Arte barroco español

El primer periodo de la arquitectura barroca
no ofrece una gran suntuosidad. Comienza con
líneas, más bien sencillas, y desprovistas de
gran ornamentación. Sólo a finales del siglo
XVII es cuando, en interiores y exteriores, se
define una clara tendencia hacia la suntuosidad
ornamental.

Fachada del Convento de la Encarnación

Plaza Mayor (Madrid).- Gómez de Mora

Plaza Mayor de Madrid.- Auto de fe de 1683.

Plaza Mayor de Madrid.- Corrida de Toros (S.XVII)

Fachada de la C. de Granada.- Alonso Cano

Retablo Mayor del convento de San Esteban
(Salamanca).- José Benito de Churriguera

Plaza Mayor de Salamanca.- Alberto de Churriguera.

Transparente
C. de Toledo.- Narciso
Tomé

Hospicio de San Fernando (Madrid).- Pedro de Ribera

Palacio del Marqués de Dos Aguas(Valencia).- Hipolito Rovira

Fachada Catedral de Valencia.- Conrado Rodulfo

Fachada de la Catedral de Murcia.- Jaimer Bort

Fachada del Obradoiro.- Casas i Novoa (C. de Santiago)

Sacristía de la Cartuja de Granada.- Francisco Hurtado

Fachada del Palacio de San Telmo .- Leonardo de Figueroa.- Sevilla.

• La catedral de Cádiz repite el esquema
de buena parte de los templos
andaluces al utilizarse como base una
mezquita que fue readaptada tras la
reconquista de la ciudad.

• Esta catedral primigenia, realizada en estilo
gótico de los que hoy apenas tenemos
algunas muestras, se perdió tras el incendio
y saqueo de la ciudad en 1596, llevado a
cabo por tropas angloholandeses dirigidas
por el conde de Essex. Inmediatamente se
procedió a la construcción de una nueva
catedral, hoy iglesia de Santa Cruz.

• Será en el siglo XVIII cuando se
construya una nueva iglesia catedral,
especialmente tras el traslado de la
Casa de la Contratación a Cádiz en
1717.

• Vicente Acero y Arebo será el encargado de las trazas
del nuevo edificio. muestra con cierto conservadurismo
al invocar un esquema fundamentado en el
replanteamiento hecho por Diego de Silóe en la catedral
de Granada, empleando una organización basilical de
tres naves, crucero y girola, utilizando la capilla mayor
como rotonda y colocando tras ella la capilla de las
Reliquias. Este toque renacentista sería contrarrestado
con el intenso dinamismo que se imprime a la
articulación de los alzados.

En España la forma más popular de
escultura barroca es la de imágenes religiosas,
de talla de madera policromada, destinadas
para altares e iglesias, muchas de ellas, hoy
procesionan. Es en ellas donde los escultores
destacan por un gran realismo de detalle y
colorido, pero que no resta de la idealización y
majestad que se asocia con la idea religiosa.

Escuela Castellana:
Gregorio Hernández

Escuela Andaluza:
Juan Martínez
Montañés

Nuestra
Señora de las
Angustias

Escuela Levantina
Francisco Salzillo

El gran momento del arte barroco se da en la
pintura. En ella se mantiene con el realismo del detalle,
la concepción religiosa de las imágenes y el
conceptismo barroco de la composición que añade sus
símbolos.
La influencia italiana de los fondos oscuros,
claroscuro o tenebrismo, permite a los pintores
españoles un juego con los efectos de luz usada como
medio simbólico o sencillamente como medio de aislar
la figura predominante.

Los genios en pintura del momento fueron
Velázquez, Zurbarán, Murillo y Ribera,
aunque convivieron con un importante número
de pintores que aunque fueron eclipsados por
ellos, no dejan de ser grandes artistas como
Alonso Cano.

Naturalismo Tenebrista
Ribera y Zurbarán

José de Ribera, “El Españoleto”

El Niño Cojo o “El Patizambo”

• En la mano tiene un cartel en el que pide, en
latín,limosna por el amor de Dios (DA MIHI
ELEMO/SINA PROPTER AMOREM DEI).
Este papel era necesario para poder
serreconocido en Nápoles por las
autoridades como un pordiosero, con derecho
a poder mendigar.

• En 1953 la historiadora del arte Delphine Fitz descartó que el
protagonista del lienzo fuese san Bartolomé, porque en la escena
no aparece el cuchillo con el que fue degollado. Justificó que se
trata de san Felipe por dos motivos: san Felipe murió crucificado
con cuerdas y no con clavos y fue el santo patrón de Felipe IV,
para quien Ribera pintó el cuadro.
• Tras la muerte de Cristo san Felipe marchó a Frigia a predicar
el Evangelio, fue capturado y muerto crucificado. Ribera eligió el
momento anterior al martirio al que fue sometido san Felipe,
aquel en el que unos verdugos ataron al santo a la cruz y lo
izaron, ante la indiferencia de unos testigos y la curiosidad de
otros.
• Ribera retrató a san Felipe ajustándose a los cánones
establecidos en el Concilio de Trento (1545-1563) para la
representación de los mártires: sufrimiento contenido, resignación
ante el martirio y fe y esperanza en el Señor; de ahí que san
Felipe eleve su mirada al cielo.

Inmaculada
Convento de Agustinas Recoletas (Salamanca)

• La Virgen aparece envuelta en un amplio manto azul,
vistiendo túnica blanca -siguiendo la visión de Santa
Brígida de Suecia, recomendada iconográficamente
por Pacheco- y pisando la media luna como símbolo
de dominio sobre el infiel. Un grupo de angelitos
forma un semicírculo en la zona baja y porta los
atributos marianos: la palma, la rama de olivo, rosas,
lirios o el espejo. En la zona baja de la composición
contemplamos dos ángeles mancebos que dirigen su
tierna mirada hacia María mientras que en la zona
superior se advierte la escorzada figura del Padre
Eterno, rodeado de ángeles y acompañado por la
paloma del Espíritu Santo.

• El sueño de Jacob es uno de los cuadros más
importantes de José de Rivera. En él representa
un episodio del génesis en el que el patriarca
Jacob se queda dormido camino de Harán y tiene
un profundo sueño en el que ve una escalera
celestial por la que suben y bajan ángeles.

• La tradición popular identifica con su hija Lucía.
• El pasado de prostitución de la Magdalena se muestra en el
hombro al descubierto y en el bote de los afeites con el que
también ungió los pies a Cristo.

• El cuadro trata el momento en que Apolo
comienza a desollar al imprudente sátiro
Marsias, que había osado desafiar al dios
en una competición musical sin imaginar
cuál iba a ser el cruel y atroz castigo por
atreverse, siquiera, a cuestionar la pericia
del ser divino con los instrumentos
musicales.
• Ribera pintó en varias ocasiones este pasaje
mítico

• Está firmado y fechado en 1626,
apareciendo la inscripción en un cartel que
sostiene en su boca una serpiente, en la
zona inferior izquierda.
• La serpiente tiene diferentes significados y
podría aludir a la sabiduría, relacionada
con Sileno, dios agrícola griego, seguidor
de Baco y relacionado con Sócrates por
su sabiduría ya que poseía el don de la
profecía.

Visión de la Jerusalén celestial por San Pedro Nolasco

• Encargado en 1629 por los mercedarios de
Sevilla, la serie debía adornar e ilustrar el
claustro del convento con las figuras de sus
fundadores y los monjes más importantes en
la historia de la Orden.
• En el cuadro observamos la figura de San
Pedro Nolasco, fundador de la Orden de la
Merced, recluido en su celda y a quien se
aparece un ángel adolescente. Este ángel le
muestra en una visión celestial los muros de la
Jerusalén fortificada, símbolo de la fortaleza
de la fe cristiana. Esta ciudad fue emblema de
urbanismo y teología, siempre caracterizada
por sus torres, sus murallas y sus puentes
levadizos tendidos a los fieles.

Aparición del Apóstol San Pedro a San Pedro Nolasco

Inmaculada
Concepción
La Inmaculada Concepción de María
significa, según la doctrina católica, que la
Madre de Dios desde que fue concebida ha
sido preservada del pecado original. Este
dogma católico estaba siendo cuestionado por
los protestantes en el siglo XVII por lo que
en la católica España se puso de moda la
imagen de la Inmaculada Concepción.
Aparece con las manos unidas en oración y
rodeada por los símbolos
de las letanías que recuerdan las virtudes
que acompañan a la imagen de la Virgen.

Apoteosis de Santo Tomás de
Aquino

• Pinta esta obra para el Colegio de Santo Tomás de los PP.
Dominicos de la ciudad hispalense, que impartía estudios de
Teología y Artes.
• Santo Tomás de Aquino es una de las figuras más relevantes
de la teología cristiana. Por su importancia aparece rodeado
de los cuatro Padres de la Iglesia, otros tantos personajes
fundamentales para la elaboración de la doctrina. A su
derecha se encuentran conversando San Ambrosio y San
Gregorio; a su izquierda, San Jerónimo, de rojo cardenalicio,
y San Agustín. Los cinco intelectuales se encuentran en el
plano superior del cuadro, que simboliza en mundo divino.
• En el plano inferior se encuentra representada la tierra: los
personajes principales de la Orden y nada menos que el
emperador Carlos V. Su presencia se explica porque fue él
quien facilitó los terrenos y la dote necesaria para la
construcción y puesta en marcha del Colegio

• Se trata de uno de los diez trabajos sobre
Hércules que Zurbarán pintó para el Palacio
del Buen Retiro.
• Esta imagen se considera una alegoría del
buen gobernante, que somete al enemigo con
firmeza y sin necesidad de llegar a usar
nunca la fuerza. Tradicionalmente se
asociaba la figura de Hércules con la de la
monarquía española, por lo que es
perfectamente comprensible la elección de
esta historia por Zurbarán.

La Defensa de Cádiz contra los
ingleses

• La fama cosechada por Zurbarán en Sevilla motivó su llamada para
trabajar en Madrid, concretamente en la decoración del
monumental Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro, donde
trabajará al lado deVelázquez quién realizará para el mismo lugar el
famoso cuadro de Las Lanzas.
• La Defensa de Cádiz frente a los ingleses recoge un episodio de la
historia contemporánea a Zurbarán. Las tropas inglesas, provistas
de una poderosa flota comandada por Lord Wimbledon, se habían
hecho fuertes en la torre del Puntal de Cádiz el 1 de noviembre de
1625. Don Fernando Girón, gobernador de la plaza, dictó las
órdenes necesarias para la defensa de la ciudad a pesar de estar
enfermo de gota. Las escasas tropas de la ciudad lograron resistir
hasta la llegada de los refuerzos al mando del Duque de Medina-
Sidonia junto a las milicias urbanas. Se consiguió levantar el
campamento enemigo, obligándoles a la retirada, habiendo perdido
previamente unos mil hombres.

• Así, en primer plano, vemos a Don
Fernando Girón sentado en una silla a
causa de su enfermedad, dictando las
órdenes necesarias a sus capitanes. En
el fondo, se aprecian las tropas
españolas en tierra y el mar lleno de
naves inglesas. Zurbarán consigue dar
dosis de credibilidad a los personajes de
primer plano al otorgarles realismo en
sus gestos y un buen lujo de detalles a
sus vestimentas.
• Interesante los estudios que destacan
una anamorfosis del fondo.

• Serie sobre la Orden jerónima, para
el monasterio extremeño de
Guadalupe.
• Aquí muestra a uno de los grandes
patriarcas de la orden, Fray Gonzalo
de Illescas, sentado en su despacho
en actitud de escribir. Gonzalo de
Illescas llegó a obispo de Córdoba y
Consejero del rey Juan II.

• Tras él, una ventana abierta nos muestra
una escena secundaria, aludiendo a las
virtudes de su Orden y a las del propio
fraile: se trata de unos pobres recibiendo
limosna de un monje jerónimo, lo cual nos
indica que la escena es una alegoría de la
caridad.
• La mesa sobre la que el padre escribe
muestra una naturaleza muerta al más
puro estilo de la vanitas: la calavera que
recuerda la mortalidad del ser humano, el
reloj de arena aludiendo al paso del
tiempo, y los libros que nos hablan de lo
efímero del conocimiento.

• Por encargo de los frailes del Monasterio
de Guadalupe, Zurbarán pintó entre 1639
y 1645 ocho cuadros para la sacristía y
tres para la capilla adyacente. Estos
cuadros se conservan aún en su
emplazamiento original.

• San Hugo en el refectorio pertenecía a una serie
monástica.
• La escena refleja un milagro acontecido a San Bruno,
fundador de los cartujos, y a los seis primeros monjes de la
Orden, quienes comían gracias a la generosidad de San
Hugo, obispo de Grenoble. Un domingo les envió carne,
alimento al que no estaban acostumbrados, lo que provocó
una discusión sobre la conveniencia de practicar la
abstinencia. Mientras discutían quedaron sumidos en un
profundo sueño que duró toda la Cuaresma. El miércoles
Santo, San Hugo, que había estado ausente, fue a verlos y
los sorprendió despertándose, comprobando que no tenían
noción del tiempo transcurrido. Entonces miró a los platos y
vio que la carne se convertía en ceniza, interpretándolo
como aprobación divina de la abstinencia.

• Zurbarán realiza un muestrario de sus
famosos hábitos blancos, color en el cual
se dice que llega a manejar hasta 100
tonos diferentes. Aparecen en la imagen
las famosas cerámicas blancas y azules
de Talavera, con los escudos del obispo y
la Orden.

• Zurbarán utiliza como modelo para su
Santa Casilda a una dama de la corte,
probablemente una amiga o conocida, y
realiza un retrato en el que conjuga la
simbología religiosa con la moda cortesana
del siglo XVII. En el cuadro; destaca la
elegancia, la serenidad y la dignidad de la
mujer. Asimismo, impresionan la
luminosidad de las telas, la majestuosidad
del traje y el virtuosismo de los brocados

Santa Margarita de Antioquia
National Gallery de Londres

• Santa Margarita, su vestido y su tocado no son
los de una princesa sino los de una atractiva
pastora, con unas albardas en el brazo bordadas
primorosamente en el mejor estilo del arte
popular de la época. Se cubre el cabello con un
gran sombrero de paja, de alas muy anchas pero
coqueto. Sus pies están calzados con pobres
sandalias de cuero y asoman por debajo de la
falda. Y a pesar del humilde origen de su vestido
su presencia aparece majestuosa y llena de
dignidad, con un librito de oraciones en la mano y
el cayado en la otra. A sus pies el dragón,
símbolo del pecado.
• Su leyenda, descrita por los cruzados dice que
murió decapitada

• Santa Apolonia fue una virgen martirizada en el
siglo IV por no renegar de Dios. Era una mujer
de avanzada edad, pese a lo cual se la
representa como una joven de serena
hermosura. La razón la encontramos en los
tratados de la época para educar a los pintores
e imagineros, aduciendo para ello que las
vírgenes no perdían su belleza ni su juventud
con el paso del tiempo.
• Según la leyenda, Apolonia fue castigada por
sus perseguidores que le arrancaron y
rompieron los dientes, arrojándose ella misma
a la pira que estaba preparada para ejecutarla.

Bodegón con limones, naranjas y una rosa

• Agnus Dei (traducido
del latín, Cordero de Dios).
• Iconografía muy representada
en el XVII español que alude al
sacrificio de Cristo para salvar la
humanidad.

Realismo Barroco
Velázquez y Murillo

• Posiblemente, Velázquez utiliza a
su familia como modelo para pintar
esta escena. Así, su esposa sería
la Virgen, el Niño Jesús su hija
Francisca, Melchor su suegro,
Gaspar el propio artista, y Baltasar
un criado, igual que el paje.

Vieja friendo huevos.- National Gallery Edimburgo

• El asunto tratado por el maestro supone
una absoluta novedad, ya que hasta
ahora nadie se había atrevido a
representar en la pintura española
escenas tan aparentemente triviales
como ésta.
• Se piensa que la anciana podría ser el
retrato de su suegra, María del Páramo,
mientras que el muchacho sería un
ayudante de su taller, posiblemente Diego
Melgar.

• Cuanto menos
curioso es el
debate provocado
entre los
especialistas por
la manera que la
anciana prepara
los huevos,
afirmando unos
que los está
friendo, otros que
los está
escalfando y otros
que los cuece.

El Aguador de Sevilla.-
Apsley House, Londres, Reino Unido

• Podría representar las tres edades del
hombre. Tema muy recurrente en la
época. Ejemplo, las Tres edades, de
Giorgione, o las de Tiziano-

• El colorido que utiliza sigue una gama
oscura de colores terrosos, ocres y
marrones. La influencia de Caravaggio en
este tipo de obras se hace notar

• Vemos un higo
en el interior de
la copa para dar
sabor al agua.

Cristo en casa de Marta y María

• Forma parte de las escenas de
cocina o bodegón que tienen en
el fondo una imagen religiosa.

• En primer plano a la joven Marta
machacando unos ajos, acompañada
de una anciana que la señala.
• Excelente el detallismo del bodegón
del primer plano con los huevos, los
ajos o la guindilla, así como el
realismo de la joven y de la anciana,
caracterizadas como si se tratara de
mujeres populares del Barroco.

• Al fondo podemos contemplar otra
escena, supuestamente reflejada en un
espejo, en la que aparecen Cristo y
María -escuchando atentamente la
palabra del Salvador- junto a otra
anciana. Se piensa que podría ser un
espejo porque Cristo habitualmente
bendice con su mano derecha; aquí lo
hace con la izquierda ya que el
espectador contempla el reflejo.

• Desconocemos el significado exacto de la
composición, considerándose como una
referencia a la moralidad y a la espiritualidad del
ser humano. El católico debe alimentar su
espíritu como hace María, dejando de lado las
riquezas de la vida terrena. Por eso la anciana
señala con su dedo acusador a Marta, indicando
lo que no debemos hacer. Este tipo de
imágenes iría destinado a un público culto que
frecuentaba la tertulia literaria de Pacheco a la
que también asistía Velázquez.

Obra perteneciente a la etapa sevillana
de Velázquez en la que la influencia
de Caravaggio y el Naturalismo
Tenebrista es más marcada.
En primer plano contemplamos a una
joven de color - de ahí el título - tras
una mesa, en la que destacan unos
detallados cacharros que conforman
un excelente bodegón.

Al fondo aparece una escena religiosa
que representaría la Cena en Emaus,
vista a través de una ventana. Esta
escena fue descubierta en 1933 al
someter el lienzo a una restauración y
limpieza. Desconocemos cuál sería el
significado de la imagen, aunque la
mayor parte de los especialistas tienden
a interpretarla como una escena
moralizante.

Lo más destacable de la composición sería
la altísima calidad de los detalles del
cesto, los jarrones o los platos, en los que
apreciamos una minuciosa pincelada. Los
efectos de claroscuro están tomados del
Naturalismo, al igual que las tonalidades
oscuras empleadas, abundando los
sienas, ocres, marrones y blancos para
contrastar.

Tres músicos.- Gemäldegalerie (Berlin)

Se puede decir que Velázquez une en esta
imagen el costumbrismo flamenco con
el Naturalismo italiano.
Contemplamos a tres personajes populares,
totalmente realistas y alejados de la
idealización, apiñados alrededor de una
mesa sobre la que hay pan, vino y queso.
Dos de los tres músicos tocan instrumentos
y cantan, mientras el tercero - el más joven
- sonríe al espectador y sostiene un vaso
de vino en su mano izquierda.

El realismo de los personajes es otra nota
característica así como el uso de ocres,
sienas, pardos, negros y blancos. El
bodegón de primer término vuelve a
llamarnos la atención en un primer golpe
de vista, casi más que las propias figuras.

El almuerzo y Dos
hombres sentados a
la mesa

En los años que Velázquez trabajó en Sevilla ejecutó
varias composiciones caracterizadas por tratar asuntos
de la vida cotidiana.
Las características de esta composición son las habituales
en la etapa sevillana: colores oscuros; realismo en las
figuras y los elementos que aparecen en el lienzo;
iluminación procedente de la izquierda; y expresividad
en los personajes, características tomadas
del naturalismo tenebrista que Velázquez conocía
gracias a las estampas y cuadros procedentes de Italia
que llegaban a Sevilla. Este tipo de obras debieron ser
muy demandadas.

San Juan evangelista en la
isla de Patmos.- National
Gallery de Londres

San Juan aparece mirando la visión de la parte superior en
la que se representa a la Virgen; su atributo -el águila-
está tras él, en la zona izquierda. El paisaje que
contemplamos al fondo se reduce a un árbol,
observándose a la perfección el claroscuro
predominante en esta época, creado por una luz blanca
que ilumina la escena de izquierda a derecha.
Velázquez no va a idealizar al santo y presenta a una
figura totalmente realista, de carne y hueso, con sus
pómulos salientes, sus gruesos labios, su incipiente
bigote y sus cejas largas e irregulares, llegándose a
pensar que estaríamos ante un autorretrato.

El detallismo de los libros y de los pliegues
de la túnica, obtenido con una pincelada
minuciosa, parece inspirado en la pintura
flamenca, mientras que los juegos de luz,
el realismo del personaje y los colores
están tomados del Naturalismo tenebrista.

Inmaculada
Concepción.-
National Gallery.
Londres

La Inmaculada Concepción formaba pareja
con San Juan Evangelista en Patmos,
encargadas ambas imágenes posiblemente
para la iglesia del Convento de los Carmelitas
Calzados de Sevilla entre 1618 y 1622.
Algunos especialistas consideran que se trata del
retrato de la esposa del pintor, Juana Pacheco,
otorgando de esta manera un mayor realismo a
la composición.

Se representaría a María como una mujer joven,
coronada de estrellas y vestida con túnica roja y
manto azul. Sus manos se colocarían a la altura del
pecho, mientras que su cabeza miraría al lado
contrario, creando un interesante efecto de
movimiento. María apoyaría sus pies sobre una media
luna. Velázquez sigue este esquema impuesto por su
suegro, destacando las nubes del fondo y el efecto de
paisaje de la zona baja del lienzo, donde inserta los
atributos de la Virgen. Alejándose de la sombría
paleta habitual en estos años, María aparece vestida
con una túnica rosada en la que se marcan los
pliegues, posible influencia de la pintura flamenca o
de las tallas policromadas españolas conocidas como
imaginería.

Impresionante retrato firmado y fechado en 1620,
siendo así el primer cuadro conocido firmado por el
autor. Representa a una monja clarisa franciscana
que, procedente de Toledo, fue a Sevilla para
embarcarse rumbo a Manila donde iba a fundar un
convento. Contaba Sor Jerónima 66 años de edad
como aparece en la inscripción que acompaña a la
figura.La silueta de la monja se recorta sobre un
fondo neutro, destacando el magnífico rostro y el
gesto de la mano derecha que sujeta el crucifijo
como si fuera su "arma de conversión". Es
impresionante el color del hábito, siempre en una
gama oscura como suele ser característico de
esta etapa sevillana.El hecho de elegir esta monja a
Velázquez como retratista indica su elevada
categoría entre los pintores sevillanos de aquel
momento, a pesar de contar con sólo 21 años.

El triunfo de Baco o los Borrachos

El artista quiso representar a Baco como el dios
que obsequia al hombre con el vino, que lo
libera, al menos de forma temporal, de sus
problemas cotidianos, por lo que Baco se
convierte en uno de los borrachos que
participan en la fiesta, diferenciándose de los
demás por su piel más clara. El asunto ha sido
tratado como una escena realista y popular, del
mismo modo que si estuviésemos ante una
merienda de amigos en el campo; por esto el
título original ha sido sustituido popularmente
por "Los Borrachos".

La escena puede dividirse en dos
mitades: la izquierda, con la figura de
Baco muy iluminada, cercana al estilo
italiano inspirado en Caravaggio, y la
derecha, con los borrachines,
hombres de la calle que nos invitan a
participar en su fiesta, con un aire muy
español similar a Ribera. En esta
obra, Velázquez introduce un aspecto
profano a un asunto mitológico, en
una tendencia que cultivará aún más
en los siguientes años.

Retrato de Felipe IV
• Obra realizada en la primera
época madrileña del pintor,
entre 1623-1629, aunque
sobre la fecha exacta hay
enormes controversias entre
los especialistas.
• Felipe IV viste traje negro y
capa, como era la moda en la
España del siglo XVII, apoya
su mano izquierda en la
espada mientras en la derecha
porta un papel.

• El tema elegido está inspirado en las
Metamorfosis de Ovidio: Apolo se
acerca a la fragua de Vulcano para
contarle la infidelidad de su esposa,
Venus, con Marte. Al escuchar la
noticia toda la fragua se queda
petrificada: esta sensación la ha
conseguido perfectamente el artista.

• Los hermanos de José, celosos sin
duda del pequeño, le introducen en un
pozo y le quitan sus ropas, que más
tarde serían entregadas a su padre
manchadas de sangre, informándole
de la muerte del muchacho debido al
ataque de unas alimañas. Jacob, el
padre, reacciona ante la noticia con un
gesto de sorpresa y horror.

El príncipe Baltasar Carlos
• Sería el
primogénito
de Felipe IV
y su primera
mujer, Isabel
de Borbón, y
por tanto
heredero al
trono. Murió
antes de
cumplir los
17 años.
El
prín
cipe
Balt
asa
r
Carl
os

La infanta Maria Teresa
• Hija de Felipe IV y de su
primera esposa Isabel de
Borbón.
• En junio de 1660 contrajo
matrimonio con Luis XIV de
Francia, el llamado Rey Sol,
primo-hermano suyo tanto
por parte de padre como de
madre.
• La figura aparece
fuertemente iluminada en
contraste con el oscuro fondo.
La aparición de dos relojes
portados por la infanta
representan la seriedad y
formalidad de la misma. El
pañuelo que sostiene en la
mano izquierda és uno de los
elementos a destacar de la
obra. El traje contrasta en
colores respecto a la cortina.
•

Felipe IV de castaño y plata.-
National Gallery.- Londres

El monarca aparece representado de perfil,
vestido con una armadura, bastón de
mando y banda carmesí de general. El
caballo alza las patas delanteras en una
maniobra de alta escuela de equitación
denominada levade o corveta, para la que
el rey emplea una sola mano. Así da una
muestra de dominio y capacidad de
mando, siendo una alegoría del poder.

Velázquez muestra ahora un estilo más
suelto y luminista, utilizando diferentes
tonalidades de color que hacen que su
etapa sevillana.
En esta escena la sensación de tercera
dimensión está perfectamente
conseguida a través de un paisaje
casi impresionista , conseguido a
través de bandas paralelas de color.
Se supone que tras la figura real se
encuentra la sierra del Guadarrama,

El príncipe Baltasar
Carlos
• Estaba destinado a ser colocado
sobre una puerta, junto a los
retratos de sus padres lo que
explica la perspectiva de abajo
arriba de las figuras, dando el
efecto de saltar sobre los
visitantes.
• El príncipe viste banda y bastón
de mando de general,
acentuando los símbolos de
autoridad con el caballo
encabritado. El niño mira hacia
el espectador de manera
penetrante.
• Es también digno de mención el
paisaje de la sierra de
Guadarrama, que parece
tomado directamente del
natural, obteniendo una fría luz
invernal. Se ha criticado la
amplitud del vientre y pecho del
caballo, algo que se explica por
la ubicación que iba a tener el
cuadro: pensado para ser visto
desde abajo.

El príncipe Baltasar Carlos, cazador
• El rey Felipe IV encargó a
Velázquez una serie de cuadros
con el tema de la caza,
destinados todos ellos a
adornar el pabellón que para
esta actividad habían
construido en el monte del
Pardo, cerca de Madrid,
llamado "La Torre de la
Parada”. Este pabellón se
convirtió más tarde en un
valioso museo de pinturas.
• Este pabellón estaba reservado
en exclusiva para la Corte,
nadie más tenía acceso. Allí se
recopiló el conjunto más
importante sobre temas
de mitología y gran variedad
de desnudos.

El cardenal-infante don
Fernando en traje de
caza
• Era hermano de
Felipe IV.
• Fue uno de los tres
cuadros que
Velázquez pintó para
la Torre de la Parada
con el tema de la
caza, junto con Felipe
IV y El príncipe
Baltasar Carlos.

Felipe IV cazando
• Las tres obras tienen
algo en común:
formato estrecho,
figura presentada de
tres cuartos, escopeta
de caza en la mano y
traje de caza en los
protagonistas.

Esopo y
Menipo
Ambos destinados
a la Torre de la
Parada.

Tanto, el fabulista Esopo como el
filósofo Menipo aparecen
representados como mendigos.
Representar a filósofos como
mendigos era algo típico en
el Barroco, como se comprueba en
los lienzos como los de Ribera.
Ambas obras son de una
incuestionable calidad.

• El lienzo podría representar el final de
los amores de Marte con Venus, por la
cara de resignación y tristeza que
observamos en el dios. El gesto ha sido
perfectamente captado por el pintor,
demostrándonos su facilidad para
enseñar el alma de sus modelos.

• Vulcano, esposo de Venus, al ser
informado de los amores entre su mujer
y Marte - que Velázquez recogió en su
Fragua de Vulcano - tejió una malla de
hierro para sorprender a los ilícitos
amantes y que los demás dioses del
Olimpo contemplaran el engaño. Todo
esto ya ha ocurrido y Marte, aturdido y
derrotado, reflexiona sobre todo ello.
Tras la figura contemplamos una
sábana de color blanco del lecho donde
los amantes fueron sorprendidos.

El dios Marte encuentra su marco
ideal en el pincel del artista, ya
que lo muestra tal y como es, no
idealizado.

El Conde Duque de Olivares
• El Conde-Duque viste atuendo
de general, se nos presenta
sobre un precioso caballo bayo,
en una postura totalmente
escorzada - muy empleada en
el Barroco al marcarse una
clara diagonal en profundidad -
colocado de medio perfil. Va
tocado con un sombrero de
picos que refuerza su carácter
de hombre de mando, frío y
decidido. El absoluto control
del Estado que ostentaba el
valido le lleva a retratarse a
caballo, privilegio exclusivo de
los monarcas. El estilo de
Velázquez es bastante suelto, a
base de rápidas manchas de
color y de luz, sus grandes
preocupaciones tras conocer la
obra de Tiziano
•

Pablo de
Valladolid
Pertenece al grupo de retratos de bufones
pintados por Velázquez. Sin deformidad
aparente, seguramente sería un
encargado de hacer reir.
La silueta se recorta nítidamente sobre un
fondo neutro, sin otra referencia
espacial del punto donde apoya los pies
que la sombra que proyecta.
La novedad de representar al personaje en
un espacio desvanecido es el rasgo que
más veces se ha destacado de este
retrato.
En 1865 Édouard Manet visitó España y
contempló en el Museo del Prado las
obras de Velázquez allí conservadas,
causándole una notable impresión.

El niño de
Vallecas,
Francisco
Lezacno

El bufón don
Sebastián de
Mora

San Antonio Abad y San Pablo ermitaño
• Esta es una de las pocas obras religiosas
que realizó Velázquez a lo largo de su
carrera. Su destino sería una de las
numerosas ermitas que había en el
Jardín del Buen Retiro, Cuenta la
historia de la visita de San Antonio
Abad a San Pablo, el primer ermitaño.
Cuando ambos estaban hablando, un
cuervo les trae la comida, lo que
Velázquez muestra en primer plano.
• Al partir San Antonio, San Pablo
muere, siendo enterrado su cuerpo por
San Antonio con la ayuda de unos
leones, escena que vemos a la izquierda
de la composición.
• Representar diferentes episodios en un
solo lienzo no es muy frecuente en
el Barroco por lo que el maestro debió
de inspirarse en algunas estampas o
escenas pintadas al fresco durante
el Renacimiento. Pero el artista consigue
una luminosidad totalmente novedosa,
con una perspectiva muy amplia y un
paisaje perfectamente captado, con ojos
casi impresionistas gracias a la luz
levemente azulada que emplea.

• El artista sigue el modelo establecido por Rafael al
colocar al papa de media figura, sentado y girado
hacia su derecha. Pero sin duda lo mejor es el
rostro, donde Velázquez capta el alma del
retratado; Inocencio X tenía fama de estar siempre
alerta, desconfiado e infatigable en el desempeño
de su cargo. Todos estos sentimientos los trasmite
el papa cuando le miramos. En la mano izquierda
lleva un papel donde el pintor se identifica como el
autor de esta excelente obra. "Demasiado real",
cuentan que dijo el protagonista cuando vio el
cuadro acabado.

La Rendición de Breda o las Lanzas

• Representa un episodio de la Guerra
de Flandes ocurrido el 5 de junio de
1625. Tras un año de sitio por parte de
las tropas españolas, la ciudad
holandesa de Breda cayó rendida, lo
que provocó que su gobernador,
Justino de Nassau, entregara las
llaves de la ciudad al general
vencedor, Ambrosio de Spínola.

• Las tropas españolas aparecen a la
derecha, tras el caballo, representadas
como hombres experimentados, con sus
picas ascendentes que consideradas
lanzas por error dan título al cuadro.

• Velázquez no representa una
rendición normal sino que Spínola
levanta al vencido para evitar una
humillación del derrotado; así, el
centro de la composición es la llave
y los dos generales.

• A la izquierda se sitúan los
holandeses, hombres jóvenes e
inexpertos, cuyo grupo cierra el otro
caballo.

• Al fondo aparecen las humaredas de
la batalla y una vista en perspectiva de
la zona de Breda. Esta ciudad volvió
para siempre a manos holandesas en
1639.

La tarde, Vista del jardín de la Villa Médicis en Roma

Velázquez realizaría esta preciosa escena casi con total
seguridad entre 1649 y 1650, durante su segunda estancia
en Roma, junto a su compañera llamada El mediodía,
aunque no existe acuerdo al respecto. Se trata de una
obra tomada directamente del natural, interesándose el
maestro por dar una impresión de la luz en un momento
determinado del día, por lo que recibe el sobrenombre de
La tarde. Al interesarse por captar la luz del atardecer,
Velázquez se anticipa en dos siglos a Claude Monet,
siendo considerado así el primer impresionista.
Su pincelada cada vez es más deshecha, aplicando el óleo
con gran rapidez y soltura, casi manchas de color y luz.

El mediodía, Vista del jardín de la villa Medicea

Con esa pincelada suelta que define
ambas escenas y su peculiar estudio
lumínico, se puede considerar al
maestro como el
primer impresionista de la historia.

La Costurera. National Gallery.- washington

El aspecto inacabado de esta brillante imagen
provoca que sea una de las más discutidas de
Velázquez, especialmente en cuestión de la
datación. También existen dudas sobre quién es
la representada: bien Francisca Velázquez, hija
del pintor y supuesta protagonista de ”La dama
del abanico”; bien Juana Pacheco, su esposa; o
podría ser una pintura de género sin una
protagonista definida. Incluso existen opiniones
que sugieren que estaríamos ante la amante de
Velázquez en Italia.

La joven, está realizada a base de manchas de luz
y color, dando la impresión de que capta el
movimiento de la aguja y de las manos. El
colorido oscuro de verdes y pardos se rompe
con las manchas blancas de la pañoleta que
lleva la mujer sobre los hombros y con la tela
que cose.
La nota de color rojo en el moño y el fogonazo de
luz del pecho sitúan esta imagen entre las más
sugerentes del pintor.

Las Hilanderas.- La fábula de Aracné

Una de las obras más interesantes y
enigmáticas del pintor sevillano,
sobre todo en cuanto al tema.

En primer plano vemos cinco mujeres que
preparan las lanas para la fabricación de tapices.

Al fondo, detrás de ellas,
aparecen otras cinco mujeres
ricamente vestidas, sobre un
fondo de tapices. Esta última
escena sería la que da título al
cuadro ya que recoge la fábula
en la que la joven Aracné, al
presumir de tejer como las
diosas, es retada por Atenea a
la confección de un tapiz. El
jurado dictaminó un empate
pero Atenea castigó a Aracné
convirtiéndola en araña para
que tejiera durante toda su
vida.

Con esta fábula, Velázquez quiere
indicarnos que la pintura es un arte
liberal, igual que el tejido de tapices, no
una artesanía como la labor que
realizan las mujeres en primer término.
Poner el mensaje en un segundo plano
es un juego típico del Barroco.

• Estamos ante una de
las mejores pinturas,
en la que Velázquez
ha sabido dar
sensación de
movimiento, como se
aprecia en la rueca de
la izquierda, cuyos
radios no vemos,

• Esta figura de la
derecha que
devana la lana
con tanta rapidez
que parece que
tiene seis dedos.

También hay que destacar el efecto atmosférico, es decir, la sensación
de que entre las figuras hay aire que distorsiona los contornos y hace
que las figuras estén borrosas

La pincelada no puede ser más suelta, utilizando manchas como en el caso del gato o el
rostro inacabado de la mujer del centro, que está a contraluz. La luz viene de la derecha,
siendo admirable que con tan limitado colorido se obtenga esa excelente luminosidad. El
artista consigue anticiparse al Impresionismo en 250 años.

Venus del espejo.- National G. Londres

Es la única obra conservada de
Velázquez en la que aparece una mujer
desnuda, aunque sabemos que pintó
alguna más. Por supuesto, nadie duda
de su autenticidad, pero sí existen
discusiones en torno a la fecha.
Era propiedad del Marqués del Carpio,
gran amante de la pintura de Velázquez
y de las mujeres, por lo que se piensa
que puede representar a su esposa o a
una de sus amantes.

Quizá por despistar, el pintor coloca el rostro del espejo difuminado para
así reflejar el cuerpo desnudo de la dama que el marqués amaba. Existen
numerosas referencias en la obra: Rubens,Tiziano, Giorgione e
incluso Miguel Ángel.

El pintor coloca a una mujer de belleza palpable, de carne y
hueso, resaltando aun más la carnación gracias al contraste
con el paño azul y blanco, o el cortinaje rojo que da gran
carga erótica al asunto.
Posiblemente esto provocó que una sufragista inglesa
acuchillara el cuadro en 1914 con siete puñaladas que
apenas sí se notan.
Da la sensación de que el artista ha sorprendido a Venus
mientras Cupido, resignado, sostiene el espejo en el que se
refleja el rostro de la belleza, aunque lo que deberíamos ver
sería el cuerpo de la diosa.
En cuanto a la técnica, cabe destacar cómo el pintor utiliza una
pincelada suelta, que produce la sensación de que entre las
figuras circula aire, el famoso aire velazqueño.

Una antigua copia romana, de un
original helenístico, actualmente en el
Museo del Louvre. Cuando Velázquez
estuvo en Roma, encargó un molde de
bronce de la obra para Madrid.

Rembrandt.- Grabado.- Negra Desnuda

Mariana de Austria,
segunda esposa de
Felipe IV

La infanta
Margarita
en azul
• Hija de Felipe
IV y su segunda
esposa Mariana
de Austria

La familia de
Felipe IV o las
Meninas

Cuando se pintó este cuadro, la princesa
Margarita era el único vástago de la familia real.
Después de siete años de matrimonio, no había
ningún heredero, todos habían muerto al nacer.
Más tarde la reina trajó al mundo dos varones.
Uno de ellos que era retrasado se convirtió en el
sucesor de Felipe IV y cerró la era de los
Austrias en España

• El artista retrata
Felipe IV y a su
esposa Mariana de
Austria. La pareja
aparece
indirectamente,
reflejada en el
espejo de la pared
del fondo

La pintura data de 1656, el rey tenía
entonces 51 años y estaba enfermo.
Había arruinado a España politica y
económicamente.

• Velázquez lleva en el
pecho la cruz de la
Orden de Santiago,
aunque en ese
momento no
perteneciera a ella, lo
hizo tres años
después; tras una
larga verificación de
su pureza de sangre.

El príncipe Felipe Próspero
• Siempre fue un niño con
aspecto enfermizo y salud
delicada, falleciendo el 1 de
noviembre de 1661, sin
llegar a cumplir los cuatro
años, a causa de la epilepsia
y otras enfermedades. Para
evitar ese mal estado de
salud llevaba un buen
número de reliquias y
amuletos en sus vestiduras -
algunos contra el mal de ojo
- como aquí claramente se
aprecia.

Carlos II. Obra de
Juan Carreño de
Miranda

La Sagrada Familia del Pajarillo

Descanso en la huída a Egipto

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