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Los orígenes del jazz 
MÚSICA M. RELIGIOSA MÚSICA POPULAR 
AFRICANA PROTESTANTE EUROPEA 
EUROPEA (música de baile, 
bandas militares...) 
BLUES WORK SONGS ESPIRITUAL 
JAZZ RAGTIME 
SOUL GOSPEL 
El jazz es un estilo musical fruto de la fusión del folclore de los esclavos africanos 
llevados a Estados Unidos con la tradición musical de los colonos americanos de procedencia 
europea. A partir de melodías y cantos puramente africanos, se fueron moldeando géneros 
musicales americanos que darán nacimiento al jazz a principios del siglo XX. Básicamente 
fueron tres y se desarrollaron en los Estados del Sur, en torno al río Mississippi: los work songs, los 
espirituales y el blues. En los orígenes del jazz también tuvo mucha importancia el ragtime, 
género de música negra para piano muy popular hacia 1900.
CARACTERÍSTICAS DE LA MÚSICA AFRICANA QUE HEREDA EL JAZZ 
- Escala pentatónica. Sólo tienen cinco sonidos y evitan los semitonos, lo que da a esta música 
una sonoridad especial. 
- La interpretación es colectiva. Todos participan tocando, cantando, dando palmas, 
- La música africana se recuerda, no se escribe, y a menudo cambia durante la 
2 
bailando o simplemente llevando el ritmo. No existe la idea de público pasivo que 
solamente escucha y aplaude al final, como en la música europea. 
Tambores Ewe en un velatorio 
(Ghana) 
interpretación mediante la improvisación. 
- Se sigue un patrón de llamada y respuesta, un tipo de estructura que consiste en una 
especie de diálogo musical entre un solista y el coro. 
El solista entona una frase y el coro responde. Ésta es 
una forma de cantar canciones típicamente 
africana que los esclavos africanos aplicaron a las 
canciones de trabajo: en las canteras, o en las 
cuadrillas que construían carreteras, gran parte del 
trabajo se realizaba manejando picos, martillos y 
palas que seguían un ritmo constante; los cantos de 
trabajo se adaptaban a la velocidad de los martillos 
y eran liderados por un miembro de la cuadrilla, al 
que después se unían los demás. Esta forma de 
cantar es también muy corriente en los espirituales, 
que la copian de las canciones de trabajo. De los 
espirituales ha pasado a otras formas de música 
afroamericana, como el blues o el ragtime. 
- Ritmos complejos. Normalmente se superponen 
varios ritmos distintos, lo que se conoce como 
polirritmia. 
- Utilización frecuente de la síncopa. Una síncopa es una nota que comienza en una parte 
de compás más débil rítmicamente que aquélla en la que termina, de manera que se 
produce un desplazamiento en el acento. Esto da una sensación rítmica muy rica y 
marcada y una acentuación “fuera de pulso”, en la parte débil del compás, que suele 
acompañarse con palmas. 
Fíjate en esta melodía. Si fuera un himno protestante (canción “blanca”) se cantaría así: 
Pero es un espiritual (canción “negra”), por lo que se canta así: 
Señala las síncopas y fíjate en cómo se interpretan. Da palmas en la parte débil (contratiempo) y señálala en la 
partitura. Traduce el texto y explica en qué consiste en este caso la estructura llamada-respuesta.
3 
Work songs o cantos de trabajo 
Los esclavos negros trabajaban en la construcción y desempeñaban tareas agrícolas, 
como la recolección de algodón en las plantaciones. Para mitigar las penurias de la dura 
faena entonaban canciones de trabajo en las que ya estaban definidas las características 
del denominado “sentido del ritmo negro”: sus melodías sincopadas, basadas generalmente 
en la escala pentatónica, estaban articuladas sobre un pulso musical muy marcado, que 
ayuda a llevar el ritmo en el trabajo, y utilizaban un patrón de llamada- respuesta típicamente 
africano. 
Los cantos de trabajo desaparecen con la 
abolición de la esclavitud, pero influyen en el espiritual y 
el blues y contribuyen a la formación del jazz. 
Los espirituales 
Los esclavos adoptaron la religión de sus 
“propietarios”: el cristianismo protestante, en cuyo culto 
tenía un importante lugar el canto de himnos por parte 
de toda la congregación. Pero los negros adaptaron 
estos himnos a su forma de cantar, y esto dio lugar al 
espiritual negro. Este estilo contiene elementos de los 
himnos protestantes, pero manteniendo la expresión 
espontánea y libre característica de la música africana: 
canciones europeas en lo que se refiere al lenguaje 
musical y a la forma, pero africanas en el estilo de canto y 
el modo de expresión. 
Características de los espirituales: 
- Uso de síncopas que variaban los acentos y daban gran riqueza rítmica. 
- Los contratiempos eran marcados por palmas. 
- El canto era acompañado por movimientos corporales que recuerdan el antiguo “baile 
sagrado africano”. 
- Existe un paralelismo estructural entre letra y música: a cada sílaba le corresponde una 
única nota. 
- Se generaliza la estructura estrofa-estribillo. 
- Estructuralmente era común el canto responsorial (llamada-respuesta), ya fuera en 
respuesta a un verso o a una estrofa cantada por el solista o por medio del canto colectivo 
de la segunda mitad del verso iniciado en solitario. 
- Se sistematiza la utilización del leit-motiv: suele ser, por lo general, un verso o una palabra 
(por ejemplo, “Alleluia”) en forma de interjección y que aparece tanto en las estrofas 
como en los estribillos. 
- Son frecuentes los gritos y clamores espontáneos de los fieles, como “¡Gloria!” u otras frases 
de ánimo o afirmación. 
- Los textos expresan el anhelo de libertad de un pueblo oprimido que se identifica con el 
pueblo de Israel esclavizado en Egipto. Suelen hablar de la búsqueda de un hogar (home) 
que se identifica con la libertad y es frecuente que aparezcan medios de transporte 
(barco, carro, tren...) que simbolizan la huida. Estos temas mantienen viva la esperanza de 
los esclavos, que encuentran así un consuelo en la religión. 
- Algunos espirituales eran de movimiento rápido, ritmo vivo y carácter alegre (Oh, when the 
Saints). Otros espirituales, sin embargo, eran lentos y conmovedores, impregnados de 
nostalgia, y solían reflejar la creencia de que el sufrimiento se vería recompensado en el 
cielo. La interpretación de éstos últimos es emotiva y melódica y la expresión pasa por una 
gran elasticidad rítmica.
Let my people go (Go down, Moses) 
When Israel was in Egypt’s land 
Let my people go! 
Oppressed so hard they could not stand 
Let my people go! 
Go down, Moses, 
way down in Egypt’s land, 
Tell old Pharaon 
Let my people go! 
4 
- Traduce el texto. 
- Busca información sobre Moisés (Moses) ¿quién era? 
- El texto juega con una metáfora. Coméntala: ¿con quién se identifica al pueblo de Israel? ¿por qué? 
¿qué expresa este espiritual? 
- ¿Qué forma o estructura tiene? Señala la estrofa y el estribillo. 
- ¿Cuál es el leit-motiv, la frase recurrente que repite el coro? ¿Dónde aparece? 
2. If you get there befote I do, 
Comin’ for to carry me home. 
Tell all my friens I’m coming after too, 
Comin’ for to carry me home. 
- 
- Traduce el texto 
- ¿Qué estructura tiene? 
- ¿Cuál es el leit-motiv? ¿Dónde aparece? 
- ¿Qué significa el texto? ¿qué expresa? ¿tiene algún doble sentido? 
- Escribe la escala en la que está compuesto. ¿qué tipo de escala es?
5 
DE LOS ESPIRITUALES AL GOSPEL: 
LA EVOLUCIÓN DE LA MÚSICA RELIGIOSA NEGRA EN EL SIGLO XX 
Tras la abolición de la esclavitud, muchos negros 
dejaron los campos para instalarse en las ciudades. En 1866 
se inauguraron en el Sur las primeras escuelas destinadas a 
los antiguos esclavos. Con el fin de recaudar fondos, sus 
responsables tuvieron la idea de formar corales con algunos 
de sus alumnos. Todas ellas arreglan los espirituales con la 
finalidad de adecuarlos a los cánones de la música europea: 
aunque conservan las melodías, las armonizan (polifonía) a 
cuatro voces y los ritmos se suavizan. 
En la década de 1910 empiezan a popularizarse los pequeños conjuntos de cuatro 
o cinco solistas. En los años veinte algunas compañías fonográficas se dan cuenta de los 
beneficios que se pueden obtener de los consumidores negros urbanos y empiezan a 
producir artistas. 
En la década de 1930, el gospel está ya firmemente establecido como repertorio 
(incluyendo no sólo los antiguos espirituales, sino también composiciones nuevas) y 
también como estilo de interpretación de la música religiosa afroamericana. Ha 
conquistado las iglesias, pero no se queda ahí y empieza a ocupar un lugar importante 
en el mercado del disco y en las emisoras de radio. 
Los cuartetos participaron en la modernización del 
canto religioso. El Golden Gate Quartet puso en el 
contrapunto vocal un virtuosismo hasta entonces 
desconocido, utilizando las sílabas percutidas e imitando la 
sonoridad y el fraseo de los instrumentistas de jazz. 
Los solistas empezaron a tener también una gran 
importancia, con intérpretes como Mahalia Jackson 
(década de los 40) y Aretha Franklin (años 60 y 70), quien se movería entre la música 
religiosa y la profana, convirtiéndose en la voz femenina más importante del soul. 
Actualmente el gospel sigue interpretándose tanto 
en iglesias (formando parte del servicio religioso) como en 
teatros y auditorios (concierto). El baile, las palmas y el 
movimiento forman parte inseparable de la interpretación, 
que suele adoptar la forma de un gran coro con uno o varios 
solistas. Paulatinamente han ido incorporándose los 
instrumentos musicales, como el piano o la batería y, más 
recientemente, la guitarra eléctrica. 
Los textos conservan el sentido de expresión de la fe religiosa de un pueblo que 
se considera oprimido y marginado, pero también hay canciones gospel de gran 
optimismo que reflejan la esperanza en la salvación, como el célebre Oh, happy day 
(1970). 
A lo largo del siglo XX muchos espirituales de la primera época se han convertido 
en standards, incorporándose al repertorio del jazz en sus distintos estilos.
El blues, una canción redonda 
6 
El blues es un tipo de canción afroamericana que surgió 
en la segunda mitad del siglo XIX de la misma mezcla de ideas 
africanas y europeas que habían dado origen a los cantos de 
trabajo y a los espirituales. Como éstos, el blues cantaba los 
sentimientos, temores y esperanzas de los cantantes, pero lo 
hacía de una forma muy personal. Los blues eran canciones de 
lamento e ironía que hablaban del duro trabajo, de las creencias 
religiosas o de los desengaños amorosos. 
Los bluesmen expresaban su estado de ánimo con 
melodías y letras sencillas teñidas de un sentimiento de melancolía y tristeza. 
En su forma primitiva eran muy simples, interpretados por un solo cantante 
acompañado generalmente por una guitarra o un banjo, a los que se sumaba en ocasiones 
una armónica. Estos cantantes ambulantes recorrían las zonas rurales del Sur de Estados 
Unidos cantando la vida y los sucesos cotidianos con palabras simples y poéticas, pero 
siempre accesibles al público al que se dirigen (blues rural). 
En los años 20 muchos cantantes se dirigen hacia el Norte y se instalan en las grandes 
ciudades, donde empiezan a tocar en bares y clubes. El blues rural se transforma en blues 
urbano, que tiene un tempo normalmente más lento y trata temas más amplios, abarcando 
los múltiples problemas que conlleva la explosión demográfica de los grandes centros 
(alcohol, miseria, marginación...). Los bluesmen urbanos empezaron a utilizar instrumentos 
eléctricos y se crearon grupos con batería, bajo, piano, guitarra eléctrica y, ocasionalmente, 
armónica o saxo, consolidando así la formación estándar del blues. Estas bandas, de estilo 
intenso y provocador, tocaban en clubes y locales nocturnos, donde gracias a la 
amplificación era posible escucharlos, entre la no siempre silenciosa audiencia. 
La rueda del blues 
El blues, en gran medida, fue creado por gente que no sabía música, y por tanto, era una 
música aprendida de oído e improvisada. Para facilitar la improvisación, tanto de versos 
como de música, se desarrollan una serie de patrones, el más familiar de los cuales era el del 
blues de doce compases. 
Musicalmente el blues se caracteriza por lo que se conoce como “rueda de acordes 
del blues”, un ostinato armónico formado por una serie de acordes encadenados que se 
repiten a lo largo de la canción. 
Vamos a interpretar una rueda de blues: 
1. Completa estos acordes de la 
tonalidad de Do Mayor: 
2. Colorea esta rueda de la siguiente forma: 
o I (Tónica): rojo. 
o IV (Subdominante): verde. 
o V (Dominante): azul. 
3. Dividid la clase en tres grupos y repartíos las metalonotas de forma que cada grupo 
interprete un acorde. Interpretad la rueda de blues en el sentido de las agujas del reloj 
empezando por la casilla señalada con la flecha. Hacedlo una primera vez con sólo un 
golpe en cada casilla. Repetidlo con dos golpes en cada casilla.
7 
“If that ain’t quit”. B. B. King. 
Cuando os salga con soltura la rueda completa probad a hacerlo 
de nuevo, esta vez acompañando al mismísimo B. B. King. Tened en 
cuenta que se trata de una rueda y, por tanto, debe dar varias vueltas. 
Actualmente se componen blues instrumentales, como el que 
acabas de escuchar, en el que es la guitarra quien lleva la melodía. 
La escala del blues 
El blues produce a menudo un efecto de melancolía, lo que se debe a que muchas 
de sus melodías se basan en la llamada “escala del blues”, que consiste en una versión de la 
escala mayor diatónica, en la que algunos grados, generalmente el tercero y el séptimo se 
tocan o se cantan un semitono más bajo. Esto produce un efecto de desafinación 
intencionada (“calado”) que ayuda a darle al blues ese sabor tan especial. 
nota blue nota blue 
Guitarra “slide 
La “desafinación” de algunas notas era a menudo resaltada por el 
cantante que medio hablaba y medio cantaba. También fue imitada por los 
guitarristas que tocaban con un cuello de botella o slide, un tubo que se 
coloca sobre uno de los dedos de la mano izquierda del guitarrista y que 
después se desliza por las cuerdas hacia arriba y hacia abajo 
mientras éstas se puntean con la mano derecha. La guitarra 
tiene que estar especialmente afinada para esto. Los primeros 
guitarristas usaban un cuello de botella (bottleneck), que es también propio de 
la guitarra hawaiana. 
El blues de doce compases 
El blues se caracteriza por su movimiento, que en general es lento y por su estructura de 
doce compases en 4/4, que consiste en tres frases o secciones de cuatro compases cada 
una. El texto del blues se adapta a esta estructura, utilizando los cuatro primeros compases 
para decir algo, los cuatro siguientes para repetirlo y los cuatro últimos para concluir la idea, 
por ejemplo: 
People, if you hear me hummin’ on this song both night and day, 
/ / / / / / / / / / / / / / / / 
People, if you hear me hummin’ on this song both night and day, 
/ / / / / / / / / / / / / / / / 
I’m just a poor boy in trouble, trying to drive my blues away. 
/ / / / / / / / / / / / / / / / 
Walter Davis: Worried Man Blues. Gentes, si me oís susurrar esta canción día y noche / Gentes, si me 
oís susurrar esta canción día y noche / Ocurre que no soy más que un pobre muchacho con pesares 
que intenta disipar su melancolía.
La estructura de doce compases y la serie armónica no sólo es utilizada en el blues y en el jazz, sino también en el rock. 
Muchas de las primeras canciones del rock que llegaron a ser famosas, como Rock around the Clock, de Bill Halley; Blue 
Suede Shoes, de Elvis Presley, o Can’t Buy me Love, de Los Beatles, están basadas en ellos. 
Las letras 
8 
El sentido del blues queda definido por su propio nombre, ya que la palabra blue significa 
tristeza, melancolía, y “tener el blues” es sentir la tristeza de una situación a la que no se ve 
remedio. Con su especial balanceo rítmico, estas canciones son una síntesis del sentimiento 
de un pueblo que a la vez sufre, ama la vida y nunca se da por vencido. 
Muchos blues suelen tener una temática social. Las letras hablan de la miseria de la 
población negra y su segregación en ghetos, de la violencia, los trabajos forzados, el paro y el 
éxodo rural. Los blues urbanos se centran en la vida hostil y en la soledad del ser humano en 
las grandes ciudades. 
“Amor en vano”. Raimundo Amador. 
Escucha este blues siguiendo el texto. Se trata de un tema de Robert Johnson, uno de 
los pioneros del blues, en una versión española a cargo de Santiago Auserón y 
Raimundo Amador. 
AMOR EN VANO 
Hacia el tren le llevé su maleta en mi mano, 
hacia el tren le llevé su maleta en mi mano, 
yo no sé, yo no sé si mi amor es en vano. 
Cuando el tren se acercó, a la cara la miré, 
cuando el tren se acercó, a la cara la miré, 
me quitó su maleta y llorando me quedé. 
Cuando el tren se alejó, con sus dos luces detrás, 
cuando el tren se alejó yo vi sus dos luces detrás, 
una azul por mi pena, roja porque tú te vas. 
1. ¿Crees que el texto se ajusta a la estructura que antes hemos descrito? 
2. Vuelve a escuchar la canción siguiendo la rueda armónica del blues. ¿coincide? 
I I I I 
IV IV I I 
V IV I V I para terminar 
3. ¿Te has dado cuenta de la utilización de la apalabra “azul”? ¿Con qué estado de 
ánimo relaciona ese color? 
4. Completa el musicograma ordenando las siguientes partes (ten en cuenta que alguna 
puede estar repetida). 
1ª estrofa introducción instrumental 
2ª estrofa solo de guitarra 3ª estrofa
9 
El ragtime 
El ragtime es un género para piano en el que las dos manos del pianista tienen 
funciones claramente diferenciadas: 
- La mano izquierda mantiene una pulsación regular y muy marcada en compás de 
2/4 imitando a una marcha de desfile. 
- La mano derecha interpreta una melodía sincopada que se “cruza” con la 
pulsación, dando lugar a la una sensación rítmica muy fuerte característica del 
ragtime. De ahí el nombre de ragged time (“tiempo rasgado”) 
Una síncopa es una nota que comienza en una parte de compás más débil rítmicamente que aquélla en la que termina, de 
manera que se produce un desplazamiento en el acento. 
En principio el ragtime se tocaba sólo con 
piano, pero pronto empezó a adaptarse para ser 
interpretado por las bandas de los locales de 
diversión de Nueva Orleans. 
El compositor más importante de ragtime fue Scott Joplin, a quien 
debemos el célebre “The Entertainer”.
10 
La evolución del jazz 
BLUES WORK SONGS ESPIRITUAL 
JAZZ 
1910: Estilo Nueva Orléans o Dixieland 
1920: Estilo Chicago 
1930: Swing 
1940: Be-Bop 
1950: Cool-Jazz y Hard Bop 
1960: Free Jazz 
1970: Jazz Fusión 
Jazz-Rock Smooth-jazz Jazz-Latino Acid-Jazz 
1 
1 1 Algunos de los materiales de estos apuntes están adaptados 
de la Guía Didáctica “Mi Jazz, Tu Jazz, El Jazz”, 
editada por el Ayuntamiento de Gijón.
11 
Características del jazz 
· El ritmo marca la melodía. 
· Uso de ritmos sincopados y diferentes al mismo tiempo (polirritmia). 
· La personalidad del solista se muestra por medio de la improvisación: el músico de jazz 
crea al mismo tiempo que actúa, de manera que dos versiones de una misma melodía 
son dos obras distintas. 
· Existe una sensación rítmica peculiar, indefinida, que los aficionados llaman “swing”. Así, 
el jazz tiene swing del mismo modo que el flamenco tiene duende. 
· Las melodías se forman con las escalas mayor, menor, pentatónica y blues. 
· La armonía se va haciendo más compleja, con acordes modernos cada vez más 
disonantes. 
· Es una música en evolución constante. 
1910: Estilo Nueva Orléans o Dixieland 
La formación musical del dixieland es bastante estable. Hay tres instrumentos que 
destacan: la trompeta, el clarinete y el trombón (sección melódica). El contrabajo, la batería, 
el banjo y el piano (sección rítmica) sostienen el ritmo y la base armónica, aunque también 
pueden improvisar solos. 
Es un tipo de música que a menudo se toca en la calle o desfilando. Los instrumentos 
más pesados, e imposibles de trasladar al aire libre, como el piano, el contrabajo o la batería, 
se sustituyen por la tuba e instrumentos de percusión, como la caja y los platos. 
Durante la época de la esclavitud, 
como los instrumentos convencionales no 
estaban al alcance de los esclavos, éstos 
utilizaban objetos cotidianos (palos, 
botellas, etc.) y de creación propia como 
instrumentos rítmicos para acompañar la 
voz. Pero, como resultado de la victoria 
de los estados del norte en la Guerra Civil 
Americana, los esclavos fueron liberados. 
Con el final de la guerra, muchas 
de las bandas militares de desfile se 
deshicieron y sus instrumentos fueron 
vendidos a precio de ganga. Muchos 
negros pudieron adquirirlos y formaron sus
propias bandas, en las que tocaban sus propias versiones de las marchas europeas en 
desfiles, bailes, excursiones y funerales. Al introducir ritmos sincopados, al cambiar las notas de 
las melodías originales cuando les convenía y al improvisar nuevas melodías, las “jazzearon” 
de una manera nueva y excitante. 
12 
El efecto fue sensacional: sobre 
la base del ritmo regular de la marcha 
ocurría toda clase de cosas locas. Las 
notas se “desafinaban” 
deliberadamente, las melodías se 
modificaban y los músicos iban 
inventando sus partes sobre la marcha. 
Estas primeras bandas de 
instrumentos de metal y percusión 
interpretaban también espirituales y 
blues, que dejaron de ser géneros 
exclusivamente vocales y empezaron a 
ser instrumentales. Con el jazz, la 
música afroamericana pasó de ser 
vocal a ser instrumental, pero conservó 
el ritmo y la improvisación. 
En las bandas de desfiles (“marching bands”), cada tambor era llevado y tocado por 
un músico diferente. Sin embargo, cuando los músicos comenzaron a cobrar dinero por tocar 
en los bares la situación cambió, ya que contratar a varios percusionistas resultaba 
demasiado caro. Así, un solo músico fue el encargado de tocar todos los tambores y otros 
instrumentos de percusión. Para que su trabajo fuera más fácil se desarrolló la moderna 
batería, que supone unos intricados actos de coordinación por parte del percusionista. 
Las improvisaciones colectivas sobre unas armonías sencillas hacen de este tipo de jazz 
una música muy alegre. Improvisar no quiere decir que cada uno pudiera tocar las notas que 
quisiera, porque el resultado habría sido un ruido terrible. Cada pieza estaba basada en una 
melodía conocida por todos, con un acompañamiento de acordes sencillo, que a menudo 
se ajustaba a la rueda del blues. 
Los instrumentos también se van alternando para hacer improvisaciones individuales 
mientras el resto de los instrumentos siguen tocando riffs (frases repetitivas de 
acompañamiento) o melodías improvisadas que “pegan” con los acordes de 
acompañamiento.
13 
1920: Estilo Chicago 
En Nueva Orleáns, los músicos tocaban en las calles, pero también en los bares, 
burdeles y otros locales clandestinos del barrio de Storyville. Pero en 1918 dicho barrio fue 
clausurado y sus locales cerrados. Los músicos perdieron su trabajo y emigraron a las ciudades 
industrializadas del norte (St. Louis, Kansas, Chicago, Nueva York) llevando con ellos el blues y 
el jazz. 
Los riverboats, barcos de vapor que surcaban 
el Mississipi desde el sur rural hacia el norte 
industrializado, tuvieron una gran importancia 
en la difusión del jazz. 
Desgraciadamente, los negros estaban obligados a seguir viviendo en la pobreza y a 
realizar trabajos mal pagados y desagradables. Ocupaban zonas de las ciudades que, a 
pesar de la llegada masiva de gente, no crecían. Pronto cada ciudad tenía su propio guetto 
negro sobresaturado (por ejemplo, Harlem en Nueva York) 
Una banda de estilo Chicago no se diferencia sustancialmente de una banda de 
DiXieland. Lo que sí cambió fue la forma de entender la improvisación: 
- Se pierde en gran medida la improvisación colectiva, que producía cierta 
sensación de confusión. 
- Se consolida el “solo” (la improvisación individual). 
- Las composiciones se estructuran en torno a un tema principal, que se escucha 
solo al principio y al final. En la parte central los músicos improvisan en función de 
unas armonías y un número de compases determinados. 
- Esa parte central se estructura en “chorus”, estrofas de improvisación individual. En 
cada chorus improvisa un instrumento mientras los demás acompañan. 
- Lo típico de estos años es que las bandas de jazz versionen canciones populares. 
- La voz se incluye como un instrumento solista más, que también improvisa y utiliza 
todos sus recursos expresivos, como el scat. 
- El ritmo se suaviza. El estilo Chicago no es tan “alocado “ como el Dixieland.
14 
Louis Armstrong es considerado el responsable de la transformación del estilo de 
Nueva Orleáns en estilo Chicago. Como improvisador, va más lejos que nadie en la 
transformación de un tema. Sus solos, tanto de trompeta como vocales, están 
perfectamente construidos y respiran espontaneidad. Su figura ha sido fundamental en 
el desarrollo del lenguaje del jazz y ha influido en todos los músicos posteriores. 
“Oh, when the Saints” (espiritual popular afroamericano). Louis Armstrong. 
Completa el musicograma con los datos que te pide el cuestionario: 
· ¿Qué instrumentos intervienen en la introducción? 
· ¿De cuántos chorus consta la versión? 
· Señala con una I los chorus instrumentales y con una V los vocales. 
· Aplica los siguientes dibujos: 
· ¿Quién “canta la melodía del tema en los chorus 1 y 2? 
· ¿Y en los chorus 3 y 4? 
· ¿Quién responde a Armstrong en los chorus que canta? ¿A qué estructura te 
recuerda? 
· Señala el solo de clarinete y el de trombón? 
· Después del solo de trombón se escucha una improvisación colectiva en la que 
destacan dos instrumentos que se contestan entre sí ¿Cuáles son? 
· ¿Cuántos chorus dura la improvisación colectiva final? 
Chorus: Cada una de las repeticiones sucesivas del tema, donde éste aparece 
modificado de diversas maneras. Suelen durar 12 compases y basarse en blues y 
canciones populares (como los espirituales). 
Scat: Canto improvisado en el que se imita el sonido y el fraseo de los 
instrumentos, sustituyendo las palabras por sílabas sin sentido. 
Solo: Fragmento de improvisación libre por parte de un instrumento, sobre la base 
armónica y rítmica del tema original.
15 
1930: Swing 
El swing es un tipo de jazz bailable asociado a las big bands, formaciones muy 
numerosas, de entre diez y veinte músicos, que ya incluyen saxofones y guitarra (en lugar de 
banjo). La confluencia de tantos músicos hizo que estas bandas necesitaran una mayor 
organización. Así nació la figura del arreglista, que adaptaba canciones y piezas de jazz 
famosas (que ahora se llaman standads) y escribía las partes de cada uno de los instrumentos. 
Generalmente cada banda era conocida por el nombre de su arreglista, que a su vez 
era el líder de la orquesta. Las big bands más importantes fueron las de Duke Ellington, Count 
Basie y Glenn Miller. 
Las grandes bandas de swing tocaban en clubes y salas muy importantes, donde la 
gente iba a bailar y a escuchar música. Uno de los clubes más famosos de la época fue el 
Cotton Club de Nueva York. 
La big band de 
Count Basie 
- La improvisación pierde importancia, quedando relegada a algunos solos 
intercalados entre las partes escritas tocadas por toda la orquesta. 
- El sonido de las big bands es más melodioso, más rico y suave que en los estilos 
anteriores. 
- Las orquestas están formadas por tres secciones: rítmica, maderas y metales. 
- El ritmo es un poco más variado, pues empiezan a emplearse ritmos 
latinoamericanos y caribeños. Una de las características generales del ritmo del 
swing es que es bailable. 
- Las escalas y acordes son más complejas que las utilizadas anteriormente. Se 
empieza a utilizar la escala cromática, que tiene muchos semitonos. 
En la melodía Caravan, de Duke Ellington, podemos observar la gran cantidad de notas distintas que utiliza:
16 
1940: Be-bop 
Es un tipo de jazz experimental, que rompe con el 
estilo bailable y “biensonante” del swing. Con tiempos 
rápidos y estilo impetuoso, el ritmo y la armonía se 
enriquecieron y complicaron. Este nuevo jazz, de más difícil 
comprensión, dejó de ser del gusto mayoritario. 
1950: Cool jazz 
Es una reacción al estilo desatado del be-bop. Es un jazz más 
“fresco”, equilibrado, racional y tranquilo. Las improvisaciones y 
melodías constan de un menor número de notas. La improvisación 
sigue teniendo importancia, pero será más intelectual e intentará 
evitar el entusiasmo y la emotividad del be-bop. El trompetista Miles 
Davis fue uno de sus iniciadores. 
1960: Free jazz 
Junto con el hard bop, conduce al jazz a un terreno desprovisto de normas y límites, 
basado en una gran intuición y espontaneidad. Pero, al mismo tiempo que ofrece libertad a 
los ejecutantes para improvisar, da prioridad al conjunto frente a las melodías individuales y 
crea una nueva sonoridad para un oído acostumbrado al jazz clásico. Los músicos más 
destacados de este período fueron los trompetistas Miles Davis y Dizzy Gillespie y el pianista 
Thelonius Monk. 
1970: Jazz fusión 
A partir de los años setenta el jazz (que, no lo olvides, tuvo su origen en la fusión de 
culturas diversas) se mezcla con estilos muy dispares y se empieza a combinar con ritmos y 
sonidos populares de la época, sobre todo con el rock and roll. El jazz fusión es el resultado del 
mestizaje del jazz con otros tipos de música y, aunque inicialmente fue con el rock, acabó 
mezclándose con la salsa, el flamenco, las músicas étnicas, etc. 
Jam session: Son actuaciones en directo que se han desarrollado desde los inicios 
del jazz. En ellas los músicos improvisan sobre temas conocidos. Un procedimiento 
habitual consiste en turnarse para improvisar libremente sobre un estándar 
respetando únicamente la base armónica y rítmica original. Las improvisaciones 
están enmarcadas por el tema, presentado al inicio y al final de la pieza.

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Jazz apuntes

  • 1. 1 Los orígenes del jazz MÚSICA M. RELIGIOSA MÚSICA POPULAR AFRICANA PROTESTANTE EUROPEA EUROPEA (música de baile, bandas militares...) BLUES WORK SONGS ESPIRITUAL JAZZ RAGTIME SOUL GOSPEL El jazz es un estilo musical fruto de la fusión del folclore de los esclavos africanos llevados a Estados Unidos con la tradición musical de los colonos americanos de procedencia europea. A partir de melodías y cantos puramente africanos, se fueron moldeando géneros musicales americanos que darán nacimiento al jazz a principios del siglo XX. Básicamente fueron tres y se desarrollaron en los Estados del Sur, en torno al río Mississippi: los work songs, los espirituales y el blues. En los orígenes del jazz también tuvo mucha importancia el ragtime, género de música negra para piano muy popular hacia 1900.
  • 2. CARACTERÍSTICAS DE LA MÚSICA AFRICANA QUE HEREDA EL JAZZ - Escala pentatónica. Sólo tienen cinco sonidos y evitan los semitonos, lo que da a esta música una sonoridad especial. - La interpretación es colectiva. Todos participan tocando, cantando, dando palmas, - La música africana se recuerda, no se escribe, y a menudo cambia durante la 2 bailando o simplemente llevando el ritmo. No existe la idea de público pasivo que solamente escucha y aplaude al final, como en la música europea. Tambores Ewe en un velatorio (Ghana) interpretación mediante la improvisación. - Se sigue un patrón de llamada y respuesta, un tipo de estructura que consiste en una especie de diálogo musical entre un solista y el coro. El solista entona una frase y el coro responde. Ésta es una forma de cantar canciones típicamente africana que los esclavos africanos aplicaron a las canciones de trabajo: en las canteras, o en las cuadrillas que construían carreteras, gran parte del trabajo se realizaba manejando picos, martillos y palas que seguían un ritmo constante; los cantos de trabajo se adaptaban a la velocidad de los martillos y eran liderados por un miembro de la cuadrilla, al que después se unían los demás. Esta forma de cantar es también muy corriente en los espirituales, que la copian de las canciones de trabajo. De los espirituales ha pasado a otras formas de música afroamericana, como el blues o el ragtime. - Ritmos complejos. Normalmente se superponen varios ritmos distintos, lo que se conoce como polirritmia. - Utilización frecuente de la síncopa. Una síncopa es una nota que comienza en una parte de compás más débil rítmicamente que aquélla en la que termina, de manera que se produce un desplazamiento en el acento. Esto da una sensación rítmica muy rica y marcada y una acentuación “fuera de pulso”, en la parte débil del compás, que suele acompañarse con palmas. Fíjate en esta melodía. Si fuera un himno protestante (canción “blanca”) se cantaría así: Pero es un espiritual (canción “negra”), por lo que se canta así: Señala las síncopas y fíjate en cómo se interpretan. Da palmas en la parte débil (contratiempo) y señálala en la partitura. Traduce el texto y explica en qué consiste en este caso la estructura llamada-respuesta.
  • 3. 3 Work songs o cantos de trabajo Los esclavos negros trabajaban en la construcción y desempeñaban tareas agrícolas, como la recolección de algodón en las plantaciones. Para mitigar las penurias de la dura faena entonaban canciones de trabajo en las que ya estaban definidas las características del denominado “sentido del ritmo negro”: sus melodías sincopadas, basadas generalmente en la escala pentatónica, estaban articuladas sobre un pulso musical muy marcado, que ayuda a llevar el ritmo en el trabajo, y utilizaban un patrón de llamada- respuesta típicamente africano. Los cantos de trabajo desaparecen con la abolición de la esclavitud, pero influyen en el espiritual y el blues y contribuyen a la formación del jazz. Los espirituales Los esclavos adoptaron la religión de sus “propietarios”: el cristianismo protestante, en cuyo culto tenía un importante lugar el canto de himnos por parte de toda la congregación. Pero los negros adaptaron estos himnos a su forma de cantar, y esto dio lugar al espiritual negro. Este estilo contiene elementos de los himnos protestantes, pero manteniendo la expresión espontánea y libre característica de la música africana: canciones europeas en lo que se refiere al lenguaje musical y a la forma, pero africanas en el estilo de canto y el modo de expresión. Características de los espirituales: - Uso de síncopas que variaban los acentos y daban gran riqueza rítmica. - Los contratiempos eran marcados por palmas. - El canto era acompañado por movimientos corporales que recuerdan el antiguo “baile sagrado africano”. - Existe un paralelismo estructural entre letra y música: a cada sílaba le corresponde una única nota. - Se generaliza la estructura estrofa-estribillo. - Estructuralmente era común el canto responsorial (llamada-respuesta), ya fuera en respuesta a un verso o a una estrofa cantada por el solista o por medio del canto colectivo de la segunda mitad del verso iniciado en solitario. - Se sistematiza la utilización del leit-motiv: suele ser, por lo general, un verso o una palabra (por ejemplo, “Alleluia”) en forma de interjección y que aparece tanto en las estrofas como en los estribillos. - Son frecuentes los gritos y clamores espontáneos de los fieles, como “¡Gloria!” u otras frases de ánimo o afirmación. - Los textos expresan el anhelo de libertad de un pueblo oprimido que se identifica con el pueblo de Israel esclavizado en Egipto. Suelen hablar de la búsqueda de un hogar (home) que se identifica con la libertad y es frecuente que aparezcan medios de transporte (barco, carro, tren...) que simbolizan la huida. Estos temas mantienen viva la esperanza de los esclavos, que encuentran así un consuelo en la religión. - Algunos espirituales eran de movimiento rápido, ritmo vivo y carácter alegre (Oh, when the Saints). Otros espirituales, sin embargo, eran lentos y conmovedores, impregnados de nostalgia, y solían reflejar la creencia de que el sufrimiento se vería recompensado en el cielo. La interpretación de éstos últimos es emotiva y melódica y la expresión pasa por una gran elasticidad rítmica.
  • 4. Let my people go (Go down, Moses) When Israel was in Egypt’s land Let my people go! Oppressed so hard they could not stand Let my people go! Go down, Moses, way down in Egypt’s land, Tell old Pharaon Let my people go! 4 - Traduce el texto. - Busca información sobre Moisés (Moses) ¿quién era? - El texto juega con una metáfora. Coméntala: ¿con quién se identifica al pueblo de Israel? ¿por qué? ¿qué expresa este espiritual? - ¿Qué forma o estructura tiene? Señala la estrofa y el estribillo. - ¿Cuál es el leit-motiv, la frase recurrente que repite el coro? ¿Dónde aparece? 2. If you get there befote I do, Comin’ for to carry me home. Tell all my friens I’m coming after too, Comin’ for to carry me home. - - Traduce el texto - ¿Qué estructura tiene? - ¿Cuál es el leit-motiv? ¿Dónde aparece? - ¿Qué significa el texto? ¿qué expresa? ¿tiene algún doble sentido? - Escribe la escala en la que está compuesto. ¿qué tipo de escala es?
  • 5. 5 DE LOS ESPIRITUALES AL GOSPEL: LA EVOLUCIÓN DE LA MÚSICA RELIGIOSA NEGRA EN EL SIGLO XX Tras la abolición de la esclavitud, muchos negros dejaron los campos para instalarse en las ciudades. En 1866 se inauguraron en el Sur las primeras escuelas destinadas a los antiguos esclavos. Con el fin de recaudar fondos, sus responsables tuvieron la idea de formar corales con algunos de sus alumnos. Todas ellas arreglan los espirituales con la finalidad de adecuarlos a los cánones de la música europea: aunque conservan las melodías, las armonizan (polifonía) a cuatro voces y los ritmos se suavizan. En la década de 1910 empiezan a popularizarse los pequeños conjuntos de cuatro o cinco solistas. En los años veinte algunas compañías fonográficas se dan cuenta de los beneficios que se pueden obtener de los consumidores negros urbanos y empiezan a producir artistas. En la década de 1930, el gospel está ya firmemente establecido como repertorio (incluyendo no sólo los antiguos espirituales, sino también composiciones nuevas) y también como estilo de interpretación de la música religiosa afroamericana. Ha conquistado las iglesias, pero no se queda ahí y empieza a ocupar un lugar importante en el mercado del disco y en las emisoras de radio. Los cuartetos participaron en la modernización del canto religioso. El Golden Gate Quartet puso en el contrapunto vocal un virtuosismo hasta entonces desconocido, utilizando las sílabas percutidas e imitando la sonoridad y el fraseo de los instrumentistas de jazz. Los solistas empezaron a tener también una gran importancia, con intérpretes como Mahalia Jackson (década de los 40) y Aretha Franklin (años 60 y 70), quien se movería entre la música religiosa y la profana, convirtiéndose en la voz femenina más importante del soul. Actualmente el gospel sigue interpretándose tanto en iglesias (formando parte del servicio religioso) como en teatros y auditorios (concierto). El baile, las palmas y el movimiento forman parte inseparable de la interpretación, que suele adoptar la forma de un gran coro con uno o varios solistas. Paulatinamente han ido incorporándose los instrumentos musicales, como el piano o la batería y, más recientemente, la guitarra eléctrica. Los textos conservan el sentido de expresión de la fe religiosa de un pueblo que se considera oprimido y marginado, pero también hay canciones gospel de gran optimismo que reflejan la esperanza en la salvación, como el célebre Oh, happy day (1970). A lo largo del siglo XX muchos espirituales de la primera época se han convertido en standards, incorporándose al repertorio del jazz en sus distintos estilos.
  • 6. El blues, una canción redonda 6 El blues es un tipo de canción afroamericana que surgió en la segunda mitad del siglo XIX de la misma mezcla de ideas africanas y europeas que habían dado origen a los cantos de trabajo y a los espirituales. Como éstos, el blues cantaba los sentimientos, temores y esperanzas de los cantantes, pero lo hacía de una forma muy personal. Los blues eran canciones de lamento e ironía que hablaban del duro trabajo, de las creencias religiosas o de los desengaños amorosos. Los bluesmen expresaban su estado de ánimo con melodías y letras sencillas teñidas de un sentimiento de melancolía y tristeza. En su forma primitiva eran muy simples, interpretados por un solo cantante acompañado generalmente por una guitarra o un banjo, a los que se sumaba en ocasiones una armónica. Estos cantantes ambulantes recorrían las zonas rurales del Sur de Estados Unidos cantando la vida y los sucesos cotidianos con palabras simples y poéticas, pero siempre accesibles al público al que se dirigen (blues rural). En los años 20 muchos cantantes se dirigen hacia el Norte y se instalan en las grandes ciudades, donde empiezan a tocar en bares y clubes. El blues rural se transforma en blues urbano, que tiene un tempo normalmente más lento y trata temas más amplios, abarcando los múltiples problemas que conlleva la explosión demográfica de los grandes centros (alcohol, miseria, marginación...). Los bluesmen urbanos empezaron a utilizar instrumentos eléctricos y se crearon grupos con batería, bajo, piano, guitarra eléctrica y, ocasionalmente, armónica o saxo, consolidando así la formación estándar del blues. Estas bandas, de estilo intenso y provocador, tocaban en clubes y locales nocturnos, donde gracias a la amplificación era posible escucharlos, entre la no siempre silenciosa audiencia. La rueda del blues El blues, en gran medida, fue creado por gente que no sabía música, y por tanto, era una música aprendida de oído e improvisada. Para facilitar la improvisación, tanto de versos como de música, se desarrollan una serie de patrones, el más familiar de los cuales era el del blues de doce compases. Musicalmente el blues se caracteriza por lo que se conoce como “rueda de acordes del blues”, un ostinato armónico formado por una serie de acordes encadenados que se repiten a lo largo de la canción. Vamos a interpretar una rueda de blues: 1. Completa estos acordes de la tonalidad de Do Mayor: 2. Colorea esta rueda de la siguiente forma: o I (Tónica): rojo. o IV (Subdominante): verde. o V (Dominante): azul. 3. Dividid la clase en tres grupos y repartíos las metalonotas de forma que cada grupo interprete un acorde. Interpretad la rueda de blues en el sentido de las agujas del reloj empezando por la casilla señalada con la flecha. Hacedlo una primera vez con sólo un golpe en cada casilla. Repetidlo con dos golpes en cada casilla.
  • 7. 7 “If that ain’t quit”. B. B. King. Cuando os salga con soltura la rueda completa probad a hacerlo de nuevo, esta vez acompañando al mismísimo B. B. King. Tened en cuenta que se trata de una rueda y, por tanto, debe dar varias vueltas. Actualmente se componen blues instrumentales, como el que acabas de escuchar, en el que es la guitarra quien lleva la melodía. La escala del blues El blues produce a menudo un efecto de melancolía, lo que se debe a que muchas de sus melodías se basan en la llamada “escala del blues”, que consiste en una versión de la escala mayor diatónica, en la que algunos grados, generalmente el tercero y el séptimo se tocan o se cantan un semitono más bajo. Esto produce un efecto de desafinación intencionada (“calado”) que ayuda a darle al blues ese sabor tan especial. nota blue nota blue Guitarra “slide La “desafinación” de algunas notas era a menudo resaltada por el cantante que medio hablaba y medio cantaba. También fue imitada por los guitarristas que tocaban con un cuello de botella o slide, un tubo que se coloca sobre uno de los dedos de la mano izquierda del guitarrista y que después se desliza por las cuerdas hacia arriba y hacia abajo mientras éstas se puntean con la mano derecha. La guitarra tiene que estar especialmente afinada para esto. Los primeros guitarristas usaban un cuello de botella (bottleneck), que es también propio de la guitarra hawaiana. El blues de doce compases El blues se caracteriza por su movimiento, que en general es lento y por su estructura de doce compases en 4/4, que consiste en tres frases o secciones de cuatro compases cada una. El texto del blues se adapta a esta estructura, utilizando los cuatro primeros compases para decir algo, los cuatro siguientes para repetirlo y los cuatro últimos para concluir la idea, por ejemplo: People, if you hear me hummin’ on this song both night and day, / / / / / / / / / / / / / / / / People, if you hear me hummin’ on this song both night and day, / / / / / / / / / / / / / / / / I’m just a poor boy in trouble, trying to drive my blues away. / / / / / / / / / / / / / / / / Walter Davis: Worried Man Blues. Gentes, si me oís susurrar esta canción día y noche / Gentes, si me oís susurrar esta canción día y noche / Ocurre que no soy más que un pobre muchacho con pesares que intenta disipar su melancolía.
  • 8. La estructura de doce compases y la serie armónica no sólo es utilizada en el blues y en el jazz, sino también en el rock. Muchas de las primeras canciones del rock que llegaron a ser famosas, como Rock around the Clock, de Bill Halley; Blue Suede Shoes, de Elvis Presley, o Can’t Buy me Love, de Los Beatles, están basadas en ellos. Las letras 8 El sentido del blues queda definido por su propio nombre, ya que la palabra blue significa tristeza, melancolía, y “tener el blues” es sentir la tristeza de una situación a la que no se ve remedio. Con su especial balanceo rítmico, estas canciones son una síntesis del sentimiento de un pueblo que a la vez sufre, ama la vida y nunca se da por vencido. Muchos blues suelen tener una temática social. Las letras hablan de la miseria de la población negra y su segregación en ghetos, de la violencia, los trabajos forzados, el paro y el éxodo rural. Los blues urbanos se centran en la vida hostil y en la soledad del ser humano en las grandes ciudades. “Amor en vano”. Raimundo Amador. Escucha este blues siguiendo el texto. Se trata de un tema de Robert Johnson, uno de los pioneros del blues, en una versión española a cargo de Santiago Auserón y Raimundo Amador. AMOR EN VANO Hacia el tren le llevé su maleta en mi mano, hacia el tren le llevé su maleta en mi mano, yo no sé, yo no sé si mi amor es en vano. Cuando el tren se acercó, a la cara la miré, cuando el tren se acercó, a la cara la miré, me quitó su maleta y llorando me quedé. Cuando el tren se alejó, con sus dos luces detrás, cuando el tren se alejó yo vi sus dos luces detrás, una azul por mi pena, roja porque tú te vas. 1. ¿Crees que el texto se ajusta a la estructura que antes hemos descrito? 2. Vuelve a escuchar la canción siguiendo la rueda armónica del blues. ¿coincide? I I I I IV IV I I V IV I V I para terminar 3. ¿Te has dado cuenta de la utilización de la apalabra “azul”? ¿Con qué estado de ánimo relaciona ese color? 4. Completa el musicograma ordenando las siguientes partes (ten en cuenta que alguna puede estar repetida). 1ª estrofa introducción instrumental 2ª estrofa solo de guitarra 3ª estrofa
  • 9. 9 El ragtime El ragtime es un género para piano en el que las dos manos del pianista tienen funciones claramente diferenciadas: - La mano izquierda mantiene una pulsación regular y muy marcada en compás de 2/4 imitando a una marcha de desfile. - La mano derecha interpreta una melodía sincopada que se “cruza” con la pulsación, dando lugar a la una sensación rítmica muy fuerte característica del ragtime. De ahí el nombre de ragged time (“tiempo rasgado”) Una síncopa es una nota que comienza en una parte de compás más débil rítmicamente que aquélla en la que termina, de manera que se produce un desplazamiento en el acento. En principio el ragtime se tocaba sólo con piano, pero pronto empezó a adaptarse para ser interpretado por las bandas de los locales de diversión de Nueva Orleans. El compositor más importante de ragtime fue Scott Joplin, a quien debemos el célebre “The Entertainer”.
  • 10. 10 La evolución del jazz BLUES WORK SONGS ESPIRITUAL JAZZ 1910: Estilo Nueva Orléans o Dixieland 1920: Estilo Chicago 1930: Swing 1940: Be-Bop 1950: Cool-Jazz y Hard Bop 1960: Free Jazz 1970: Jazz Fusión Jazz-Rock Smooth-jazz Jazz-Latino Acid-Jazz 1 1 1 Algunos de los materiales de estos apuntes están adaptados de la Guía Didáctica “Mi Jazz, Tu Jazz, El Jazz”, editada por el Ayuntamiento de Gijón.
  • 11. 11 Características del jazz · El ritmo marca la melodía. · Uso de ritmos sincopados y diferentes al mismo tiempo (polirritmia). · La personalidad del solista se muestra por medio de la improvisación: el músico de jazz crea al mismo tiempo que actúa, de manera que dos versiones de una misma melodía son dos obras distintas. · Existe una sensación rítmica peculiar, indefinida, que los aficionados llaman “swing”. Así, el jazz tiene swing del mismo modo que el flamenco tiene duende. · Las melodías se forman con las escalas mayor, menor, pentatónica y blues. · La armonía se va haciendo más compleja, con acordes modernos cada vez más disonantes. · Es una música en evolución constante. 1910: Estilo Nueva Orléans o Dixieland La formación musical del dixieland es bastante estable. Hay tres instrumentos que destacan: la trompeta, el clarinete y el trombón (sección melódica). El contrabajo, la batería, el banjo y el piano (sección rítmica) sostienen el ritmo y la base armónica, aunque también pueden improvisar solos. Es un tipo de música que a menudo se toca en la calle o desfilando. Los instrumentos más pesados, e imposibles de trasladar al aire libre, como el piano, el contrabajo o la batería, se sustituyen por la tuba e instrumentos de percusión, como la caja y los platos. Durante la época de la esclavitud, como los instrumentos convencionales no estaban al alcance de los esclavos, éstos utilizaban objetos cotidianos (palos, botellas, etc.) y de creación propia como instrumentos rítmicos para acompañar la voz. Pero, como resultado de la victoria de los estados del norte en la Guerra Civil Americana, los esclavos fueron liberados. Con el final de la guerra, muchas de las bandas militares de desfile se deshicieron y sus instrumentos fueron vendidos a precio de ganga. Muchos negros pudieron adquirirlos y formaron sus
  • 12. propias bandas, en las que tocaban sus propias versiones de las marchas europeas en desfiles, bailes, excursiones y funerales. Al introducir ritmos sincopados, al cambiar las notas de las melodías originales cuando les convenía y al improvisar nuevas melodías, las “jazzearon” de una manera nueva y excitante. 12 El efecto fue sensacional: sobre la base del ritmo regular de la marcha ocurría toda clase de cosas locas. Las notas se “desafinaban” deliberadamente, las melodías se modificaban y los músicos iban inventando sus partes sobre la marcha. Estas primeras bandas de instrumentos de metal y percusión interpretaban también espirituales y blues, que dejaron de ser géneros exclusivamente vocales y empezaron a ser instrumentales. Con el jazz, la música afroamericana pasó de ser vocal a ser instrumental, pero conservó el ritmo y la improvisación. En las bandas de desfiles (“marching bands”), cada tambor era llevado y tocado por un músico diferente. Sin embargo, cuando los músicos comenzaron a cobrar dinero por tocar en los bares la situación cambió, ya que contratar a varios percusionistas resultaba demasiado caro. Así, un solo músico fue el encargado de tocar todos los tambores y otros instrumentos de percusión. Para que su trabajo fuera más fácil se desarrolló la moderna batería, que supone unos intricados actos de coordinación por parte del percusionista. Las improvisaciones colectivas sobre unas armonías sencillas hacen de este tipo de jazz una música muy alegre. Improvisar no quiere decir que cada uno pudiera tocar las notas que quisiera, porque el resultado habría sido un ruido terrible. Cada pieza estaba basada en una melodía conocida por todos, con un acompañamiento de acordes sencillo, que a menudo se ajustaba a la rueda del blues. Los instrumentos también se van alternando para hacer improvisaciones individuales mientras el resto de los instrumentos siguen tocando riffs (frases repetitivas de acompañamiento) o melodías improvisadas que “pegan” con los acordes de acompañamiento.
  • 13. 13 1920: Estilo Chicago En Nueva Orleáns, los músicos tocaban en las calles, pero también en los bares, burdeles y otros locales clandestinos del barrio de Storyville. Pero en 1918 dicho barrio fue clausurado y sus locales cerrados. Los músicos perdieron su trabajo y emigraron a las ciudades industrializadas del norte (St. Louis, Kansas, Chicago, Nueva York) llevando con ellos el blues y el jazz. Los riverboats, barcos de vapor que surcaban el Mississipi desde el sur rural hacia el norte industrializado, tuvieron una gran importancia en la difusión del jazz. Desgraciadamente, los negros estaban obligados a seguir viviendo en la pobreza y a realizar trabajos mal pagados y desagradables. Ocupaban zonas de las ciudades que, a pesar de la llegada masiva de gente, no crecían. Pronto cada ciudad tenía su propio guetto negro sobresaturado (por ejemplo, Harlem en Nueva York) Una banda de estilo Chicago no se diferencia sustancialmente de una banda de DiXieland. Lo que sí cambió fue la forma de entender la improvisación: - Se pierde en gran medida la improvisación colectiva, que producía cierta sensación de confusión. - Se consolida el “solo” (la improvisación individual). - Las composiciones se estructuran en torno a un tema principal, que se escucha solo al principio y al final. En la parte central los músicos improvisan en función de unas armonías y un número de compases determinados. - Esa parte central se estructura en “chorus”, estrofas de improvisación individual. En cada chorus improvisa un instrumento mientras los demás acompañan. - Lo típico de estos años es que las bandas de jazz versionen canciones populares. - La voz se incluye como un instrumento solista más, que también improvisa y utiliza todos sus recursos expresivos, como el scat. - El ritmo se suaviza. El estilo Chicago no es tan “alocado “ como el Dixieland.
  • 14. 14 Louis Armstrong es considerado el responsable de la transformación del estilo de Nueva Orleáns en estilo Chicago. Como improvisador, va más lejos que nadie en la transformación de un tema. Sus solos, tanto de trompeta como vocales, están perfectamente construidos y respiran espontaneidad. Su figura ha sido fundamental en el desarrollo del lenguaje del jazz y ha influido en todos los músicos posteriores. “Oh, when the Saints” (espiritual popular afroamericano). Louis Armstrong. Completa el musicograma con los datos que te pide el cuestionario: · ¿Qué instrumentos intervienen en la introducción? · ¿De cuántos chorus consta la versión? · Señala con una I los chorus instrumentales y con una V los vocales. · Aplica los siguientes dibujos: · ¿Quién “canta la melodía del tema en los chorus 1 y 2? · ¿Y en los chorus 3 y 4? · ¿Quién responde a Armstrong en los chorus que canta? ¿A qué estructura te recuerda? · Señala el solo de clarinete y el de trombón? · Después del solo de trombón se escucha una improvisación colectiva en la que destacan dos instrumentos que se contestan entre sí ¿Cuáles son? · ¿Cuántos chorus dura la improvisación colectiva final? Chorus: Cada una de las repeticiones sucesivas del tema, donde éste aparece modificado de diversas maneras. Suelen durar 12 compases y basarse en blues y canciones populares (como los espirituales). Scat: Canto improvisado en el que se imita el sonido y el fraseo de los instrumentos, sustituyendo las palabras por sílabas sin sentido. Solo: Fragmento de improvisación libre por parte de un instrumento, sobre la base armónica y rítmica del tema original.
  • 15. 15 1930: Swing El swing es un tipo de jazz bailable asociado a las big bands, formaciones muy numerosas, de entre diez y veinte músicos, que ya incluyen saxofones y guitarra (en lugar de banjo). La confluencia de tantos músicos hizo que estas bandas necesitaran una mayor organización. Así nació la figura del arreglista, que adaptaba canciones y piezas de jazz famosas (que ahora se llaman standads) y escribía las partes de cada uno de los instrumentos. Generalmente cada banda era conocida por el nombre de su arreglista, que a su vez era el líder de la orquesta. Las big bands más importantes fueron las de Duke Ellington, Count Basie y Glenn Miller. Las grandes bandas de swing tocaban en clubes y salas muy importantes, donde la gente iba a bailar y a escuchar música. Uno de los clubes más famosos de la época fue el Cotton Club de Nueva York. La big band de Count Basie - La improvisación pierde importancia, quedando relegada a algunos solos intercalados entre las partes escritas tocadas por toda la orquesta. - El sonido de las big bands es más melodioso, más rico y suave que en los estilos anteriores. - Las orquestas están formadas por tres secciones: rítmica, maderas y metales. - El ritmo es un poco más variado, pues empiezan a emplearse ritmos latinoamericanos y caribeños. Una de las características generales del ritmo del swing es que es bailable. - Las escalas y acordes son más complejas que las utilizadas anteriormente. Se empieza a utilizar la escala cromática, que tiene muchos semitonos. En la melodía Caravan, de Duke Ellington, podemos observar la gran cantidad de notas distintas que utiliza:
  • 16. 16 1940: Be-bop Es un tipo de jazz experimental, que rompe con el estilo bailable y “biensonante” del swing. Con tiempos rápidos y estilo impetuoso, el ritmo y la armonía se enriquecieron y complicaron. Este nuevo jazz, de más difícil comprensión, dejó de ser del gusto mayoritario. 1950: Cool jazz Es una reacción al estilo desatado del be-bop. Es un jazz más “fresco”, equilibrado, racional y tranquilo. Las improvisaciones y melodías constan de un menor número de notas. La improvisación sigue teniendo importancia, pero será más intelectual e intentará evitar el entusiasmo y la emotividad del be-bop. El trompetista Miles Davis fue uno de sus iniciadores. 1960: Free jazz Junto con el hard bop, conduce al jazz a un terreno desprovisto de normas y límites, basado en una gran intuición y espontaneidad. Pero, al mismo tiempo que ofrece libertad a los ejecutantes para improvisar, da prioridad al conjunto frente a las melodías individuales y crea una nueva sonoridad para un oído acostumbrado al jazz clásico. Los músicos más destacados de este período fueron los trompetistas Miles Davis y Dizzy Gillespie y el pianista Thelonius Monk. 1970: Jazz fusión A partir de los años setenta el jazz (que, no lo olvides, tuvo su origen en la fusión de culturas diversas) se mezcla con estilos muy dispares y se empieza a combinar con ritmos y sonidos populares de la época, sobre todo con el rock and roll. El jazz fusión es el resultado del mestizaje del jazz con otros tipos de música y, aunque inicialmente fue con el rock, acabó mezclándose con la salsa, el flamenco, las músicas étnicas, etc. Jam session: Son actuaciones en directo que se han desarrollado desde los inicios del jazz. En ellas los músicos improvisan sobre temas conocidos. Un procedimiento habitual consiste en turnarse para improvisar libremente sobre un estándar respetando únicamente la base armónica y rítmica original. Las improvisaciones están enmarcadas por el tema, presentado al inicio y al final de la pieza.