El documento presenta información sobre varias obras pictóricas de diferentes estilos y épocas, incluyendo detalles sobre los autores, fechas, ubicaciones y características técnicas. Se describen cuadros como El Entierro del Conde Orgaz de El Greco, San Francisco en meditación de Zurbarán, La incredulidad de Santo Tomás de Caravaggio y La coronación de espina del mismo autor.

1. Nombre: El Entierro del Conde OrgazAutor: El Greco (DomenikosTheotokopoulos)Estilo: ManieristaFecha: 1586-1588Localización: Iglesia de santo Tomé (Toledo)Datos técnicos: Óleo sobre tela, 4,80 x 3,60 m. Este gran cuadro está dividido en dos grandes zonas, por un lado en la parte alta se observa una zona celestial en donde aparecen Cristo, la Virgen, ángeles, santos y otros personajes ya fallecidos. En la parte inferior, la terrenal, se representa un entierro rodeado de personajes, unos eclesiásticos y otros civiles.

2. Nombre: San Francisco en meditaciónAutor: ZurbaránEstilo: BarrocoFecha: 1658Localización: AltePinakotheke, MunichDatos técnicos: Óleo sobre lienzo, 64 x 53 cmEn el cuadro aparece la figura de San Francisco, reconocible por el hábito que lleva quien lo elaboró él mismo con un saco tratando de este modo de exteriorizar su pobreza, pero es además un San Francisco orando a Dios como lo prueban esa mirada hacia el cielo (con reminiscencias claras a la obra de El greco) y esa mano en el corazón simbolizando así lo sentido y sincero de sus ruegos. Los éxtasis y visiones místicas del santo fueron comunes en su vida. Junto a él se representa una calavera, símbolo característico de ese abandono de lo material (y por tanto perecedero de la vida), para dedicarse a un enriquecimiento espiritual de la existencia. El conjunto se sitúa frente a un fondo indeterminado oscuro que realza el sentimiento de la obra además de intemporalizarlo.

3. Nombre: La incredulidad de Santo TomásAutor:CaravaggioEstilo: BarrocoFecha: 1602Localización:Sanssouci, PotsdamDatos técnicos: Óleo sobre lienzo, 107 x 146 cmEl lienzo con la Incredulidad de Santo Tomás fue pintado para la familia Giuliani, que lo mantuvo en su colección hasta que pasó al NeuePalais de Postdam. La obra nos muestra el momento en que Cristo Resucitado se ha aparecido a sus discípulos, pero Tomás aún no cree en su identidad, por lo que Cristo mete uno de sus dedos en la llaga del costado. Este hecho, que podría parecer exageradamente prosaico, es la mayor prueba física del reconocimiento de Cristo, la definitiva demostración de su regreso desde el reino de los muertos. Caravaggio ha ejecutado una composición que converge completamente en el punto de la llaga con el dedo metido, de tal modo que la atención de los personajes del lienzo y la de los espectadores contemporáneos se ve irremisiblemente atraída por esta "prueba" física.

4. Nombre: La coronación de espinaAutor: CaravaggioEstilo: BarrocoFecha: 1604Localización:Cariprato Bank, PratoDatos técnicos: Óleo sobre lienzo, 178 x 125 cmCaravaggio realiza aquí una tensa composición, en la que Jesús se retuerce indefenso entre tres verdugos que lo maltratan y adornan con los símbolos de la pasión. Cristo está atado por las manos con una cuerda que sujeta fuertemente el esbirro que está de espaldas, para impedirle defenderse. Un segundo esbirro le sujeta con fuerza, hundiendo sus dedos en la carne de Cristo, para obligarle a mantenerse quieto mientras que el tercer hombre le ajusta la corona de espinas haciendo palanca con una rama, para no herirse él mismo con las manos. La escena resulta de una gran crueldad y se inserta dentro de un grupo dedicadas por Caravaggio a las diferentes torturas que sufrió Jesús durante la Pasión. La intención del artista probablemente tuviera raíces autobiográficas, puesto que su propia situación personal era extremadamente difícil, entre peleas, emboscadas y encarcelamientos.

5. Nombre: La CrucifixionAutor: Pedro Pablo RubensEstilo: BarrocoFecha: 1611Localización: Cariprato Bank, PratoDatos técnicos: Óleo sobre lienzo219 x 122 cmEste Cristo constituye un señalado ejemplo de la manera rápida del maestro, en tanto que la simplicidad de su composición es determinante del dramatismo de la obra. La cruz aparece, aislada en un paisaje hostil, en cuyo fondo se perfilan los edificios de Jerusalén; sobre la ciudad planean nubes estratificadas a las que los últimos destellos del crepúsculo conceden un aspecto siniestro. Por contraste, posee la figura de Cristo una luminosidad propia; su anatomía se halla descrita con una técnica de grisalla que rinde el efecto de morbidez. Las sombras profundas, así como las líneas de dibujo que describen los contornos, fueron realizadas con una tonalidad rojiza, característica de la manera del pintor.

6. Nombre: Descendimiento de la cruzAutor: Pedro Pablo RubensEstilo: BarrocoFecha: 1610Localización: Vrouwekathedraal, AntwerpDatos técnicos: Óleo sobre lienzo, 421 x 311cmObjetivosRubens en esta obra representa:• Una composición dinámica, con claro esquema diagonal, propio del barroco, en aspa cuyo centro es la figura de cristo que destaca sobre la sábana blanca• La teatralidad y espectacularidad del conjunto: las posiciones de las figuras, los gestos, las manos, los ropajes… todo contribuye a dar la impresión de una acción representada.

7. Nombre: La última cenaAutor: Leonardo da VinciEstilo: BarrocoFecha: 1495 y 1497Localización: Convento dominico de Santa María de las Gracias en Milán (Italia)Datos técnicos: mural ejecutado al temple y óleo sobre dos capas de preparación de yeso extendidas sobre enlucido. Mide 460 cm. de alto por 880 cm. de ancho Para muchos expertos e historiadores del arte, La Última Cena de Leonardo es considerada como la mejor obra pictórica del mundo. Representa la escena de la Última Cena de los últimos días de la vida de Jesús de Nazaret según narra la Biblia. La pintura está basada en Juan 13:21, en la cual Jesús anuncia que uno de sus 12 discípulos le traicionaría.Llegada la hora, Jesús se sentó a la mesa con los apósteles y les dijo «Yo tenía gran deseo de comer esta pascua con ustedes antes de padecer. Porque les digo que ya no la volveré a comer hasta que sea la nueva y perfecta Pascua en el Reino de Dios, porque uno de ustedes me traicionará».

8. Nombre: La AnunciaciónAutor: Sandro BotticelliEstilo: RenacimientoFecha: Data hacia 1490, aunque no es segura.Localización: Museo Kelvingrove de Glasgow.Datos técnicos: Temple sobre madera 49,5 cm de alto y 58,5 cm. de ancho Sobre la parte posterior de la tabla hay una nota que señala que provenía de la iglesia florentina de San Bernabé.Se logra el ambiente por la sucesión de las columnas y de los cuadros del suelo, que sirven también para evidenciar el esquema perspectivo. Esta solemne arquitectura domina a las figuras.Tanto el ángel como la Virgen se sitúan en posturas algo forzadas, remarcando el movimiento a través de los paños. Sus manos son el elemento fundamental de la composición, acercándose pero manteniéndose quietas a la vez, colocándolas en el lugar más observado de la tabla. El ángel quiere tocar a María y ésta admitir el mensaje que le transmite pero Botticelli parece haber detenido el tiempo. Los dos personajes tienen un sensacional aspecto escultórico reforzado por esos amplios paños que cubren sus cuerpos.

9. Nombre: Auto de feAutor: Pedro BerrugueteEstilo:RenacimientoFecha: 1490 Localización: Museo del PradoDatos técnicos: Óleo sobre tabla, 154 x 92 cm. Estilo:Esta obra procede de la Iglesia de Santo Tomás de Ávila, aunque su origen puede proceder de otro retablo. Mediante su amplia perspectiva Berruguete logra acentuar el dramatismo de la escena, la quema de los herejes por el tribunal de la Inquisición. El santo se encuentra sobre una tribuna con dosel y está rodeado por seis jueces, uno de ellos viste el hábito dominico, mientras que otro sostiene el estandarte del Santo Oficio; otros doce inquisidores completan el grupo. Hay dos herejes desnudos que ocupan a la derecha su sitio en la pira mientras otros dos aguardan su turno al pie de la misma. Los letreros enuncian "condenado herético". La realidad se plasma con gran precisión.

10. VelazquezNombre: Cristo en casa de Marta y MaríaAutor: VelazquezEstilo:Gótico EspañolFecha: 1618-20Localización: NationalGallery de LondresDatos técnicos: Óleo sobre lienzo, 60 x 135 cm Estilo:Cristo en casa de Marta y María forma parte de las escenas de cocina o bodegón que tienen en el fondo una imagen religiosa. Fue también realizada durante la etapa sevillana, representando en primer plano a la joven Marta machacando unos ajos, acompañada de una anciana que la señala. Al fondo podemos contemplar otra escena, supuestamente reflejada en un espejo, en la que aparecen Cristo y María -escuchando atentamente la palabra del Salvador- junto a otra anciana. Se piensa que podría ser un espejo porque Cristo habitualmente bendice con su mano derecha; aquí lo hace con la izquierda ya que el espectador contempla el reflejo. De nuevo llama la atención el excelente detallismo del bodegón del primer plano con los huevos, los ajos o la guindilla, así como el realismo de la joven y de la anciana, caracterizadas como si se tratara de mujeres populares del Barroco. El empleo de la luz refuerza aun más esta sensación de realismo, recurriendo a los contrastes lumínicos tan del gusto de Caravaggio. Los colores empleados son también habituales entre los naturalistas, abundando los marrones, sienas y pardos, mientras que el blanco sirve para contrastar. También es destacable la influencia de algunos grabados flamencos, llegados a la ciudad de Sevilla gracias a su importancia comercial en el siglo XVII. Desconocemos el significado exacto de la composición, considerándose como una referencia a la moralidad y a la espiritualidad del ser humano. El católico debe alimentar su espíritu como hace María, dejando de lado las riquezas de la vida terrena. Por eso la anciana señala con su dedo acusador a Marta, indicando lo que no debemos hacer. Este tipo de imágenes iría destinado a un público culto que frecuentaba la tertulia literaria de Pacheco a la que también asistía Velázquez.

11. Velazquez La composición se inscribe en un triángulo, figura muy empleada en el Barroco italiano que posiblemente utilizara el maestro para no diferenciarse en exceso de las restantes obras con las que compartiría espacio, todas ellas de manos de Vaccaro. Hay que hacer una especial alusión a los angelitos pintados por Velázquez, que no tienen nada que envidiar a los que han hecho tan famoso a Murillo. La técnica resulta bastante libre ya que el maestro pronto se va a acercar a sus mejores escenas, Las Meninas y Las Hilanderas. La coronación de la Virgen Autor:Velázquez Fecha:1641/44 Museo:Museo del Prado Características:176 x 124 cm. Material:Oleo sobre lienzo Estilo: barroco

12. Salvador DalíNombre: Cristo en la CruzAutor: Pedro BerrugueteEstilo:Gótico EspañolFecha: 1493-99Localización: Museo Provincial de SegoviaDatos técnicos: Óleo sobre tabla, 186 x 131 cm. La Virgen Maria cargando al ninoJesus - Maternidad de los pajaros. El rostro de la Virgen lo conforman grácilmente unos pájaros con las alas abiertas. El arte óptico por el que una figura sugiere un contorno o figura diferente. La figura evoca las Vírgenes renacentistas con el Niño Jesús y S. Juan.

13. Nombre: La última cenaAutor: Pedro BerrugueteEstilo:Gótico EspañolFecha: 1493-99Localización: Museo Provincial de SegoviaDatos técnicos: Óleo sobre tabla, 186 x 131 cm. El cuadro está muy relacionado con el número doce. La sala donde se encuentran Jesús y sus apóstoles es un dodecaedro. Al fondo de esta se vislumbra un paisaje al amanecer, aún cuando la cena fue de noche. Cristo, en el centro, parece estar predicando ante los discípulos, los cuales inclinan sus cabezas y rezan. Las apariencias de los discípulos son distintas entre sí. Cada uno porta una túnica distinta e inclusive parecen ser personas de distintas razas y países. Los trece personajes rodean una mesa de piedra sobre la cual hay un vaso de vino y un pan partido en dos.Cristo no es representado como se acostumbra. Su pelo es claro y no tiene barba. Su túnica es la única que deja al descubierto su pecho. Observando con más detalle, vemos que Cristo es transparente en su parte inferior, ya que la barca que se encuentra en el paisaje puede verse a través de él.Sobre todo el conjunto está el torso de Cristo, símbolo de su entrega al hombre, de su carne. Extiende sus brazos y al igual que el Cristo que se encuentra abajo, se difumina poco a poco.Replica Exclusiva: Oleo sobre tela finamente detallado, en bastidor de museo (5 cms) Medidas: 60 x 40 cms.

14. Nombre:Crucifixion Autor: Salvador Dalí DomènechEstilo: CubismoFecha: 1954Localización: MetropolitanMuseumDatos técnicos: Óleo sobre lienzo 194,5 x 124 cm.Dalí nos descubre a la figura de Cristo crucificado muy joven a pesar de no desvelarnos su rostro. La imagen, con una postura de modestia y humildad, se presenta ante el Padre. Sin duda se trata de un Cristo moderno en un cubismode forma clásica. La cruz cúbica está formada por ocho cubos espaciales a diferencia de otras cruces, formadas por siete o seis cubos, que presentan toda una simbología. Sin embargo, Dalí se aparta de toda esa simbología para centrarse en la importancia del cubo. El protagonismo de las figuras geométricas en el arte, en concreto el del cubo, se puede encontrar en arquitectos como Juan de Herrera en el Monasterio de El Escorial en Madrid quien, a su vez, está inspirado en las investigaciones del filósofo y alquimista del siglo XII, RamonLlull. Se trata del cubo como piedra filosofal de todo, en especial, de la Iglesia católica. Es el símbolo por excelencia de la construcción que para Dalí representa no sólo una nueva imagen de la cruz, sino también de la figura de Cristo. Es decir, Dalí nos ofrece un nuevo Cristo no herido: por esta razón no existen las huellas de los clavos ni de la lanza. La representación de Gala es fundamental para simbolizar a la madre Tierra pero, sobre todo, a la madre de los hombres en un sentido muy espiritual. Gala representando a la Virgen mira a su hijo. Dalí nos muestra todo un juego de palabras donde están presentes la Iglesia, la luz, la Tierra, el cielo, la Madre, el hombre, los genes o el espíritu. De forma ingeniosa Dalí quiere ofrecer una clave para entender la génesis del hombre, el nacimiento del espíritu.

15. Nombre: Inmaculada la Grande, Inmaculada ConcepciónAutor: MurilloEstilo: Barroco españolFecha: 1650Localización: Museo BB.AA. SevillaDatos técnicos: Óleo sobre lienzo 436 x 292 Hacia 1651 los franciscanos de Sevilla encargan a Murillo una Inmaculada para situarla en el arco triunfal de su iglesia. Cuando el artista presentó su trabajo a los monjes, éstos no encontraron a su gusto la obra ya que la hallaron tosca y poco acabada, negándose a aceptarla. Murillo solicitó permiso para colocar el lienzo en su lugar correspondiente y una vez situado en el arco triunfal de la iglesia fue de absoluto agrado para sus clientes. La tradición dice que Murillo en ese momento se negó a separarse de la Inmaculada a menos que le pagaran el doble de lo estipulado, aumento que fue admitido por los monjes sin oposición. Desde ese momento la obra siempre estuvo colocada en su lugar original hasta que en 1810 sería requisada por los franceses y depositada en el Alcázar. Su enorme tamaño -de ahí que sea conocida como "La Grande"- la salvó de ser trasladada a Francia por lo que en 1812 fue devuelta al convento donde permaneció hasta la Desamortización de 1836.Murillo muestra en esta obra uno de sus primeros intentos por renovar la iconografía de la Inmaculada, incluyendo el dinamismo y el movimiento característico del Barroco. Posiblemente el sevillano contempló algún grabado de la Inmaculada realizada por Ribera en 1635 para las Agustinas de Salamanca en la que aparecen elementos claramente innovadores. La Virgen se muestra en actitud triunfante, apoyando su pie derecho sobre la luna y su rodilla izquierda en una nube sostenida por querubines. Viste amplia túnica blanca y manto azul -siguiendo la visión de Beatriz de Silva-, siendo sus ropajes pesados y voluminosos aunque dan muestran de movimiento, especialmente el manto, en sintonía con la cabellera. Los querubines que acompañan a la Virgen aún no gozan de la gracia de obras posteriores. La ubicación original del lienzo, a elevada altura y a gran distancia del espectador, condicionó la composición ya que Murillo tuvo en cuenta que la obra tenía que ser vista de abajo a arriba y en oblicuo, consiguiendo un excelente resultado y demostrando su gran capacidad para adaptarse a las necesidades de la clientela.

16. Nombre: Virgen entregando el rosario a Santo DomingoAutor: MurilloEstilo: Barroco españolFecha: 1638-40Localización: Palacio Arzobispal (Sevilla) Datos técnicos: Óleo sobre lienzo 201 x 162 cm. Hasta el presente se considera esta obra como la más temprana que conocemos de Murillo. Procede del convento de los Padres Dominicos de Santo Tomás en Sevilla y en su composición y técnica el pintor se presenta heredero de maestros de generaciones anteriores. Murillo todavía no ha creado un estilo personal y por eso en el dibujo muestra evidentes influencias de su maestro, Juan del Castillo, especialmente en los rasgos delicados y finos con los que describe los rostros y las sonrisas insinuadas. En el rompimiento de Gloria que aparece en la zona superior -formado por ángeles mancebos que tocan música y cantan mientras que angelitos arrojan flores a santo Domingo- se constata la influencia de Juan de Roelas. Los ropajes que cubren a los personajes estarían inspirados en Zurbarán, sobre todo el modelado recio de los pliegues. Quizá por esta amalgama de influencias, algunos especialistas consideran, injustificadamente, que no se trata de una obra salida de los pinceles de Murillo.

17. Autor: Francisco Camilo Estilo: BarrocoFecha: 1651 Localización: Museo del PradoDatos técnicos: Óleo sobre lienzo 205 x 249 cm. El tema es el martirio de San Bartolomé, que fue desollado vivo. Lo más frecuente es representar al santo antes o después de la tortura, no durante la misma. Sin embargo el pintor ha elegido el momento en el que los verdugos comienzan a arrancar la piel del santo. Los martirios eran un tema frecuente en la España de la Reforma, puesto que excitaban la reflexión del fiel y la penitencia. Camilo muestra una composición muy barroca, en la cual las actitudes de los personajes se contradicen en movimiento y dirección, sesgados por la gran diagonal que plantea el cuerpo desmesurado del mártir. Esta composición sugiere una tensión de fuerzas enfrentadas, ideal para soportar el efecto dramáticamente violento de la escena.

18. Nombre: MagdalenaAutor: El EspañoletoEstilo: ClasicismoFecha: 1645Localización: Museo del PradoDatos técnicos: Óleo dobre lienzo 181 x 195 cmLa composición se inscribe en un triángulo, iluminando un fuerte haz de luz la bella figura. La Magdalena viste un traje azul muy escotado que permite ver su hombro, una especie de tela de arpillera para exculpar sus pecados y un precioso manto rojo. Se apoya sobre dos sillares perfectamente tallados en los que aparece el tarro de los afeites y el cilicio, sus atributos. El pasado de prostitución de la Magdalena se muestra en el hombro al descubierto y en el bote de los afeites con el que también ungió los pies a Cristo. La bella mirada elevada hacia Dios es también un rasgo característico de muchos de los mártires pintados por el Españoleto. Formaba parte de una serie junto a Santa María Egipciaca en la que se contraponía la belleza y la juventud frente a la vejez. San Juan Bautista y San Bartolomé representaban la contraposición en el sexo masculino.

19. Nombre: Virgen adorando al NiñoAutor: BotticelliEstilo: Renacimiento ItalianoFecha:1490Localización: NationalGallery (Washington)Datos técnicos:Témpera sobre madera 59´6 cm. diámetro Una de las más importantes novedades de las pinturas realizadas por Botticelli en la década de 1490 es el desproporcionado tamaño de las figuras más importantes, siguiendo las teorías góticas. La Virgen se convierte en una figura descomunal, ocupa la mayor parte de la superficie del lienzo debiendo agacharse para no chocar con la estructura de madera que aparece sobre su cabeza. El Niño se encuentra a sus pies, sobre los pliegues de la túnica, siguiendo la iconografía bizantina. Ambas figuras reciben un potente foco de luz que deja en penumbra el resto del espacio, donde hay elementos arquitectónicos clásicos y un paisaje, en referencia a su admiración hacia la Antigüedad y a sus compañeros del Quattrocento. Sin embargo, el concepto general del cuadro tiene un cierto aspecto primitivo aunque Botticelli haya incorporado una mayor dulzura a sus trabajos

20. Nombre: Panel del tríptico del Jardín de las Delicias, Creación de Adán y Eva.Autor: El BoscoEstilo: Pintura flamencaFecha: 1503-04Localización: Museo del PradoDatos técnicos: Óleo sobre tabla, 220 x 97 El tríptico más conocido de El Bosco tal vez sea el Jardín de las Delicias. Esta pintura es el ala lateral izquierda del tríptico, mientras que al otro lado encontraremos el Infierno musical. Las razones de la fama de esta obra están sobre todo en la brillantez imaginativa de la que El Bosco ha hecho gala en los tres paneles que constituyen el tríptico. En esta escena podemos contemplar una organización que El Bosco va a repetir básicamente en casi todas sus escenas del Paraíso: en la parte inferior, Dios presenta a Adán la Eva recién creada a partir de su costilla. Ambos representan la pareja ideal de seres humanos, en perfecta armonía y unidad que sólo puede producirse por mediación de Dios. Y El Bosco deja muy claro este punto: la felicidad de la pareja humana tiene su único desarrollo en Dios. Más arriba está la fuente de la vida, construida con un extraño material rosado que recuerda los caparazones de algunos crustáceos, pero que podría ser cualquier otra cosa. Pero incluso en el paraíso se encuentra agazapado el peligro, y en el ojo que constituye el cuerpo central de la fuente vemos cómo se asoma una lechuza, símbolo de la herejía y de la desviación de la fe. El Edén se encuentra repleto de animales, buenos y malos. Alimañas, sapos y figuras de aspecto demoníaco conviven con unicornios, ciervos, garzas, una jirafa y un elefante, que el Bosco no debió de haber visto nunca en vivo. Unos animales se cazan a otros, pero la sensación de armonía es total. Como un espejo, el otro panel representa la exacta antítesis de este mundo de felicidad y comprensión, al que conduce el panel central, la desviación del hombre de la enseñanza de Dios y la práctica de los vicios, que es el camino más seguro hacia el Infierno musical presentado por El Bosco.

21. Nombre: Reverso del Jardín Delicias, Creación del MundoAutor: El BoscoEstilo: Pintura flamencaFecha: 1503-04Localización: Museo del PradoDatos técnicos: Óleo sobre tabla, 220 x 195 El Bosco pintó un tríptico, titulado como El Jardín de las Delicias. Las dos alas laterales cierran el tríptico, y al hacerlo, nos muestran en sus reversos las dos mitades de un fantástico paisaje ideal. Este paisaje es el de la Creación del Mundo, una tabla, típica de la pintura flamenca en la cual resulta interesante destacar algunos elementos. El primero que se nos ofrece es el de la concepción circular del Universo, que encierra en sí mismo los cuatro elementos de la creación y al ser humano. El conjunto está observado por la figura divina desde un ángulo y está cerrado en sí mismo, como un círculo perfecto sin principio ni final, en medio de una nada de color indefinido.