Este documento resume los conceptos de movimiento artístico, estilo y género. Explica que un movimiento artístico es una tendencia con una filosofía o estilo común seguida por un grupo de artistas durante un periodo. Un estilo refleja las características de un arte durante una época. Los géneros se refieren a los temas del arte, como retratos o paisajes. Luego describe brevemente la pintura renacentista y sus características como el énfasis en la figura humana y el uso de la perspectiva

1. Colegio Educativo Americano
Expresión Artística
Quinto Bachillerato en Ciencias y Letras
Ciclo escolar 2016.
Profesor: William
Movimiento Artístico
Contreras Téllez
Ana Ester Abigail
Clave: #2
Fecha de entrega
04 de julio de 2016

2. Movimiento artístico
Es una tendencia referente al arte, con una filosofía o estilo común, seguida por un
grupo de artistas durante un periodo de tiempo.
Si está limitado a un grupo de artistas en un lugar y momento concreto, se habla
entonces de una escuela artística; por ejemplo, la escuela sevillana de pintura.
Con la palabra estilo también se alude a las características que unifican o
distinguen a un autor de otro (el estilo personal o la voluntad de estilo,1 que se hace
más marcada en los genios del arte y en la personalidad de los artistas burgueses,
sometidos al mercado de arte,2 sobre todo a partir del romanticismo); o, menos
usualmente, a la kunstwollen(voluntad de arte o voluntad artística, en expresión
de Alois Riegl).
Cada movimiento o estilo artístico refleja el arte con ciertos rasgos similares durante
una etapa de tiempo, siendo un fenómeno de expresión artística que manifiesta las
características propias de la época en el que surge. Los movimientos o estilos
artísticos se clasifican por los historiadores del arte ode la literatura atendiendo a
distintos criterios de periodización (por ejemplo, la generación) y se proyectan en
las diferentes áreas de laliteratura y el arte o bellas artes: música, artes
visuales (pintura, escultura yarquitectura).
Por ejemplo, para las creaciones culturales de la civilización occidental delsiglo
XVII a la pra mi]], se ha acuñado el término barroco aunque los productos artísticos
de las distintas artes no tengan una conexión evidente entre sí, se designan
como arquitectura barroca, pintura barroca, música barroca o literatura barroca.
El materialismo histórico interpreta los movimientos o estilos artísticos como parte
de la superestructura y, por tanto, sólo entendibles a partir de laformación
económico-social donde nacen o se desarrollan, y de la que serían
expresión ideológica (junto con la religión o el derecho).3 Otras interpretaciones de
la Historia del Arte4 se plantean más bien el estudio de las variaciones o similitudes
formales (formalismo), de su contenidoiconográfico,5 de la personalidad o psicología
de los artistas (incluso la aplicación del psicoanálisis).
Estilos
Cada periodo histórico ha tenido unas características concretas y definibles,
comunes a otras regiones y culturas, o bien únicas y diferenciadas, que han ido
evolucionando con el devenir de los tiempos. De ahí surgen los estilos artísticos,
que pueden tener un origen geográfico otemporal, o incluso reducirse a la obra de
un artista en concreto, siempre y cuando se produzcan unas formas artísticas

3. claramente definitorias. ‘Estilo’ proviene del latín stilus (‘punzón’), escrito en
época medieval como styluspor influencia del término griego στύλος (stylos,
‘columna’). Antiguamente, se denominaba así a un tipo de punzón para escribir
sobre tablillas de cera; con el tiempo, pasó a designar tanto el instrumento, como el
trabajo del escritor y su manera de escribir. El concepto de estilo surgió en literatura,
pero pronto se extendió al resto de artes, especialmente música y danza.
Actualmente se emplea este término en su sentido metonímico, es decir, como
aquella cualidad que identifica la forma de trabajar, de expresarse o de concebir una
obra de arte por parte del artista, o bien, en sentido más genérico, de un conjunto
de artistas u obras que tienen diversos puntos en común, agrupados geográfica o
cronológicamente. Así, el estilo puede ser tanto un conjunto de caracteres formales,
bien individuales –la forma de escribir, de componer o de elaborar una obra de arte
por parte de un artista–, o bien colectivos –de un grupo, una época o un lugar
geográfico–, como un sistema orgánico de formas, en que sería la conjunción de
determinados factores la que generaría la forma de trabajar del grupo, como en
el arte románico, gótico, barroco, etc. Según Focillon, un estilo es «un conjunto
coherente de formas unidas por una conveniencia recíproca, sumisas a una lógica
interna que las organiza».
Estos caracteres individuales o sociales son signos distintivos que permiten
diferenciar, definir y catalogar de forma empírica la obra de un artista o un grupo de
artistas adscritos a un mismo estilo o “escuela” –término que designa un grupo de
autores con características comunes definitorias–. Así, la “estilística” es la ciencia
que estudia los diversos signos distintivos, objetivos y unívocos, de la obra de un
artista o escuela. Este estudio ha servido en la Historia del arte como punto de
partida para el análisis del devenir histórico artístico en base al estilo, como se
puede apreciar en alguna escuela historiográfica como el formalismo.6
El estilo estudia al artista y a la obra de arte como materialización de una idea,
plasmada en la materia a través de la técnica, lo que constituye un lenguaje formal
susceptible de análisis y de catalogación y personificación. Por otro lado, así como
la similitud de formas crean un lenguaje y, por tanto, un estilo, una misma forma
puede tener distinta significación en diversos estilos. Así, los estilos están sujetos a
una dinámica evolutiva que suele ser cíclica, recurrente, perceptible en mayor o
menor grado en cada periodo histórico. Se suelen distinguir en cada estilo, escuela
o periodo artístico diversas fases –con las naturales variaciones concretas en cada
caso–: “fase preclásica”, donde se comienzan a configurar los signos distintivos de
cada estilo concreto –se suelen denominar con los prefijos ‘proto’ o ‘pre’, como
el prerromanticismo–; “fase clásica”, donde se concretan los principales signos

4. característicos del estilo, que servirán de puntos de referencia y supondrán la
materialización de sus principales realizaciones; “fase manierista”, donde se
reinterpretan las formas clásicas, elaboradas desde un punto de vista más subjetivo
por parte del autor; “fase barroca”, que es una reacción contra las formas clásicas,
deformadas a gusto y capricho del artista; “fase arcaizante”, donde se vuelve a las
formas clásicas, pero ya con la evidente falta de naturalidad que le es intrínseca –
se suele denominar con el prefijo ‘post’, como el postimpresionismo–; y “fase
recurrente”, donde la falta de referentes provoca una tendencia al eclecticismo –se
suelen denominar con el prefijo ‘neo’, como el neoclasicismo
Géneros
Utilizando el término "género", muy polisémico, se componen los conceptos
de género artístico o géneros artísticos en cada una de las artes, con muy distintos
significados: en algunas equivalentes a los movimientos o estilos y en otras con un
significado diferente, que distingue los temas a los que se aplica el arte (tema
artístico). Por ejemplo, en pintura el retrato, el paisaje, el bodegón, la pintura de
historia o incluso la denominada "pintura de género".
Movimientos, estilos y géneros artísticos por artes
 Movimiento literario, estilo literario, género literario(Categoría:
Movimientos, escritores, Categoría:Escritores)
 Movimiento pictórico, estilo pictórico, género pictórico(Categoría:Movimientos
pictóricos, pintoresCategoría:Pintores)
 Movimiento escultórico, estilo escultórico, género
escultórico(Categoría:Movimientos
escultóricos, escultores, Categoría:Escultores)
 Movimiento arquitectónico, estilo arquitectónico, género
arquitectónico(Categoría:Estilos
arquitectónicos, arquitectos, Categoría:Arquitectos)
 Movimiento musical, estilo musical, género musical (Categoría:Géneros
musicales, músicos, Categoría:Músicos)

5. La pintura renacentista
Este abarca el período de la historia del arte europeo entre el arte de la Edad
Media y el barroco.
Como todo el arte del Renacimiento, la pintura de esta época está relacionada con
la idea de volver a la antigüedad clásica, el impacto que tuvo el humanismosobre
artistas y sus patronos, gracias a la adquisición de nuevas sensibilidades y técnicas
artísticas.
Características
Hay una serie de características que distinguen la pintura renacentista de su
inmediata antecesora, la pintura medieval.
 Evocación de lo antiguo, cuya belleza idealizada pretendían tomar como
ejemplo.
 Observación viva de la naturaleza. Los cuadros se sitúan en paisajes naturales
que se intentan recrear con fidelidad, o en marcos arquitectónicos, en los que
columnas, frontones, palacios y templos sirven de excusa a alardes de
perspectiva.
 La figura humana se convierte en centro y medida de todas las cosas. El estudio
de la anatomía, incluso la realización de autopsias, ayuda a los artistas a
comprender la realidad del cuerpo humano y sus mecanismos de movimiento,
de manera que lo representan de forma más realista pero normalmente,
idealizada.
 Dominio de la perspectiva, y de las técnicas compositivas.

6.  Los efectos de luces y sombras como el claroscuro o la grisalla. De ahí técnicas
nuevas como elesfumado (efecto brumoso, técnica en la que destacó Leonardo
da Vinci).
 Continúan realizándose decoraciones murales al temple y al fresco.
 Se extiende el uso del lienzo, que es más económico que la tabla. Los grandes
retablos, en que cada cuadro es parte de un tema más amplio, pierde presencia,
en favor del cuadro único, bien como tabla de altar, bien como lienzo. Se adopta
de manera casi exclusiva la pintura al óleo. Jan Van Eyck sin haberla inventado,
mejora la técnica de la pintura con este material. En Italia, sin embargo, se
conserva la pintura sobre tabla y la técnica del temple en la pintura llamada ≪de
caballete≫. Es principalmente enVenecia donde, por influencia flamenca, se
introduce el uso del óleo
El Renacimiento italiano creó una verdadera revolución en la pintura. Italia fue el
foco primero y principal del Renacimiento en todas sus manifestaciones, del siglo
XV al XVI. Un directo antecesor de esta nueva sensibilidad fue Giotto, maestro que

7. rompió con el estilo bizantino. Sustituyó el típico fondo dorado por escenarios
naturales.6
La pintura del Quattrocento se desarrolló primero con la obra de Fra Angelico y
sobre todo de Masaccio (1401-1428), que creó una nueva sensibilidad, totalmente
ajena al gótico. Logra la sensación de espacio a través del uso metódico de
la perspectiva lineal, como puede verse en laTrinidad de Santa María
Novella (h. 1420-1425). Con el Humanismo, el hombre se sitúa en el centro de todas
las cosas, y es la medida de referencia. La perspectiva debe entonces respetar las
leyes físicas del mundo, y la relación entre luz y sombra en los cuerpos. Masaccio
quiere representar en sus cuadros la realidad «objectiva». Tradicionalmente es
considerado el primer pintor moderno. Introdujo en el arte occidental la noción de
verdad óptica, de perspectiva y de volumen.
Esta investigación sobre la geometría y la matemática fue seguida por Paolo
Ucello, Andrea del Castagno y Fra Filippino Lippi. Conviene destacar a Piero della
Francesca (1416-1492), quien se interesó por los tratados de Vitrubio, pensador
latino del siglo I, que desarrolló en sus escritos el arte de la razón, el sentido de la
medida y del equilibrio (desarrolla un modelo de ciudad romana con las
proporciones "ideales"). La pintura exige la adecuación entre la visión de la imagen
pintada y la de los objetos en el espacio. Este principio se traduce en la
representación de los objetos más distantes de menor tamaño que los que están
más cercanos. Piero della Francesca estudió el realismo visual y la perspectiva
lineal, como puede verse en su Flagelación de Cristo, 1477-1479, Urbino.

8. Pintura flamenca
Jan Gossaert, Retrato de Balduino de Borgoña, h. 1530- 1540.
En el siglo XVI, la reforma protestante provoca una progresiva separación entre las
provincias meridionales, católicas, de las septentrionales, protestantes e
iconoclastas, en las que se produce destrucción de pintura religiosa y la autonomía
de géneros como el paisaje, el bodegón o la escena de género. Este proceso que
culminó en el siglo XVII se inicia durante el renacimiento.
En Bélgica se produce la paulatina decadencia de Brujas, apreciándose
influencia leonardesca en pintores como Adriaen Isenbrandt yAmbrosius Benson.
Creció la Escuela de Amberes, con las obras de Quintín Metsys, que es el pintor
que mejor refleja la influencia de Leonardo da Vinci,7 Bernard van Orley y Jan
Gossaert, llamado Mabuse, quien tuvo un período de Italia aunque sin alcanzar la
elegancia de los modelos italianos.8 Pueden diferenciarse dos tendencias:
romanistas o italianistas, del siglo XVI.
reaccionarios, del siglo XVI.
Escuela de italianistas
La escuela de los italianistas se forma con los maestros que habiendo estudiado en
las escuelas de Italia amalgamaron el estilo idealista de ella con el realismo
flamenco sin lograr una fusión verdadera y sin obtener ventajas para uno y otro. Se
destacan:
Jan Gossaert, llamado Juan de Mabuse de quien es una Virgen con el Niño en
el Museo del Prado y otra semejante en el de Berlín
Bernard van Orley, que tiene una Sagrada Familia en el mencionado Museo de
Madrid, quizás demasiado realista.
Michel Coxcie, discípulo de Orley, autor del Tránsito de la Virgen y de otros cuadros
en la misma colección española.
Joachim Patinir, pues concede gran importancia al reflejo naturalista del paisaje en
sus obras. Un manierismo de influencia miguelangelesca se encuentra en pintores

9. comoHemessen y Marinus. Cabe mencionar, finalmente, dentro
del género del retrato a Antonio Moro.
Escuela de reaccionario
Contrarios a los italianistas por sistema, surgieron los que por lo mismo pueden
llamarse reaccionarios, artistas llenos de ingenio, poesía y originalidad y muy
populares en sus asuntos. Sobresale la familia de los Brueghel, sobre todo, el
primero de este nombre Pieter Brueghel el Viejo, pintor de costumbres aldeanas y
que sirve de puente entre la fantasía del Bosco y la escena de género barroca. Este
mismo reflejo realista de la vida cotidiana se puede ver en los cuadros religiosos
de Pieter Aertsen y Joachim Beuckelaer.
Pintura holandesa
.
Las escuelas holandesas empiezan con Lucas van Leyden (1494-1533) quien se
formó en el estilo de los flamencos italianistas como lo revelan sus cuadros
del Sermón en el Museo de Ámsterdam y el San Jerónimo y la Virgen con el Niño en
el de Berlín. Muy pronto la invasión del protestantismo disipó el verdadero ideal en
la pintura holandesa y aunque sigue italianizante en el siglo XVI se limitan los
asuntos a pintar las costumbres y paisajes del país.
Martin van Heemskerck fue uno de los principales retratistas, aunque también se
dedicó a la pintura de historia. En Utrecht nació el retratista Antonio Moro (h. 1519 -
h. 1576-78), considerado creador de un tipo de retrato cortesano que se diufundió
por toda Europa.
La organización democrática de Holanda dio lugar a que se realizaran los primeros
retratos colectivos, en los que se destacará Frans Hals (1580-1666), de la ciudad
de Haarlem.

10. Pintura española
Fernando Yáñez de la Almedina:Santa Catalina.
En España, por proximidad geográfica y lazos de todo tipo (históricos, comerciales,
etc.), los modelos del Renacimiento italiano llegaron por la Corona de Aragón,
difundiéndose más tardíamente en Castilla, donde prevalecía la influencia del gótico
flamenco. Lafuente Ferrarihabla de cierta resistencia española al estilo renacentista,
que explica por la fidelidad a la pintura hispanoflamenca, los escasos pintores
españoles que realmente viajaron a Italia y cierta desconfianza hacia unos modelos
que se percibían como paganizantes.9
A diferencia de Alemania o Italia, aquí había un fuerte poder centralizado, por lo que
era escasa la iniciativa cultural y artística de los municipios. Los mecenas del
Renacimiento español fueron la Corte, la Iglesia y la nobleza.10 Siendo la iglesia
católica uno de los principales, si no el más importante, de los mecenas, los temas
fueran predominantemente religiosos. Sólo en las colecciones reales y en las de
algún noble podía verse otro tipo de pintura, generalmente obra de autores italianos.
No es fácil determinar, en España, cuándo las formas del gótico internacional dieron
paso a las formas renacentistas. No hay una ruptura clara. Autores como Jaime
Huguet (1414-95) ya habían sentido la influencia italiana, pero el italianismo y el
alejamiento de los modelos flamencos no se produjo hasta el siglo XVI.11
Se suele dividir la pintura renacentista de España en tres períodos diferentes, todos
del siglo XVI:
Primer tercio
Sobre una base de estilo gótico flamenco, se empiezan a adoptar algunos modos
italianizantes.
El cuatrocentismo italiano penetra en España a través de Valencia, con los
Osona: Rodrigo de Osona, conocido por el Calvario de San Nicolás de Valencia y La
adoración de los Reyes (National Gallery, Londres), y a su hijo Francisco Osona,

11. quien incorpora los fondos de arquitecturas propios del renacimiento; y Paolo de
San Leocadio, pintor italiano en un estilo cuatrocentista.
La influencia de los grandes maestros renacentistas se refleja en dos pintores
manchegos de Valencia: Fernando Yáñez de la Almedina, cuya influencia
leonardesca es evidente y Fernando de los Llanos. Se les puede
considerar puristas, en el sentido de que importan directamente el Renacimiento
puro, a diferencia de otros autores que seguían con el medieval espíritu
hispanoflamenco.12 Trabajaron juntos en las puertas del retablo mayor de
la catedral de Valencia, considerada una de las más importantes obras del
Renacimiento en España.13
En Castilla, destaca Pedro Berruguete (c.1450-1504) a quien se considera figura
que representa especialmente bien la transición del estilo gótico internacional al
italiano, quien combina las novedades romanas como el uso de arquitecturas, o la
preocupación por la luz, con elementos flamencos;14 y el flamenco Juan de
Flandes quien trabajó para Isabel I de Castilla.
En la catedral de Toledo se encuentra la obra de otro extranjero, Juan de Borgoña,
de formación italiana, quien realizó las pinturas de la sala capitular de la Catedral.
Finalmente, Alejo Fernández trabaja en Andalucía, en un estilo ecléctico que se
muestra, en unos cuadros, más flamenco, y en otros más italianizante.15 Produce
algunas obras ≪delicadas un tanto arcaicas≫16 como la Virgen de los
Navegantes para la Casa de Contratación (Alcázar de Sevilla).
Segundo tercio
A la influencia de autores como Rafael y los del manierismo se une la de pintores
flamencos de la época.
En Valencia, Vicente Macip y su hijo Juan de Juanes (1523-1579), en quienes se
denota la influencia de Rafael. Sus modelos iconográficos fueron posteriormente
muy imitados, como la Santa Cena de Juan de Juanes que puede verse en el museo
del Prado.
En Castilla, Alonso de Berruguete y en Toledo, Juan Correa de Vivar.
En Granada, pintó el arquitecto Pedro Machuca, con obras como las que se guardan
en el Museo del Prado, Virgen del sufragio y un Descendimiento que evidencian un
estilo purista;17 y en Sevilla, Luis de Vargas (1506-1568), y los flamencos Pedro de
Campaña (1503-1563), autor del Descendimiento de la catedral de Sevilla18 y
Hernando Sturmio (1539-1557).19
El extremeño Luis de Morales (1509-1586) destaca por sus pinturas religiosas de
Vírgenes, que crean un modelo posteriormente muy repetido. En él confluyen no
sólo el estilo manierista, sino algunos resabios flamentos, y anticipa
el tenebrismo del primer Barroco.20

12. El Greco: El caballero de la mano en el pecho.
Último tercio
Predomina la influencia de la pintura veneciana, por la que los dos monarcas de
este siglo (Carlos V y Felipe II) mostraron preferencia. Se cultiva particularmente el
retrato. Considera Lafuente Ferrari que el cromatismo de la escuela veneciana, y su
carácter nórdico eran más apropiados a la sensibilidad artística hispana, por lo que
su influencia fue más fecunda.21
Ejemplo de influencia miguelangelesca de figuras musculosas es Gaspar
Becerra (1520-1570), autor de uno de los pocos ejemplos de temática mitológica: la
historia de Perseo pintada al fresco en una de las torres del Palacio del Pardo.
La magna obra de El Escorial atrae a pintores italianos como Luca
Cambiasso, Federico Zuccaro o Pellegrino Tibaldi (bóveda de la Biblioteca). Entre
los pintores españoles cuya obra se puede relacionar con el monasterio, se
encuentran Juan Fernández Navarrete (1526-1579) llamado El Mudo, influido por
autores de la escuela veneciana como Tiziano o Tintoretto22 y Luis de Carvajal.
Pero la figura más destacada de la época, y uno de los grandes maestros de la
pintura universal, fue El Greco (1541-1614) que, venido a trabajar en el monasterio,
no gustó a Felipe II y terminó trabajando en Toledo desde 1579 hasta su muerte en
1614. Allí pintó obras destacadas como el retablo mayor de Santo Domingo el
Antiguo y el Expolio en la sacristía de la catedral.23 En su obra maestra, el Entierro
del Conde de Orgaz, consigue una fusión entre el mundo real y el más allá,
relacionando ambos espacios.24
En la corte trabajaron retratistas notables: Antonio Moro que retrató a María Tudor y
al emperador Maximiliano II, entre otros; influido por él estuvo Alonso Sánchez
Coello (1531-1588) quien pintó a Felipe II, a su medio hermano Don Juan de
Austria o a la infanta Isabel Clara Eugenia, entr otros, con realismo, pero también
una soltura de pincel propia de la escuela veneciana;25 Juan Pantoja de la
Cruz (1553-1608) más tardío, se va acercando a la sensibilidad barroca;
y Bartolomé González (1564-1627).

13. Pintura alemana
En Alemania existía una poderosa escuela gótica de gran patetismo, violencia
y expresionismo. Las formas del Renacimiento italiano llegan a principios del siglo
XVI.26
Autorretrato (1498) de Durero, Museo del Prado.
El pintor más destacado del Renacimiento alemán, y uno de los grandes maestros
de la Pintura occidental fue Alberto Durero (1471-1528). Visitó Venecia donde
conoció la obra de autores como Bellini; este autor, junto con Mantegna fueron sus
influencias más directas. Tras un viaje por los Países Bajos, adoptó ciertos rasgos
de la pintura flamenca como el plegado de los paños. Inclinado al dibujo y a una
realista representación de la naturaleza, destacó como grabador, uno de los mejores
de todos los tiempos, usando la técnica de la xilografía y también
la calcografía (grabados en cobre).27 Destaca toda su serie de autorretratos y el
estudio de desnudo que hace en los muy clásicos Adán y Eva (1507) que se
conservan en el Museo del Prado.
Principales pintores alemanes
Matthias Grünewald (c.1470-1528) el más cercano a la tradición gótica. Destaca
su retablo de Isemheim (1510)
Hans Holbein el Joven (c.1497–1543) hijo de un pintor que se sitúa más en el estilo
del gótico, destacó como retratista en la corte de Enrique VIII de Inglaterra.
Lucas Cranach el Viejo (1472-1553) aunque realiza algunos temas mitológicos, es
rcordado sobre todo por sus retratos de los líderes de la Reforma, pues se considera
que este artista es "el más directamente comprometido con el protestantismo".28
Albrecht Altdorfer (c.1480-1538) destacó por su dedicación al paisaje, inaugurando
la que vino a ser conocida como escuela del Danubio.
De la época manierista cabe citar las extrañas pinturas de Giuseppe Arcimboldo, un
italiano que trabajó en la corte del emperadorRodolfo II en Praga.

14. Pintura francesa
Escuela de Fontainebleau: Diana cazadora, 1550-1560.
En Francia se inicia el renacimiento con autores de clara influencia flamenca,
como Jean Bellegambe (1470-1534), que se inspira en los artistas de Amberes. En
torno a las cortes de Francisco I y Enrique IV se dan dos escuelas llamadas de
Fontainebleau, que siguen modelos italianizantes.
Francisco I llamó a su corte a Leonardo da Vinci y Andrea del Sarto. Pero fueron
artistas italianos posteriores los que dominaron la primera escuela de
Fontainebleau. En el palacio de Fontainebleau trabajaron
decoradores italianos como Rosso, Primaticcio y Niccolò dell'Abbate. Muchas de
estas decoraciones de Fontainebleau se divulgaron gracias a la labor de
diversos grabadores, como el francésJean Mignon.
En esta época alcanza gran esplendor el género del retrato, con Jean Clouet y su
hijo François. El primero realiza lienzos mitológicos yretratos dibujados o a lápiz.
François busca la caracterización social de sus modelos, aproximándose más a los
modelos italianos y flamencos.
Otro retratista predominante que trabaja en Francia, más próximo a Jean Clouet que
a su hijo, es Corneille de Lyon, también conocido como Cornelys, llamado de Lyon
o de la Haya, posiblemente holandés.
En París trabajan los Cousin, padre e hijo. Jean Cousin padre, llamado el Viejo para
diferenciarlo de su hijo, Jean Cousin el Joven, realizó el primer gran desnudo
pintado por un artista francés: Eva Prima Pandora (Museo del Louvre).
A finales de siglo, recuperada cierta paz social tras las guerras de religión, el rey
Enrique IV reemprende los grandes trabajos decorativos, naciendo así una
«segunda escuela de Fontainebleau» que agrupa a los diversos artistas que
trabajaron en el castillo.

15. Principales Pintores
Alberto Durero (1471-1528
Durero nació en Nuremberg y se adiestró en los talleres de orfebrería de su padre.
Hizo dos visitas prolongadas a Venecia y después trabajó durante siete años para
el emperador Maximiliano I en Nuremberg donde, en parte de ese período, recibió
un sueldo anual de 100 florines holandeses. Intercambió obras con el pintor italiano
Rafael y viajó a Amberes donde se encontró con Gruñewald, un artista del norte.
Su primera pintura conocida es un autorretrato que terminó cuando tenía 13 años.
Fue el más grande pintor, grabador y autor de xilografías del Renacimiento alemán.
Descolló en los dibujos, que son generalmente realistas, aunque hay algunos
simbólicos, como el retrato de su madre y El Caballero, la Muerte y el Diablo.
Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564)
La madre de Miguel Ángel murió cuando él tenía seis años. Aproximadamente a los
10 años fue a Florencia y a los 13 se convirtió en aprendiz en el taller de Domenico
Ghirlandaio. Asistió a la Escuela de Escultura de los Jardines Medici bajo la tutoría
de Bertoldo di Giovanni, un alumno de Donatello. Allí estudió la escultura de los
griegos y romanos y escuchó ias enseñanzas de Ficino en el palacio de Lorenzo de
Medici. Pasó la mayor parte de su vida en Florencia. A los 60 años dejó Florencia y
se trasladó a Roma. Miguel Ángel fue el escultor más grande del Renacimiento y
sus pinturas son comparables con las de Leonardo y Rafael. Entre sus obras más
importantes se encuentran los frescos del techo de la Capilla Sixtina y el Juicio Final
detrás del altar, sus esculturas de David, los dos Esclavos Moribundos, las tres Pieta
y las figuras para las tumbas de Julio II y los Medici.

16. Rafael Sanzio (1483-1520)
Hijo de un pintor mediocre, nació en Urbmo y disfrutó la atmósfera de la corte de los
Montefeltro. Fue amigo de Castiglione, cuyo retrato pintó. En 1504 fue a Florencia
y estudió a Leonardo y a Miguel Ángel. Cuatro años después Bramante lo alentó
para que fuese a Roma y allí recibió encargos del Papa Julio II, para realizar
pinturas.
Posteriormente, León X le pidió que diseñara tapices para las paredes de la Capilla Sixtina,
y Rafael hizo los dibujos. Aunque murió a los 37 años, Rafael llegó a ser uno de los mejores
artistas del Renacimiento.
Tiziano (1485-1576)
Su nombre fue Tiziano VecCellio. Es reconocido como el más grande pintor
veneciano del Renacimiento. Aprendió su oficio en los talleres de Gentile y Giovanni
Bellini y durante un breve período recibió una fuerte influencia de Giorgione. Uno de
sus protectores fue Alfonso d’Este, duque de Ferrara, para quien pintó su famoso
Buco y Aríadna.
Muchas de sus pinturas trataban temas religiosos o mitológicos y estaban llenas de
color y vitalidad. Durante la década de 1530 comenzó a pintar muchos retratos
importantes, que incluyen el del Emperador Carlos V y el del Rey Francisco I de
Francia. Se convirtió en el pintor de la corte de Carlos V, quien lo nombró caballero.
Luego pintó para el hijo de Carlos, Felipe, rey de España. También visitó Roma y
pintó el retrato.

17. Donatello (1386-1466)
Donatello nació en Florencia. Probablemente aprendió lo que era la escultura
observando a los albañiles que trabajaban en la catedral de Florencia. Su primera
obra es del 1408/9: una estatua de David hecha en mármol.
Sus estatuas de San Marcos y San Jorge fueron las dos primeras del Renacimiento
que se mantuvieron en pie sin estar apoyadas contra una pared. Después trabajó
en bronce y su famoso David, de gran tamaño, fue la primera estatua esculpida de
modo que se sostuvo parada sin apoyo. Además, fue la primera estatua de bronce
fundido desde los tiempos clásicos. Donatello también esculpió una gran estatua
ecuestre que sirvió de inspiración para todas las ciernas de su tipo. Hacia el final de
su vida, comenzó a tallar en madera.
Paolo Uccello (1397-1475)
Uccello nació en Florencia y era el hijo de un barbero-cirujano. Fue miembro del
taller de Ghiberti y luego se mudó a Venecia, donde trabajó durante unos cinco años
realizando mayólicas. En 1431 regresó a Florencia y más tarde pintó en la Catedral
la efigie de Sir JohnHawkwood, el condottiero inglés.
También permaneció algunos años en Padua. Los trabajos de Donatello y las teorías sobre
arquitectura y perspectiva de Alberti influyeron en su pintura. Sus cuadros más famosos son
las tres grandes escenas de batalla de la Derrota de San Romano i 14561 que fueron
encargadas por Cosimo de Medici. En ellos son muy importantes los detalles decorativos, los
paisajes y la perspectiva.

18. Giotto (1266/7-1337)
Giotto nació cerca de Florencia y se lo considera el primero de los grandes pintores
italianos. Fue educado por el artista Cimabue y trabajó en Asís, Padua, Roma,
Florencia y Nápoles, donde fue nombrado en 1330 familiar o miembro de la casa
real.
En 1334 fue designado veedor de la catedral de Florencia y arquitecto de la ciudad,
no por su reputación como tal, sino por su fama como pintor.
Sus cuadros son interesantes porque los personajes dan la impresión de vivir
realmente los dramas de las historias religiosas y contrastan con las pinturas sacras
de la Edad Media, que eran planas y sin vitalidad.
Peter Breughel (aprox. 1525-69)
Breughel fue uno de los más famosos pintores del norte. En 1551 se integró al
gremio de pintores de Amberes. Doce años después se mudó a Bruselas, donde
permaneció el resto de su vida. A Breughel le gustaba mucho pintar grandes escenas
concentró más su interés en las personas mismas. Sus pinturas demuestran la forma
en que el hombre enfrentaba las cosas insignificantes y los rigores de la vida
cotidiana.
Aunque era una persona de ciudad, culta, los personajes de sus cuadros son
generalmente campesinos, llenos de energía y humor, unas veces .simples y otras
crueles. Bosch, otro pintor del norte, influyó en su obra.

19. Filippo Brunelleschi (1377-1446)
Nació en Florencia y estudió escultura. Después de perder frente a Ghiberti el
concurso para diseñar las puertas del Baptisterio de Florencia, se trasladó a Roma
junto con su amigo Donatello. Allí dibujaron y midieron todas las ruinas antiguas que
encontraron.
A los dos se les conocía risueñamente con el apodo de “los buscadores de tesoros”
Cuando regresó a Florencia, Brunelleschi fue comisionado para construir la cúpula
de la Catedral, que fue probablemente su mejor trabajo. Controló cada detalle de la
construcción y el decorado. Sus ideas sobre la arquitectura clásica tuvieron influencia
sobre los artistas y arquitectos de la época y se convirtió en una de las principales
figuras del Renacimiento.

20. La pintura neoclásica
es un movimiento pictórico nacido en Roma en la década de 1760 y que se
desarrolló en toda Europa, arraigando especialmente en Francia hasta
aproximadamente 1830, en que el Romanticismo pasó a ser la tendencia pictórica
dominante.
El Neoclasicismo se sitúa entre el Rococó y el Romanticismo. Pero en muchas
ocasiones, el tránsito de uno a otro estilo no es fácil, porque tienen rasgos
semejantes. Si lo característico del Neoclasicismo era revivir otra época, en
concreto la Antigüedad clásica, realmente no se diferencia de intentar recrear
Arte Barroco
El siglo XVII es por excelencia el Siglo de Oro de la pintura española, y en él
florecieron la mayor parte de las escuelas artísticas nacionales, siendo la valenciana
una de las más fecundas. Su clientela eclesiástica y conventual promoverá
aparatosos lienzos de altar, en los que triunfa de manera portentosa la gloria de los
santos, representados con óptica naturalista y conmovedores efectos de luz.
Museo de Bellas Artes de
Valencia.
Sala Francisco Ribalta.
El predominio del tenebrismo
naturalista de influencia italiana
había empezado tímidamente en
El Escorial, y llega a Valencia de
la mano de Francisco Ribalta,
quien iniciará una escuela
particularmente definida tras su
establecimiento en esta capital en
1599. Su producción pictórica es
toda una lección del ambiente
escurialense con evocaciones de
Cambiaso, Zuccaro, Tibaldi, pero en Valencia evoluciona hacia un arte de profundo
sentimiento religioso motivado por la contemplación de los cuadros de Sebastiano del
Piombo que tenía la familia Vich, como se observa en el Encuentro del Nazareno con
su madre. Uno de sus mejores logros naturalistas es San Francisco abrazado al
crucificado, en el que una luz dirigidacontribuye al arrobo místico y fervorosa entrega
del franciscano; y el prodigioso Retablo de la Cartuja de Portacoeli, realizado entre
1625-28, del que llama la atención la monumental apostura de los modelos
naturalistas, destacando el San Bruno por su intensidad expresiva.

21. la Edad Media o la vida en países orientales, pues en ambos casos se recurría a
temas exóticos, ajenos a la realidad de la sociedad en la que elpintor trabaja. En
Francisco Ribalta.
San Francisco abrazado al crucificado
Lienzo, hacia 1620.
No menos importante es la pintura de su
hijo, Juan Ribalta, con obras de gran impacto
como la Santa Cena deudora de la ejecutada
por su padre para el Colegio de Corpus Christi;
o el majestuoso lienzo de los Preparativos para
la crucifixión, firmado con dieciocho años de
edad y pintado para el Monasterio de San
Miguel de los Reyes, en el que manifiesta sus
dotes naturalistas junto a unos violentos
escorzos y claroscuros, que unidos a los
cambios de escala acentúan la profundidad del
espacio.
Juan
Ribalta.
Preparativos para la crucifixión.
Lienzo, 1615.
De los restantes pintores ribaltescos, hay que
mencionar a: Vicente Castelló, yerno de
Francisco Ribalta, al que se le atribuye una
bellísima Coronación de la Virgen por la
Trinidad; Abdón Castañeda, menos refinado
en sus pinceles, como se advierte en
la Virgen con ángeles músicos. Muy curiosa
es la personalidad de Gregorio Bausá, con un
grandioso Apostoladocon ciertos influjos
de Orrente.
Tras los Ribalta, es Jerónimo Jacinto de
Espinosa el pintor seiscentista mas
importante en Valencia. Contemporáneo de
los grandes pintores del barroco español (Zurbarán y Velázquez), su pintura es
ejemplo vivo de un naturalismo áspero y crudo dotado de un profundo sentimiento
religioso, como puede apreciarse en el Jesús niño de la Misa de San Pedro Pascual,
y de una gran captación psicológicade las expresiones, como acontece en San Pedro
Nolasco intercediendo por sus frailes enfermos, o al retratar al fraile dominico Fray
Jerónimo Mos. También su fidelidad a la corriente contrarreformista se deja ver en
lienzos como Ángeles dorando la Eucaristía, composición de gran predicamento

22. iconográfico, o La Magdalena, donde una violenta luz tenebrista de gran impacto
subraya la fuerza expresiva de su bella figura.
Jerónimo Jacinto de Espinosa.
Retrato del dominico fray Jerónimo Mos.
Lienzo, 1628.
Otro valenciano universal de la pintura barroca es el
setabense José Ribera, quien desarrolló casi toda su
producción artística en Nápoles. El Museo cuenta
con un espléndido cuadro del Martirio de San
Sebastián atendido por Santa Irene y una esclava, en
el que desploma diagonalmente el apolíneo cuerpo
del santo con un gran dominio del dibujo bajo un
efecto de luz contrastada. Los
filósofos Pitágoras y Heráclito son a su vez dos
brillantes ejemplos de su personalísima
interpretación del naturalismo a partir de una técnica
empastada y vibrante ya en su fase de madurez.
Contemporáneos de Ribera en Valencia son los
March. Tanto Esteban, el padre, cuya personalidad
agitada traslada a sus dinámicos cuadros de batallas
bíblicas, sobresaliendo Josué parando el sol, como
su hijo Miguel, quien en San Roque socorriendo a los
apestados concibe una composición dinámica y abierta a partir del entrecruzamiento
de líneas diagonales.
José de Ribera.
Pitágoras.
Lienzo, hacia 1630
Dentro de ese gusto por recrear con todo
verismo los objetos, triunfan los cuadros de
naturalezas muertas, bodegones, que en
algunos casos, adoptan una significación
simbólica, como acontece en las Alegorías
de los sentidos, de Miguel March, cuatro
lienzos pertenecientes, seguramente, a una
serie más amplia. El más significativo de los
bodegonistas valencianos será Thomas
Yepes, con obras como Cazador
dormido y Cazador bebiendo, y un
excelenteBodegón con cerámica, típico de
su modo de hacer basado en una cerámica

23. realidad, clasicismo y Romanticismo son tendencias estilísticas burguesas que
reaccionan frente al aristocrático rococó, y como tal ideología burguesa, aspira tanto
al orden y la estabilidad, como a la libertad que les era negada por el Antiguo
Régimen; del mismo modo, es la burguesía la que se plantea la dialéctica entre
larazón, que defiende un sistema político más racional que el del Antiguo Régimen,
y el sentimiento, muchas veces puro sentimentalismo burgués frente a la cínica
frialdad e indiferencia de la aristocracia. En este sentido, el Neoclasicismo
representaría la aspiración a un orden regido por la razón, mientras que el
Romanticismo representaría las igualmente burguesas ideas de libertad en un
mundo dominado por el sentimiento individual.
decorada repleta de frutos en disposición simétrica bajo un efecto de trompe l´oeil.
Thomas Yepes.
Bodegón con cerámica.
Lienzo, siglo XVII.
Por otra parte el Museo también
cuenta con una selecta colección
de pintura barroca española con
nombres tan relevantes como: el
murciano Pedro Orrente, que
también trabajó en Valencia, con
un estremecedor Martirio de
Santiago el Menor, en el que el
juego de luz y contraluz adquiere
un protagonismo especial; el
popular Bartolomé Esteban Murillo, está representado con un dulcificado San Agustín
lavando los pies a Cristo, realizado para el convento de San Leandro en Sevilla, en
el que encarna un tipo de devoción que se complace en lo agradable; el también
andaluz Juan Valdés Leal, con un San Antonio de Padua y el Niño Jesús, en el que
desdeña la belleza del conjunto y se interesa más por la expresión del santo; Alonso
Cano, con el gran lienzo de San Vicente Ferrer predicando, donde triunfa el colorido
claro y la pincelada suelta. De Juan de Pareja es un Retrato del arquitecto José Ratés
Dalmau; del teórico pintor y fresquista Antonio Palomino, asentado en Valencia desde
1699, es La Iglesia militante y la Iglesia triunfante, una compleja composición
alegórica que luego traducirá al fresco en la Iglesia de San Esteban de Salamanca.
También la escuela madrileña está representada por el pintor de la corte de Felipe
IV Francisco Fernández en un excelente cuadro de Saul atentando contra David,
donde muestra una agitada composición deudora de Carducho y Jusepe Leonardo;
y Antonio de Pereda, con una monumental Crucifixión. El
soberbio Autorretrato de DiegoVelázquez, obra señera del Museo, constituye en este
grupo la pieza más sobresaliente.

24. Pedro Orrente.
Martirio de Santiago el Menor.
Lienzo, 1639
Bartolomé Esteban Murillo
San Agustín lavando los pies a Cristo
Lienzo, hacia 1650 - 1655.
Alonso Cano.
San Vicente Ferrer predicando.
Lienzo, 1644.
Diego Velázquez.
Autorretrato.
Lienzo, hacia 1650.

25. Valerio Castello.
Rapto de las Sabinas
Lienzo, hacia 1650.
De las escuelas internacionales
del Barroco hay que mencionar la
italiana, con figuras tan
principales como: Luca Giordano,
con elMartirio de San Bartolomé,
en el que asimila la influencia de
la pintura de José de Ribera; las
pinturas mitológico decorativas
deValerio Castello, como el Rapto
de las Sabinas en la que tanto el
color como la técnica están al servicio del dinamismo conferido a la escena
representada; el un tanto ecléctico Domenico Fiasella, con un decorativista Festín de
Baltasar exponente del barroco genovés; Antonio Lazzarini, con un bello David
vencedor; yRutilio Manetti con el cuadro Loth y sus hijas, tratado como una escena
de taberna a la manera caravagesca con efectos de luz.
Daniel Seghers.
Guirnalda de flores con la Asunción de la
Virgen.
Lienzo, siglo XVII.
Finalmente los cuadros flamencos de Daniel
Seghers con dos características
composiciones de Guirnalda de flores con la
Asunción de la Virgen y Guirnalda de flores
con el Noli me Tangere, que ejemplifican la
estética y gusto ornamental del barroco; el
holandés Matthias Stomer, cuyo San
Sebastián atendido por Santa Irene y una
esclava es un buen ejemplo del modo de
hacer de los artistas denominados
caravagistas nórdicos.
Otras piezas singulares son los
curiososBodegón de crustáceos y Bodegón
de ostras, deOnofrio Loth, cargados de
virtuosismo técnico y exuberancia colorista; o los cuadritos flamencos de pequeño
formato como Paisaje, de Jan Frans Bloemen, con impresionantes efectos
lumínicos;Jan Pieters, y sus barcos en Naufragio; elcírculo de Jan Josephs van
Goyen, con una brumosa Marina con torre y barcas, en la que se conjugan las

26. Y ello sin olvidar que en este período neoclásico de 1760-1830 trabajaron artistas
como Goya, Füssli o Blake, que escapan a cualquier clasificación, ensalzando más
lo irracional y la locura que la serenidad a la antigua. E igualmente coincide en el
tiempo con el movimiento prerromántico alemán del Sturm und Drang.
Pintores
arquitecturas con grupos de personajes; y el Retrato ecuestre de D. Francisco de
Moncada, Marqués de Aytona, atribuido a Anthon Van Dyck, claro ejemplo de cuadro
de aparato, refinado y selecto, en el que consigue efectos de una extraordinaria
distinción, colorido y brillantez, que lo sitúan muy próximo al que conserva el Museo
del Louvre.
Onofrio Loth.
Bodegón de crustáceos
Lienzo, siglo XVII.

27. Giovanni Battista Piranesi
Profesión: Arquitecto y grabador
Arquitecto y Grabador
Origen: Italiano
Nacimiento: 4 de Octubre de 1720
Muerte: Roma 9 de Noviembre de 1778
Antonio Canova
Profesión: Escultor
Origen: italiano
Nacimiento:1 de noviembre de 1757
Muerte: Venecia 13 de octubre de 1822
Importancia artística: Escultor de algunos papas de la época, en el culmen de su
carrera fue escultor de Napoleón Bonaparte y su familia.
Sus obras más importantes:
1. Venus Victrix
2. Psique y Cupido
3. Hércules y Lica
Anton Raphael Mengs
Profesión: Pintor
Origen: Checo
Nacimiento: Bohemia, 1728 (antiguamente perteneció a Checoslovaquia)
Muerte: Roma 1779
Importancia artística: Fue pintor de la nobleza, realizo muchos retratos de reyes y
sus familias. Sus ideas sobre los modelos clásicos influyeron en los demás artistas
neoclásicos.

28. Jacques-Louis David
Profesión: Pintor
Origen: francés
Nacimiento: (30 de agosto de 1748 – 29 de diciembre de 1825)
Muerte:
Importancia Artística: Fue un activo participante en la Revolución Francesa y
amigo de Maximilien de Robespierre; durante esta época se le consideró el líder
de las artes bajo la República Francesa.
Jean Auguste Dominique Ingres
Profesión: Pintor
Origen: francés
Nacimiento:
Muerte:
Importancia artística: Muchos lo consideran un artista neoclásico, sin embargo
para otros muchos conocedores del arte es un defensor del dibujo más bien
realista y romántico.
La pintura romántica

29. Características generales. La pintura romántica rechaza las convenciones
neoclásicas y sus rígidas reglas; supone un momento de renovación técnica y
estética de importantes consecuencias para el futuro:
• Utiliza diferentes técnicas: el óleo, acuarelas, grabados y litografías.
• La textura comienza a ser valorada en sí misma y aparecen las superficies rugosas
junto con las formas más sutiles. La pincelada es libre, viva y llena de expresividad.
• Desaparece la línea frente al color. Se recupera la potencia sugestiva del color,
liberándose las formas y los límites excesivamente definidos. Es el agente
emocional de primer orden
• La luz es importantísima y se cuidan sus gradaciones dando un carácter efectista
y teatral.
• Las composiciones tienden a ser dinámicas, marcadas por las líneas curvas y los
gestos dramáticos. Algunos autores como Friedrich prefieren esquemas
geométricos más reposados.
• En cuanto a los temas lo característico es la variedad, aunque existen
características generales sobre el tratamiento de los temas. Surge el exotismo de la
memoria de unmisterioso y glorioso pasado que incluye desde la antigua Grecia
hasta la edad Media, en especial la época gótica. El gótico es el estilo por
excelencia. En la pintura se recogen arquitecturas góticas, leyendas, momentos
históricos, etc.
El exotismo también en una amplitud geográfica que incluye el mundo desconocido
delnorte de Africa y la nueva América salvaje. Se descubre Oriente, que ofrece la
luz y el color, así como nuevos temas. Por último la fantasía , y sobre todo el drama
con un obsesivo sabor por la muerte, la noche y las ruinas, así como por los
monstruos y las criaturas anormales.
Otro gran descubrimiento del Romanticismo es la Naturaleza y el cultivo del género
delpaisaje, que será exhaustivo. Se pintan paisajes fantásticos, imaginativos, de
estudio, evocados, etc. El pintor se enfrenta a la realidad del paisaje, salen al
exterior. Por ejemplo los paisajistas alemanes, con Friedrich a la cabeza, proponen
el paisaje espiritual, que ayuda a la evocación religiosa por medio de su grandeza.
Valoran los estados atmosféricos, como la niebla.
También reivindican la individualidad, el culto al individualismo. El artista prefiere su
libertad a la de la colectividad. Por eso son pocos los artistas comprometidos. Por
ejemplo Delacroix con la “Libertad guiando al pueblo” donde aparecen pintadas por
primera vez las barricadas como testimonio de reivindicación política. Aunque, en
general, las reivindicaciones son más exóticas, temas de bandoleros como héroes
románticos, etc.
Dentro de la individualidad surge una nueva relación entre cliente y artista. Es un
trato de igual a igual. Cambian un bien por un bien. El artista ya no es el artesano.

30. Se crean grupos de artistas que trabajan en común sin romper la individualidad,
como el grupo Prerrafaelista inglés o los nazarenos alemanes.
LA LIBERTAD GUIANDO AL PUEBLO, 1831. E. Delacroix. Óleo sobre lienzo.
El Romanticismo francés.Théodore Géricault (1791-1842) Géricault es un artista
puente que durante su corta vida pasa de su formación neoclásica en el taller de
Pier Guérin a un planteamiento romántico y antecesor del realismo.
Eugène Delacroix (1798-1863) Delacroix fue un artista de gran éxito en su época,
guardando aún su obra alguna reminiscencia del Clasicismo a la vez que del
Romanticismo más claro. Siendo un supuesto hijo de Talleyrand, estudio también
con Guérin, especializándose en 1815 en cuadros de grandes dimensiones.
Conoció a Géricault en 1817, quien influirá en su pintura. Delacroix estudió a
los grandes maestros del Barroco en el Louvre, interesándose por los grandes
artistas venecianos y por Rubens y Rembrandt. También conoce la producción
contemporánea, especialmente la de los ingleses Bonington y Constable, y la obra
de pintores próximos como Wappers, y le influyen Turner y los retratistas ingleses,
de Reynolds a Lawrence. En 1825 viajó a Inglaterra, yendo en 1832 a Marruecos,
donde se pone en contacto con el colorismo, la sensualidad y la luz de la pintura
norteafricana. En 1833 recibe la protección del primer ministro Thiers. En 1847 visita
a Corot, pintor realista, a quien admirará, pero seguirá pintando grandes encargos
decoraciones y no obras realistas. En estos momentos también le influirá
notablemente Poussin. Delacroix escribió un diario, en el que se presentan vínculos
con el Impresionismo "las sombras de un objeto son del color complementario a
éste". Esta también en contacto con Chopin, a quién retratará, así como con otros
músicos.

31. LLUVIA, VAPOR Y VELOCIDAD, 1844. W. Turner.
El romanticismo inglés. En los últimos años del siglo XVIII, Inglaterra aporta su
contribución a la pintura del paisaje romántico a través de las figuras de Constable
y Turner. Los paisajes de Constable transpiran autenticidad y verdad. Están llenos
de manchas de colores y se preocupa sobre todo por captar los efectos de la luz y
las cambiantes condiciones atmosféricas a través de una técnica rápida y precisa.
La obra de William Turner expresa la preocupación por el color y la luz, que utiliza
de manera revolucionaria al representar los medios por los que el color parece
propagarse a través de la atmósfera: niebla, vapor y humo. Con su obra Lluvia,
vapor y velocidad, se convierte en abanderado de la pintura moderna. Viajará por
Europa, donde le influirá la tradición del paisajismo clasicista. Preocupado por la la
luz, que en sus lienzos cobra gran esplendor y que será su objetivo último en el final
de su vida, antecediendo al Impresionismo. En cuanto al color, acude al círculo
cromático que ya intuyó Delacroix. Al igual que Goethe se preocupó también por la
teoría del color, reuniendo en ella un afán científico y humanista.
EL MONJE FRENTE AL MAR, 1808. Friedrich
El Romanticismo alemán La figura más importante Caspar David Friedrich(1774-
1840). Friedrich nace en la Pomerania del Báltico en 1774, siendo contemporáneo

32. de Constable. En 1807 empieza a pintar paisajes al óleo, a los cuales les da una
apariencia religiosa, mística, teniendo un carácter casi anicónico. Sus paisajes no
son panteístas, sino religiosos, apreciándose la influencia del Pietismo (tendencia
del Protestantismo) y de la filosofía de Schleyermacher.
La representación de la naturaleza alcanza la expresión más elevada donde el
hombre cumple el insignificante papel de espectador frente a la magnitud del
paisaje. Algunas de sus obras son Salida de la luna sobre el mar o Viajero sobre un
mar de niebla.
Pintores
FRANCOIS GERARD (1770-1837)
Fue un retratista muy prolífico y conocido en su época. Toda su obra es neoclásica,
pero en 1801 pintó el cuadro “Los cantos de Ossian”, basado en un poema épico
publicado en 1760, considerado en su momento el equivalente medieval de Homero.
La obra es típicamente romántica y transcurre en una noche con luna donde se han
reunido los fantasmas del pasado, criaturas de cristal y bruma, convocados por el
sonido de una lira.
“Los cantos de Ossian”, 1801
A pesar de calificar esta obra como romántica, Gerard nunca aceptó los gustos
románticos ni tampoco la destitución del Rey Carlos X en la Revolución de 1830,
apagándose su figura por ambas causas.
ANTOINE-JEAN GROS (1771-1835)

33. Inicialmente su pintura era neoclásica, pero se acercó al romanticismo, atraído por
su fuerza y dramatismo. Su padre, pintor de miniaturas, le enseñó a dibujar y siendo
muy joven entró a pintar en el estudio de David, pero rápidamente, su carácter
apasionado le hizo crear un estilo propio, arrebatado y colorista, más cercano a
Rubens y a la Pintura Veneciana que a la equilibrada obra de David.
Hizo una brillante carrera militar con Napoleón, acompañando a su ejército en sus
campañas y tomando apuntes y bocetos de escenas de batallas de las que fue
testigo personalmente, plasmados posteriormente en cuadros de gran formato de
un intenso cromatismo, con composiciones muy complejas y llenas de detalles,
tremendamente dinámicas, expresivas y enérgicas, que admiraron e inspiraron,
entre otros, al mismo Delacroix. Todas estas características hacen que se le
considere uno de los precursores del movimiento romántico.
“Napoleón en el Pont d’Arcole” (1796)
Gros pinta un Napoleón romántico en su obra “Napoleón en el Pont d’Arcole” (1796),
muy diferente del hierático emperador representado por David. Nos lo muestra
sosteniendo el asta de la bandera en una mano y una espada en la otra en una
postura muy dinámica que genera una gran sensación de movimiento y de fuerza.

34. “Napoleón y los apestados de Jaffa” (1807)
“Napoleón en la batalla de Eylau” (1808)
El cuadro “Napoleón y los apestados de Jaffa” (1807) podría calificarse de
prerromanticismo y nos muestra al Emperador rodeado de enfermos demacrados y
casi desnudos en un escenario arquitectónico medieval de estilo musulmán, muy
del gusto Romántico. Pinta a Napoleón tocando valientemente a un apestado
mientras el militar que está a su lado se tapa la boca en actitud de asco y miedo. Es
una escena que nunca ocurrió, ideada para mayor gloria y propaganda del dirigente,
al igual que el cuadro “Napoleón en la batalla de Eylau”(1808)

35. “El Teniente Charles Legrand” (1810)
En su excelente retrato “El Teniente Charles Legrand” (1810) pinta al joven militar
francés muerto en el Dos de Mayo en un paisaje claramente romántico, con un
castillo medieval, una cascada y unas lejanas cumbres nevadas.
Con la caída de Napoleón, Gros fue relegado de los ambientes oficiales y se
encargó del taller de David, que se había exiliado a Bélgica. Sus últimas obras
fueron despreciadas por la crítica, lo que, sumado a sus problemas matrimoniales,
lo abocó al suicidio.
PAUL DELAROCHE (1798-1856)
Fue alumno de Gros, que opinó de él: “Es la gloria de mi escuela” y un pintor famoso
por sus cuadros de temas y personajes históricos. Delaroche pintó escenas con una
gran teatralidad y realismo. Su obra está más orientada a la dramaturgia del
momento representado que a un intento de verosimilitud del hecho histórico.
“Napoleón en la víspera de su primera abdicación” (1814)

36. Uno de sus cuadros más conocidos es “Napoleón en la víspera de su primera
abdicación” (1814) donde retrata a un emperador abatido, frustrado y sin el mínimo
rasgo de idealización.
THÉODORE GÉRICAULT (1791-1824)
Nació en una familia acomodada y fue el pintor más extremo del romanticismo
francés. Fue el prototipo de artista romántico, con una vida corta, llena de altibajos,
sufrimientos y aventuras, como si hubiera sido escrita por un novelista. Tenía un
carácter muy impulsivo, impaciente y desordenado, por lo que estudió pintura muy
poco tiempo, así que se formó de manera prácticamente autodidacta, lejos del
academicismo y con un estilo muy personal, en el que parece que, al igual que los
expresionistas, busca captar la sensación más que una realidad mimética.
Desde joven demostró cualidades que lo diferenciaban claramente de los pintores
de la escuela de David. En un viaje a Italia conoce la obra de Miguel Ángel que se
convierte en su principal inspiración, presente en muchos de sus cuadros. Toma de
sus obras la fuerza contenida de los gestos en sus personajes y la tensión y
dinamismo de sus anatomías. Sus cuadros no fueron muy apreciados en su
momento por su falta de academicismo y sus polémicos temas. Murió muy joven
por una dolorosa enfermedad que le impidió pintar en la última etapa de su vida.
“La carga del húsar” (1812)

37. “El coracero herido” (1814)
Sus primeros cuadros, “La carga del húsar” (1812) y “El coracero herido” (1814) son
representaciones de soldados en el fragor de la batalla, obras de gran dinamismo y
audaces escorzos, pincel brioso y colores cálidos. “La carga del húsar” se presentó
al principio como un retrato de alguien en concreto, pero Géricault comprendió que
si lo convertía en un retrato anónimo, su valor simbólico aumentaba, pasando a
representar el combate de todos los franceses que luchaban en aquella época tan
belicosa.
“La Balsa de la Medusa” (1819)

38. Impresionismo
es la denominación de un movimiento artístico1 definido inicialmente para la pintura
impresionista, a partir del comentario despectivo de un crítico de arte (Louis Leroy)
ante el cuadro Impresión, sol naciente de Claude Monet, generalizable a otros
expuestos en el salón de artistas independientes de París entre el 15 de abril y el
15 de mayo de 1874 (un grupo en el que estaban Camille Pissarro, Edgar
Degas, Pierre-Auguste Renoir, Paul Cézanne, Alfred Sisley y Berthe Morisot).
Aunque el adjetivo «impresionista» se ha aplicado para etiquetar productos de
otras artes, como la música(impresionismo musical —Debussy—) y
la literatura (literatura del Impresionismo —hermanos Goncourt—),2 sus particulares
rasgos definitorios (luz, color, pincelada, plenairismo) lo hacen de muy difícil
extensión, incluso para otras artes plásticascomo la escultura (Rodin)3 y
la arquitectura;4 de tal modo que suele decirse que el Impresionismo en sentido
estricto sólo puede darse en pintura y quizá en fotografía (pictorialismo) y cine (cine
impresionista francés o première avant-garde: Abel Gance, Jean Renoir —hijo del
pintor impresionista Auguste Renoir—).5
El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de la segunda mitad
del siglo XIX en Europa —principalmente enFrancia— caracterizado, a grandes
rasgos, por el intento de plasmar la luz (la «impresión» visual) y el instante, sin
reparar en la identidad de aquello que la proyectaba. Es decir, si sus antecesores
pintaban formas con identidad, los impresionistas pintaban el momento de luz, más
allá de las formas que subyacen bajo este. Fue clave para el desarrollo del arte
posterior, a través del posimpresionismo y las vanguardias.

39. Pintores Impresionistas:
Frente al Salón oficial de la Academia francesa, dominado por la pintura académica,
los impresionistas se darán a conocer desde 1870 (con gran escándalo del público
y ciertos críticos) inicialmente en el Salón de los rechazados donde se exponía lo
no admitido por el Salón oficial y, posteriormente desde 1874, en exposiciones
colectivas hasta que comienzan a alcanzar cierto éxito (a partir de 1886).
1) Edouard Manet (1832-1883): Más que un impresionista es un precursor, un
símbolo del anti academicismo. Su formación es clásica, con influencias de
Tiziano, Velázquez o Goya, aunque concibe sus obras con un sentido muy
moderno del color y del dibujo a base de grandes manchas de colores planos
aplicados con una pincelada suelta. Dentro de su obra destacan temas con
referentes clásicos pero contextualizados en su época: El almuerzo
campestre, inspirado en una obra veneciana del siglo XVI, o la Olimpia,
inspirada en la Venus de Urbino de Tiziano. No obstante estas obras
escandalizaron fuertemente a la sociedad burguesa al situar en el siglo XIX
a desnudos femeninos junto a hombres (El almuerzo campestre) o retratar
una prostituta junto a su criada negra (Olimpia). Dentro de su producción
sobresalen también las escenas de la vida urbana (El bar del Folies-Bergère)
o los retratos (Émile Zola).
Claude Monet – Nenúfares (1920-1926)

40. 2) Claude Monet (1840-1926): Es el impresionista por excelencia. Se interesa
sobre todo por el paisaje y la incidencia de la luz a diferentes horas. Capta la
vibración lumínica mediante pequeños y rápidos toques de colores puros que
dan aspecto inacabado a sus obras desde cerca, pero que se funden a
determinada distancia. Es amante de representar los efectos de la niebla, el
humo, los reflejos de las aguas o la luz solar. A veces realiza series de un
motivo a diferentes horas o estaciones del año:Catedral de Rouen, Estación
Saint Lazare, o las series de Nenúfares efectuadas al final de su vida. A él
se debe el título de la obra que dio pié a la denominación de impresionistas
para el grupo: Impresión. Sol naciente.
Renoir – El Sena en Asnières (1875)
3) Auguste Renoir (1841-1919): Comienza captando temas de la vida amable de
diversiones en los que refleja las vibraciones de la luz (Le moulin de la Galette) o
desnudos en los que estudia los efectos de luz y sombra en las carnaciones.
Después de un viaje a Italia se obsesiona por el dibujo abandonando parcialmente
el impresionismo.
Degas – Bebedores de Absenta (1876)

41. 4) Edgard Degas (1834-1917): Es un impresionista de la forma más que del color
(utiliza el negro). Introduce temas nuevos en los que aparece el movimiento
(carreras de caballos, bailarinas). No se limita mundo elegante sino que pinto
también el cansancio (Planchadoras) o escenas íntimas de mujeres (Toilette).
Pintores Postimpresionistas:
Se denomina postimpresionistas a una serie de pintores que, aunque tuvieron una
fase impresionista, evolucionan después en diferentes direcciones, constituyendo la
base de las primeras vanguardias pictóricas del siglo XX: expresionismo,
simbolismo, cubismo y pintura abstracta.
Seurat – Tarde de Domingo en la Grande Jatte (1884)
5) Seurat (1859-1891): Es el mejor representante del impresionismo científico o
puntillismo, al asumir la teoría de los colores de Chevreuil en su totalidad. Sus obras
se basan en una suma de pequeños puntos de color colocados junto a sus
complementarios, por lo que la elaboración de las mismas era muy lenta. El ojo del
espectador al amalgamar los puntos debía recibir la impresión de realidad lumínica.
En su obra destaca Domingo en la isla de la Grand Jatte.
Van Gogh – Campo de Trigo con Cuervos (1890)

42. 6) Vincent Van Gogh (1853-1890): Holandés de nacimiento, es el prototipo del
artista maldito, perseguido por el fracaso, la locura y el suicidio. Comienza tratando
temas sociales influido por su vocación de pastor protestante y por la obra de Millet
(Los comedores de patatas) pero enseguida su pintura se ve influida por la viveza
de colorido de los impresionistas y las estampas japonesas. La obra de Van Gogh,
sin embargo, se distingue por la proyección de su carácter atormentado, aquejado
de una grave enfermedad mental, en una pintura de paisajes irreales (La noche
estrellada) y subjetivos que muestran su sufrimiento (Campo de trigo con cuervos)
realizada con colores vivos aplicados con pinceladas anchas, curvas y pastosas Es,
por ello, uno de los antecedentes del expresionismo. También pinta retratos de
cierta penetración psicológica (Doctor Gachet) y naturalezas muertas (Los
Girasoles, La habitación en Arlés).
Lautrec – La Goulue (1891)

43. 7) Toulouse-Lautrec (1864-1901): Sufre la influencia impresionista en el color vivo
y, sobre todo, de Degas en los temas y las composiciones. Sucarácter de aristócrata
bohemio y deforme le lleva a reflejar magistralmente lugares de diversión nocturna
(Baile en el Moulin Rouge), burdeles, circos, etc. Igualmente eleva a la categoría de
arte el cartel (Jane Avril). En sus carteles aparecen las líneas decorativas y sinuosas
propias del modernismo.
Paul Gauguin – Mujeres Tahitianas (1891)
8) Paul Gauguin (1848-1903): Abandona una inicial formación impresionista para
marchar a Bretaña y, luego, a Tahití en busca de la autenticidad. En su pintura
abandona la perspectiva y utiliza colores puros aplicados de forma plana,
delimitados por un dibujo muy grueso y sin respetar el color local. Sus temas
principales son bretones (Visión después del sermón) o tahitianos (Mujeres
tahitianas). Se le considera el antecedente de los simbolistas, los fauves y de la
pintura abstracta.
Paul Cézanne – Los Jugadores de Cartas (1891)

44. 9) Paul Cézanne (1839-1906): se halla ligado generacionalmente a los
impresionistas pero su búsqueda es diferente. A Cézanne le preocupa la búsqueda
del volumen y de la esencia estructural de los objetos. Trata el color en grandes
manchas que crean planos. Igualmente reduce las formas a volúmenes geométricos
puros (cilindro, esfera, cono o cubo) puestos en perspectiva. Por todo ello su pintura
vuelve a introducir el sentido plástico y revaloriza el volumen de los objetos por lo
que se le considera antecedente del cubismo.
Entre sus obras, que demuestran una gran despreocupación por el tema, destacan
paisajes (L’Estaque, La montaña de Saint Victoire), naturalezas muertas (Manzanas
y naranjas), o la serie de Jugadores de cartas, destacando en todas ellas el uso de
planos cromáticos para definir los volúmenes y estructura de la realidad.
Rodin – El Pensador (1880)
10) Auguste Rodin (1840-1917): La obra escultórica de Rodin rompió con la
escultura academicista dominante en Europa en su época y va a ser decisiva para
abrir las líneas de desarrollo de la escultura contemporánea. Abre, pues, la escultura
a la modernidad.
En su obra introduce una cierta influencia del impresionismo pictórico al multiplicar
los planos de visión y combinar superficies lisas y rugosas con lo que crea intensos
efectos lumínicos. A ello suma el interés de Miguel Ángel por la profundidad de
figura humana y el interés por lo inacabado o lo fragmentario (manos, torsos,etc.),
aspectos que van a influir poderosamente en toda la escultura contemporánea.

45. El expresionismo
Rigurosamente, es el arte que se desarrolla en Alemania en el segundo decenio del
siglo XX, popularizado entre los años 1911 y 1914. Aunque su influjo se ha
extendido universalmente. Se entiende como un movimiento artístico nacido de la
crisis ideológica y social en los países germánicos, e interpretado como una
reacción al cubismo y el impresionismo. El estallido de la Primera Guerra Mundial
actuó como elemento aglutinante. El ambiente desgarrador, necesitaba un arte de
guerra. Al término del conflicto, la República de Weimar exaltó a los expresionistas.
Firmes hasta 1924, luego comenzó su decadencia y su ocaso con la llegada del
nazismo. Así el expresionismo, símbolo de rebeldía y servido por los judíos, no
podía más que ser perseguido por los Nazis, beneficiando a los países donde se
han refugiado los artistas
El expresionismo resalta como el centro de sus preocupaciones: el alma humana,
basándose en una estética concreta de deformación expresiva debido al estado
emocional del artista. Por consiguiente es el noruego Edvard Munch el padre del
expresionismo, y su obra El grito(soledad, dolor, tristeza y amargura) la
definición más concreta del movimiento, aunque sus antecedentes se remonten al
propio Vincent Van Gogh. La temática de este estilo no le da relevancia a la
sensibilidad de los colores o a la armonía de sus mezclas, sino al planteamiento de
los conflictos íntimos y privados de las personas, siendo aquellos que poseen un
significado angustioso y desgarrador los que prevalezcan. El expresionismo se
presenta de esta manera, como el exponente más claro de la angustia
contemporánea. Sin embargo no es la realidad el criterio seguido por esta corriente,

46. ya que la exageran, culminando en sarcasmo y desesperación. Su realidad está
basada en la experiencia emocional y espiritual, por encima de una comprensión
analítica. Los pintores intentan hallar la imagen que el objeto deja en ellos y seguir
las deformaciones que el inconsciente introduce. Elementos característicos de este
movimiento son la utilización de colores discordantes, la deformación de los objetos
para aumentar la expresión y el uso de líneas en zigzag. Considerado no sólo como
un vanguardia artística, configura un amplio espectro en la literatura, el cine o la
moda; se aglutinó en Berlín a partir de 1910 en torno a la sala Der Sturm y la revista
de homónimo nombre, y entre 1905 y 1933, se pueden mencionar como relevantes,
en Alemania los grupos Die Brücke (El puente) yDer Blaue Reiter (El jinete azul);
así como en Austria y de manera individual, Oskar Kokoschkay Egon
Schiele, además de en la Alemania de posguerra, Neue Sachlichkeit (La nueva
objetividad).
Die Brücke (El puente).
Fundado en 1905 en Dresde por cuatro estudiantes de arquitectura: Ernst Ludwin
Kirchner,Fritz Bleyl, Erich Heckel y Karl Schmidt Rottluff, a los que se unen en
1906 Max Pechstein y Emil Nolde, y en 1910, Otto Müller. En un principio no
perseguían finalidades prácticas, sino que buscaban el conocimiento del oficio al
margen de los academicismos. Su intención es formar un frente de oposición al
impresionismo y cubismo, uniendo el arte y la vida en contra de la sociedad
burguesa. Imponen condiciones de trabajo en común y se obligan a exponer en
grupo. Estilísticamente tienen influencias de Paul Gauguin y Vincent Van Gogh en
el color, de Edvard Munch en el simbolismo, de Paul Cézanne en los paisajes, y de
las artes de Oceanía y África en las formas. Utilizaban el tema del cuadro para
comunicar sus sentimientos intensos y no dudaban en deformarlo hasta conseguir
el efecto buscado. Sus pinturas, pese a huir de influencias, se parecían a las obras
de los cubistas en el hecho de tener muy poca perspectiva o fondo. A lo largo de su
existencia como grupo, trabajaron la pintura, la litografía o la talla en madera.

47. A partir de la exposición de 1907, en la salas de Ritcher, programan una serie de
exposiciones itinerantes para darse a conocer. Poseen un estilo común basado en
los colores estridentes y las deformaciones, en una temática donde eran frecuentes
los paisajes, desnudos, retratos o las escenas cotidianas. La publicación en 1913,
por parte de Kirchner de la Crónica de Die Brücke sin autorización colectiva, supuso
junto con otros factores su disolución.
Ernst-Ludwing Kirchner. Franzi frente a una silla sentada (1910).
Erich Heckel. Casa en Dangast o "La casa Blanca" (1908).

48. Emil Nolde. Las máscaras
Naturaleza Muerta III (1911).
Max Pechstein.
Sentada desnuda (1910).
Der Blaue Reiter (El jinete azul).
En Munich durante 1911, Wassily Kandinsky y Franz Marc fundan el grupo del Jinete
azul. El nombre proviene de una conversación entre los dos miembros originales,
debido a su predilección por el azul y el simbolismo de dicho color. La composición
del grupo fue heterogénea; formado por los rusos Kandinsky y Jawlensky, los
alemanes Marc y Macke y el austriaco Kubin. Como colectivo tienen claros sus
objetivos, los une la aspiraciónde hacer visible, no la experiencia del mundo natural,
sino la experiencia interior y la vida espiritual que la sociedad contemporánea tendía
a silenciar, pero dejan libertad total a sus componentes, de ahí las diferencias
existentes en sus obras. El grupo reivindica la automía del arte, y ser capaces de
establecer unas bases que sean comunes para todas las artes. Combaten el
clasicismo con las formas y suprimen la separación entre el arte popular y el
académico (Influidos por las estéticas rusas). Se orientan a coordinar y apoyar toda
clase de corrientes y estilos que se encaminen hacia la libertad, la espiritualidad y
la autonomía de la forma y el color. Su modelo es la música, el arte más abstracto
y el que menos referencia toma del exterior. En 1913, se produce su disolución.
Franz Marc. El sueño (1912).

49. Wassily Kandisky. Composición II (1908).
Austria. El Grupo Vienés.
Dentro del Imperio Austro-Húngaro, en 1898 se produjo en Viena una ruptura más
del arte convencional. Fue dirigida por Gustav Klimt, reconocida con el nombre de
la Sezession (La secesión de Viena), y tuvo como medio de disfusión la revista Ver
Sacrum. Su objetivo era lograr la integración del arte con la vida, producir arte que
significara algo para todo el mundo, y que no estuviera basado en ideas antigüas y
repetidas. Klimt como fundador de la asociación y la revista, decide separarse del
movimiento en 1905, con una obra ya cargada de simbolismo. Mientras, se
mantenía que la lujosa ornamentación de sus cuadros chocaba frontalmente con su
objetivo de un arte para todos. Por otro lado, la idea de que la pintura debía mostrar
la verdad fue llevada a cabo por Oskar Kokoschka y Egon Schiele, que pueden ser
considerados como los pintores más relevantes del expresionismo vienés.
Gustav Klimt. El Beso (1908).

50. Egon Schiele. El abrazo (1917).
Oskar Kokoschka. Retrato de Max Schmidt (1924).
Neue Sachlichkeit (Nueva objetividad).
En los años veinte, acabada la Primera Guerra Mundial, la situación alemana da
para otro movimiento de carácter expresionista que recupera la figuración y el
compromiso político.Georges Grosz, Max Beckmann y Otto Dix, fueron sus
representantes más destacados, los cuales retoman el contexto urbano para
denunciar las consecuencias del militarismo, la represión política y la
deshumanización en aumento de la sociedad alemana. Con la subida de Hitler al
poder, esta critica fue perseguida y señalada como arte degenerativo, además de
ser considerados sus miembros como traidores de la causa alemana.
Georges Grosz. Caín o Hitler en el infierno (1944).

51. El cubismo
fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y1914, nacido en Francia y
encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque,Jean Metzinger, Albert
Gleizes, Robert Delaunayy Juan Gris.1 Es una tendencia esencial, pues da pie al
resto de lasvanguardias europeas delsiglo XX. No se trata de unismo más, sino de
la ruptura definitiva con la pintura tradicional.
El término cubismo fue acuñado por el críticofrancés Louis Vauxcelles, el mismo
que había bautizado a los fauvistas motejándolos de fauves(fieras); en el caso
de Braque y sus pinturas de L'Estaque, Vauxcelles dijo, despectivamente, que era
una pintura compuesta por «pequeños cubos». Se originó así el concepto de
«cubismo». El cubismo literario es otra rama que se expresa con poesías cuya
estructura forma figuras o imágenes que ejemplifican el tema, la rima es opcional y
no tienen una métrica específica ni se organizan en versos.
El cubismo es considerado la primera vanguardia, ya que rompe con el último
estatuto renacentistavigente a principios del siglo XX, la perspectiva. En los cuadros
cubistas, desaparece la perspectiva tradicional. Trata las formas de
la naturaleza por medio de figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies.
Se adopta así la llamada «perspectiva múltiple»: se representan todas las partes de
un objeto en un mismo plano. La representación del mundo pasaba a no tener
ningún compromiso con la apariencia de las cosas desde un punto de vista
determinado, sino con lo que se sabe de ellas. Por eso aparecían al mismo tiempo
y en el mismo plano vistas diversas del objeto: por ejemplo, se representa de frente
y de perfil; en un rostro humano, la nariz está de perfil y el ojo de frente; una botella
aparece en su corte vertical y su corte horizontal. Ya no existe un punto de
vista único. No hay sensación deprofundidad. Los detalles se suprimen, y a veces
acaba representando el objeto por un solo aspecto, como ocurre con losviolines,
insinuados solo por la presencia de la cola del mismo.
A pesar de ser pintura de vanguardia los géneros que se pintan no son nuevos, y
entre ellos se encuentran sobre todo bodegones,paisajes y retratos.
Se eliminan los colores sugerentes que tan típicos eran delimpresionismo o
el fovismo. En lugar de ello, utiliza como tonos pictóricos apagados
los grises, verdes y marrones. El monocromatismo predominó en la primera época
del cubismo, posteriormente se abrió más la paleta.
Con todas estas innovaciones, el arte acepta su condición de arte, y permite que
esta condición se vea en la obra, es decir es parte intrínseca de la misma. El cuadro
cobra autonomía como objeto con independencia de lo que representa, por ello se

52. llega con el tiempo a pegar o clavar a la tela todo tipo de objetos hasta
formar collages.
La obra resultante es de difícil comprensión al no tener un referente naturalista
inmediato, y ello explica que fuera el primero de los movimientos artísticos que
necesitó una exégesis por parte de la "crítica", llegando a considerarse el discurso
escrito tan importante como la misma práctica artística. De ahí en adelante, todos
los movimientos artísticos de vanguardia vinieron acompañados de textos críticos
que los explicaban.
ARTISTAS
Pablo Ruiz Suplicante
Las señoritas de Avignon
Los musicos
Juan Gris
The Sunblind Guitarra y mandolino

53. Georges Braque
Man whit a guitar

54. Surrealismo: Los pintores de sueños
Domingo, 26 diciembre 2010 » Artistas » 30 Comentarios
“El surrealismo descansa en la creencia de una realidad superior de ciertas formas
de asociación no tenidas en cuenta hasta hoy, de la omnipotencia del sueño, del
proceso desinteresado del pensamiento. Tiende a arrasar definitivamente todos los
mecanismos psíquicos restantes y a sustituirlos en la resolución de los principales
problemas de la vida.” Manifiesto surrealista de 1924, de André Bretón.
Algunas citas interesantes de André Bretón:
“No hay que cargar nuestros pensamientos con el peso de nuestros zapatos.”
“Prohibido prohibir.”
“¿Qué es la riqueza? Nada, si no se gasta; nada, si se malgasta.”
“La imaginación al poder.”
“El pensamiento y la palabra son sinónimos.”

55. “Querida imaginación, lo que amo sobre todo en ti es que no perdonas.”
“Toda idea que triunfa marcha hasta su perdición.”
“De nada vale estar vivo si hay que trabajar.”
“Cuando dos personas que se quieren, chocan, no se mezclan, se rompen.”
“Al principio no se trata de entender sino de amar.”
“Los locos son, en cierta medida, víctimas de su imaginación, en el sentido que
ésta les induce a quebrantar ciertas reglas, reglas cuya transgresión define la
calidad de loco.
El tema de los sueños en pintura se desarrolló con fuerza durante el movimiento
surrealista y hoy en día sigue siendo fuente de inspiración.
A los surrealistas les fascinó el tema de los sueños sobretodo por el descubrimiento
de las teorías de Sigmund Freud, el descubrimiento del Ego y lo irracional o
subconsciente. El resultado fué la unión de la psicología y la pintura… toda una
bomba visual!!
En esta entrada presento a algunos de los mejores pintores de sueños del
surrealismo.
PINTORES Y PINTURAS DE SUEÑOS
GIORGIO DE CHIRICO
Nombre: El regreso del poeta. 1911.
Esta obra indujo a Bretón a comparar al pintor con el poeta precursor del
surrealismo. Se cree que el poeta del que habla el cuadro es el poeta Isidore
Ducasse, llamado Conde de Lautréamont, a quien los surrealistas rescataron del
olvido e hicieron de él uno de los precursores de su movimiento.

56. Nombre: La Conquista del filósofo. 1914. Óleo de 125,1 x 99,1 cm.
SALVADOR DALi
La tentación de San Antonio y el Sueño Causado por El Vuelo de una Abeja Antes
de Despertar.
ANDRÉ MASSON
El laberinto
JOAN MIRÓ

57. Este es el color de mis sueños. 1925, obra en la que se incorpora a modo de poema
visual un texto donde está escrito el título del cuadro. El pintor afirmaba que no hacía
distinciones entre poesía y pintura.
La siesta, de 1925.
YVES TANGUY
El viejo horizonte, de 1928. Este cuadro es de los primeros que empezó con este
estilo, tras conocer a Breton. Cuadro intenso y lleno de misterio.
RENÉ MAGRITTE

58. Las cómplices del mago, de 1927. Magritte afirmaba “No hay duda de que un
sentimiento puro y vigoroso, llamado erotismo, me ha salvado de caer en la
búsqueda tradicional de una perfección formal.”

59. El arte abstracto
Es una forma de arte que triunfa en la actualidad por encima de otros tipo de
representaciones. Se trata de una forma de expresión de arte, abstrayendo las
formas, y representándolas lo más alejadas posible de la realidad, basándose
meramente en los sentimientos del autor, que pretende transmitir a quién disfruta
de laspinturas abstractas.
Son muchos los artistas que incluyen este tipo de arte entre sus representaciones,
sin embargo, son pocos los nombres de pintores famosos a los que la mayoría de
la gente atribuye este tipo de arte.
Descubre cuáles son las pinturas abstractas más famosas y qué autores se
esconden detrás de ellas.
Pinturas abstractas famosas
Las pinturas abstractas más famosas no responden a nombres propios, sino al
nombre del artista que las representa. Jackson Pollock es uno de los artistas más
conocidos de todos los tiempos, cuya obra se basa en el arte abstracto.
Pollock fue un gran artista estadounidense, influyente en el movimiento del
expresionismo abstracto, considerado como uno de los pintores más importantes
del siglo XX. Las obras de Pollock se caracterizan por utilizar la técnica “dripping”,
arrojando la pintura directamente sobre el lienzo, y creando siempre formas únicas
e irrepetibles, como una forma de expresión de los sentimientos y la energía.
Sus obras se encuentran expuestas en muchos de los museos de arte moderno
más influyentes del mundo, como la Tate Modern en Londres.

60. Joan Miró es el pintor abstracto más conocido en nuestro país, como uno de los
genios creadores de las obras pictóricas y escultóricas más simbólicas del arte
abstracto.
La obra de Miró se basa en la representación de la realidad a través de formas
abstractas, plasmadas con colores vivos y formas definidas. Cada una de sus obras
cuenta una historia completa, contenida en un sólo objeto repleto de dinamismo y
emociones.
Vasili Kandinskyes el autor ruso de muchas de pinturas abstractas más conocidas
y admiradas en la mayoría de museos de arte moderno. Considerado como el
precursor de esta técnica, Kandinsky es uno de los pintores que comenzó de forma
más temprana con la representación de obras de arte moderno.
Este autor no sólo es capaz de plasmar sentimientos y formas en sus obras, sino
que también representa la música e incluso ideas políticas y filosóficas,
ampliamente distinguibles entre los trazos de sus obras más conocidas.

61. Corrientes Pictóricas Importantes
Escuela de la pintura pompeyana:Pompeya (en latín:Pompeii) fue una ciudad de
la Antigua Roma ubicada junto con Herculano y otros lugares más pequeños en la
región deCampania, cerca de la moderna ciudad de Nápoles y situados alrededor
de la bahía del mismo nombre en la provincia de Nápoles.Fue enterrada por
laviolenta erupción del Vesubio el 24 de agosto del año 79 d. C. y sus habitantes
fallecieron debido alflujo piroclástico. En sus proximidades se levanta la moderna y
actual ciudad de Pompeya.
Historia
Los orígenes del poblamiento de Pompeya son discutidos. Los restos más antiguos
hallados en la ciudad son delsiglo IX a.C., aunque eso no demuestra que ya existiera
un asentamiento allí. Como quiera que fuese, la mayoría de los expertos están de
acuerdo en que la ciudad debía existir ya en el Siglo VII a. C. y estar ocupada por
los oscos (uno de los pueblos de la Italia central), según se lee en
la Geografíade Estrabón (siglo I a.C.).3
Desde el siglo VIII a.C. habían existido colonias griegas en la región, destacando la
importante ciudad de Cumas, al otro lado del golfo de Nápoles. Los etruscos se
establecieron en la región alrededor del siglo VII a.C. y durante más de 150 años
rivalizaron con los griegos por el control de la zona. Se desconoce, sin embargo, la
influencia real de estos pueblos en el origen y desarrollo posterior de la ciudad, ya
que los datos arqueológicos no son concluyentes.3 Se sabe, eso sí, que a finales
delsiglo V a.C. los samnitas (otro pueblo de lengua osca) invadieron y conquistaron

62. toda la Campania. En este momento histórico hay una disminución drástica de la
cantidad de materiales hallados en la ciudad, lo que induce a algunos arqueólogos
a pensar que la ciudad pudo estar abandonada temporalmente. Si estuvo
abandonada, lo fue brevemente, porque durante el siglo IV a.C. la ciudad, incluida
en la «Confederación Samnita», ya estaba tomando su forma actual y, de hecho,
servía de puerto a las poblaciones situadas río arriba.3
Los nuevos gobernantes impusieron su arquitectura y ampliaron la ciudad. Se cree
que durante la dominación samnita, los romanos conquistaron la ciudad durante un
corto período, pero esas teorías nunca han podido ser verificadas. Sea como fuere,
se sabe que durante la época samnita la ciudad era gobernada por un magistrado
(posiblemente también con poderes de administrador de justicia) que recibía el
nombre de Medix Tuticus (en osco meddís túvtiks).4
Pompeya participó en la guerra que las ciudades de la Campania iniciaron
contra Roma, pero en el año 89 a. C. fue asediada por Lucio Cornelio Sila. Aunque
las tropas de la Liga Social, comandadas porLucio Clemento ayudaron en la
resistencia a los romanos, en el año80 a. C. Pompeya se vio obligada a aceptar la
rendición tras la conquista de Nola. Después de este episodio se convirtió en una
colonia con el nombre de Colonia Cornelio Veneria Pompeianorum'. Los habitantes
recibieron poco después la ciudadanía romana, pero se les privó de una parte de
su territorio, donde Sila estableció una colonia militar.5
La ciudad se transformó en un importante punto de paso de mercancías que
llegaban por vía marítima y que eran enviadas hacia Roma o hacia el sur de Italia
siguiendo la cercana Vía Apia.
Prueba de la tremenda actividad sísmica en la zona de Pompeya es que, en las
cercanías de la actual Puerta Marina, se han hallado restos de un embarcadero, si
bien algo más abajo en dirección al mar se han encontrado más edificaciones
romanas. Así pues, la línea de costa tuvo que cambiar considerablemente en los
últimos siglos de la ciudad, aunque no se sabe exactamente dónde estaría el puerto
en sus últimos años de historia.6
El año 59 d.c. se produjeron serios disturbios en el anfiteatro de la ciudad entre los
pompeyanos y unos visitantes de Nuceria, que tuvieron como resultado diversos
muertos y heridos. El enfrentamiento fue de tal magnitud que llegó a oídos del
emperador Nerón, que prohibió las exhibiciones de gladiadores en la ciudad durante
10 años
Pompeya en la actualidad
Pompeya se ha convertido en un destino turístico popular de Italia. Actualmente es
parte del Parque nacional del Vesubio, más amplio, y fue declarada Patrimonio de
la Humanidad por la Unesco en el año 1997. Las «zonas arqueológicas de
Pompeya, Herculanoy Torre Annunziata» se registraron con el código conjunto de

63. 829 y las siguientes localizaciones, todas ellas en la provincia de Nápoles, región
de Campania:
EL POSTIMPRESIONISMO
La noche estrellada. Van Gogh.
El impresionismo, con su afán por captar la luz del natural, había ido disolviendo las
formas en su ambiente y todos los elementos del cuadro habían ido perdiendo
volumen, dibujo y sentido del espacio. En los últimos años del XIX y principios del
XX nos encontramos con unos pintores que partiendo del impresionismo, derivan
hacia una pintura personal que anuncian algunos de los movimientos pictóricos más
importantes del siglo XX. El postimpresionismo supone entre otras cosas una
recuperación de la importancia del dibujo y de la preocupación por captar no sólo la
luz sino también la expresividad de las cosas y de las personas iluminadas. su
trascendencia para la evolución del arte es, si cabe, mayor que la de los pintores
impresionistas.
Algunas características generales, con inclusión del pintor que mejor las representa:
- Interés por la construcción de la forma, el dibujo y la expresividad de los objetos y
figuras humanas.
- Conciliación entre efecto volumétrico (conculcado por el fulgor luminoso
impresionista que casi había desmaterializado las formas) y el gusto puramente
estético (Cézanne).
- Concepción del cuadro a base de cuerpos rigurosamente geométricos (Cézanne)).

64. - Empleo de colores contrastantes para distendir y definir los planos y formas.
- Efectos pictóricos basados en búsquedas estructurales, espaciales y cromáticas.
- Utilización de colores puros con gran carga emotiva ( Van Gogh) y modulados
(Gauguin)).
- Creaciones imaginativas a base de pinceladas cursivas que intentan expresar la
angustia y el desconsuelo interior (V. Gogh).
- Interés por lo exótico (Gauguin) y los bajos fondos (Toulouse-Lautrec).
- Creación de composiciones simplificadas y estáticas, buscando la armonía de las
masas cromáticas encerradas en perfiles bien ceñidos (Gauguin).
INFLUENCIAS- De los impresionistas, el gusto por los contrastes de colores en
Cézanne.- De Rubens, de los neoimpresionistas y de la estampa japonesa, el rico
cromatismo, los colores puros y la cursividad fluyente de las formas en V. Gogh- De
las culturas exóticas de Oceanía, el primitivismo en Gauguin.
Los pintores postimpresionistas
Paul Gauguin. Se inicia en el impresionismo con Pissarro; deja una vida confortable,
familia, mujer e hijos y se instala pobremente en París y Bretaña y después se
traslada a Tahití, donde pinta sus series de mujeres tahitianas. Destaca por el uso
tan expresivo que hace del color con tonos fuertes, vivos y muchas veces arbitrarios
que dispone en grandes planos delimitados por ritmos lineales curvos. Tiene dos
temas preferentes: el mundo exótico de Tahití y el "primitivismo" de Bretaña. Su
obra es preferente del simbolismo y su sentido del color influirá en los fauvistas y
expresionistas. Renuncia a la perspectiva, suprime el modelado y las sombras e
identifica la sensación de plano igual que en las pinturas japonesas.
Paul Cézanne. En su pintura se recupera el volumen gracias a la geometría, el
dibujo y la definición de las formas mediante pinceladas que han sido llamadas
constructivas; todo esto sin renunciar al color de gran intensidad mediante los
contrastes y las sombras coloreadas. En sus cuadros se potencia el primer plano y
realiza pequeñas distorsiones fruto de la utilización de más de un punto de vista
(bodegones). Su pintura es el punto de arranque del cubismo y ha influido en
coloristas como Matisse. Los jugadores de cartas, la montaña de Santa Vitoria..
Van Gogh. Se establece en Arlés entusiasmado por la luz de la Provenza pinta
figuras y paisajes de formas serpenteantes y flamígeras que traducen su fuego
interior. Es un apasionado del color como vehículo para expresar las frecuentes
depresiones y angustias que padeció. Su pincelada es muy característica, sinuosa,

65. cursiva y espesa; los colores son a veces agresivos con contrastes no frecuentes-
amarillo sobre naranja-. Abre las puertas al expresionismo del XX. Autorretrato,
Noche estrellada, La siembra,...
Toulouse-Lautrec. Nos refleja el ambiente de los salones nocturnos: bailarinas,
cantantes y prostitutas son sus modelos. En su técnica el dibujo, la captación del
movimiento y la carga irónica y caricaturesca es esencial. Fue el impulsor del cartel.
En sus obras, destaca: Moulin Rouge.
Escuelas expresionistas
UN PRECURSOR: EDVARD MUNCH (1863-1944)
Es el pionero del expresionismo. Noruego, influenciado por su ambiente familiar del
que la enfermedad y la muerte formaban parte. Su obra más impactante y conocida
es El grito de 1893: el paisaje oscila en conmovedoras curvas al igual que el
personaje que en un primer plano nos transmite su soledad y angustia ante la vida
y la muerte.
Título: Edvard Munch Título: El grito
Recuerda
Un precursor del expresionismo
Su obra más conocida
EL GRUPO “DIE BRÜCKE”
Una nueva corriente apareció en la ciudad alemana de Dresde en el año 1905.
Tomaron el nombre de "Die Brücke" (El puente). Lo componen estudiantes de

66. arquitectura entre los que destaca su líder Kirchner. Son conscientes de su nueva
forma de entender el arte y su nombre obedece a lo que ellos pretendían: ser un
puente entre todas las propuestas agitadoras y revolucionarias. En 1906 realizan la
primera exposición pública. Hacia el año de 1913 el grupo se disuelve, pero la
semilla germinará en los siguientes años en nuevas generaciones de
expresionistas.
ERNST LUDWIG KIRCHNER (1880-1938)
Kirchner se caracteriza por el uso de sus líneas angulosas que recuerdan a los
grabados de Durero y las xilografías de la Edad Media que tanto admiraba. El color
también es heredero del gusto fauvista. Todo ello se refleja en las composiciones
sobre la calle en las que los temas urbanos quedan recogidos en una serie de obras
que nos transmiten unos personajes tratados con ironía y crítica social. Este que
reproducimos lleva por título Calle con buscona de rojo.
Título: Calle con buscona de rojo
EL GRUPO “DER BLAUE REITER”
A finales de 1910 un nuevo grupo se formó en Munich bajo el liderazgo de Kandinski.
El grupo tomó el nombre de "Der blaue Reiter" (El jinete azul). Editaron un
Almanaque con el mismo nombre que el grupo y de una periodicidad anual en el
que recogían realizaciones artísticas muy diversas que abarcaban todos los campos
del arte. Una de las relaciones que más interesó a este grupo fue la de la pintura
con la música y la matemática. Junto a Kandinski estaba Marc y los dos eligieron el
nombre porque a los dos les gustaba el color azul, a Marc para sus pinturas de

67. caballos y a Kandinski para el jinete. La primera exposición tuvo lugar en 1911 en
la Thannhauser Galerie de Munich.
VASILY KANDINSKI (1866-1944)
Kandinski nació en Moscú y a lo 30 años se encuentra en Munich. Estos años son
de un trabajo que sintetiza en su libro De lo espiritual en el arte, publicado en 1912.
Fundador del grupo El jinete azul del cual vemos su obra homónima. Su propuesta
revolucionaria le llevará a realizar la primera obra abstracta.
Título: Kandinski Título: El jinete azul
FRANZ MARC (1880-1916)
Marc fundó junto a Kandinski el grupo del Jinete azul. Su interior necesitaba trabajar
con las formas de la naturaleza. Su pasión por el mundo animal lo desarrollo en su
obra, dando colores-símbolo que le integraban con el cosmos. El azul lo
consideraba masculino, robusto, el amarillo lo femenino y sensual, y el rojo
correspondía a la materia bruta. Estos caballos rojo y azul son característicos de
una pintura que nunca dejará de hacer.

68. Simbolismo. Pintura Simbolista
El término simbolista procede del ámbito literario.
El primero en utilizarlo fue el poeta Jean Moréas
en 1885 en su "Manifiesto Simbolista" y
posteriormente se aplicó a la nueva pintura ya
que las intenciones de los poetas y los pintores
eran semejantes.
El Simbolismo es un movimiento literario y de
artes plásticas que se originó en Francia en la
década de 1880, paralelo al post-impresionismo,
y que surgió como reacción al enfoque realista
implícito en el Impresionismo. Tanto el
Impresionismo, como el idealismo y el
naturalismo académico se habían identificado
con los problemas contemporáneos, políticos,
morales e intelectuales. Los artistas de 1885
disgustados por la incapacidad de la sociedad
para resolver estos problemas buscaron nuevos
valores basados en lo espiritual. Desean crear
una pintura no supeditada a la realidad de su
momento, rechazan lo que trae consigo la vida
diaria, la aglomeración, la actividad industrial y la
degradación.
Se va creando un estado de decepción frente al positivismo y cientifismo imperante
y se descubre una realidad más allá de lo empírico. A esto contribuye
Schopenhauer, que en su oposición al positivismo, insiste en que el mundo visible

69. es mera apariencia y que sólo adquiere importancia cuando somos conscientes de
que a través de él se expresa la verdad eterna.
Él defiende no el pintar el objeto en sí mismo, sino para trascender a otros ámbitos
a través de la intuición y la contemplación.
Los simbolistas consideran que la obra de arte equivale a una emoción provocada
por la experiencia. Tratan de exteriorizar una idea, de analizar el yo. Les interesa la
capacidad de sugerir, de establecer correspondencias entre los objetos y las
sensaciones, el misterio, el ocultismo. Sienten la necesidad de expresar una
realidad distinta a lo tangible y tienden hacia la espiritualidad. El símbolo se
convierte en su instrumento de comunicación decantándose por figuras que
trascienden lo material y son signos de mundos ideales y raros. Hay una inclinación
hacia lo sobrenatural, lo que no se ve, hacia el mundo de las sombras.
La revelación de Freud acerca de la vida de los sueños y la existencia de una parte
irracional en lo humano es aplicada al programa simbolista reivindicando la
búsqueda interior.
Cultivarán el subjetivismo, el antirracionalismo y aflorará el interés por el
cristianismo y las tradiciones diversas. Estudian la ambigüedad, la belleza
hermafrodita, lo andrógino, la mujer fatal que destroza cuando ama, lo femenino
devorador. La mujer brota del mundo del inconsciente y para huir de la realidad
adopta forma de esfinge, de sirena, de araña o de genio alado. Los seres que
aparecen en ese mundo de sueño serán incorpóreos.
Prestan especial atención a la forma, pero la ponen al servicio de unos ideales que
van más allá de la pura apariencia. Plasman sus sueños y fantasías por medio de
la alusión al símbolo y a una rica ornamentación. A veces utilizan colores fuertes
para resaltar el sentido onírico de lo sobrenatural. Puede decirse que es una pintura
de ideas, sintética, subjetiva y decorativa. Los precursores de esta nueva pintura
son Gustave Moreau, Puvis de Chavannes y Odilon Redon.
Gustave Moreau (1826-1898)
Se le puede considerar el precursor del Simbolismo. Se caracteriza por un lenguaje
formal de extraordinaria riqueza ornamental y cromática. Trabajó el pigmento con
texturas muy gruesas, por lo que la superficie resulta irregular. El mundo de Moreau
está poblado de adolescentes andróginos, mujeres fascinantes y perversas y
personajes extraídos de la Historia Sagrada que se convierten en eres humanos o
mitos clásicos.
En La aparición narra la aparición de la cabeza de San Juan Bautista a Salomé. Es
una obra de contenido religioso, sin embargo, la figura femenina posee una gran
sensualidad y representa a la mujer fatal.

70. En Edipo y la esfinge introduce un mundo mitológico lleno de significados, se
pegunta por la esencia humana. Otras obras son Piedad, Orfeo, Hércules y la Hidra
de Lerna, La danza de Salomé, Los unicornios.
Puvis de Chavannes ( 1824-1898)
Es el más clásico, las ideas que quiere plasmar se mueven dentro de lo equilibrado,
lo tranquilo. La mayor parte de su obra son grandes murales para edificios públicos,
hechos al óleo y no a fresco, lo que le obligó a suprimir la tercera dimensión.
Su énfasis sobre lo plano le llevó a las más atrevidas distorsiones, tanto en
perspectiva como en la figura. En la década de 1870 realiza La esperanza, el título
ya indica que no se trata de una simple imagen, sino de una idea. Es un personaje
asequible, examinado de forma académica, pero al servicio de una idea. Simboliza
la paz y la esperanza con un tema de guerra franco prusiana.

71. En Visión antigua vuelve al mundo mitológico, de ninfas, muestra una naturaleza
irreal, idealizada. Transmite paz y sosiego. En El verano mantiene la misma idea,
figuras inertes al servicio de la idea de calma, relax.
Odilon Redon (1840-1919)
El interés por el inconsciente, lo onírico y lo fantástico se hace patente en su
temática. Su obra se puede dividir en dos partes, una en blanco y negro y otra en
color. Para él, el negro era el príncipe de los colores. La araña sonriente, El sueño
acaba con la muerte o El ojo como un globo extraño se dirige hacia el infinito son
algunos ejemplos. Esta última es un precedente claro del surrealismo. El tema del
ojo permite la conexión con los surrealistas, aunque también es una actitud
simbolista. En sus litografías aparecen metáforas a obras de escritores como Edgar
Alan Poe, Baudelaire o Flauvert.

72. A partir de 1895 surge el color en numerosas pinturas al óleo y pastel. Su obra se
hace más brillante y alegre y aparece el estudio de las flores. Por ejemplo, Ofelia
entre las flores,Cíclope u Orfeo.
El simbolismo no puede definirse como un estilo unitario, sino como un
conglomerado de encuentros pictóricos individuales que supera nacionalidades y
límites cronológicos. En esta línea podemos encontrar figuras tan dispares como
Van Gogh, Gaugain, Klimt o Munch. El simbolismo derivará en una aplicación bella
y cotidiana de profunda raigambre en el arte europeo de finales del S. XIX y
principios del S. XX, el Art Nouveau.

73. La escultura cubista
El cubismo escultórico tiene la misma estética que el pictórico, y los mismos
objetivos, pero trabaja en tres dimensiones. Sus esculturas se caracterizan por
laintersección de planos y volúmenes, y la descomposición de las formas. El
cubismo descubre el hueco como elemento escultórico, tanto la masa como el
hueco sirven para la expresión plástica. Debido a la ausencia de color en la pintura
la escultura se revela como una manifestación artística especialmente valiosa. Se
dedican a la escultura muchos de los pintores cubistas, Picasso: Cabeza, Mujer,
Cabeza de toro, y George Braque: Mujer de pie.
Entre los escultores cubistas destacan Alexandre Archipenko, (1887-1964) el
gran escultor cubista: Torso negro, Cabeza, Estatuas de hierro del parque de la
Universidad de Kansas City, Ossip Zadkine: Cabeza de mujer, Constantino Brancuçi
: La columna sin fin, Jacques Lipchitz: Marinero con guitarra, Henri Laurens
: Mujer ante el espejo, Raymond Duchamp-Villo: Torso de hombre joven, Julio
González: Mujer peinando sus cabellos, y Pablo Gargallo: El profeta,Bailarina,
Estatua de Arlequín, el escultor cubista más destacado.

74. El futurismo
Es el movimiento de las corrientes devanguardiaartística, fundado en Italia por
Filippo Tommaso Marinetti, quien redactó el Manifeste du Futurisme, publicado el 20
de febrero de 1909, en el diario Le Figaro de París.
Nosotros afirmamos que la magnificencia del mundo se ha enriquecido de una
belleza nueva: la belleza de la velocidad. Un automóvil de carreras, con su radiador
adornado de gruesos tubos parecidos a serpientes de aliento explosivo... un
automóvil que ruge, que parece correr sobre la metralla, es más bello que la Victoria
de Samotracia
Escultura futurista
En las esculturas futuristas también se intenta representar el movimiento. Para ello
los planos se desarrollan en el espacio. Los pintores futuristas son, generalmente,
también escultores. Destacan Umberto Boccioni, quien más cultivó la escultura.
El futurismo se caracterizó por el intento de captar la sensación de movimiento. Para
ello superpuso acciones consecutivas, una especie de fotografía estroboscópica o
una serie de fotografías tomadas a gran velocidad e impresas en un solo plano.
Ejemplos destacados son el Jeroglífico dinámico de Bal Tabarin (1912, Museo de
Arte Moderno, Nueva York) y el Tren suburbano (1915, Colección Richard S. Zeisler,
Nueva York), ambos de Gino Severini.