El documento proporciona una introducción a cómo las imágenes pueden narrar historias. Explica que las fotografías simplifican lo que capturan a través de la composición, el encuadre y el momento elegido. También describe cómo las apariencias dentro de una imagen pueden contener información más allá del momento capturado e implicar otros sucesos, permitiendo que el espectador amplíe la narrativa. Finalmente, analiza cómo una fotografía de Diane Arbus ilustra cómo los detalles dentro de la imagen pueden extender su significado.
Las texturas en La Pintura
Las texturas están siempre presentes a lo largo de la historia de la pintura desde la prehistoria, en las cuevas de Altamira, donde aprovechando los salientes de las rocas representaban formas animales con carácter mágico, pasando por los mosaicos romanos, bizantinos e islámicos con motivos geométricos, hasta las representaciones figurativas naturalistas de la pintura gótica, renacentista y barroca donde se intentan plasmar visualmente las formas y los acabados de cada elemento ( telas, cabellos, motivos vegetales…). Pero es a partir de finales del siglo XIX cuando la textura cobra verdadero valor expresivo llegando en ocasiones a tener casi más importancia que el propio color.
Comienza la época de Las Vanguardias, de los Ismos:
- Impresionismo: las texturas además de ser visuales, a base de pequeñas pinceladas o puntos, comienzan a tener volumen aplicando la técnica del empaste como vemos en muchos cuadros de Van Gogh.
- Cubismo: añade letras y papeles pegados, a modo de collage, sobre los que representa formas, generalmente de naturalezas muertas, con diferentes perspectivas. Esto podemos verlo en obras de Georges Braque, Juan Gris, Pablo Picasso…
- Expresionismo: se caracteriza por plasmar emociones, no formas ni composiciones, por lo que las texturas se crean con líneas generalmente curvas y trazos espontáneos. Artistas representativos de este movimiento son Edward Munch y Kirchner.
- Dadaísmo: es el movimiento del absurdo donde los artistas sabotean a la pintura y arte en general como reflejo de la realidad del momento. Buscan el escándalo y la burla social pegando diferentes materiales y haciendo cuadros con basuras elevandolos al nivel artístico. Como ejemplos una obra de Picabia y otra de Hans Arp.
- El informalismo o expresionismo abstracto (1940) prescinde totalmente de los elementos figurativos para concentrar su fuerza expresiva en formas , colores, y texturas que no ofrezcan relación con la realidad. A nivel textural destacamos a Jackson Pollock, creador del “action painting” y a Antoni Tapies que utiliza diversos materiales en la composición de sus cuadros, resaltando al máximo la expresión libre.
Las texturas en la escultura
El arte de la escultura implica trabajar en tres dimensiones con distintos materiales cada uno de los cuales aporta una textura diferente, pero esto no impide que cada material se pueda trabajar de múltiples formas obteniendo una infinidad de acabados.
Este documento habla sobre los conceptos básicos de encuadre y composición fotográfica. Explica que encuadrar es seleccionar qué elementos incluir en la fotografía y cuáles excluir. Un buen encuadre usa pocos elementos para que la imagen sea clara. También cubre temas como el uso de angular, normal y teleobjetivo, la regla de los tercios, y cómo manipular la profundidad de campo. El documento enfatiza la importancia de la práctica para mejorar la composición fotográfica.
Marlene Dietrich was a legendary German-American actress and singer. She was born in Berlin in 1901 and pursued a career in acting after injuring her wrist ended her dreams of becoming a concert violinist. Her breakthrough role was in the 1930 film The Blue Angel, which led to Hollywood stardom. During WWII, she entertained Allied troops and made anti-Nazi broadcasts. Dietrich spent her later life primarily in Paris, dying there in 1992 at the age of 90. She remains an iconic figure known for her glamour, mystique, and contributions during WWII.
Este documento trata sobre la animación digital, explicando su definición, tipos como dibujos animados y stop motion, historia desde sus inicios hasta figuras claves como Emile Cohl y John Randolph Bray, el desarrollo de la animación por computadora en 3D y 2D, y breve mención de hologramas. Concluye que la animación va más allá del entretenimiento y la publicidad, aplicándose también a salud, educación, ingeniería y más campos.
El documento compara las proporciones anatómicas de figuras humanas dibujadas por tres artistas renacentistas: Alberto Durero, Jean Cousin y Leonardo da Vinci. Para cada artista, se midió la altura total de la figura y la altura de la cabeza, y se calculó el resultado de dividir la altura de la cabeza entre la altura total. Los resultados variaron entre los artistas debido a sus diferentes intereses personales y contextos sociales de la época. La diferencia entre los resultados se considera significativa dado que las percepciones del cuerpo humano
El documento describe los elementos básicos del lenguaje audiovisual como el espacio, tiempo, movimiento y sonido. Explica conceptos como el punto de vista, secuencia, escena, toma, encuadre, campo y fuera de campo. También describe los diferentes tipos de planos como el plano general, medio y primer plano y cómo se usan para transmitir información.
Este documento describe los diferentes tipos de planos, ángulos, encuadres y leyes de composición fotográfica. Explica planos como el gran plano general, plano general, plano medio, primer plano y detalle. También cubre ángulos como el medio frontal, picado y contrapicado. Además, habla de encuadres horizontales, verticales y diagonales, y leyes de composición como la del horizonte, los tres tercios, centro de interés, líneas, movimiento y espacios vacíos.
Las texturas en La Pintura
Las texturas están siempre presentes a lo largo de la historia de la pintura desde la prehistoria, en las cuevas de Altamira, donde aprovechando los salientes de las rocas representaban formas animales con carácter mágico, pasando por los mosaicos romanos, bizantinos e islámicos con motivos geométricos, hasta las representaciones figurativas naturalistas de la pintura gótica, renacentista y barroca donde se intentan plasmar visualmente las formas y los acabados de cada elemento ( telas, cabellos, motivos vegetales…). Pero es a partir de finales del siglo XIX cuando la textura cobra verdadero valor expresivo llegando en ocasiones a tener casi más importancia que el propio color.
Comienza la época de Las Vanguardias, de los Ismos:
- Impresionismo: las texturas además de ser visuales, a base de pequeñas pinceladas o puntos, comienzan a tener volumen aplicando la técnica del empaste como vemos en muchos cuadros de Van Gogh.
- Cubismo: añade letras y papeles pegados, a modo de collage, sobre los que representa formas, generalmente de naturalezas muertas, con diferentes perspectivas. Esto podemos verlo en obras de Georges Braque, Juan Gris, Pablo Picasso…
- Expresionismo: se caracteriza por plasmar emociones, no formas ni composiciones, por lo que las texturas se crean con líneas generalmente curvas y trazos espontáneos. Artistas representativos de este movimiento son Edward Munch y Kirchner.
- Dadaísmo: es el movimiento del absurdo donde los artistas sabotean a la pintura y arte en general como reflejo de la realidad del momento. Buscan el escándalo y la burla social pegando diferentes materiales y haciendo cuadros con basuras elevandolos al nivel artístico. Como ejemplos una obra de Picabia y otra de Hans Arp.
- El informalismo o expresionismo abstracto (1940) prescinde totalmente de los elementos figurativos para concentrar su fuerza expresiva en formas , colores, y texturas que no ofrezcan relación con la realidad. A nivel textural destacamos a Jackson Pollock, creador del “action painting” y a Antoni Tapies que utiliza diversos materiales en la composición de sus cuadros, resaltando al máximo la expresión libre.
Las texturas en la escultura
El arte de la escultura implica trabajar en tres dimensiones con distintos materiales cada uno de los cuales aporta una textura diferente, pero esto no impide que cada material se pueda trabajar de múltiples formas obteniendo una infinidad de acabados.
Este documento habla sobre los conceptos básicos de encuadre y composición fotográfica. Explica que encuadrar es seleccionar qué elementos incluir en la fotografía y cuáles excluir. Un buen encuadre usa pocos elementos para que la imagen sea clara. También cubre temas como el uso de angular, normal y teleobjetivo, la regla de los tercios, y cómo manipular la profundidad de campo. El documento enfatiza la importancia de la práctica para mejorar la composición fotográfica.
Marlene Dietrich was a legendary German-American actress and singer. She was born in Berlin in 1901 and pursued a career in acting after injuring her wrist ended her dreams of becoming a concert violinist. Her breakthrough role was in the 1930 film The Blue Angel, which led to Hollywood stardom. During WWII, she entertained Allied troops and made anti-Nazi broadcasts. Dietrich spent her later life primarily in Paris, dying there in 1992 at the age of 90. She remains an iconic figure known for her glamour, mystique, and contributions during WWII.
Este documento trata sobre la animación digital, explicando su definición, tipos como dibujos animados y stop motion, historia desde sus inicios hasta figuras claves como Emile Cohl y John Randolph Bray, el desarrollo de la animación por computadora en 3D y 2D, y breve mención de hologramas. Concluye que la animación va más allá del entretenimiento y la publicidad, aplicándose también a salud, educación, ingeniería y más campos.
El documento compara las proporciones anatómicas de figuras humanas dibujadas por tres artistas renacentistas: Alberto Durero, Jean Cousin y Leonardo da Vinci. Para cada artista, se midió la altura total de la figura y la altura de la cabeza, y se calculó el resultado de dividir la altura de la cabeza entre la altura total. Los resultados variaron entre los artistas debido a sus diferentes intereses personales y contextos sociales de la época. La diferencia entre los resultados se considera significativa dado que las percepciones del cuerpo humano
El documento describe los elementos básicos del lenguaje audiovisual como el espacio, tiempo, movimiento y sonido. Explica conceptos como el punto de vista, secuencia, escena, toma, encuadre, campo y fuera de campo. También describe los diferentes tipos de planos como el plano general, medio y primer plano y cómo se usan para transmitir información.
Este documento describe los diferentes tipos de planos, ángulos, encuadres y leyes de composición fotográfica. Explica planos como el gran plano general, plano general, plano medio, primer plano y detalle. También cubre ángulos como el medio frontal, picado y contrapicado. Además, habla de encuadres horizontales, verticales y diagonales, y leyes de composición como la del horizonte, los tres tercios, centro de interés, líneas, movimiento y espacios vacíos.
Figuras retóricas aplicadas en anuncios publicitarios.Juliana Villamonte
Este documento analiza la aplicación de figuras retóricas en anuncios publicitarios. Presenta varias figuras retóricas como la metáfora, antítesis, hipérbole, comparación, hipérbaton, personificación, sinécdoque y elipsis que se usan comúnmente en publicidad para persuadir a la audiencia.
El documento describe cuatro funciones principales de las imágenes: informativa, expresiva, exhortativa y estética. La función informativa transmite datos de forma objetiva, la expresiva busca provocar sensaciones, la exhortativa pretende convencernos de algo y la estética tiene como objetivo transmitir belleza y armonía.
Este documento presenta un análisis detallado de una imagen que muestra los pies de una persona al borde de una carretera invertida. El análisis incluye una lectura objetiva de los elementos formales de la imagen como el formato, nivel de iconicidad, objetos y colores, así como una lectura subjetiva del impacto en el espectador y las emociones que pretende provocar como miedo y temor. El objetivo de la imagen es advertir a los jóvenes sobre los riesgos de conducir imprudentemente o bajo la influencia
El documento describe un proyecto de fotomontaje que explora temas sociales y políticos mediante la combinación de elementos fotográficos. Se explica que el fotomontaje surgió como forma de arte en el movimiento dadá para crear imágenes con mensaje. El proyecto propone desarrollar hasta 3 temas como la violencia o la discriminación usando el concepto de dualidad, realizando bocetos e investigación para plasmar el mensaje en una composición final.
- El documento trata sobre el cine expresionista alemán, un estilo que deforma la realidad para expresar estados de ánimo como el miedo y la angustia.
- Surgió en Alemania después de la Primera Guerra Mundial como forma de expresar las inquietudes sociopolíticas del país. Se caracterizó por el uso de decorados distorsionados, luces de alto contraste y actuaciones exageradas.
- Una de las películas más importantes fue El gabinete del doctor Caligari (1919), dirigida por Robert Wiene, que
Técnicas y sistemas de impresión-impresión serigráfica a una tinta en una pla...Liye Zhu
Este documento describe el proceso de impresión serigráfica de un diseño en una playera de algodón. Explica qué es la emulsión y cómo se usa para fijar el diseño en la malla serigráfica. Luego detalla cada paso del proceso, incluyendo la exposición de la malla a la luz, el revelado, la impresión de la tinta en la playera, y el secado final. El documento concluye que la serigrafía requiere de varios pasos y más tiempo del que parece a simple vista.
George Méliès fue un cineasta e ilusionista francés conocido por desarrollar efectos especiales en el cine y ser considerado un pionero del cine de terror. Realizó más de 500 obras entre 1896 y 1912, destacando El viaje a la Luna. También dirigió La Mansión del diablo en 1896, considerada la primera película de terror. La exposición mostraba objetos y películas de Méliès, a pesar de que él quemó la mayoría de sus obras cuando se arruinó durante la Primera Guerra Mundial.
El documento describe los diferentes tipos de encuadres cinematográficos, incluyendo planos generales, americanos, medios y primeros planos. El encuadre se refiere a la selección de la parte de la realidad que se incluye en el fotograma y puede variar la perspectiva mostrando más o menos detalle. Los diferentes tipos de encuadres proveen contexto, enfocan la atención o permiten identificar emociones dependiendo de qué tan cerca o lejos estén los objetos y personas.
Decorado y escenografía. Elementos visuales y plásticosLirios Bou
En esta presentación se muestra un breve resumen de lo que es un decorado y una escenografía, las diferentes tipologías y los elementos visuales y plásticos que las conforman.
Este documento trata sobre el lenguaje visual y sus diferentes elementos. Explica que el lenguaje visual se expresa a través de imágenes y define conceptos como iconicidad, modos de expresión, símbolos y signos. También describe elementos como marcas, logotipos y pictogramas que son parte integral del lenguaje visual.
El documento presenta información sobre el diseño gráfico. Explica que el diseño gráfico es una forma de comunicar mensajes de manera visual y estética. Además, describe la importancia de la Bauhaus en el desarrollo del diseño gráfico moderno, cuyos ideales didácticos unieron el arte y la producción industrial. También define el diseño gráfico como una disciplina que busca resolver problemas de comunicación de manera lógica y estética.
La ley de pregnancia establece que ciertas figuras geométricas simples como triángulos, círculos y cuadrados tienden a percibirse primero o producir un mayor impacto visual. Aunque en la imagen no están completos o pintados, percibimos tres círculos e incluso un triángulo ilusorio porque existe en nuestra mente, de acuerdo a esta ley establecida por la psicología de la Gestalt y adoptada por la Escuela Bauhaus en 1919.
El documento describe las cualidades fundamentales de la pintura como arte, incluyendo la composición, la línea y el color. Explica que la composición organiza las tensiones internas de una obra y que la línea y el color son elementos esenciales. Además, detalla las propiedades del color como el tinte, la luminosidad y la cromaticidad.
Este documento presenta un resumen de la teoría de la Gestalt y sus principales conceptos. Explica las leyes de la Gestalt como reglas que explican las percepciones a partir de los estímulos, incluyendo la ley de buena forma, figura y fondo, cierre, continuidad, simetría, similitud, contraste y comunidad. También define las ilusiones ópticas y menciona a los fundadores de esta teoría como Wertheimer, Koffka, Lewin y Kohler.
El documento describe la técnica artística del claroscuro, que utiliza variaciones de luz y sombra para representar volumen en dos dimensiones. Explica que la luz es fundamental para la percepción visual y define elementos como la luminosidad del color, el volumen del objeto y la fuente luminosa. Luego detalla cómo la luz natural y artificial afectan los contrastes, y concluye con ejercicios prácticos para aplicar la técnica del claroscuro.
El documento describe diferentes vanguardias artísticas como el fauvismo, el expresionismo y el cubismo. El fauvismo surgió en 1905 tras una exposición criticada por su uso violento del color. El expresionismo buscaba transmitir los sentimientos del artista a través de la deformación de formas. El cubismo, liderado por Picasso y Braque, rompió con la perspectiva tradicional representando objetos desde múltiples ángulos en un mismo plano.
Este documento presenta un enfoque de cinco niveles para analizar imágenes. Propone cinco líneas de investigación específicas que analizan: 1) la imagen como discurso, 2) las huellas que deja el contexto en la imagen, 3) el diálogo que establece la imagen, 4) cómo se inserta en el imaginario colectivo, y 5) cómo convergen el contenido, la forma y la intención. El documento explica cada uno de estos niveles de análisis e incluye ejemplos e instrucciones para tareas
El documento discute la naturaleza del color a través de la historia. Define el color como una percepción visual que depende de la luz reflejada y la absorción de ondas electromagnéticas. Explica las teorías de Aristóteles, Leonardo da Vinci, Newton, Goethe y Münsell sobre los colores primarios y la mezcla de colores. Resalta que el color solo existe en la mente humana a través de la percepción visual.
Este documento describe los elementos morfológicos básicos de la imagen como el punto, la línea, el plano, el color y la forma. Explica que el punto es la unidad más pequeña y tiene funciones como crear pautas y actuar como foco de composición. La línea se define como una sucesión de puntos y tiene funciones como crear vectores de dirección y aportar profundidad. El plano define el espacio bidimensional y la organización espacial. El color se produce por la emisión de luz y tiene características como la tonalidad,
Edición digital con GIMP: El color (I)Arte_Factory
Este documento describe las diferentes herramientas de color disponibles en GIMP para editar imágenes digitales. Explica cómo aplicar diferentes modos de color como indexado y RGB, y las diversas opciones dentro de la pestaña "Colores" como balance de color, tono y saturación, curvas, invertir, posterizar y mapas de color. Alienta al lector a experimentar combinando estas herramientas de color con otras funciones de GIMP para crear imágenes atractivas con fines artísticos o de diseño.
Internet ofrece, en muchos casos, demasiada información.Un futuro periodista, o esa persona que se denomine a tal efecto, debe saber donde buscar información fiable en la red, pero nunca usarla como fuente primaria, en todo caso para contrastar o buscar nuevos temas sobre los que trabjar
El documento presenta los elementos clave de una política de desarrollo digital, incluyendo la importancia de una institucionalidad adecuada, alianzas público-privadas y la necesidad de instalar el tema en la agenda pública a través de aliados y líderes que ayuden a darle relevancia.
Figuras retóricas aplicadas en anuncios publicitarios.Juliana Villamonte
Este documento analiza la aplicación de figuras retóricas en anuncios publicitarios. Presenta varias figuras retóricas como la metáfora, antítesis, hipérbole, comparación, hipérbaton, personificación, sinécdoque y elipsis que se usan comúnmente en publicidad para persuadir a la audiencia.
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Este documento presenta un análisis detallado de una imagen que muestra los pies de una persona al borde de una carretera invertida. El análisis incluye una lectura objetiva de los elementos formales de la imagen como el formato, nivel de iconicidad, objetos y colores, así como una lectura subjetiva del impacto en el espectador y las emociones que pretende provocar como miedo y temor. El objetivo de la imagen es advertir a los jóvenes sobre los riesgos de conducir imprudentemente o bajo la influencia
El documento describe un proyecto de fotomontaje que explora temas sociales y políticos mediante la combinación de elementos fotográficos. Se explica que el fotomontaje surgió como forma de arte en el movimiento dadá para crear imágenes con mensaje. El proyecto propone desarrollar hasta 3 temas como la violencia o la discriminación usando el concepto de dualidad, realizando bocetos e investigación para plasmar el mensaje en una composición final.
- El documento trata sobre el cine expresionista alemán, un estilo que deforma la realidad para expresar estados de ánimo como el miedo y la angustia.
- Surgió en Alemania después de la Primera Guerra Mundial como forma de expresar las inquietudes sociopolíticas del país. Se caracterizó por el uso de decorados distorsionados, luces de alto contraste y actuaciones exageradas.
- Una de las películas más importantes fue El gabinete del doctor Caligari (1919), dirigida por Robert Wiene, que
Técnicas y sistemas de impresión-impresión serigráfica a una tinta en una pla...Liye Zhu
Este documento describe el proceso de impresión serigráfica de un diseño en una playera de algodón. Explica qué es la emulsión y cómo se usa para fijar el diseño en la malla serigráfica. Luego detalla cada paso del proceso, incluyendo la exposición de la malla a la luz, el revelado, la impresión de la tinta en la playera, y el secado final. El documento concluye que la serigrafía requiere de varios pasos y más tiempo del que parece a simple vista.
George Méliès fue un cineasta e ilusionista francés conocido por desarrollar efectos especiales en el cine y ser considerado un pionero del cine de terror. Realizó más de 500 obras entre 1896 y 1912, destacando El viaje a la Luna. También dirigió La Mansión del diablo en 1896, considerada la primera película de terror. La exposición mostraba objetos y películas de Méliès, a pesar de que él quemó la mayoría de sus obras cuando se arruinó durante la Primera Guerra Mundial.
El documento describe los diferentes tipos de encuadres cinematográficos, incluyendo planos generales, americanos, medios y primeros planos. El encuadre se refiere a la selección de la parte de la realidad que se incluye en el fotograma y puede variar la perspectiva mostrando más o menos detalle. Los diferentes tipos de encuadres proveen contexto, enfocan la atención o permiten identificar emociones dependiendo de qué tan cerca o lejos estén los objetos y personas.
Decorado y escenografía. Elementos visuales y plásticosLirios Bou
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El documento presenta información sobre el diseño gráfico. Explica que el diseño gráfico es una forma de comunicar mensajes de manera visual y estética. Además, describe la importancia de la Bauhaus en el desarrollo del diseño gráfico moderno, cuyos ideales didácticos unieron el arte y la producción industrial. También define el diseño gráfico como una disciplina que busca resolver problemas de comunicación de manera lógica y estética.
La ley de pregnancia establece que ciertas figuras geométricas simples como triángulos, círculos y cuadrados tienden a percibirse primero o producir un mayor impacto visual. Aunque en la imagen no están completos o pintados, percibimos tres círculos e incluso un triángulo ilusorio porque existe en nuestra mente, de acuerdo a esta ley establecida por la psicología de la Gestalt y adoptada por la Escuela Bauhaus en 1919.
El documento describe las cualidades fundamentales de la pintura como arte, incluyendo la composición, la línea y el color. Explica que la composición organiza las tensiones internas de una obra y que la línea y el color son elementos esenciales. Además, detalla las propiedades del color como el tinte, la luminosidad y la cromaticidad.
Este documento presenta un resumen de la teoría de la Gestalt y sus principales conceptos. Explica las leyes de la Gestalt como reglas que explican las percepciones a partir de los estímulos, incluyendo la ley de buena forma, figura y fondo, cierre, continuidad, simetría, similitud, contraste y comunidad. También define las ilusiones ópticas y menciona a los fundadores de esta teoría como Wertheimer, Koffka, Lewin y Kohler.
El documento describe la técnica artística del claroscuro, que utiliza variaciones de luz y sombra para representar volumen en dos dimensiones. Explica que la luz es fundamental para la percepción visual y define elementos como la luminosidad del color, el volumen del objeto y la fuente luminosa. Luego detalla cómo la luz natural y artificial afectan los contrastes, y concluye con ejercicios prácticos para aplicar la técnica del claroscuro.
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Este documento presenta un enfoque de cinco niveles para analizar imágenes. Propone cinco líneas de investigación específicas que analizan: 1) la imagen como discurso, 2) las huellas que deja el contexto en la imagen, 3) el diálogo que establece la imagen, 4) cómo se inserta en el imaginario colectivo, y 5) cómo convergen el contenido, la forma y la intención. El documento explica cada uno de estos niveles de análisis e incluye ejemplos e instrucciones para tareas
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El periódico El Hablador informa que la selección femenina venezolana de softbol ganó la medalla de oro en los Juegos Deportivos Suramericanos de 2010. También promueve mensajes contra las drogas y anuncia artículos sobre temas políticos y sociales en el municipio de Sucre, Venezuela. El periódico es alternativo y comunitario, producido por voceros de consejos comunales y colaboradores.
El documento proporciona instrucciones paso a paso para configurar y usar el programa de comunicaciones Ekiga, incluyendo cómo iniciar la configuración, establecer una cuenta SIP, configurar las opciones de audio y video, y realizar y finalizar llamadas.
Club De Recreacion Para Las Personas De La Tercera EdadRichard Huett
(1) El documento propone un servicio de recreación para personas de la tercera edad que incluye caminatas grupales supervisadas, asistencia médica y clases de yoga en un parque.
(2) El mercado objetivo son las 65,410 personas mayores de 60 años en Zapopan, aunque también podrían participar jóvenes.
(3) El modelo de negocios generaría ingresos cobrando $100 por sesión o una renta mensual de $2,500 pesos.
Club De Recreacion Para Las Personas De La Tercera EdadRichard Huett
(1) El documento propone un servicio de recreación para personas de la tercera edad que incluye caminatas supervisadas en grupo, yoga y asistencia médica en un parque.
(2) El mercado objetivo son las 65,410 personas mayores de 60 años en Zapopan, aunque también podrían participar jóvenes.
(3) La competencia directa incluye instructores privados de yoga, parques públicos y clubes privados, mientras que la competencia indirecta son casinos y otros entretenimientos.
Este documento es un periódico llamado "El Hablador" del municipio Sucre en Venezuela. El periódico es alternativo, popular y social, y cubre noticias y eventos del barrio para informar a la comunidad. El periódico es producido por periodistas y colaboradores locales con el objetivo de comunicar las voces de la comunidad.
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3. Tabla de contenidos
CARACTERÍSTICAS DE LA IMAGEN. 4
LA IMAGEN Y LA SIMPLIFICACIÓN. 4
INFORMACIÓN CONTENIDA EN UNA IMAGEN 4
LOS ELEMENTOS DE INTERÉS EN LA FOTOGRAFÍA. EL STUDIUM Y EL PUNCTUM 7
CREATIVIDAD EN LA FOTOGRAFÍA. RECURSOS PARA CONTAR. 7
TIPOS DE FOTOGRAFÍA 7
LA COMPOSICIÓN FOTOGRÁFICA. QUÉ SE CUENTA Y CUANTA INFORMACIÓN SE LE DA AL ESPECTADOR. 7
LA SELECCIÓN Y LA SECUENCIALIDAD. 9
EL FOTÓGRAFO Y SU MUNDO PARTICULAR. 10
BRASSAI. CAPTURANDO PARÍS 10
DIANE ARBUS. LA FOTÓGRAFA DE LO EXCEPCIONAL 10
CARTIER‐BRESSON. EL MOMENTO DECISIVO 11
ELLIOT ERWITT. LA COMEDIA COTIDIANA 11
HARRY CALLAHAN. LA FOTOGRAFÍA COMO SENTIDO DE LA VIDA 12
CINDY SHERMAN. INVENTANDO LA REALIDAD 12
WILLIAM EGLESTON. FUERA DE LO ORDINARIO 13
JAN SAUDEK. EL UNIVERSO EN UNA HABITACIÓN 13
OTROS FOTÓGRAFOS… 14
BIBLIOGRAFÍA 14
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4. CARACTERÍSTICAS DE LA IMAGEN.
LA IMAGEN Y LA SIMPLIFICACIÓN.
Cuando el fotógrafo enfoca, selecciona un tono, una textura, un encuadre, una escala, una
luz y lo que es más importante, al elegir el momento exacto en el que se producirá la interrupción en
el flujo de tiempo, está generando una simplificación de lo que ve. Esta simplificación viene dada por
los parámetros nombrados y se eligen con la idea de persuadir al espectador para que conceda a ese
instante congelado un pasado y un futuro.
La dimensión narrativa de cada imagen (lo que llega a explicarnos la imagen, lo que nos da la
falsa sensación de ir hacia atrás o hacia delante en el tiempo) dependerá de la imagen en sí y aunque
nos parezca que somos capaces de movernos temporalmente, hay que entender que sólo lo estamos
haciendo a nivel de significado.
Esquematizado como un diagrama, podría explicarse con una flecha. En la vida, el desarrollo
de un suceso en el tiempo permite que se perciba y entienda su significado:
Una fotografía congela el tiempo, interrumpe las apariencias del suceso y hace que su
significado se vuelva ambiguo:
Nos quedamos sin la información en el tiempo y el conjunto de acciones que han pasado o
que pasaran sólo pueden concebirse como una hipótesis. Para ello, es necesario que sea el
espectador quien conceda a estas apariencias congeladas un pasado y un futuro usando la
información que contiene la imagen.
INFORMACIÓN CONTENIDA EN UNA IMAGEN
En realidad, la información que viene de una imagen debería representarse, no como una
línea, sino como un círculo. El tamaño del círculo determinaría la cantidad de información que se
encuentra en las apariencias instantáneas del suceso y varía dependiendo del espectador:
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5. Gracias a la coherencia de las apariencias (lo que aparece fotografiado en esa imagen
concreta), se pueden inferir otros sucesos. Estas “interconexiones” amplían la información congelada
en la imagen más allá de una información instantánea. De esta forma, el suceso particular
fotografiado implica otros sucesos por vía de apariencias. Confrontando las ideas que nos sugiere lo
que hay dentro de la imagen, se amplía la información dentro ésta.
La instantánea capturada preserva una serie de apariencias que nos permiten ser
interpretadas y encontrar una coherencia que las relaciona. Esta coherencia no narra de forma
directa, sino que provoca ideas. Las apariencias tienen esa capacidad porque se aproximan a lo que
sería una especie de semi‐lenguaje.
Un ejemplo de cómo las apariencias pueden llegar a extender el significado de una imagen,
lo tenemos en la siguiente fotografía de Diane Arbus: Niño con una granada de mano de juguete en
Central Park, NYC, USA (1962).
Diane Arbus captura esta foto
manteniendo al niño de pie y girando a su
alrededor diciéndole que está buscando el
mejor ángulo para la foto. Arbus se toma su
tiempo y va haciendo fotografías, pero sigue
excusándose en que está buscando la mejor
posición de forma que va crispando al modelo.
Finalmente el niño se vuelve impaciente y le
grita: “¡saca la foto de una vez!”. Esa
impaciencia es el gesto que captura la
fotografía. Un gesto que no tiene nada que ver
con el resto de fotos del niño en el que se ve
como un niño feliz.
Esta fotografía se ha usado varias
veces como representación de la crispación
del hombre ante la guerra y la violencia aunque esa interpretación no tiene una relación directa con
lo que realmente pasó. Es una lectura que no existía en el momento de crear la imagen, pero que la
fotógrafa es capaz de introducir en la imagen forzando una situación cotidiana y codificando una serie
de señales que nos sirvan de punto de referencia para una interpretación posterior.
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7.
LOS ELEMENTOS DE INTERÉS EN LA FOTOGRAFÍA. EL STUDIUM Y EL PUNCTUM
Roland Barthes (1915‐1980), fue historiador, escritor y filósofo y unos de los fundadores de
la semiología (el estudio de las formas interpretando el rol social de signos y símbolos). La cámara
Lúcida fue su último trabajo. En su intento por entender que nos atrae de una imagen, introdujo dos
interesantes conceptos, el studium y el punctum:
El studium, que Barthes aclara que no quiere decir quot;el estudioquot;, sino la aplicación a una cosa,
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el gusto por alguien. Por medio del studium me intereso por muchas fotografías, es como
culturalmente participo de los rostros, los aspectos, los gestos, de las acciones.
El punctum, explica, es algo que sale a escena como una flecha y punza. Son las partes de la
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imagen que llegan hasta nuestras áreas mentales más sensibles, como un pinchazo.
CREATIVIDAD EN LA FOTOGRAFÍA. RECURSOS PARA CONTAR.
TIPOS DE FOTOGRAFÍA
Dependiendo del objeto o situación a fotografiar encontramos diversas técnicas que en la mayoría de
los casos se ciñen a la demanda comercial. Encontramos al aficionado que emplea una o diversas
técnicas indistintamente. Desde el punto de vista profesional se siguen unas pautas a la hora de
fotografiar que varían dependiendo del contexto en que nos encontremos y el fin que se desee
alcanzar: fotografía deportiva, de bodegones, arquitectónica, retratos, fotoperiodismo, de paisajes,
submarina, nocturna…
Pero esta clasificación no determina un proceso creativo. Hay una serie de “reglas estándar” que
encorsetan la forma de crear la imagen dependiendo del tipo de fotografías, pero estas “reglas” no
son tautológicas y mucho menos únicas. La posibilidad que tiene el fotógrafo para contar se expande
más allá de estas clasificaciones siendo mucho más personal y característico de un fotógrafo en
particular.
LA COMPOSICIÓN FOTOGRÁFICA. QUÉ SE CUENTA Y CUANTA INFORMACIÓN SE
LE DA AL ESPECTADOR.
El ser humano cuando percibe una imagen suele hacerlo de una determinada forma y en un
determinado orden; además, existen ciertos aspectos en una imagen que ayudan a captar en general
la atención del cerebro y que suelen evocar ciertas sensaciones o sentimientos.
Cuando se compone una fotografía que pretenda ser algo más que una instantánea de un
hecho, es decir, cuando se pretenden transmitir sensaciones o resaltar ciertos mensajes con una
fotografía es preciso conocer cómo funcionan estos mecanismos de la percepción del ser humano de
cara a aplicar las técnicas oportunas para transmitir lo que deseamos. En cierto modo, se puede decir
que la composición es un lenguaje subliminal para transmitir sentimientos a través de las imágenes.
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8. Algunos elementos con los que se puede jugar en la composición son:
La atracción de la atención hacia el centro de interés, el motivo de la imagen.
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La textura y sensaciones de tacto que puede evocar la imagen.
•
La forma y el volumen de los objetos, así como la sensación de profundidad de éstos en la
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escena.
El contraste como elemento de atracción y resalte: contraste en el tono, el tema, los
•
motivos,...
La fuerza del color o su ausencia.
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Para trabajar estos elementos, para moldear y transmitir mensajes en este lenguaje visual, el
fotógrafo tiene a su disposición múltiples herramientas:
Encuadre del motivo y su entorno
•
Colocación de los objetos dentro del encuadre
•
Enfoque total o selectivo
•
Perspectiva y ángulo de la toma
•
Iluminación de la escena
•
Un buen ejemplo es la imagen mostrada a
la izquierda. En ella, Brassaï fotografía una
prostituta que encuentra en un night‐club francés
(el Vals‐Musette). Esta prostituta representa la
mujer de clase baja de los 30. Para capturar la
emoción y la agresividad de la prostituta, Brasaï
usa una luz lateral que separa la figura del fondo
creando una gran sombra misteriosa. La coloca de
forma que se vea la simetría de la habitación y crea
una historia escondida en el fondo, donde el
cliente (reflejado en el espejo de la izquierda)
observa a la prostituta (reflejada en el espejo de la
derecha). Coloca las bolas blancas alrededor de la
bola negra, de forma que la negra quede a la altura
de la protagonista y se la pueda identificar de
forma simbólica con ella. Además, obliga a la
mujer a colocar las manos en una pose forzada que
recuerdan en un caso al sexo masculino y en el
otro al sexo femenino.
Gyula Haláz Brassaï. La fille au billard. Paris
Parece un simple retrato, pero es una
(1933)
composición estudiada. La intención es que el
espectador reciba información extra. Seguramente
no se llegará a apreciar de forma directa, pero de forma subliminar, el encuadre, la iluminación, la
colocación de los objetos, la pose y cualquier otra apariencia introducida en la imagen, añade
información a la imagen que está siendo representada.
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9. LA SELECCIÓN Y LA SECUENCIALIDAD.
Otra forma de añadir información extra a la imagen capturada es presentarla junto con otras
imágenes, en forma de dípticos, trípticos o secuencias. Aquí, no sólo el orden, sino la selección del
conjunto de imágenes que aparecen agrupadas es lo que nos da una información que las imágenes de
forma separada no tendrían.
Un ejemplo curioso es la forma de presentar las imágenes que tiene el fotógrafo japonés
Masao Yamamoto: Masao usa la fotografía para capturar imágenes que evocan recuerdos. Difumina
el límite entre la pintura y la fotografía ya que sus imágenes están normalmente impresas sobre
superficies no estándar, que él ha hecho sensibles a la luz pintando sobre la superficie con la química
sensible a la luz. Sus temas son naturalezas muertas, desnudos y paisajes y crea instalaciones donde
pequeñas imágenes se muestran agrupadas para destacar que cada imagen no es más que una
pequeña parte de una gran realidad.
Instalación e imágenes de ejemplo de Masao Yamamoto.
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10. EL FOTÓGRAFO Y SU MUNDO PARTICULAR.
BRASSAI. CAPTURANDO PARÍS
Gyula Halász (Brassaï) nació el 9 de septiembre de 1899 en Brassó, entonces parte de Hungría, hoy
perteneciente a Rumania. A los tres años su familia se trasladó a París durante un año mientras su
padre, profesor de literatura, enseñaba en la universidad de La Sorbona.
En 1924 se trasladó a París donde vivió por el resto de su vida. Empezó a aprender francés leyendo la
obra de Marcel Proust y, viviendo entre los numerosos artistas del barrio de Montparnasse. Empezó a
trabajando como periodista. Pronto estableció amistad con Henry Miller, Léon‐Paul Fargue y el poeta
Jacques Prévert.
El trabajo de Gyula Halász y su amor por la ciudad, cuyas calles recorría asiduamente de noche, le
llevó a la fotografía. Más tarde escribiría que la fotografía le permitía atrapar la noche de París y la
belleza de las calles y jardines, bajo la lluvia y la niebla. Usando el nombre de su lugar de nacimiento,
Gyula Halász se hizo conocer con el pseudónimo de quot;Brassaïquot;, que significa quot;de Brassóquot;. Brassaï
capturó la esencia de la ciudad en sus fotografías, publicando su primer libro fotográfico en 1933.
Sus esfuerzos tuvieron gran éxito, siendo llamado quot;El ojo de Parísquot; en un ensayo por su amigo Henry
Miller. Además de fotos del lado sórdido de París, también produjo escenas de la vida social de la
ciudad, sus intelectuales, su ballet y grandes óperas. Fotografió a muchos de sus amigos artistas,
incluidos Salvador Dalí, Pablo Picasso, Henri Matisse, Alberto Giacometti y a muchos de los
prominentes escritores de la época como Jean Genet y Henri Michaux.
“Hay muchas fotografías que están llenas de vida, pero que son confusas y difíciles de recordar. Es la
fuerza de una imagen lo que importa.”
“Lo que es magnífico acerca de la fotografía es que puede producir imágenes que incitan emoción
basándose solamente en el tema.”
“El propósito del arte es elevar a gente a un nivel de consciencia que de otra manera no podrían
alcanzar por ellos mismos.”
DIANE ARBUS. LA FOTÓGRAFA DE LO EXCEPCIONAL
Diane Arbus (* 1923 Nueva York, † 1971) fue una fotógrafa estadounidense.
Influenciada por Model y la película Freaks (quot;La parada de los monstruosquot; o quot;Fenómenosquot;) de Tod
Browning, Diane Arbus eligió a personas marginales para sus fotografías: gemelos, enfermos
mentales, gigantes, familias disfuncionales, fenómenos de circo, etc. Hacía que los personajes
mirasen directamente a la cámara, lo que hace que el flash revele sus defectos.
Su intención era producir en el espectador quot;temor y vergüenzaquot;. Pionera del flash de relleno (flash de
día) La fotografía de Diane representa tanto lo normal como monstruoso: cuando fotografía el dolor,
lo encuentra en personas normales. Provoca que la gente presuntamente normal aparezca como
anormal. Rompe la composición, sitúa al personaje en el centro. Su mirada siempre es directa, con
tensión y fuerza. Para ella no existe el momento decisivo, trabaja en continuo espacio temporal y
obliga a los retratados a que sean conscientes de que están siendo retratados. Busca una mirada
nueva, pasando del tedio a la fascinación. Se rebela contra el Gobierno, lo público, lo normal...
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11. “Una fotografía es un secreto acerca de un secreto. Cuanto más te dice, menos sabes.”
“Nunca he hecho una fotografía como pretendía. Siempre ha sido o mejor o peor.”
“Algunas imágenes son tentativas incluso sin saberlo. Se convierten en un método. Es importante
hacer fotografías malas. Son las malas las que tiene que ver con los que no has hecho nunca. Te harán
reconocer algo de tal manera que nunca antes viste que lo reconocerás la próxima vez que lo vuelvas
a ver.”
“…La invención es principalmente este cosa sutil e inevitable…Quiero decir que viene de tu propia
naturaleza, de tu identidad. No puedes evitarla. Es lo que queda cuando lo quitas todo. Creo que las
mejores invenciones son las que no piensas.”
CARTIER‐BRESSON. EL MOMENTO DECISIVO
Henri Cartier‐Bresson (22 de agosto 1908 ‐ 2 de agosto 2004) fue un célebre fotógrafo francés
considerado por muchos el padre del foto‐reportaje. Predicó con la idea de atrapar el instante
decisivo, versión traducida de sus quot;images a la sauvettequot;, que vienen a significar con más precisión
quot;imágenes a hurtadillasquot; (en inglés se tradujo como “the descisive moment”). Según las propias
palabras de Bresson, se trataba, pues, de poner la cabeza, el ojo y el corazón en el mismo momento
en el que se desarrolla el climas de una acción. Fue el “iniciador” el estilo de “fotografía de calle”.
“Lo más difícil para mí es el retrato. Tienes que intentar poner la cámara entre la piel de la persona y
su camiseta”
“Tomar una fotografía significa reconocer – simultáneamente y en una fracción de segundo – dos
cosas: el hecho en sí y la rigurosa organización visual de formas percibidas que le dan un significado.
Hay que alinear la cabeza, el ojo y el corazón en el mismo eje”
“La fotografía en si no me interesa. Yo sólo quiero capturar una diminuta parte de la realidad.”
“Hay veces en las que de repente me doy cuenta de que las fotografías pueden alcanzar la eternidad a
través del momento.”
“No hay nada aislado en la naturaleza. Cada forma participa con la otra. Nada es independiente de lo
otro y cada cosa sigue un ritmo con el resto, y la luz les da forma.”
ELLIOT ERWITT. LA COMEDIA COTIDIANA
Elliott Erwitt (Paris 1928 ‐ ), fotógrafo americano de padres rusos, pasó su infancia en Milán y emigró
a Estados Unidos en 1939. Desde entonces desarrolló interés en la fotografía comercial . Estudió
fotografía en Los Angeles y más tarde comenzó a trabajar como fotógrafo en Nueva York.
En 1953 se convirtió en miembro de la agencia Magnum, de la que acabaría siendo presidente
durante tres años en 1960.
Su fotografía personal es exclusivamente en blanco y negro. Ningún otro fotógrafo se ha regocijado
tanto con el ingenio visual. Su trabajo es rico en yuxtaposiciones, surrealismo cómico y una precisa
observación del comportamiento y la forma.
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13. WILLIAM EGLESTON. FUERA DE LO ORDINARIO
William Eggleston (born July 27, 1939) es un fotógrafo Americano. Ha sido reconocido mundialmente
como el primer fotógrafo que logro que la fotografía en color fuese considerado un medio artístico
legítimo para mostrar en una galería de arte.
El trabajo de Eggleston se caracteriza por elegir temas ordinarios: “neumáticos viejos, aires
acondicionados estropeados, maquinas de venta electrónica, botellas de Coca‐Cola vacias y sucias,
poster despegados, postes de la luz, líneas de tensión, señales de tráfico, de no aparcar…” un
auténtico bosque donde todo tiene la misma importancia.
Eggleston tiene una habilidad única para encontrar belleza y colores llamativos en escenas
ordinarias: Un perro ladrando a la cámara, una tienda, el letrero de un fast‐food, una mujer sentada
en un camino rural. Todas estas escenas ordinarias toman un nuevo significado con los colores de
Eggleston. Mark Holborn, en su introducción de Nuevo y Viejo escribe acerca de las escenas
mundanas capturadas por Eggleston: “Los sujetos fotografiados son, en la superficie, los habitantes
ordinarios y los entornos de los suburbios de Memphis y Mississippi – amigos, familia, barbacoas,
trasteros, un triciclo y el revoltijo de lo mundano. La normalidad de todos estos sujetos es
decepcionante, pero por detrás de estas imágenes hay un sentimiento de peligro al acecho.
Para entender la fotografía de Eggleston, podemos compararlo con el trabajo de otro ilustre creador,
también de Mississippi: William Faulkner, que también perfiló en su obra la zona del Delta del
Mississippi, como ha hecho Eggleston con sus fotografías. Tanto Eggleston Como Faulkner no
prestaron atención a las vanguardias americanas y europeas y eso les ayudó a explorar sus regiones
del sur de una forma sorprendente. El trabajo de Eggleston le habría gustado a Bill Faulker.
“Me da miedo pensar que hay más gente de la que puedo imaginar que no pueden apreciar en una
fotografía algo más allá de un rectángulo con un objeto en el medio, el cual deben poder identificar.
No se preocupan acerca de lo que hay alrededor de este objeto siempre y cuando no interfiera con el
objeto en sí, en el centro. Incluso después de lecciones como las que nos dieron Winograd o
Friedlander, siguen sin pillarlo… Quieren lo obvio... Estoy en guerra con lo obvio.”
“Me gusta fotografiar democráticamente.”
JAN SAUDEK. EL UNIVERSO EN UNA HABITACIÓN
Jan Saudek ( 13 Mayo 1935, en Praga, Checoslovaquia). Sobrevivió a un campo de concentración en la
frontera Polaca junto con su hermano Karel durante la segunda guerra mundial. Cuando acabó el
servicio militar en 1963, influenciado por la fotografía de Steichen , decide convertirse en fotógrafo.
Viaja en 1969 a Estados Unidos de donde vuelve animado a trabajar como tal.
Cuando vuelve a Praga. Se ve forzado a trabajar clandestinamente en una habitación para no
despertar sospechas en la policía secreta, ya que sus temas se orientaron hacia la libertad del
erotismo personal y usó implícitamente símbolos de corrupción e inocencia. En 1970 es gradualmente
reconocido como un fotógrafo Checo de cierto renombre. Publica su primer libro en inglés en 1983 y
no fue hasta 1984 cuando las autoridades checas le dan permiso para trabajar libremente. Sin
embargo en 1987 todos sus negativos fueron requisados por la policía, aunque luego fueron
devueltos.
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14. Trabaja en blanco y negro, coloreando directamente sus fotos en los que representa
mundos de sueños, a menudo habitados por figuras desnudas o semidesnudas rodeadas de muros o
fondos pintados. Muchas veces repitiendo el mismo motivo en varias imágenes. Muy influenciado por
Balthus, su fotografía inicial es una evocación de la niñez. Más tarde basa su trabajo en la evolución
de la niñez la edad adulta (a veces volviendo a fotografiar la misma composición y pose con el mismo
modelo durante varias épocas de su vida). Los motivos religiosos y la ambigüedad entre el hombre y
la mujer han sido también temas recurrentes. Su trabajo ha intentado ser censurado varias veces en
la Europa del este durante los 90.
“Creo que todos los artista, si no se mienten a si mismo, deberían creer que la mayor parte de su
trabajo o incluso de sus vidas está justo delante de ellos. Mirar solo al pasado y decir ‘Aquellos fueron
los mejores años’ es como decir que en el futuro no hay nada.”
“Soy incapaz de fotografiar la vida de los otros. Me retrato a mí mismo.”
OTROS FOTÓGRAFOS…
Eugene Atget, Sally Mann, Araki Nobuyoshi, Robet Doisneau, Jock Strurges, Bill Brandt, Disfarmer,
August Sander, André Kertez, Alvarez Bravo, Ansel Adams, Walter Evans, Lartigue, Joel Meyerowitz,
Joseph Koudelka, Sebastiao Salgado, Minor White, Edward Weston , Irving Penn, Robert
Mappethorpe, Arnold Newman, Hellen Levitt, Paul Strand, Larry Winograd, Michael Kenna, Pentti
Sammallahti, Robert Frank, George Tice, Edward Steichen…
BIBLIOGRAFÍA
Barthes, Roland, (1989). La cámara Lúcida. Ed. Paidós, Barcelona.
Sontag, Susan, (2001). On Photography. Picador, USA
Berger, John, (1995). Another way of telling. Vintage, USA
Adams, Robert, (2005). Why people photograph. Aperture, USA
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