
controles de diafragma y velocidad, el disparador, entre otros.
Palanca de encendido: Al colocar esta palanca en la posición “ON”, la cámara
comenzará a funcionar. Para apagar la cámara, se pondrá en la posición “OFF”.
Visor: A través del visor, uno puede ver el encuadre de lo que está fotografiando,
además de algunas de las funciones más saltantes.
Anillo de Programa (Dial de los Modos de exposición): Con el anillo de programa,
el fotómetro o sensor de luz de la cámara se ajusta a la condición que uno prefiera.
Las más conocidas son las siguientes:
A-Dep: Profundidad de Campo
M: Manual
Av: Prioridad Apertura
Tv: Prioridad Tiempo de Exposición
P: Programa

 Para el presente curso manejaremos el anillo de programa en
Manual
NOTA: La nomenclatura presentada corresponde a las cámaras de la
marca CANON. Otras marcas pueden variar la nomenclatura, pero el
concepto de los modos se mantiene.
Disparador: Cuando uno oprime el disparador, hace que el sensor de la cámara se
impresione de la imagen que se ve a través del visor.
Anillo de Velocidad: Cuando uno gira este anillo en sentido horario, el tiempo de
exposición u obturación disminuye; no obstante, si se gira en sentido antihorario,
aumenta.
Anillo de Diafragma: Si uno quiere cambiar de diafragma o de apertura, tiene que
hacer lo siguiente: mientras se oprime el botón de sobre y sub exposición, giramos
el anillo de velocidad. Al hacer esto, convertimos momentáneamente el anillo de
velocidad en anillo de diafragma. Si giramos este anillo en sentido horario,
disminuimos la cantidad de luz que entra a la cámara reduciendo el tamaño del
diafragma. Si lo giramos en el sentido opuesto, agrandamos este tamaño y, por lo
tanto, entra más luz.
Botón de Factor de Sensibilidad (ISO): Al oprimir este botón, en la pantalla de LCD,
aparecerán cinco opciones de sensibilidad o ISO: 100, 200, 400, 800, 1600. Si se
escoge un número mayor, la sensibilidad a la luz aumenta; no obstante, si se escoge
un número menor, disminuye. Para seleccionar el ISO, usamos el botón SET y se
navega con las flechas que se encuentran alrededor de SET

Si hablamos de una sensibilidad alta, como por ejemplo: ISO 1600, y se quiere que la
foto esté correctamente expuesta, se necesita menor cantidad de luz. Si, por el
contrario, usáramos ISO 100, entonces se necesita mayor cantidad de luz.
Al aumentar el factor de sensibilidad, lo que se hace, también, es agregar ruido a la
imagen. Así que, si el factor de sensibilidad es mayor, el ruido también lo será.
Objetivo: Lente, su medida corresponderá a su distancia focal (distancia que hay
desde el eje óptico del lente al sensor).
Botón de foco manual y automático: Con este botón, activamos o desactivamos el
foco automático.
MF: Foco Manual
AF: Foco Automático
 Para el presente curso manejaremos la cámara en MF
Anillo de Enfoque: Al girar este anillo, se enfocará la imagen que se ve a través del
visor. La imagen estará enfocada, en tanto se vea nítida, en vez de borrosa.
Botón de Autofoco: Al oprimir este botón, se presentarán tres opciones en la pantalla
LCD:
ONE SHOT: para motivos estáticos
AI FOCUS: cambia de modo AF de forma automática
AI SERVO: para motivos en movimiento
 Para el presente curso, manejaremos la cámara en MF, por lo
que estas funciones no se tocarán. “AI” significa inteligencia
artificial.
Anillo Zoom: Hay lentes que cuentan con una sola distancia focal, que se llaman fijos.
Hay otros que cuentan con más de una. A estos lentes se les llama lentes zoom.
Cuando se gira el anillo zoom, uno cambia de distancia focal. En el visor, veremos que
la imagen se agranda o empequeñece. Más Adelante se ahondará con este tema.
Botón de Balance en Blanco: Con este botón, se establece con qué temperatura de
color se está trabajando.
Botón de Menú: Con este botón, se ingresa al menú de la cámara para modificar
funciones avanzadas.
Botón de Visionado: Con este botón, se ingresa al modo de visionado. Se ven las
imágenes grabadas en la tarjeta SD (Secure Digital). Si se oprime el botón display
(Disp) viendo una imagen, se verán ciertos aspectos de la misma cuando fue tomada.
Si el mismo botón se vuelve a oprimir, se verán aspectos avanzados, además de un
histograma de la imagen. También, se pueden ver las miniaturas de las imágenes
tomadas.
Si la foto no nos sirviera, se oprime el botón de descarte de imágenes (tiene un
ícono de tacho de basura), luego se usan los botones de navegación de la derecha
para eliminarla.

Nota: Las tarjetas SD, donde se almacenan las imágenes, vienen en diversas
capacidades: 256 MB, 512 MB, 1GB, 2GB, 4GB, 8GB, etc. Asimismo, encontramos la
diferencia de level. El número de level representa la velocidad mínima de descarga en
Megabytes por segundo. Una tarjeta level 2 asegura 2MB/s; y una level 10, 10MB/s,
aunque esta velocidad puede ser mayor dependiendo del fabricante.
Pantalla LCD: Es donde se pueden revisar la configuración de los diferentes
parámetros de la toma, como el modo de exposición, la barra del fotómetro, la
velocidad, el diafragma, la sensibilidad ISO, el modo de medición del fotómetro, el
modo de toma (1 disparo ó ráfaga), la cantidad de tomas que puede almacenar la
tarjeta de memoria, el nivel de carga de la batería, etc. Además, podemos visualizar
las tomas realizadas y revisar sus datos exif.
Si sigue este link, podrá descargar el manual de cualquier cámara que se usase en
este curso: http://www.canonistas.com/foros/general-camaras/88445-manuales-de-
camaras-canon-digitales-espanol-e-ingles.html
1.1.1.4. Configuración Básica
Hay ciertos aspectos fundamentales al momento de configurar la cámara. Veremos
los más importantes:
Tipo de Archivo: RAW (para el fabricante, la extensión es CR2)
Estilo de Foto: Neutro
Espacio de Color: Adobe RGB
Esto se puede modificar accediendo al menú de la cámara al oprimir el botón que dice
Menú.
Para acceder al video:
http://sdrv.ms/1aj4AQW

1.1.2 ENFOQUE
1.1.2.1 Enfocando
Cuando enfocamos una imagen, lo tenemos que hacer de manera manual o
automática. Manualmente, debemos ver a través del visor de la cámara y girar el anillo
de enfoque hasta que la imagen se vea nítida, definida. La otra manera de hacerlo es
usar los puntos AF en el visor y oprimir ligeramente el disparador (esto mientras, en el
lente, esté seleccionada la opción AF). Si se oprime con suavidad el disparador (en
funciones avanzadas), podemos asignar a otro botón la función de enfoque
automático.

Es recomendable no intentar hacer foco en el modo lifeview de la cámara.
La ventaja de elegir la zona a enfocar permite definir cuál será el principal foco
de atención.1
1
Imágenes realizadas por Diego Contreras Morales

1.1.3 DIAFRAGMAS, VELOCIDADES, ISO Y EXPOSICIÓN
Para obtener una foto correctamente expuesta, se deben tener en cuenta
principalmente tres factores:
a) La sensibilidad a la luz del sensor de la cámara
b) La cantidad de luz que cae sobre el sensor
c) La cantidad de tiempo que se expone el sensor a esta cantidad de luz
1.1.3.1 Diafragma
El diafragma es la apertura interna que tiene el lente y sin el cual la imagen nunca se
formaría. Cuando verificamos el nivel de exposición a través de la cámara, se nos
indica a través del número f. Si usamos un diafragma abierto, significa que el sensor
está recibiendo una mayor cantidad de luz. Si por el contrario usamos un diafragma
más cerrado, entrará menos luz.
Número f: Es una relación matemática, en la que intervienen tres factores: apertura,
distancia focal y el número “f”. Nosotros podemos ver a través de la cámara los
números “f” y nos servimos de ellos para controlar la cantidad de luz que entra al
sensor.
Fórmula del número “f”
Distancia Focal
Número “f” =
Apertura de Diafragma

Ejemplo: Si se tiene en cuenta que usamos una distancia focal o lente 50mm, se
obtienen los siguientes valores:
Números
"f"
Diafragma
en mm
Superficie total
de la apertura en
mm2
Cantidad de luz
transmitida por unidad
de tiempo 5.6 = x
1 50 1963 32 x
1.4 35.7 1002 16 x
2 25 491 8 x
2.8 17.9 250 4 x
4 12.5 123 2 x
5.6 8.9 63 x
8 6.3 31 1/2 x
11 4.5 16 1/4 x
16 3.1 8 1/8 x
22 2.3 4 1/16 x
A través de este cuadro, se concluye lo siguiente:
a) A mayor número f, menor cantidad de luz.
b) Un número f correlativo deja pasar el doble o la mitad de luz que el diafragma
anterior.
Ejemplo: f: 5.6 deja pasar la mitad de luz que f: 4, pero el doble del f: 8.
c) Si f = 1, entonces la apertura de diafragma será igual a la distancia focal.
Veamos exposiciones secuenciales en las que se varía solo la apertura del F2
F:2 F:2.8
F:4
2

F:5.6 F:8
A mayor número f, menor paso de luz
1.1.3.2 Tiempo de exposición
Así como la cámara indica la cantidad de luz que cae sobre el sensor, a través del
número “f” se indica la cantidad de tiempo de exposición. Las cámaras indican
velocidades de fracciones de segundo, así como segundos completos o tiempos
indeterminados como la opción “B”, que significa bulbo, y quiere decir que el obturador
permanecerá abierto desde que uno oprime el disparador hasta que uno lo suelte.
Una velocidad rápida o exposición de corta duración permitirá congelar al sujeto. Si
fuera una velocidad lenta o exposición de larga duración, apreciaremos que los objetos
se encuentran movidos.
La velocidad normal de disparo varía entre 1/60 y 1/125, velocidades más rápidas o
cortas congelan a los sujetos.

A la imagen anterior, se le ha dado una larga exposición (8 segundos
aproximadamente), por esto los carros que cruzan la autopista se ven movidos y son
los faros encendidos lo que, principalmente, se ve.
Fotografía de alta velocidad o corta exposición. Gracias a esto, se pudo congelar la
cereza al momento de impactar sobre la superficie. t: 1/5000

1.1.3.3 Factor de Sensibilidad (ISO)
El sensor de la cámara digital puede trabajar a diferentes niveles de sensibilidad, estos
vienen determinados por el estándar ISO. A mayor número ISO, se tiene mayor
sensibilidad del sensor. Esto quiere decir que si nuestro sensor estuviera usando una
sensibilidad de ISO de 1600, necesitaría menos cantidad de luz o tiempo de
exposición que si estuviera usándose una sensibilidad de un ISO 100. Sin embargo, si
la sensibilidad del sensor es mayor, mayor será el ruido que se verá en la imagen que
se tome y se irá perdiendo definición.

1.1.3.4 Criterio de compensación
La apertura de diafragma y el tiempo de exposición son dos índices que van ligados.
Si obtengo una lectura correcta con un número “f” y un tiempo “t” determinados, por
cada paso que varíe alguna de estas dos variables, deberé cambiar la otra en sentido
contrario. Si obtengo una exposición correcta con un “f” y un “t” determinados, y
cambio la variable “f” duplicando la cantidad de luz, entonces deberé dividir a la mitad
la variable “t” para compensar la exposición.
Tabla de compensación hipotética:
Como se observa a través de esta tabla, si se tiene una lectura correcta en la
relación f = 8 y t = 1/125, también es correcta f = 5.6 y t = 1/250, es decir, si se
deja pasar el doble de luz, se da la mitad del tiempo y viceversa.
1.1.3.5 Exposición
Cuando usemos cualquier cámara, ésta tendrá un fotómetro incorporado a ella,
llamado fotómetro de luz reflejada. Este fotómetro mide la escena que se esté
visualizando, según la sensibilidad escogida se configurarán en función a ésta el
número “f” y el tiempo de exposición.
Para obtener una exposición correcta, depende de varios factores. El criterio básico
para tener una lectura correcta es ajustar la escala de exposición, una recta
numérica horizontal que va de -2 hasta +2 EV (Exposure Value), que uno puede
visualizar de dos formas.
La primera, a través del visor, oprimiendo levemente el disparador para que la
cámara de una lectura inicial.
La segunda es haciendo el mismo proceso, pero mirando la pantalla de LCD debajo
de la velocidad (en el diagrama inferior, al lado de la letra P).
f 2.8 4 5.6 8 11 16
t 1/1000 1/500 1/250 1/125 1/60 1/30

Después de haber visualizado alguna de estas rectas y haber oprimido levemente el
disparador, aparecerá un rectángulo negro debajo de alguna parte de esta recta.
Entonces, lo que se tiene que hacer es mover la velocidad o el diafragma hasta que
este rectángulo se encuentre debajo de cero.
1.1.3.6. Puntos de sobre exposición y sub exposición
Cuando se habla de puntos de sobre o sub exposición, estamos hablando de olvidar el
criterio de compensación, y variar el “f” o el “t” en un paso o punto, una vez que
logramos ubicar el rectángulo negro debajo del “0”. Concretamente, sería duplicar o
dividir a la mitad la exposición en cantidad de luz o en tiempo de exposición.
Hay oportunidades en que no podemos valernos de el punto “0” para considerar que
una fotografía saldrá correctamente expuesta. El fotómetro de la cámara usa valores
de medición que consideran que lo que se está encuadrando es un promedio entre el
blanco más claro y el negro más oscuro, ambos sin detalle. A este promedio se le
llama gris 18%. Sin embargo, si nos regimos bajo este criterio, es decir, si ponemos
elementos blancos con un fondo blanco a ser fotografiados, entonces saldrán de color
gris o sub-expuestos, si es que colocamos el rectángulo de la recta en el punto “0”.
Para que la fotografía salga correctamente, tendremos que sobre exponer uno o dos
puntos. Esto quiere decir colocar el rectángulo negro debajo de +2 o +1. Si por el
contrario fueran negros en vez de blancos, se tendría que sub exponer uno o dos
puntos, por lo que se debe ajustar la exposición en -1 o -2.

3
También, podríamos hacerlo con los f. Al exponer diferentes aperturas, la imagen se
sub expone o sobre expone. Debemos recordar que un f de número pequeño, como
2.8, conlleva a un diafragma más abierto y por ende ingresará más luz al sensor
haciendo más clara la imagen. Caso contrario, si el número f fuera mayor, como un 16,
hará que ingrese menos luz y de mantener el tiempo de obturación e ISO iguales hará
que la imagen salga más oscura. Hay veces en que no podemos ceñirnos, tampoco,
bajo este criterio cuando no sabemos si los elementos rebotarán la luz como si fueran
blancos o negros. En ese momento, debemos usar una técnica que se llama
bracketing. En el bracketing, debemos tomar las fotos en el “punto cero” y esa misma
foto debe volverse a tomar con un punto de sub exposición y un punto de sobre
exposición. En otras palabras, para cada foto, se debe sacar dos fotos adicionales. Va
a depender del contraste o la iluminación para que sea medio punto o dos puntos
completos.
RECUERDE QUE SI VARÍA EL ISO, VARIARÁ LA EXPOSICIÓN
3

Quizás la herramienta más importante para exponer correctamente una imagen sea el
histograma de la cámara. Revisarlo, durante una sesión de fotografía, es importante
(este tema se profundizará en la sección de histograma).
Para profundizar, puede seguir el siguiente enlace y practicar la exposición variando
diferentes valores:
http://camerasim.com/camera-simulator/
1.1.4. SENSORES Y FORMATOS DIGITALES
1.1.4.1. Tipos de sensores para cámaras fotográficas digitales.
CCD “Un CCD (siglas en inglés de charge-coupled device: ‘dispositivo de cargas
[eléctricas] interconectadas’) es un circuito integrado que contiene un número
determinado de condensadores enlazados o acoplados. Bajo el control de un circuito
interno, cada condensador puede transferir su carga eléctrica a uno o a varios de los
condensadores que estén a su lado en el circuito impreso. La alternativa digital a los
CCD son los dispositivos CMOS (complementary metal oxide semiconductor)
utilizados en algunas cámaras digitales y en numerosas Webcam. En la actualidad, los
CCD son mucho más populares en aplicaciones profesionales y en cámaras
digitales.”4
Sensor CCD. Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Ccd
Filtro Bayer. Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Filtro_Bayer
4
http://es.wikipedia.org/wiki/CCD_(sensor)

El sensor CCD es un sensor que se usa en fotografía y que fue altamente difundido en
el campo del video profesional con las cámaras de 3 CCD. El funcionamiento del
sensor se basa en la captura de la luz a un nivel básico, bajo los ejes de luminosidad y
oscuridad. Esto hace que la imagen capturada sea en blanco y negro. Para que el
sensor CCD pueda capturar una imagen a color, usa un filtro bayer. Este filtro
consiste en un tablero de cuadrados de color rojo, verde y azul (RGB), donde al pasar
la luz a través de este filtro, el color en la imagen surge.
CMOS “Un Active Pixel Sensor (APS) es un sensor que detecta la luz basado en
tecnología CMOS y, por ello, es más conocido como Sensor CMOS. Gracias a la
tecnología CMOS, es posible integrar más funciones en un chip sensor, como por
ejemplo control de luminosidad, corrector de contraste, o un conversor analógico-
digital.”5
5
http://es.wikipedia.org/wiki/Sensor_CMOS

Sensor CMOS. Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Sensor_CMOS
Comparación de usar un sensor CMOS con un sensor CCD
Ventajas
 Consumo eléctrico muy inferior
 Económico (necesita pocos componentes externos)
 Lectura simultánea de mayor número de pixeles
 El conversor digital puede estar integrado en el mismo chip
 Escaso Blooming ("Smear") o inexistente
 Mayor flexibilidad en la lectura (Previsualización más rápida, vídeo)
 Los pixeles pueden ser expuestos y leídos simultáneamente
 Otras topologías posibles (el sensor SuperCCD de Fujifilm emplea una
construcción en forma de panel (octogonal) para los píxeles)
 Distintos tipos de píxeles (según tamaño y sensibilidad) combinables
 Muy alta frecuencia de imagen en comparación a un CCD del mismo tamaño
Desventajas
 Menor superficie receptora de la luz por píxel
 Menor uniformidad de los píxeles (mayor ruido de patrón fijo-FPN)

1.1.4.2. Terminología digital y conceptos básicos
Píxel
El Píxel es la unidad mínima de imagen que se puede obtener.
Megapíxel
Un megapíxel es un millón de píxeles. Cuando se dice que una cámara tiene 10
megapíxeles, quiere decir que su sensor está compuesto por 10 millones de pequeños
receptáculos fotosensibles. Por ejemplo, la cámara Canon EOS Digital Rebel XTI tiene
10.1 megapíxeles, su sensor está compuesto por una malla de sensores de 3888
píxeles de ancho por 2592 píxeles de alto. Si uno multiplica estas dos cifras, se
obtienen: 10´077,696 píxeles, redondeando 10.1 megapíxeles.
Tamaño de sensor
El tamaño de sensor se debe tener en cuenta para impresiones, ya que aunque pueda
tener millones de megapíxeles en su superficie, estos pueden ser muy pequeños, por
lo que la imagen ampliada carecería de la definición óptima.
En la actualidad, existen principalmente dos tipos de sensores, los “full frame” de 35
mm (36 x 24mm de área) y los “APS-C” (24 x 16mm), estos últimos son más pequeños
que un fotograma de 35 mm. En ambos casos, se usan los mismos lentes; sin
embargo, la captura del ángulo total de la toma difiere de lo que vendría a ser un “full
frame”.
En ópticas y desarrollo de lentes, siguen los mismos parámetros, por lo que esto
genera un problema, ya que al ser el sensor APS-C es más pequeño que el full frame
(un 62.5%) y su captura de imagen es menor, por lo que no incluiría toda la cobertura
en ángulo que tiene por naturaleza el lente en sí.

Existe un factor de conversión, 1.6x, que se aplica directamente al lente. Un lente
28mm con un sensor APS-C sería el equivalente a un lente 44.8mm, en un full frame.
Sin embargo, las distorsiones ópticas se mantienen. Esto se debe a la construcción del
lente.
NOTA: El factor de conversión descrito es aplicable a las cámaras Canon que se usan
en clases. Otras marcas y modelos tienen factores de conversión distintos, dado que
el tamaño de sus sensores es distinto.
Cuadro comparativo de tamaños y proporciones de diferentes sensores
RAW, TIFF, JPG, PNG Y GIF
RAW (en inglés significa crudo)

“Es un formato de archivo digital de imágenes que contiene la totalidad de los datos
de la imagen tal y como ha sido captada por el sensor digital de la cámara fotográfica.
El formato RAW, generalmente, lleva aplicada compresión sin pérdidas.
Debido a que contiene la totalidad de los datos de la imagen captada por la cámara y
una mayor profundidad de color (por lo general 36 a 48 bits/píxel), sus ficheros tienen
un tamaño de archivo muy grande, a pesar de que, generalmente, usan compresión.”6
Existen diferentes extensiones particulares de acuerdo a la marca:
CANON: CR2, NIKON: NEF Negativo digital genérico: DNG.
Este tipo de extensión permite modificar de manera más eficiente una imagen,
por lo que se fotografiará en RAW durante todo el ciclo, ya que es lo
recomendable en un trabajo fotográfico y de diseño a nivel mundial.
Se le llama RAW o Crudo, en castellano, a un archivo sin las alteraciones que puede
tener un jpg. No se le ha aplicado filtros de corrección de luz, color, contraste ni
enfoque.
TIFF (Tagged Image File Format)
TIFF es un formato de fichero para imágenes.
“La denominación en inglés "Tagged Image File Format" es un formato de archivo de
imágenes con etiquetas. Esto se debe a que los ficheros TIFF contienen, además de
los datos de la imagen propiamente dicha, "etiquetas" en las que se archiva
información sobre las características de la imagen, que sirve para su tratamiento
posterior”.7
Contra lo que muchos piensan, el formato TIFF sí permite compresión. Existe un
sistema de compresión TIFF sin pérdida de calidad, conocido como LZW (Lempel-Ziv-
Welch).
Toda imagen scaneada debería guardarse en esta extensión, a la resolución
requerida, al espacio de color apropiado y al mayor bitaje para permitir su
posterior retoque. En caso se usara en 8 bits, sería recomendable usar un jpeg.
JPEG
“Además de ser un método de compresión, es a menudo considerado como un
formato de archivo. JPEG/Exif es el formato de imagen más común utilizado por las
cámaras fotográficas digitales y otros dispositivos de captura de imagen junto con
JPEG/JFIF, que también es otro formato para el almacenamiento y la transmisión de
imágenes fotográficas en la World Wide Web. JPEG/JFIF es el formato más utilizado
para almacenar y transmitir archivos de fotos en Internet. Estas variaciones de
formatos a menudo no se distinguen y se llaman JPEG”.
"JPEG" significa "Joint Photographic Experts Group" (Grupo de Expertos en un
Conjunto de Fotografías), nombre de la comisión que creó la norma, la cual fue
integrada desde sus inicios por la fusión de varias agrupaciones en un intento de
6
http://es.wikipedia.org/wiki/RAW_(formato)
7
http://es.wikipedia.org/wiki/TIFF

compartir y desarrollar su experiencia en la digitalización de imágenes. La ISO, tres
años antes (abril de 1983), había iniciado sus investigaciones en el área.
Es un algoritmo de compresión con pérdida. Esto significa que al descomprimir
la imagen no obtenemos exactamente la misma imagen que teníamos antes de la
compresión.
Una de las características que hace muy flexible el JPEG es el poder ajustar el grado
de compresión. Si especificamos una compresión muy alta, se perderá una cantidad
significativa de calidad, pero obtendremos archivos de pequeño tamaño. Con una tasa
de compresión baja, obtenemos una calidad muy parecida a la del original y un archivo
mayor.
Esta pérdida de calidad se acumula. Esto significa que, si comprime una imagen y la
descomprime, obtendrá una calidad de imagen, pero si vuelve a comprimirla y
descomprimirla, otra vez obtendrá una pérdida mayor. Cada vez que comprima y
descomprima la imagen, ésta perderá algo de calidad. La compresión con pérdida no
es conveniente en imágenes o gráficos que tengan textos o líneas y sobre todo para
archivos que contengan grandes áreas de colores sólidos.
“El algoritmo de compresión JPEG se basa en dos defectos visuales del ojo humano,
uno es el hecho de que es mucho más sensible al cambio en la luminancia que en la
crominancia, es decir, notamos más claramente los cambios de brillo que de color. El
otro es que notamos con más facilidad pequeños cambios de brillo en zonas
homogéneas que en zonas donde la variación es grande, por ejemplo en los bordes de
los cuerpos de los objetos”.8
Esto es recomendable para exportaciones finales, porque dado su bajo peso, son muy
comunes para fotografía amateur e imágenes para internet. Este formato trabaja a 8
bits por canal contando con los tres canales básicos RGB. Un total de 16´777,216
intervalos tonales que representan a este archivo.
PNG (Portable Networks Graphic)
Archivos que tienen compresión sin pérdidas y permiten aplicaciones de transparencia,
ideales para web, pero no soportan animación. Ideal que se use el sRGB como
espacio de color. Comparable con el jpg para trabajar en red, pero con archivos
vectoriales, no es ideal para trabajar con fotografías.
GIF (Graphic Interchange Format)
Archivos ideales para trabajar animaciones, lo lamentable es que solo puede soportar
256 colores de una paleta total de los 16´777,216 intervalos tonales posibles.
8
http://es.wikipedia.org/wiki/JPEG

1.1.5 MODOS Y ESPACIOS DE COLOR
El color, en fotografía digital, surge gracias a la descomposición de la luz en diferentes
frecuencias, donde cada una toma un valor tonal, lo cual produce un color.
En este punto, vale la pena recordar que existen dos grandes modos de hacer esto
RGB y CMYK.
El RGB es un modo aditivo, mientras más crecen los valores en los tres canales, más
claro es el color o brillo del mismo. El CMYK es un modo sustractivo, es decir,
mientras mayor sea el valor de alguno de estos canales, más oscuro será el mismo.
El primero fue pensado para la luz, bajo el concepto de que la luz es la suma de todos
los colores; el segundo es para imprentas.
En este círculo cromático, podemos
ver los colores del RGB y los del
CMYK (Cyan, Magenta, Yellow, Key),
de esta forma, cuando se trabaje en
Photoshop o Ilustrator, podemos
obtener estos colores puros
manipulando el selector de color. Por
ejemplo, si trabajáramos en un
espacio de color de RGB y
quisiéramos obtener el Magenta
deberíamos poner en R: 255, G:0, y
B:255. Sin embargo, esto es
impreciso, ya que el espacio CMYK
incluye el negro. Aun así, una
coordenada, en el RGB, siempre
corresponde a otra coordenada de
colores en el CMYK.

Existe otro modo, que pudiera ser más preciso para trabajar en bitajes
más grandes, como el CIE LAB o Color Lab. Acá vemos el Color Lab
(Luminance, a y b). Este es un espacio de color ideal para trabajar
imágenes a 16 bits por canal o imágenes de 48 bits de profundidad de
color. Las imágenes en RAW de las cámaras son trabajadas en Color Lab,
antes de pasar a Photoshop. Lo ideal es trabajarlas en ese espacio de
color y a 16 bits por canal, de esta forma el retoque es más eficiente. Este
espacio es no solo mucho más grande, sino que tranquilamente puede
albergar los 281´474,976´710,656 intervalos tonales que tiene esta
modalidad de bits. Evidentemente, eso lo podemos usar solo en objetos
inteligentes y en TIFF, jamás en un jpg.
En Photoshop, así como en otros programas de edición fotográfica, se puede trabajar
la imagen en diferentes espacios de color para el tema fotográfico. Entre ellos, están el
ProPhoto RGB, el Adobe RGB, sRGB, Color Match, Apple RGB, etc.

Gráfica que explica y compara la extensión frecuencial de los diferentes
espacios de color
sRGB
sRGB es el espacio de color definido para monitores e internet, recomendable para
piezas web y proyecciones. Sin embargo, no recomendable para impresiones
fotográficas. Trabaja con una Gama de 2.2, recomendable para pantallas de PC.
Apple RGB
Apple RGB es el espacio de color para monitores de Apple, similar al RGB, con el
respectivo ajuste de Gama a 1.8.
Adobe RGB
Adobe RGB es el espacio más grande, ideal para retocar imágenes. Este modelo para
retocar en pantalla es ideal sobre todo cuando se hará una impresión en CMYK. Este
espacio, también, es ideal para hacer impresiones fotográficas de alto rango dinámico.
Gama: 2.2

Color Match RGB
Color Match RGB tiene mejor expresión en Cyanes que en Azules, los gamuts o
valores tonales están más apagados.
ProPhoto RGB
ProPhoto RGB es un espacio de color más amplio que el Adobe RGB, pero con una
Gama de 1.8. Ideal para retoque de amplio rango dinámico en pantallas Apple y toda
pantalla que trabajase con esa gama.
1.1.6. EL HISTOGRAMA, EL SISTEMA DE ZONAS, Y EL RANGO DINÁMICO Y LA
PROFUNDIDAD DE BITS
1.1.6.1. El Histograma
El histograma de luz o color en la imagen describe estadísticamente la imagen con un
gráfico que muestra los valores de cada píxel de la imagen.
Aprendiendo a leer el histograma
La mayoría de cámaras digitales semi profesionales y profesionales cuentan, en la
actualidad, con un histograma. El histograma da la información lumínica de la
fotografía en una gráfica de 256 columnas. Al lado izquierdo, se encuentran los valores
oscuros o negros, y a la derecha blancos o claros. Para saber si una foto está
correctamente expuesta, se tiene que revisar el histograma y compararlo con lo que
veo o quiero obtener en una imagen.
Fuente: http://www.sergiodelatorre.com/blog/interpretarelhistograma/
En esta fotografía, el histograma dice que la mayoría de pixeles están agrupados en
una zona alta de la escala de grises o que existe una predominancia de luces, por eso
las barras de la zona derecha son más altas.

Fuente: http://www.sergiodelatorre.com/blog/interpretarelhistograma/
Por el contrario, en esta otra, la dominancia se da al lado izquierdo y las barras
están agrupadas en la zona baja de la escala de grises.
En esta fotografía, tenemos que existe un contraste alto, porque la zona de
luces altas y bajas describe ambas barras altas en el histograma. Este tipo de
diagrama se basa en la distribución de valores por canal que tiene el jpg.

En el ejemplo superior, vemos la descripción de la luz y colores en el histograma
superior, y después vemos el histograma de los diferentes canales que conforman la
imagen, sus colores y luminosidad. Es como si se hubieran alineado cada píxel de la
imagen desde los niveles más bajos de luminosidad o color al lado izquierdo hasta el
lado derecho donde se encuentran los más luminosos.
Si hay un sector del histograma alto, esto quiere decir que hay una fuerte acumulación
de píxeles con esos valores tonales o de luz. En el histograma anterior, vemos que
hay un domino de sombras por encima de las luces altas o los tonos medios.
Al ver el histograma de color, vemos como se terminan complementando los tres
canales de luz para generar los otros colores.
Como primera conclusión, sabemos que los colores no son un elemento desarrollado
en la imagen, dado que existe una clara dominancia de grises o valores de luz neutra.

9
En la imagen superior, propiedad de Guillermo Lujik, vemos, como a través de un
ajuste de curvas, se ha alterado el contraste de la imagen. El impacto que ha tenido
sobre el histograma general termina afectando la forma del histograma, es decir, hace
que los tonos medios disminuyan, dando paso a un dominio de luces y sombras
haciendo que, finalmente, se manejen menos zonas de grises medios.
9
Imagen de Guillermo Lujik, http://www.guillermoluijk.com/article/histogram/index.htm

En la imagen superior, podemos apreciar una evolución del histograma de acuerdo a
sus valores de color y luz. Al contrario de las imágenes anteriores, en la presente
unidad, vemos como el color es un tema dominante. En este caso, cuando los colores
son más puros, los colores se manifiestan en cumbres separadas. Por ejemplo,
cuando un color tiene la misma coordenada en el RGB para sus tres canales, se
convierte en gris.
Mucha altura en un histograma implica que existen muchos píxeles de la imagen que
tienen ese valor de luz o color. En este caso, vemos que, en las zonas de luz, existe
una dominancia de colores como el cyan, el verde y los azules. En las zonas de baja
iluminación, existe una dominancia de amarillo, rojos y naranjas.

El histograma, a manera sencilla, muestra los valores de un color de acuerdo a su
coordenada RGB.
Color totalmente Desaturado
R: 131, G: 131, B: 131
Color Base
R: 41, G: 221, B: 147
Color Totalmente Saturado
R: 7, G: 255, B: 152
En el caso superior, notamos las siguientes cosas:
1) La desaturación de la imagen por sí sola busca el
promedio y hace que las coordenadas se aproximen
entre ellas.
2) La saturación hace que la imagen separe las
coordenadas buscando que el color sea lo más puro
posible.
3) En este caso, el promedio muestra el valor de
luminosidad del píxel.

4) No porque el píxel tenga un nivel de luz medio
determina que sus coordenadas RGB estén
próximas.
En esta gráfica, el color del centro tiene un R: 103, G: 64, B: 58. Este color ha sido
modificado en luz y saturación en cada cuadrado que busca representar un píxel en la
imagen. Si bien por temas de espacio de color, la corrección de luz no termina siendo
tan precisa, notamos lo siguiente:
1) Cuando hay menos luz, se perciben menos diferencias entre los píxeles.
2) Un color saturado se destaca por encima de los desaturados haciendo que
el cambio sea más abrupto.
3) La coordenada RGB del cuadrado más claro y desaturado es R: 226, G:
214, B: 214, esto indica que se ve más como luz. Si se sabe que, en
esencia, el color no tiene azul, el azul es usado como un valor de luz.
4) La coordenada RGB del cuadrado más claro y saturado es R: 224, G: 41,
B: 13, aunque teóricamente debería tener la misma cantidad de luz que el
cuadrado anterior que se ve menos luminoso. Los canales verde y azul se
encuentran prácticamente anulados siendo casi un rojo puro.
5) Los cuadrados con menos luz no presentan diferencias evidentes entre
ellos a diferencia de los cuadrados que tienen más luz.
6) Siempre, encontraremos más diferencias en las luces que en las sombras.
Veamos el mismo cuadro, pero totalmente saturado:

Al incrementarse la saturación total de todos los colores, la saturación ha hecho que
varios colores se parezcan entre ellos, debido a que el espacio de color no permite
que puedan seguir saturándose más, ya que esta saturación tiene un límite: el color
puro. Por otro lado, se percibe la desaparición casi absoluta del gris e, inclusive, el
negro parece tener una tonalidad de color. Cuando se abusa de la saturación,
desaparecen los tonos medios.
Veamos el mismo cuadro totalmente desaturado:
Aquí, las diferencias son más fáciles de ser percibidas en la luz que en la sombra y,
cuando el color es menos saturado, se perciben más diferencias entre los grises. Por
este tipo de razones, la conversión de una fotografía a blanco y negro no se puede
hacer desaturando la imagen nada más, se debe ajustar localmente cada color de
acuerdo a su saturación y corregir la luminosidad de la misma. Un color totalmente
saturado es interpretado por el Adobe Photoshop como un gris medio y le asigna un

valor de R: 128, G: 128 y B: 128. Para corregir eso, lo que debe hacerse usualmente
es subir la luminancia de la imagen y aumentar el contraste.
El histograma muestra la luz, el color, las coordenadas, el contraste y permite saber si
una imagen se ve como tiene que verse, a veces avisa si el color o la luz están bien o
mal calibrados.
Histograma:
Esta imagen tiene un gran rango tonal y muchas gradaciones con diferentes valores
de luz. Tenemos detalles desde las zonas de negros hasta los blancos, con colores
puros y saturados. Los rojos y amarrillos dominan las luces altas; sin embargo,
sabemos que es una imagen con buenos tonos medios, porque quizás le falta algo de
contraste.
Veamos como se ve la corrección:

Histograma:
La corrección hizo que la imagen tenga más fuerza, donde se favorece a los detalles, y
el histograma se ha “recostado” hacia los lados de luz y sombra.

La presente imagen no tiene azul como color, pero sí lo tiene dentro de las
coordenadas RGB, donde este ha sido usado como un valor para dotar de luz a la
imagen.
Tal y como se ve, en el histograma, existe azul, pero este no se entiende como tal, ya
que aparentemente deberíamos encontrarlo en las luces bajas. En este caso, no es
así, ya que el azul es una coordenada equilibrada con dos colores fuertemente
saturados hacia naranjas y amarillos. Esto hace que el azul, aún cuando aparezca en
el histograma, no se vea en la imagen. Adicionalmente, podemos ver una gran
expansión de los colores, lo cual informa sobre las sutiles diferencias entre esas
gamas. Aún así, por los fuertes negros, da la sensación de contraste.

Algunos podrían considerar esta fotografía como mal expuesta; sin embargo, esto
depende, en esencia, de la perspectiva comunicacional de la imagen. Esto es lo que
se llama Low Key o Clave baja. Esto quiere decir que la mayoría de la imagen destaca
por ser oscura y tener muy poco detalle, lo cual llama la atención fácilmente.
1.1.6.2. El Sistema de Zonas
El sistema de zonas es un sistema ordenado para calcular la exposición fotográfica
originalmente usada para película. Fue diseñado por Ansel Adams y Fred Archer. A
partir del criterio básico de exposición, cada parte de la imagen tiene un diferente nivel
de iluminación o cantidad de luz.
A continuación, una tabla explicativa:

Zona Descripción
0 Negro puro
I Negro, con leve tonalidad, pero sin textura
II
Negro con textura: la parte más oscura de la imagen en la que se
registra un leve detalle
III Gris oscuro con poca textura
IV
Gris oscuro con textura: follaje oscuro, piedra oscura o sombras de
paisaje
V Gris medio: piel oscura
VI
Gris claro: piel caucásica; sombras sobre la nieve en paisajes
soleados
VII
Gris claro: piel muy clara, sombras en la nieve con iluminación
lateral aguda
VIII Blanco con textura: textura de nieve
IX Blanco sin textura: nieve flagrante
X Blanco puro: luz fuentes
Esto se basa en la diferencia mínima percibible entre una zona y otra, y en su nivel de
exposición. Por ejemplo, podríamos graduar la escala de la siguiente forma:

Zona Descripción
0 Zona de 5 puntos de sub exposición
I Zona de 4 puntos de sub exposición
II Zona de 3 puntos de sub exposición
III Zona de 2 puntos de sub exposición
IV Zona de 1 punto de sub exposición
V Exposición de la cámara
VI Zona de 1 punto de sobre exposición
VII Zona de 2 puntos de sobre exposición
VIII Zona de 3 puntos de sobre exposición
IX Zona de 4 puntos de sobre exposición
X Zona de 5 puntos de sobre exposición

Veamos el sistema de zonas aplicado a una imagen a color, y blanco y negro, donde
se trata de mantener el valor de luminancia a partir del promedio de sus tres canales.
Se supone que existe una forma de graduarlo de acuerdo a la conversión digital. Por
ejemplo, cuando obtenemos el promedio de los tres canales RGB, también tenemos la
información de luminancia o luz del píxel. Aun cuando las conversiones de
desaturación de una imagen suelen ser engañosas, ya que hay que hacer ajustes

específicos por contraste, podríamos entender la coordenada RGB de luz con el
siguiente cuadro:
Adaptación de la escala de grises de Adams hecha por Erik Heynink
http://www.xaraxone.com/html/shareware_ii.html
1.1.6.3. Rango Dinámico y Profundidad de Bits
El rango dinámico de la cámara fotográfica viene determinado de forma similar que las
grabaciones de audio a la cantidad de bits que tenga la cámara.
Cuando se usa un rollo de película, tiene una característica que se llama “latitud de
exposición”. Por ejemplo, la película blanco y negro tiene una latitud alta, porque, entre
el negro más oscuro y el blanco más claro, existen siete zonas de grises intermedios y
esto cubre 8 pasos de sobre y sub exposición, de manera similar a lo que establece la
teoría del sistema de zonas.
Estos intervalos ayudan a entender cómo funciona el rango dinámico. Por ejemplo,
una cámara de 8 bits tiene 256 (28
) valores para representar en cada píxel en distintos
niveles de luminancia (el color lo establece el filtro bayer), pero si hablamos de una
cámara de 12 bits, entonces hablamos de 4096 (212
) y si fuera una cámara de 16 bits
serían 65563 valores.
Para entender mejor como funciona esto, observemos el siguiente diagrama:

Las computadoras y las cámaras usan un sistema binario, por lo que los únicos
valores aceptables por bit es que tengan un valor 0 o 1. En este caso, si tuviéramos
una cámara de un solo bit, sólo podría representar o negro (0) o blanco (1), es decir,
21
, posibles tonos que mostrar. Si por ejemplo fuera de dos bits, las posibilidades se
elevan exponencialmente, es decir, 22
o 4, y así sucesivamente hasta llegar a las
posibilidades que establezca el bitaje de la cámara.
Si fuera una paleta de pintura en blanco y negro, entonces la paleta de un bit tiene dos
colores, blanco y negro, ambos en estado puro. Si esta paleta tuviera la capacidad de
dos bits, entonces podemos ver que, en las combinaciones de grises, comienza a
aparecer una especie de “embudo de grises” hasta llegar a la interpretación de la
cámara.
Si el primer bit registró el valor “1” o blanco, para los siguientes bits, la zona queda
restringida a esa zona de la paleta, la zona “1” del primer bit. De ahí, el segundo bit
registra “0” o negro, por lo tanto su zona queda nuevamente delimitada dentro del
segundo bit en la zona “0” y así sucesivamente.
Este valor tonal tendría diferentes proporciones de luz y sombra, y cada paso soporta
la mitad de luz o sombra que el anterior, por lo que, en el primer bit o paso, se puede
decir que se obtiene o 50% de luz o 50% de sombra; sin embargo, en el segundo, se
puede obtener hasta un 25% de luz o sombra.
No obstante, hay que entender un tema adicional: el punto más alto de la escala tonal
tiene 128 variantes tonales. El siguiente paso tonal tiene la mitad, es decir, 64
variantes tonales. Conforme nos acercamos más a un paso más oscuro, nos
quedamos con menos variantes tonales.
“Surge un problema importante, debido al carácter lineal del soporte digital que
almacena la información fotográfica (los famosos 12, 14 o 16 bits de variantes tonales
por ‘píxel’), frente al carácter logarítmico de la información luminosa. Si colocamos una
vela delante de una cámara un terminado tiempo, cada ‘píxel’ del sensor recogerá una
determinada cantidad de luz y generará una carga eléctrica. Si colocamos dos velas,
la carga eléctrica será doble en el mismo tiempo. Triple si son tres velas, etcétera. La
escala es lineal (1, 2, 3, 4…). Sin embargo, el ojo humano percibe una duplicación de
la intensidad luminosa si pasamos de una vela a dos, pero no si pasamos de dos velas

a tres. El ojo (o el cerebro) mide las diferencias logarítmicamente en una escala en la
que cada valor duplica al anterior (1, 2, 4, 8, 16, 32…) Con este ajuste logarítmico, nos
protegemos de una posible sobredosis luminosa (al pasar de 16 velas a 32 el efecto
percibido es similar al de pasar de 1 a 2), lo que nos permite percibir una mayor
amplitud tonal. La película responde a la luz de forma similar al ojo humano, es decir,
no linealmente, y esta es una de las grandes diferencias entre el medio químico y el
digital (el único sensor que se aproxima a esta respuesta no lineal es el SuperCCD de
Fujifilm)”.10
En este caso, cuando nos referimos al rango dinámico, nos estamos refiriendo a la
cantidad mínima y máxima de percepción de luminancia por parte de una cámara.
Esto está supeditado al bitaje de la cámara. En este punto, hay cámaras que tienen
un alto rango dinámico, así como hay otras que no.
La primera imagen evidencia un rango dinámico menor que la segunda. Esto se
debe a que las zonas de sombra y luz sin detalle no solo se han alcanzado sino
que, en zonas intermedias, hay un nivel de detalle y textura inferiores que la
imagen inferior.
En este punto, se puede evidenciar una ausencia de contraste y fuerza en la imagen,
propio del gran rango dinámico donde las imágenes suelen tener estas características.
Un buen rango dinámico en la imagen permite recuperar información de zonas oscuras
o muy claras. Teóricamente, cada bit representa un stop o paso de luz, como si se
hubiera abierto un punto completo el número f o cerrado uno. En el caso comparativo
de la NIKON D7000, que cuenta con 14 bits, con una cámara que cuenta con un bitaje
inferior, digamos la Canon XSi, permite recuperar 4 puntos menos de exposición
relativos.
Cuando el sensor es incapaz de percibir mayor o menor cantidad de luz, convierte
esas zonas en zonas de blanco y negro sin detalle. En este punto, el jpg, que es un
archivo que alberga 8 bits por canal, comprime esas zonas haciendo que la
recuperación no sea imposible, pero genera grandes problemas. El jpg en sí mismo
tiene una profundidad de color de 24 bits, esto dado por las combinaciones posibles
para los 8 bits del RGB. Una cámara digital con una buena profundidad de bits es
aquella que puede almacenar al menos una profundidad de bits por encima de los 22
por canal, de los posibles 36 o 48 bits. Esto hace que la profundidad de color no solo
sea mayor sino la capacidad de recuperación de luces y sombras de los archivos
RAW.
10
Efraín García y Rubén Osuna fundamentos.imagen.digital.pdf

Esto afecta también al color:
Imagen a 1 bit
Imagen a 8 bits

Imagen True Color (8 bits por canal)
Finalmente, cuando tomamos fotografías debemos recordar que siempre será mejor
sobre exponer que sub exponer. Dada la descripción de la imagen en RAW, la
recuperación de las luces altas genera mucho menos ruido que las sombras. Sin
embargo, al momento de tomar una fotografía, es mejor evitar sobre exposiciones
innecesarias.
A la izquierda, tenemos la imagen original; a la derecha, una recuperación de la
imagen a través del camera RAW.

Al detalle, podemos ver la gran cantidad de ruido que se agrega a la imagen al
haberse recuperado ciertas zonas.
Acá, podemos ver que la recuperación generó mucho menos ruido que la
situación anterior.

www.petecarr.net
Existe un sinnúmero de artistas que producen imágenes conocidas como HDR o
imágenes de gran rango dinámico. En estas imágenes, se pueden apreciar detalles en
todas las zonas de la imagen con colores muy saturados y de naturaleza hiperrealista.
En este caso, se ha aprovechado el rango dinámico del sensor y una gestión en
Photoshop. Esto no se podría lograr con un archivo en jpg sin maltratar el píxel.
http://www.ojodigital.com/foro/procesado-digital-retoque/438910-fotografia-hdr.html
Esto se logra con exposiciones secuenciales aplicando un bracketing mínimo de 3
exposiciones y fusionando las imágenes en un software, que puede ser Adobe
Photoshop.

http://bartelme.at/journal/archive/hdr_tutorial
1.1.7. PRÁCTICA DE CAMPO: EXPOSICIÓN
Esta práctica es determinada por el docente. Se recomienda seguir el siguiente
cuadro:
Práctica de exposición:
Nombre:
Código:
1) Tomar 5 fotografías de una misma escena: f v
Nombre del
archivo
a. Con la exposición normal 8
b. Con un punto de sobre exposición 8
c. Con dos puntos de sobre exposición 8
d. Con un punto de sub exposición 8
e. Con dos puntos de sub exposición 8
El encuadre no debe variar en foco ni en f.
Se recomienda usar f: y un trípode.
2) Tomar la una fotografía a un sujeto u objeto a contraluz f v
Nombre del
archivo
a. Con la medida del fondo
b. Con la medida del sujeto

3) Tomar una foto a un objeto blanco en fondo negro
El fondo debe ocupar el 90% del encuadre.
No colocar al objeto al centro de la exposición
a. Con la exposición normal
b. Con dos puntos de sub exposición
4) Tomar una foto a un objeto negro en fondo blanco
El fondo debe ocupar el 90% del encuadre.
No colocar al objeto al centro de la exposición
a. Con la exposición normal
b. Con dos puntos de sobreexposición.
5) Tomar una misma escena correctamente expuesta, pero con diferentes ISOS
a. ISO 100
b. ISO 400
c. ISO 1600
1.2 LENTES Y PROFUNDIDAD DE CAMPO
1.2.1. LOS LENTES
Los lentes, también, se pueden llamar “objetivos”. Los nombres que tienen se deben,
usualmente, a la distancia focal que poseen. Asimismo, un lente gran angular refiere a
que tiene un gran ángulo de cobertura de la imagen. Un tele objetivo, por el contrario,
su ángulo es más reducido.
http://www.xatakafoto.com/tutoriales/uso-practico-de-los-objetivos-1-angulares-i
Por ejemplo, un lente 50mm es aquel en el cual la distancia entre el diafragma (zona
donde entra la luz a la cámara) y el plano focal (zona donde la imagen se forma y que,
en fotografía digital, es la superficie del sensor) es de 50mm, lo que viene a ser la
distancia focal. A su vez, un lente 24mm es aquel en el cual su distancia focal es de
24mm.
Cuando tomamos fotografías, debemos recordar que la imagen, a veces, sufre de un
movimiento conocido como trepidación, que es el movimiento que se realiza a través
del movimiento de la mano y del impacto del espejo al momento de levantarse antes

de tomar una imagen. En una cámara como la que usamos en clases, se necesita una
compensación de velocidad relativa a la distancia focal. Por ejemplo, en un sensor
como el de la cámara Xsi, para un lente 50mm, se necesita una velocidad de 1/80 s
para que la imagen no salga movida. Si usamos un lente 18mm, se necesita una
velocidad al menos de 1/30 s y, si usamos un lente como el 200mm, la velocidad más
lenta a usarse será de 1/320s. Todos estos valores están afectados por el factor de
conversión del sensor que es 1.6, por el sensor APS-C. Es importante recordar que, si
usamos un trípode, la trepidación es un efecto a no tener en cuenta.
Fórmula de velocidad para evitar trepidación en un sensor APS-C con factor 1.6:
1
Velocidad = -----------------------------------
Distancia focal x 1.6
¿Cómo se ve la trepidación?
http://photoblogmgz.blogspot.com/2012/10/photoglosario-trepidacion.html
A la izquierda vemos una imagen con un movimiento de trepidación; a la
derecha la misma imagen, pero sin ese movimiento.
1.2.1.1. Lentes fijos
Un lente fijo es aquel que tiene una sola distancia focal. La ventaja de tomar con un
lente de estas características es que por su construcción usa menor cantidad de
vidrios, por lo que refleja menos luz y hay una menor pérdida de generación de luz.
Por ende, necesita menos luz que los lentes zoom.
La desventaja es que al tener solamente una distancia focal, si quisiéramos que la
imagen sea más grande o pequeña, tendremos que acercarnos o alejarnos.

1.2.1.2. Lentes zoom
Un lente zoom es aquel que cuenta con varias distancias focales. Los lentes zoom se
suelen llamar de acuerdo a los dos extremos de distancias focales que tienen. Por
ejemplo, un lente zoom que va desde 70mm hasta los 210mm se llamará “Lente Zoom
70-210mm”
1.2.1.3. División de los lentes de acuerdo a su distancia focal
a) Lente Normal
Un lente 50mm es un lente que suele ser la medida media de los lentes. Se dice que
con este lente se emula la visión del ojo humano. Esto es apropiado para una cámara
Full Frame, pero, al usar cámaras con sensor recortado, nuestro lente normal sería un
lente 35mm.
Lente normal (las siguientes imágenes de este tipo fueron realizadas con la misma
cámara y a la misma distancia)

b) Lente Angular
Un lente angular agrupa a los lentes que tienen medidas focales inferiores a 35mm y
superiores a 18mm. Estos lentes permiten un rango de visión más amplio, pero
ofrecen cierta distorsión sobre sus extremos. Además, hacen que los objetos más
cercanos se vean desproporcionadamente grandes a comparación de los que se
encuentran al fondo. Estos lentes ofrecen una gran calidad de perspectiva y una
mayor profundidad de campo.
Lente 24mm
c) Lente Teleobjetivo
Los lentes teleobjetivo son los que tienen las distancias focales entre los 70mm y los
300mm. Estos lentes no suelen distorsionar los extremos, pero reducen la perspectiva

en cuanto los objetos parece que estuvieran pegados. Otro efecto adicional es que
cuentan con una reducida profundidad de campo.
Lente 70mm

Lente 200mm
Existen diferencias si nos movemos, ya que la perspectiva se altera.
Como se puede apreciar, un lente 28mm nos genera una mayor perspectiva, una
sensación de un espacio más abierto. El 300mm nos “aplasta” la imagen contra
el fondo haciendo que la perspectiva se “achate” y que la distancia entre los
objetos, aparentemente, disminuya.

Lente 24mm Lente 50mm
Lente 70mm Lente 210mm

http://places2explore.wordpress.com/category/wiesbaden/
Con un gran angular, podemos generar una gran sensación de espacio.
http://patriciaferrerop.blogspot.com/2012_12_01_archive.html
Con un teleobjetivo, podemos ver cosas que están lejos mucho más cerca y se
desenfoca fácilmente el fondo, además de acercarlo.

FOT OGR AFÍ A DI GI T AL 69
d) Lente Ojo de Pez
El lente ojo de pez es un lente con distancia focal inferior a los 18mm. Por su
construcción, la deformación de los bordes se da de forma circular.

e) Súper teleobjetivos
Los lentes súper teleobjetivos tienen distancias focales superiores a los 300mm.
Sufren del mismo problema de los teleobjetivos. Se usan muy a menudo en fotografía
deportiva y documental.

f) Lentes Macro
Los lentes macro son lentes que, debido a su construcción, permiten acercarnos
mucho más al objeto y poder enfocar ahí. No tienen una distancia focal estándar, los
hay angulares, normales y teleobjetivos.
Estos lentes están corregidos contra la distorsión de las líneas rectas, lo cual los hace
ideales para la foto-reproducción.
g) Lentes Tilt-Shift
Los lentes tilt-shift son lentes que han sido diseñados para tener una profundidad
crítica, como lo tendría una maqueta, dado su pequeño tamaño. Esto sucede al
desalinear el diafragma del plano focal. Se usan para generar interesantes manejos de
perspectiva y desenfoque.
http://www.guillermoluijk.com/tutorial/shiftlens/

1.2.2. Profundidad de Campo
Por profundidad de campo, se entiende la zona dentro de la foto en la que se
encuentra los objetos enfocados. Esta característica solo se puede apreciar en
impresiones o archivos, más no se ve a través del lente cuando se realiza la fotografía.
Sin embargo, en la actualidad, existen algunas cámaras avanzadas, en las que se
puede pre visualizar el efecto de la profundidad de campo.
Cuando uno realiza una fotografía y enfoca el objeto principal, que depende de ciertos
factores, hay otros elementos a su alrededor que se encontrarán enfocados y otros
que no. Cuando este espacio es amplio, se dice que existe mucha profundidad de
campo. Si por el contrario este espacio es reducido, donde se desenfocan elementos
que se encuentran cerca del mismo, entonces se dice que hay poca profundidad de
campo.

1.2.2.1. Factores que afectan la profundidad de campo
A mayor número f, mayor profundidad de campo
Fuente: http://www.thewebfoto.com/old/frames/curso/curso02_05.htm
Como se aprecia en la gráfica superior, la zona de color más oscuro,
adelante y atrás del sujeto, representa la profundidad de campo. Esto
quiere decir que los objetos que se encuentren en esta zona oscura
aparecerán con una nitidez aceptable como para decir que están
enfocados. Si uno usa un número f bajo, como 2.8, la profundidad de
campo es menor que si éste fuera un f: 22.

F: 16 F: 1.8
Distancia Focal
A mayor distancia focal, menor profundidad de campo
Como se aprecia en este cuadro, si uno usa una distancia focal larga como el lente
100mm, la profundidad de campo será menor que si se usara un lente 35mm.
Como ya hemos visto con anterioridad, los angulares muestran todo (o casi todo)
enfocado, mientras los teleobjetivos tienen una profundidad de campo crítica.

Distancia de Enfoque
A mayor distancia de enfoque, mayor profundidad de campo
Dicho de otra manera, cuanto más cercano se encuentre el objeto enfocado del
lente, más corta será la profundidad de campo.
En esta página web, podemos encontrar las fórmulas de cómo calcular la profundidad
de campo:
http://www.hugorodriguez.com/prof_campo.htm
En ésta página web, podemos encontrar una calculadora de profundidad de campo:
http://www.dofmaster.com/dofjs.html

http://www.fotonostra.com/
Foto con una amplia profundidad de campo. En este caso, se aprecia la perspectiva, la
definición de todos los elementos, tanto los cercanos como los que se encuentran más
lejos.
Fuente: http://media.photobucket.com

Resumen
 Una vez que se obtiene una exposición correcta y se quiera modificar alguna
variable, un número “f” o un tiempo “t”, la otra tendrá que ser modificada para
compensar la exposición.
 El bracketing es una buena forma de obtener una buena exposición cuando no se
está seguro de que el fotómetro haya hecho una buena medición.
Fórmula del número “f”
Distancia Focal
Número “f” = ----------------------------------
 El histograma da valiosa información sobre el color, la luz y el contraste de la
imagen.

 El intervalo tonal de una cámara depende de su rango dinámico, establecido por el
bitaje de la cámara. Estos valores ofrecen mayores gamas de tono en zonas de
luces altas que en las bajas.
 De acuerdo a la situación o a lo que se quiera fotografiar, se deberá buscar el lente
adecuado.
De querer hacerse una fotografía de paisaje, se puede usar un lente angular (por
su amplia cobertura) o un lente normal (ya que no ofrece deformaciones por sus
lados).
 Para asegurar que la imagen no salga movida, se deben usar tiempos de
exposición cortos o velocidades rápidas.
Escenas normales: 1/60 o 1/125
Escenas de alto movimiento: 1/500 o 1/1000

 La distancia focal es la distancia entre el diafragma y el plano focal. Por eso, cada
lente debe su nombre a su distancia focal. En este caso, un lente 50mm es un lente
que proporciona una distancia focal de 50mm.
 Las tres variables que afectan la profundidad de campo son Número “f”, Distancia
Focal y Distancia de Enfoque.
Recordar que:
A mayor número “f” corresponde una mayor profundidad de campo.
A mayor distancia focal corresponde una menor profundidad de campo.
A mayor distancia de enfoque corresponde una mayor profundidad de campo.
 El área de un sensor full frame es igual al área de un sensor APS-C multiplicado
por 1.6 NOTA: para las cámaras CANON
 El intervalo tonal de una cámara depende de su rango dinámico, establecido por el
bitaje de la cámara. Estos valores ofrecen mayores gamas de tono en zonas de
luces altas que en las bajas.
 Si desea saber más acerca de estos temas, puede consultar las siguientes
páginas:

http://www.nosolofoto.com/old/modules.phpop=modload&name=Subjects&file=inde
x&req=printpage&pageid=16&scope=all.php
http://patriciaferrerop.blogspot.com/2012_12_01_archive.html
http://www.youtube.com/user/derostoni?feature=watch

ILUMINACION
Al término de la unidad, el alumno distribuye elementos dentro de una composición
teniendo en cuenta el formato del soporte final. Asimismo, maneja técnicas básicas de
iluminación conociendo cómo se comporta la luz en cuanto a su calidad y potencia
para crear retratos o fotografía conceptual.
TEMARIO
 Aprestamiento de luces
 Propagación y regulación de luces por potencia y distancia (Ley del cuadrado
inverso)
 Clave Alta y Clave Baja
 Diseño de diagramas de planta de Iluminación
 Temperatura de color
 Revelado digital en Camera RAW (Adobe Bridge, Adobe Photoshop y Adobe
Photoshop Lightroom)
 Calibración de monitores
Los alumnos realizan sesiones de iluminación y prácticas de fotografía de estudio.
UNIDAD
2

2.1. ILUMINACIÓN DE ESTUDIO Y ELEMENTOS DE
REVELADO DIGITAL
2.1.1. Aprestamiento de luces
El docente debe proponer un ejercicio para mostrar cómo se usa el mobiliario. Esto
varía de institución a institución. Aquí, un diagrama básico de cómo se maneja una luz.

Lectura de luz incidente
Esta operación se realiza con un fotómetro de mano, el cual se coloca sobre el objeto
a fotografiar en frente de la cámara y apuntando a la fuente de luz (sea cual fuera su
naturaleza).
El fotómetro dará las variables de velocidad y número “f” que se pueden utilizar para
hacer la toma fotográfica y dará una exposición correcta.
En este caso, hay que aclarar que si el fotómetro indica usar un f:8, teóricamente, la
cámara debería ponerse en ese número “f”. Si mantuviéramos ese “f”, pero la luz
incrementara en cuatro veces esa potencia, indicará usar un f:16, donde la imagen
saldría dos puntos sobre expuesta.
Lectura de luz reflejada
Esta medición se hace con el fotómetro que viene integrado a la cámara. Este tipo de
medición, aunque no tiene el problema de compensación que el anterior, tiene un
problema fundamental.
Al ser un tipo de medición de luz de reflejo, se rige bajo un criterio. La calibración viene
dada en gris 18% (En algunas cámaras, es un gris 10%), esto quiere decir que la
cámara buscará equilibrar la cantidad de luz que entra asumiendo que lo que tiene en
frente es una escena que emula el gris medio de la escala de grises. Esto trae un
problema, ya que naturalmente no suele ser así. Si hiciéramos una foto de un fondo
blanco buscando la exposición correcta, lo que sucedería es que el fondo blanco salga
oscuro o sub expuesto, ya que el color blanco refleja más luz que el gris medio. De
manera inversa, si este fondo fuera negro, la imagen saldría sobre expuesta,
justamente porqué el color negro refleja menos luz que el blanco.

Una posible solución a este problema es tomar las fotografías realizando la técnica del
bracketing. La otra forma es estar supervisando el histograma y comprobarlo con la
realidad.
2.1.2. Luces de estudio
2.1.2.1. Luz Principal (Key Light)
La luz principal o “Key Light” suele estar ubicada entre 30 y 60 grados sexagesimales
de angulación sobre la línea que forman la cámara y el sujeto u objeto principal del
encuadre, y teniendo como eje al personaje. A su vez, el ángulo vertical que se
plantea para esta luz es de treinta grados sexagesimales por debajo de la horizontal.
Esta es la luz más importante para el fotógrafo, ya que en función a esta luz se plantea
el resto de la iluminación.

2.1.2.2. Luz de Relleno (Fill Light)
La luz de relleno se puede colocar en cualquier ubicación en relación a la luz principal,
porque ésta suele cumplir el papel de atenuar las sombras que produzca la luz
principal. Su intensidad suele ser menor.

2.1.2.3. Luz de Despegue o luz de fondo (Back Light)
La luz de despegue se usa para “despegar” al personaje del fondo. Esta luz responde
al problema generado por la luz principal que genera la sensación de que el personaje
se pega con el fondo.

Set de luces completo:

Tipos de Luz según su dirección11
Luz frontal
La luz frontal es la luz que se coloca en paralelo y muy cerca de la cámara apuntando
directamente al objeto o personaje. Esta luz aplana los objetos y aumenta la cantidad
de detalles, pero anula la textura. Los colores se reproducen con gran brillantez. En
personas y con la luz cerca del eje del objetivo, el riesgo de que aparezca el efecto
"ojos rojos" aumenta considerablemente.
Luz lateral (luz equivalente al fill Light)
La luz lateral destaca el volumen y la profundidad de los objetos tridimensionales y
resalta la textura. Aunque da menor información sobre los detalles que la luz frontal,
aumenta el contraste de la imagen.
11
http://www.nosolofoto.com/old/modules.phpop=modload&name=Subjects&file=index&req=print
page&pageid=16&scope=all.php

Luz cenital
La iluminación vertical (cenital o inferior), aísla los objetos del fondo y el elevado
contraste que da a la imagen les confiere un aire dramático.
Especialmente, en retratos, puede llegar a hacer el rostro tenebroso e irreconocible.

Contraluz
El contraluz convierte los motivos en siluetas, lo cual puede resultar conveniente para
simplificar un tema conocido y lograr su abstracción. A ello, hay que añadir la
supresión que se consigue de los colores y la posibilidad de usarse como luz
secundaria para marcar líneas brillantes que destaquen el motivo respecto al fondo.

Tipos de luz según su intensidad12
Luz Dura
La luz dura procede de fuentes pequeñas y alejadas, como el sol, bombillas o flashes
directos. La distancia y el tamaño determinan el grado de dureza. La luz es idónea
para destacar la textura, la forma y el color, y proporciona mayor grado de contraste.
El color se satura, sin embargo conlleva una serie de problemas al momento de
retocar las sombras y luces, pues se presentan problemas conocidos como
“charolazos” y contrastes muy duros, que resultan muy difíciles de corregir en post.
12
http://www.nosolofoto.com/old/modules.phpop=modload&name=Subjects&file=index&req=print
page&pageid=16&scope=all.php

Veamos un ejemplo:

Podemos apreciar, también, que la luz dura proyecta una sombra dura y
enfocada. Ayuda a destacar los brillos.
La luz dura, también, es usada en fotografía publicitaria y de moda, aunque casi
nunca sola.

Luz semidifusa
La luz semidifusa procede de fuentes más grandes y/o próximas al objeto. Aunque
produce sombras definidas, ya no tienen los bordes tan nítidos. Esta luz destaca el
volumen y la textura, pero sin sombras negras y vacías, y sin el elevado contraste de
la luz dura. El color resulta más apagado.
Esta luz mantiene su direccionalidad y sombras, sin embargo estas sombras son más
fáciles de retocar y corregir.
Esta luz es filtrada; por ello, podemos lograrla a partir de un softbox, un paraguas
puesto en posición frontal, un filtro de papel, telas blancas y de otras maneras.

En este caso, estás piezas publicitarias nos dan la sensación de luz semidifusa,
dadas las sombras y brillos.

Luz suave / Luz reflejada
La luz suave / luz reflejada es tan difusa que no proyecta apenas sombras. La fuente
luminosa ha de ser muy extensa, como un cielo cubierto, o rebotarse sobre una
superficie grande y próxima, como el techo, pantallas reflectoras, etc. Las sombras
muy suaves hacen que las reproducciones impresas (debido a sus limitadas opciones
en color, que son usualmente un espacio de color más pequeño que el visible) se
aprecien mejor.
Sin embargo, los colores tienden a desaturarse (aunque la saturación de un color
depende también del objeto en sí mismo).
Un día nublado puede ofrecer luz suave, así como un paraguas rebotado o la luz
rebotada con otros objetos.

En este aviso publicitario, podemos apreciar la utilización de una luz rebotada o
suave como luz principal.
La luz suave, también, es ideal para objetos reflectantes como el vidrio y metal,
sobre todo para no generar reflejos. Para esto, hay que tratar de evitar usarlos
frontalmente.

La luz difusa ayuda a suavizar la imagen. El tema de saturación y detalle tiene
que ser trabajado convenientemente en post para generar el efecto deseado.

Luz dura, flash directo con reflector
Luz filtrada (semidifusa), flash con paraguas frontal

Luz suave (rebotada), flash con paraguas rebotado (la sombra del fondo está
más dura debido a que el alumno se acercó más al fondo blanco.) Lo más
interesante del paraguas rebotado es que termina siendo una buena opción para
que la propagación sea más amplia.
Luz filtrada (semidifusa), Softbox

2.1.3. Propagación y regulación de luces por potencia y distancia (Ley del
cuadrado inverso)
Hay que entender un par de factores esenciales:
2.1.3.1. Potencia y propagación
La potencia de una luz, la capacidad con que esta ilumina, depende de la intensidad
con que la luz brilla, pero, también, depende de la distancia al objeto a iluminar y de
los objetos que se encuentren cerca al objeto a ser iluminado.
Estas dos fotos fueron realizadas con la misma potencia relativa a la modelo. El
fotómetro de mano fue colocado sobre la modelo y nos dio valores de
exposición para la cámara de f:8 y v:1/125 segundos. La gran diferencia es que
mientras, en la primera foto, la fuente de luz estuvo a menos de un metro; en la
segunda, se alejó a cuatro metros obligando a subir la potencia de la luz para
compensar la distancia, esto hizo que la luz se propagara más y se dispersara.
Disminuyó el contraste y a su vez iluminó mucho más el espacio. La fuente de
luz fue un flash bowens directo con reflector.
Si la fuente de luz se encuentra lejos del objeto a iluminar, necesitará una mayor
potencia y se dispersará más, por lo que la propagación mejora.
Si la fuente de luz se encuentra cerca del objeto a iluminar, necesitará una potencia
menor y su dispersión será menor haciendo que la propagación de la luz sea
“perceptiblemente” inferior.

2.1.3.2. Ley del cuadrado inverso
Esta ley sobre las luces incide directamente sobre como la luz puede propagarse de
acuerdo a su distancia.
La ley nos dice que si la distancia de la fuente de luz sobre el objeto iluminado se
duplicara, entonces la potencia será la cuarta parte de la misma.
Esto, también, se puede aplicar sobre el fondo. En la primera fotografía, se había
hecho una medida de f: 8 y v: 1/125seg. Sin embargo, la distancia se cambió. La
distancia de la modelo hacia la luz, en la primera foto, es de 1 metro y la
distancia de la modelo hacia el fondo es de 4 metros. Esto quiere decir que la
potencia relativa sobre el fondo será 1/25, ya que la distancia relativa del fondo a
la fuente de luz es de 5 metros. Esto quiere decir que para que el fondo estuviera
correctamente expuesto, en relación potencia y distancia de la luz, la cámara
debió tener un f: 1.8 aproximadamente. En la segunda foto, la diferencia de
distancias del personaje y el fondo hizo que el fondo estuviera sub expuesto un
solo punto, es decir un f: 5.6
Puedes aprender más en los siguientes enlaces:
http://www.aprendefotografiadigital.com/afd/2011/02/22/ley-cuadrado-inverso-
iluminacion/#.UfyHHJKwySo
http://www.youtube.com/watch?v=Y9AIFodu8pQ

2.1.3.3. Suma de luces
En un set de iluminación, las luces pueden coincidir sobre un mismo punto y esto hace
que se sumen. Para esto, debemos establecer una regla relativa. Si tenemos un par
de luces que cuentan con la misma intensidad, donde las luces se superponen, la
potencia relativa será el doble. Por ejemplo, si estamos iluminando un rostro con dos
luces con potencias de f:8, donde las luces coinciden, la iluminación será de un f:11. Si
una potencia es mayor que otra, tenderá a un intermedio entre ambas. Cuando la
diferencia entre luces sea superior a dos puntos o diafragmas, la sumatoria será muy
pequeña como para considerarse significativa.
Aprende más en http://www.youtube.com/watch?v=KY03_jzh-yk

2.1.4. Clave alta y clave baja
2.1.4.1. Clave alta
Una fotografía en clave alta es una foto en la cual todos o casi todos los objetos a los
que se les toma la fotografía son altamente reflectantes o tienen colores muy claros, y
éstos se agrupan en la zona de las luces altas. No se debe confundir con una
fotografía sobre expuesta.
Fuente: http://www.aloj.us.es/galba/DIGITAL/CUATRIMESTRE_II/IMAGEN-
PAGINA/compos2/hamburguesa.jpg
Usualmente, una imagen en clave baja tiene mucha luz o se usa mucha luz rebotada.

Semióticamente, las claves altas se relacionan con sentimientos positivos, de
pureza y limpieza.

2.1.4.2. Clave baja
Una fotografía en clave baja es una foto en la cual todos o casi todos los objetos a los
que se les toma la fotografía son poco reflectantes o tienen colores muy oscuros, y
éstos se agrupan en la zona de luces bajas. No se debe confundir con una fotografía
sub expuesta. Evoca sentimientos negativos o circunstancias reflexivas. En una clave
baja, los colores suelen estar más saturados y se suelen usar luces duras para esto.

Fuente:
http://www.aloj.us.es/galba/DIGITAL/CUATRIMESTRE_II/IMAGEN-
PAGINA/compos3/Jaso10.jpg
http://on.aol.com/video/how-to-master-high-key-and-low-key-lighting-for-fashion-
photography-276459887

2.1.5. Diseño de Diagramas de Planta de Iluminación
Si se tienen en cuenta los elementos anteriores, debemos proyectar como debe
quedar la imagen en cuanto a su iluminación. A partir de un boceto correctamente
definido, podemos definir cómo deberían colocarse las luces: si se trabaja en clave
alta o baja, una exposición normal, la saturación o el contraste alto o bajo.
En este caso, el diagrama de planta propone los accesorios y direccionalidades
de las luces; sin embargo, siempre, es bueno tener en cuenta las potencias de
luz medidas en “f”, así como el valor f de la cámara.

Asimismo, hay que tener en cuenta temas como el lente a utilizar.
A continuación, se muestran páginas de interés para aprender a hacer diagramas:
http://www.lightingdiagrams.com/
http://strobox.com/
http://es.litmind.com/esquemas_de_iluminacion_explicados
http://www.zvork.fr/vls/

Comprender el diagrama de iluminación, ayuda a entender qué tan contrastada
queremos una imagen en función a las zonas. En el ejercicio de ratios, el alumno
podrá apreciar estas diferencias.
Ratio 1:1 Dos luces, la Key light y la Fill light
tienen la misma potencia relativa al
sujeto. La zona de sombras y luces se
ven igualmente iluminadas, lo que
hace que la luz sea muy pareja.
Ratio 1:2 Existe una diferencia de un stop si la
Key está en f:8, la otra se encuentra en
un f:5.6 Se evidencia un primer
contraste entre la zona de luces y
sombras.
Ratio 1:4 Existe una diferencia de dos stops, si
la Key está en f:8, la otra se encuentra
en un f:4 El contraste entre la zona de
luces y sombras es consistente fuerte,
sin embargo se evidencia detalle en la
zona de sombras. No obstante, el
efecto de contraste es mucho más
dramático.
Ratio 1:8 Existe una diferencia de tres stops, si
la Key está en f:8, la otra se encuentra
en un f:2.8. Efecto muy dramático y
encontrar detalle en la zona de
sombras es muy difícil.
2.1.6. Temperatura de color
Hay situaciones en que se debe tener en cuenta la temperatura de color, ya que no
todas las situaciones están exentas de luces intrusas. Si queremos que toda la
iluminación tenga una luz del mismo color, se debe tener en cuenta lo siguiente:
 1700 K: Luz de una cerilla
 1850 K: Luz de vela
 2800 K: Luz incandescente o de tungsteno (iluminación doméstica
convencional)
 3200 K: tungsteno (iluminación profesional)
 5500 K: Luz de día, flash electrónico (aproximado)
 5770 K: Temperatura de color de la luz del sol pura
 6420 K: Lámpara de Xenón
 9300 K: Pantalla de televisión convencional (CRT)
 28000 - 30000 K: Relámpago
Cada una de estas luces tiene un color diferente, por lo que deberá ser corregida con
un filtro corrector de acuerdo a la situación y cuál es la luz principal (en este caso, se
calibrará la cámara digital a la misma temperatura de color que esta luz).

Hay veces en que se usan varias luces manteniendo sus temperaturas de color para
generar ciertos efectos en los colores de la toma fotográfica. Para eso, hay que tener
en cuenta que la temperatura baja emitirá una luz roja o amarilla si calibramos la
cámara en luz de día. Si se calibrara la cámara para una luz de tungsteno, como la de
un fresnel o un foco, entonces la luz de día se verá azul y los fluorescentes tendrán un
tono verde.
Veamos el siguiente cuadro comparativo de una fotografía tomada con flash:
Foto con la temperatura de color de
flash. Los colores son apropiados de
acuerdo a la realidad de la toma.
Temperatura de color de Luz de día a
la sombra. Esto ha hecho que la luz se
encalidezca. Esto se debe a que la
temperatura de color del flash está por
debajo de la luz de día a la sombra.
Esto hace que la imagen salga rojiza.
Temperatura de color de Tungsteno.
Este tratamiento ha hecho que la
imagen se vea fría, virada al azul, ya
que la temperatura de color del flash
está por encima de la temperatura del
tungsteno.

2.1.7. Práctica de estudio (Ratios)
Práctica Iluminación con flash y calidad de luz
Nombre:
Código:
1. Colocar una persona frente a la cámara en plano medio. Colocar una luz frontal a dos metros de la
misma.
a) Sobre exposición f v Iso Luz Nombre del archivo
8 125 100 16
8 125 100 11
b) Exposición promedio f v Iso Luz Nombre del archivo
8 125 100 8
c) Sub exposición f v Iso Luz Nombre del archivo
8 125 100 5.6
8 125 100 4
2. Colocar a una persona frente a la cámara en plano medio. Colocar 2 luces,
una a cada lado de la persona en un ángulo de 45º, a 1.5 metros de distancia de la misma
f v Luz der. Luz izq.
Nombre del
archivo Iso
a) Tres puntos de diferencia (SobE) 8 125 22 8 100
b) Dos puntos de diferencia (SobE) 8 125 16 8 100
c) Un punto de diferencia (SobE) 8 125 11 8 100
d) Un punto de diferencia (SubE) 8 125 5.6 8 100
e) Dos puntos de diferencia (SubE) 8 125 4 8 100
f) Tres puntos de diferencia (SubE) 8 125 2.8 8 100
3. Colocar a una persona frente a la cámara en plano medio. Colocar una luz a 1.5 metros en un ángulo de

45º.
f v Iso Luz Nombre del archivo
a) Luz directa (con reflector) 8 125 100 8
b) Con Softbox 8 125 100 8
c) Con paraguas directo 8 125 100 8
d) Con paraguas rebotado 8 125 100 8
* Asegurarse de anotar la intensidad de luz que corresponde a cada toma.
* Asegurarse de anotar el tipo de accesorio utilizado en la parte de calidad de
luz.

2.1.8. Revelado Digital en Camera Raw (Adobe Bridge, Adobe Photoshop
y Adobe Photoshop Lightroom)
2.1.8.1. Adobe Bridge
Adobe Bridge es un programa que Adobe usa para administrar archivos. Lo importante
para los archivos RAW, y el procesamiento o flujo de trabajo de un diseñador y un
fotógrafo es que te permite pre-visualizar, hacer un ranking y catalogación de los
archivos. Un RAW no puede ser pre-visualizado por Windows (en las MAC sí se
puede). Al utilizar el Adobe Bridge, podemos trabajar más rápido y utilizar una serie
de elementos de edición de imagen sin necesariamente abrir Adobe Photoshop. Tiene
mayor ventaja de procesamiento, uso efectivo de la RAM y la memoria caché.
a) Ajustando las preferencias
Cada quién puede ajustar las preferencias de cualquier programa de acuerdo a su flujo
de trabajo y hardware. Ajustar las preferencias es importante en Bridge. Pulsando
CTRL+K accedemos al cuadro de diálogo que permite modificar la funcionalidad del
programa de acuerdo a nuestras necesidades.
Lo más importante será la administración de la memoria caché:
Se recomienda modificar estas partes del caché para que tu procesamiento sea más
eficiente. No necesariamente más rápido, sino de acuerdo a tus necesidades. Adobe
Bridge ingresa al caché toda la información que puede y la asigna a una unidad
específica. Usualmente, se recomienda no asignar el caché a la unidad que contiene
el programa. Para pre-visualizar correctamente las imágenes, se recomienda guardar
vistas previas al 100% en caché. Usualmente, al finalizar una sesión de trabajo (no un
día de trabajo, sino un trabajo completo), se recomienda purgar el caché para no
acumular innecesariamente información en el disco duro. Un tamaño grande de caché,
implicará un procesamiento más lento.

2.1.8.1.2. Reconociendo elementos del Bridge

Al oprimir la barra espaciadora, podemos visualizar la imagen completa. Asimismo,
va a permitir observar detalles de la imagen para poder discriminar información.
Podemos acceder a una serie de herramientas que funcionan integradamente con
Photoshop. Las herramientas más interesantes son el HDR Pro, donde al seleccionar
un grupo de imágenes, podemos generar una imagen de gran rango dinámico. El
Photomerge sirve, también, para generar imágenes panorámicas.
Al hacer clic derecho sobre la imagen, podemos abrir el Camera RAW desde el Bridge
sin necesidad de estar abriendo Photoshop.
Aprenda más sobre Adobe Bridge:
http://helpx.adobe.com/pdf/bridge_reference.pdf
2.1.8.2. Camera RAW
El Camera RAW es el pluggin de Adobe que permite revelar la imagen tomada en
formato RAW (también, puede procesar JPG y TIFF, además de existir en Photoshop
el filtro camera RAW). Tiene una interfaz bastante sencilla que permite editar una o
varias imágenes en simultáneo. Los factores que afectan la corrección a través del
Camera RAW están determinados por el rango dinámico y la profundidad de bits de la
misma imagen. Bajo este criterio, es conveniente usar un RAW o un TIFF a 16 bits, sin
embargo un jpg no sería recomendable.
a) Ajustando las preferencias
Ajustar las preferencias se puede hacer desde Bridge y Photoshop, desde Editar y
Edición respectivamente. Regular estas condiciones es importante para poder trabajar
apropiadamente el Camera RAW.

Hacemos clic y aparece la siguiente ventana de diálogo:

Lo recomendable es poner un tamaño de caché adecuado, sobre todo cuando se
trabajan varias imágenes a la vez. Por defecto, el camera RAW está a un tamaño de
1GB, que si se editara una sola imagen sería más que suficiente; sin embargo, cuando
se procesan varias imágenes y sobre todo en simultáneo, se asigna un tamaño de
caché más grande. En este caso, se le ha colocado un tamaño de 50GB. También, es
recomendable asignar una unidad distinta a la unidad que alberga el programa,
usualmente D. Otros usan una unidad de almacenamiento externa. Esto depende de
cada usuario y hardware.
También, es importante ver la sección de administraciones de archivos DNG, en la
parte de xmp.
Hay que recordar que el xmp es un archivo sidecard que modifica el RAW. En la
imagen superior, vemos archivos nef, negativos digitales de Nikon. Este archivo se
genera una vez que se hace una modificación del negativo digital en el camera RAW.
Su peso es muy pequeño, muchas veces no más grande de 10kb, pero permite hacer
muchas modificaciones que resultan esenciales al momento de hacer un retoque de la
imagen, como objeto inteligente.
Un vistazo general a la interfaz: al lado izquierdo, se ven todas las imágenes abiertas
con el pluggin; a la derecha, el histograma y las herramientas que calibran los ajustes.
Arriba, se ven otras herramientas.

Veamos las herramientas de la parte superior:
Algunas de estas herramientas ya son tratadas en los otros programas de Adobe. El
docente debe profundizar este tema en clase.
Sobre la interfaz del lado derecho, hay que hacer algunas aclaraciones:
Básicos:
En esta sección, se arreglan tres elementos básicos: Luz, Contraste y Temperatura de
Color. Esta parte de la interfaz ofrece correcciones globales que deben ser observadas
a través del histograma y no exceder de ciertos límites según el sensor de la cámara
que se hubiese usado para tomar la fotografía.

Curva de Tonos:
Se opera igual que la curva de tonos de Photoshop.
Detalle:
Se encarga de corregir los posibles errores generados en la imagen al tratar de
corregir la luminancia y el color.

HSL / Escala de Grises:
Desde esta sección, se trabaja el color desde tres tipos de valor: HUE, Saturación y Luminancia. En el fondo, es un círculo cromático
descompuesto. Esta sección permite hacer ajustes locales en función a color.

Dividir Tonos:
En esta sección, podemos controlar el color pero para darle un efecto, como un virado.
Se trabajan independientemente la sección de luces y sombras.

Correcciones de Lente:
En esta parte, podemos corregir deformaciones que tenga el lente de acuerdo a su
distancia focal o construcción, emparejar los valores de luminancia en el mismo (un
lente no distribuye de forma pareja la luz en el sensor) y las aberraciones cromáticas,
errores de coincidencia de los haces de luz al pasar a través del lente haciendo que se
descompongan. Se puede optar por una corrección manual, como otra de perfil
propuesta por el proveedor. Los lentes de menor calidad suelen sufrir de estos
problemas, sobre todo de las aberraciones.

Efectos:
En esta sección, podemos agregar viñetas a la imagen, además de “texturizarla con un
granulado”. Aunque la viñeta funciona bastante bien, la texturización todavía es muy
digital.

Calibración de Cámara:
AQUÍ, se calibra la imagen de acuerdo a los canales RGB. Esto se hace porque no
todos los sensores tienen la misma calibración de color. Hay algunos que saturan
más, otros que son más contrastados. Por otro lado, el uso del sensor conlleva a un
consiguiente desgaste, lo cual hace que sea necesaria una calibración. En esta
sección, se puede calibrar el sensor, aunque también se puede hacer a través de un
color checker, lo cual hace que se cree un perfil de color de la cámara calibrándola
apenas se abre la imagen.
Ajustes Preestablecidos:
En esta parte, se han guardado ajustes generales que han sido grabados para que
sean usados posteriormente.
Instantáneas:
Aquí, guardamos ajustes específicos que se han venido desarrollando en el proceso
de revelado. Sirven principalmente para comparar y poder generar varias capas al
momento de trabajar en Adobe Photoshop.
2.8.1.3. Adobe Photoshop Lightroom
Antes de que Adobe hiciera el Adobe Bridge, creó el Adobe Photoshop Lightroom.
Este programa contiene una versión cruzada de Camera RAW (Módulo de Revelado) y
Bridge (Módulo de Biblioteca). Sin embargo, no se vende con la suite. Es un programa
bastante estable que funciona a partir de un proceso de importación y catalogación.
Puede sincronizarse con una página Web, Facebook, Flickr, entre otros.
Crea Catálogos Virtuales en los que se puede trabajar la gestión de luz y color de
manera rápida. La pequeña desventaja es que pasa por un proceso de importación y
exportación que hace que el proceso, al principio, sea más lento. Sin embargo, se le
pueden agregar pluggins de corrección; además, trabaja simultáneamente con
Photoshop y se crean copias virtuales, lo que ayuda bastante al momento de trabajar
por capas en Photoshop, lo que da un buen rendimiento del hardware.

a) Importación

b) Revelado, Copias Virtuales y Exportación
El módulo de revelado funciona de manera muy similar al camera RAW. Lo interesante
son las copias virtuales y el método de exportación. Una copia virtual (o varias)
pueden exportarse simultáneamente como objetos inteligentes en Photoshop, y
trabajar de manera coordinada el proceso de revelado y retoque. Por otro lado, no es
necesario hacer copias o crear archivos TIFF para trabajar haciendo que los recursos
de almacenamiento del ordenador se agoten de manera más rápida, ya que las copias
virtuales pesan apenas unos kb. Asimismo, al hacer clic derecho sobre una imagen, se
puede pasar a exportar directamente la imagen y generar un archivo para mostrar al
cliente, para web, para pruebas o para impresión quedando grabado en el lightroom a
un peso muy pequeño.
Por otro lado, tenemos las mismas, y otras funciones y herramientas que
trabajábamos desde Bridge. El lightroom puede ser “customizado” agregando nuevos
e interesantes pluggins.
Una vez que decidimos exportar, tenemos que ver cómo lo vamos a exportar de
acuerdo a nuestras necesidades de impresión, resolución y tamaño. Esto será
enseñado convenientemente por el docente en su momento.

2.1.9. Calibración de Monitores
Así como el sensor se descalibra, los monitores, también, pasan por este proceso.
Condiciones climáticas, electrostáticas, físicas o de luz pueden afectar la calibración
haciendo que la coincidencia de los valores de luz y color en pantalla no coincidan con
una impresión.
La verdad es que no se debe retocar en una laptop, se debe trabajar en una
computadora estacionaria, donde no se mueva la pantalla y no esté expuesta
directamente a la luz. Esto quiere decir que todo proceso de retoque debe ser hecho
en oscuridad total.
La calibración es un proceso físico que se hace a través de diferentes productos y
trabaja con diferentes proveedores.
http://spyder.datacolor.com/portfolio-view/spyder4pro/
http://www.youtube.com/watch?v=Iyn4FkSLNqc
http://www.colormunki.com/
Finalmente, existen en la red otros calibradores. Estos no usan hardware, lo cual no
los hace muy precisos, salvo se conserven intactas las condiciones de trabajo en
pantalla, tanto en luz, contraste y temperatura de color de la pantalla.
http://atrise.com/lutcurve/

Resumen
 Antes de pensar en iluminar una escena, se debe considerar la temperatura de
color y en qué clave tonal se quiere trabajar.
 Si no se cuenta con un fotómetro de mano, se usará la medición del fotómetro de
la cámara digital, pero haciendo bracketing y recurriendo a la lectura del
histograma.
páginas:
 http://www.aloj.us.es/galba/DIGITAL/CUATRIMESTRE_II/IMAGEN-PAGINA/
 http://www.mundocorto.com/modules.php?name=Content&pa=showpage&pid=9
 http://www.aprendefotografiadigital.com/afd/2011/02/22/ley-cuadrado-inverso-
iluminacion/#.UfyHHJKwySo
 http://www.youtube.com/watch?v=Y9AIFodu8pQ

http://www.nosolofoto.com/old/modules.phpop=modload&name=Subjects&file=index&req=p
rintpage&pageid=16&scope=all.php
 http://strobox.com/
 http://www.youtube.com/watch?v=8Ln_oMxm8xQ
 http://www.youtube.com/watch?v=KpBj4lcLtFs
 http://www.rgbcmyk.com.ar/?pid=RGB2CMYK

FOTOGRAFÍA DE CONCEPTO,
EDITORIAL Y PUBLICITARIA
Al término de la unidad, el alumno maneja diferentes técnicas de iluminación
conociendo cómo se comporta la luz en diferentes superficies para crear retratos,
además de aplicarla en escenografías, retratos, productos y campañas.
TEMARIO
 Fotografía de Concepto
 Fotografía de Portada
 Fotografía Publicitaria
 Los alumnos realizan sesiones de iluminación y prácticas de fotografía de
Concepto, de Portada y Publicitaria.
UNIDAD
3

3.1 FOTOGRAFÍA DE CONCEPTO, EDITORIAL Y
PUBLICITARIA
3.1.1 Fotografía de Concepto
Trabajo grupal en el que al alumno se le asigna una tarea a cumplir: un concepto
publicitario, una portada de disco, un afiche de película, etc. En este, el alumno debe
realizar todo el proceso de elaboración, así, en todas las semanas, debe hacer entrega
de bocetos, paletas de color, tipografía, avances de producción, retoque y diseño.
El trabajo se presenta impreso.
Acá algunos ejemplos de ciclos pasados:

El grupo debe crear el nombre de la banda, el nombre del disco, conseguir a los
modelos y vestuario, además de la utilería. Asimismo, debe proponer el diagrama de
planta de iluminación.

También, puede hacerse a partir de un género cinematográfico. El
Concepto es propuesto por el docente.

3.1.2. Fotografía de Portada
En esta sección, lo importante es ambientar un espacio. Poder iluminar un espacio es
algo más complicado e importante a desarrollar. Asimismo, el desarrollo debe estar
supervisado a partir del boceto, el diagrama de luces y la ambientación.
Boceto

Diagrama de iluminación a partir del boceto

Ambientación

Pieza acabada

El pasto es natural, el fondo fue trabajado como Matte Painting.

Esta puerta fue llevada a clase, la pared también.

Fotos de portada de David LaChappelle

Si bien es cierto que se debe ambientar el espacio, también es importante
trabajar conceptos como Matte Painting.

3.1.3. Fotografía Publicitaria
El docente propone un producto entregando un brief y el grupo desarrolla un concepto
a partir del mismo.

Foto en pecera

Fotos publicitarias de Dave Hill

Dave Hill trabaja muy bien el concepto de retoque con gran rango
dinámico, acabado high end. La calibración del color y luz resultan
fundamentales en el proceso.

Resumen
 Webs para desarrollar paletas de color:
 http://design-seeds.com/
 http://colorschemedesigner.com/
http://www.youtube.com/playlist?list=PLKT4wTDASG8SGqK1Ww_rYxP3qqLP0lS
xP
páginas:
 http://www.davidlachapelle.com/
 http://www.davehillphoto.com/
 http://www.danmountford.bigcartel.com/
 http://andredefreitas.com/Double-Exposures
 http://www.christofferrelander.com/

Bibliografía
Básica
EVENING, Martin
2008 The Adobe Photoshop Lightroom: Guía completa para fotógrafos
México, D. F: Anaya Multimedia
(006.68, PHEVEN)
EVENING, Martin
2011 Photoshop CS5 para fotógrafos: avanzado
Madrid, Anaya Multimedia
(006.68, PHEVEN/F)
DELGADO CABRERA, José María
2011 Manual Imprescindible de Photoshop CS5
Madrid, Anaya Multimedia
(006.68, PHDELG2011)
Bibliografía Electrónica
PORTA, Paulo
2005 Destripando el Histograma
http://www.quesabesde.com/camdig/articulos.asp?articulo=117
GARCÍA, Edgardo
2012 Reglas para la conversión de imágenes a CMYK
http://www.rgbcmyk.com.ar/?pid=RGB2CMYK

Fotografía digital (0578)

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