1. El documento trata sobre el arte medieval, describiendo que abarca más de mil años de arte en Europa, Oriente Medio y África del Norte desde el siglo V al XV, e incluye diferentes movimientos, períodos y estilos artísticos como el prerrománico, románico y gótico. 2. Explica que en la Antigüedad tardía se integraron las herencias artísticas clásica y cristiana con las aportaciones de los pueblos bárbaros, produciéndose singulares síntesis.

1. 1.-Arte medieval
El arte medieval es una etapa de la historia del arte que cubre un prolongado período para una enorme extensión espacial.1 La Edad
Media -del siglo V al siglo XV- supone más de mil años de arte en Europa, el Oriente Medio y África del Norte. Incluye movimientos
artísticos principales y distintos períodos, artes nacionales, regionales y locales, diferentesgéneros, periodos de florecimiento a los que
se ha venido en llamar renacimientos, las obras de arte, y los propios artistas(que en la Alta Edad Media permanecían en
el anonimato de una condición artesanal de poco prestigio social, como los demás oficios establecidos en régimen gremial, mientras
que en los últimos siglos de la Baja Edad Media, sobre todo en el siglo XV, alcanzarán la consideración de cultivadores de las bellas
artes, aumentando en consideración social y preparación intelectual).
En la Antigüedad tardía se integró la herencia artística clásica del Imperio romano con las aportaciones del cristianismo primitivo y de
la vigorosa cultura "bárbara" de los pueblos protagonistas de la época de las invasiones (procedentes de laEuropa del Norte -pueblos
germánicos-, de la Europa oriental -pueblos eslavos, magiares- o de Oriente -árabes, turcos,mongoles-), produciéndose peculiarísimas
síntesis artísticas. La historia de arte medieval puede ser vista como la historia de la interacción entre elementos procedentes de todas
esas fuentes culturales. Los historiadores de arte clasifican el arte medieval en períodos y movimientos: arte paleocristiano, arte
prerrománico, románico, gótico (en Europa Occidental -lacristiandad latina-), arte bizantino (en el Imperio bizantino -la cristiandad
oriental-) y arte islámico (en el mundo islámico), con influencias mutuas. Además, identifican estilos locales diferenciados, como el arte
visigodo, el arte andalusí, el arte asturiano, el arte anglosajón, el arte carolingio o el arte vikingo; y estilos marcadamente sincréticos,
como el arte hiberno-sajón, el arte árabe-normando, el arte mozárabe o el arte mudéjar.
2.-Historia del arte en el renacimiento
El Renacimiento es el movimiento cultural y artístico iniciado en Italia en el siglo XV que dirige sus ojos al clasicismo
romano y al hombre como centro de las cosas, superada la tradición teocéntrica medieval.
No es de extrañar que sea en Italia donde se produce tal proceso pues el impresionante legado del viejo imperio romano
estuvo presente incluso en plena época medieval y el mundo italiano nunca se llegó a desapegar del todo, como
demuestra, incluso, su arte románico peculiar.
El trasvase de la cultura y arte del Renacimiento al resto de Europa fue lento y desigual y para lo que centra nuestro
interés, el arte en España, podemos decir que sus primeras manifestaciones comienzan en la penúltima década del siglo
XV y se finaliza en los primeros años del siglo XVII.
En el apartado de arquitectura renacentista se pondrá especial atención a dos subestilos o modalidades tan castizas
como el plateresco y el estilo herreriano. En la página de escultura se dividen los artistas en los tres tercios de la centuria
pues se trata de un arte en constante evolución. Trataremos escultores tan significativos como Vasco de la Zarza, Diego
de Siloe, Juan de Juni, Alonso Berruguete, la familia Leoni, etc.
3.-La estética atreves del tiempo
La historia de la estética es una disciplina de las ciencias sociales que estudia la evolución de las ideas estéticas
a lo largo del tiempo.1 La estética es la rama de la filosofía que se encarga de estudiar la manera en que el ser
humanointerpreta los estímulos sensoriales que recibe del mundo circundante, dando lugar al conocimiento
sensible, adquirido a través de los sentidos.nota 1 Entre los diversos objetos de estudio de la estética figuran
la belleza o los juicios de gusto, así como las distintas maneras de interpretarlos por parte del ser humano. Por
tanto, la estética está íntimamente ligada alarte y al estudio de la historia del arte, analizando los diversos estilos y
periodos artísticos conforme a los diversos componentes estéticos que en ellos se encuentran. A menudo se suele
denominar la estética como una «filosofía del arte».nota 2
El término estética proviene del griego αἴσθησις (aísthêsis), «sensación». Fue introducido por el
filósofo alemán Alexander GottliebBaumgarten en su obra Reflexiones filosóficas acerca de la poesía (1735), y más
tarde en su Aesthetica (1750).2 Así pues, la historia de la estética, rigurosamente hablando, comenzaría con
Baumgarten en el siglo XVIII, sobre todo con la sistematización de esta disciplina realizada por Immanuel Kant. Sin
embargo, el concepto es aplicable a los estudios sobre el tema efectuados por los filósofos anteriores,
especialmente desde la Grecia clásica. Cabe señalar, por ejemplo, que los antiguos griegos tenían un vocablo
equiparable al actual concepto de estética, que era φιλοκαλία (filocalía), «amor a la belleza».nota 3 Se podría decir
que en Grecia nació la estética como concepto, mientras que con Baumgarten se convirtió en una rama de la
filosofía.

2. 4.-FILOSOFÍA DEL ARTE y sus grandes pensadores:
FILOSOFÍA DEL ARTE
• Es una parte de la filosofía que se ocupa fundamentalmente del problema del arte, así como también del problema
estético, el cual es abordado por la
ESTÉTICA.
GRANDES PENSADORES:
FORMALISTAS
• El fin del arte es copiar la naturaleza.
• La pintura debía ser realista, figurativa, es decir representar las cosas naturales
Aristóteles
• “El arte debe copiar la naturaleza; como única y exclusiva
fuente de inspiración”
Leonardo da Vinci
• “El arte debe ser universal, es decir que la obra de arte debe ser comprendida y sentida por todos
sin excepción de cultura”
 “El fin del arte debe ser la exaltación de la belleza natural, en la cual el artista debe poner su
aporte espiritual y sentimental.
NICOLÁS POUSSIN
• “El arte es una imitación de todo lo que se ve; su fin es producir placer”.
INFORMALISTAS
• El arte no debe copiar la naturaleza.
• El arte es creación es decir, originalidad absoluta.
• Sus productos son creaciones que no
derivan ni se reducen a la realidad, porque
el arte no reproduce algo existente, sino
que produce siempre algo nuevo, y por lo
tanto no es imitación sino creación.
• El arte abstracto si
bien muchas veces se
inspira en la
naturaleza, sus formas
no se parecen a ella
Platón
• Condenó el arte imitativo y consideró los fenómenos esteticos y al arte como fruto del espíritu
Hegel
• EL arte no debe copiar la naturaleza sino lo que el artista siente de ella.

3. 5.-Impresionismo
Impresionismo es la denominación de un movimiento artístico1 definido inicialmente para la pintura
impresionista, a partir del comentario despectivo de un crítico de arte (Louis Leroy) ante el cuadro Impresión, sol
naciente de Claude Monet, generalizable a otros expuestos en el salón de artistas independientes de París entre el
15 de abril y el 15 de mayo de 1874 (un grupo en el que estaban Camille Pissarro, Edgar Degas, Pierre-Auguste
Renoir, Paul Cezanne, Alfred Sisley y BertheMorisot). Aunque el adjetivo "impresionista" se ha aplicado para
etiquetar productos de otras artes, como la música(impresionismo musical -Debussy-) y la literatura (literatura del
Impresionismo -hermanos Goncourt-),2 sus particulares rasgos definitorios (luz, color, pincelada, plenairismo) lo
hacen de muy difícil extensión, incluso para otras artes plásticas como la escultura (Rodin)3 y la arquitectura;4 de tal
modo que suele decirse que el Impresionismo en sentido estricto sólo puede darse en pintura y quizá
enfotografía (pictorialismo) y cine (cine impresionista francés o premièreavant-garde: Abel Gance, Jean Renoir -hijo
del pintor impresionista Auguste Renoir-).5
6.-.- Postimpresionismo
Posimpresionismo o postimpresionismo1 es un término histórico-artístico que se aplica a los estilos pictóricos de
finales del siglo XIX y principios del XX posteriores al impresionismo. Lo acuñó el crítico británico Roger Fry con
motivo de una exposición de pinturas de Paul Cézanne, Paul Gauguin y Vincent van Gogh que se celebró
en Londres en 1910. Este término engloba diversos estilos personales planteándolos como una extensión del
impresionismo y a la vez como un rechazo a las limitaciones de este. Los postimpresionistas continuaron utilizando
colores vivos, una aplicación compacta de la pintura, pinceladas distinguibles y temas de la vida real, pero
intentaron llevar más emoción y expresión a su pintura. Sus exponentes reaccionaron contra el deseo de reflejar
fielmente la naturaleza y presentaron una visión más subjetiva del mundo.
7.-El fauvismo: definición, características y representantes
De entre todos los –ismos que surgieron en la primera década del pasado siglo XX, puede ser el que menos duró, ya que se
inauguró con una exposición en 1905 y para 1910 se encontraba totalmente agotado. Eso no quita para que las obras que se
hicieran en ese periodo pusieran las bases del arte posterior y para que entre sus filas debutara un creador de la talla y la
trascendencia como fue el francés Henri Mattisse (1869-1954). Pero vayamos por partes, ¿qué entendemos por fauvismo?,
palabra que literalmente, remite a un mundo de “fieras”, tal como lo definió el crítico Louis Vauxcelles.
Características del fauvismo
El fauvismo tiene sus raíces en la obra del post-impresionista Gauguin. Es un movimiento eminentemente pictórico e,
incluso, si queremos perfilar más, centrado en pinturas al óleo. Se caracteriza por:
 Uso del color según la técnica de divisionismo. Es decir, los tonos no se mezclan en la paleta. Se colocan puros en
el cuadro uno al lado del otro. Las primeras obras presentan, por ejemplo, en el rostro humano colores rojos, verdes o
morados que, en principio, es ajeno a la carnalidad.
 Los contornos se presentan marcados, incluso con una línea gruesa de color negro y nada más tenemos que
observar, por ejemplo, Desnudo azul (1907) de Henri Matisse.
 Rechazaban de forma unánime el concepto de belleza tradicional. El canon se sustituyó por la libertad expresiva.
Hay que recordar que Freud acababa de definir el inconsciente con lo que esto supuso de revulsivo en la vida intelectual de
entonces.
Artistas del fauvismo
KasemirMelevitch, que luego evolucionó hacia la abstracción, es el representante ruso de mayor proyección. En Francia,
donde el movimiento surgió y prosperó, fue abrazado por Georges Braque, RaouelDufy, Georges Rouault o Albert
Marquet .Sus representantes más ilustres te los reseño a continuación.
 Henri Matisse

4. Figura indiscutible del arte del siglo XX, junto con Picasso, puede decirse que el fauvismo comenzó con Luxe, Calme et
Volupté, (1904). Aquí el pintor francés, con técnicas cercanas al puntillismo, nos presenta un paisaje de colores planos
totalmente alejado de la realidad extra-textual.
La obra de Matisse, claramente reconocible, nunca abandona los principios del movimiento. Es plástica en sentido extremo.
Las figuras son planas. Se prima el color, incluso, con un uso exagerado. Los elementos meramente decorativos son
eliminados de la composición pictórica para centrarse en objetos o representaciones humanas impregnadas de un fuerte
carácter simbólico.
 André Derain
Controvertida a más no poder fue la vida y la producción de André Derain (1880-1954) quien, además, de la pintura
manejaba el lenguaje de la escenografía, la danza y el atrezzo.
Su evolución, al contrario que Matisse, no es considerada como “lógica y natural” por parte de la crítica, ya que a mediados
de su carrera vuelve a hacer una pintura calificada como tradicional. Derain, dotado de una gran inteligencia, era un espíritu
rebelde y, probablemente inseguro. Muestra de ello fue la destrucción de su mano de gran parte de su obra primera.
 Maurice de Vlaminck
El menos conocido de este grupo el también francés Vlaminck (1876-1958) acusa un clara sustrato inter-textual (palabra
académica para, más o menos, referirse a influencia) de Van Gogh. De hecho, sus coloridos paisajes pueden confundirse con
la estética del pintor holandés. Su obra se centra en la naturaleza, en las tareas del campo y alguna que otra vez hace
retratos.
8.-.-EL SURREALISMO: ARTISTAS, CARACTERÍSTICAS, CONCEPTO, OBRAS Y
PRINCIPIOS
Todo empezó con La interpretación de los sueños de Freud en 1901. Aunque, en un principio, la obra no tuvo repercusión
alguna, las ideas allí plasmadas fueron calando en el imaginario filosófico y artístico del momento. Según el padre del
psicoanálisis, el espíritu humano de ser una mole inmutable, pasaba a estar conformado por espacios de sombras
desconocidas. Esas oscuridades eran tan reales (o más) que lo que acontecía en el mundo real.
Características del Surrealismo
 El surrealismo nació en varios países como un movimiento literario, pero acabó invadiendo otras artes: la escultura,
el incipiente cine y, sobre todo, la pintura.
 Se admite todo lo que rebasa la lógica y el inconsciente. Se considera que la verdad está detrás del mundo real.
 Los sueños (y su interpretación), los mitos, las visiones, lo maravilloso son admitidos. Por tanto, a través del
onirismo y de la fantasía se podía acceder a aquello que permanecía oculto.
 El automatismo, el psicoanálisis y la brujería adquieren un papel preponderante.
 Al tiempo, se reniega de la moral, de las convecciones y de los protocolos sociales imperantes por considerarse que
coartan la libertad que lleva a esa verdad oculta.

Artistas del surrealismo
Aunque el movimiento exigía fe ciega en sus postulados y principios, hay una serie de artistas que, a pesar de las purgas,
peleas y conflictos, tienen que catalogarse como surrealistas. Son:
Pintores surrealistas
El pintor más conocido de la corriente es Salvador Dalí, pero hay otros que también pertenecen al movimiento o hicieron
obras claramente surrealistas: René Magritte, Arp, Miró, Picasso, Giorgio de Chirico, Francis Picabia, Klee, Roberto
Matta, Yves Tanguy y Leonora Carrington. No están todos los que son, pero sí son todos los que están.

5. El surrealismo en literatura
TristanTzara, Paul Éluard y René Char son sus máximos exponentes. En las letras hispánicas hizo un primer esbozo Luis
Cernuda, que pronto abandonó el movimiento y Vicente Aleixandre. El autor contemporáneo Fernando Arrabal puede
inscribirse en la corriente, aunque, por edad, no pertenece a la vanguardia histórica.
Autores del surrealismo
Max Ernst (junto con Dalí) fue uno de los más influyentes. El director de cine Luis Buñuel, con Un perro andaluz y La edad
de oro, ha servido de referente a cineastas actuales.
9.-.- Cubismo
El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia y encabezado por Pablo Picasso, Georges
Braque, Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay y Juan Gris.1 Es una tendencia esencial, pues da pie al resto de
las vanguardias europeas del siglo XX. No se trata de un ismo más, sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional.
El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles, el mismo que había bautizado a los fauvistas motejándolos
de fauves (fieras); en el caso de Braque y sus pinturas de L'Estaque, Vauxcelles dijo, despectivamente, que era una pintura
compuesta por «pequeños cubos». Se originó así el concepto de «cubismo». El cubismo literario es otra rama, la cual se expresa con
poesías cuya estructura forma figuras o imágenes que ejemplifican el tema, estas no están con métricas, ni versos (la rima es
opcional).
Características
«Cuando hacíamos cubismo, no teníamos ninguna intención de hacer cubismo, sino únicamente de expresar lo que teníamos dentro».
El cubismo es considerado la primera vanguardia, ya que rompe con el último estatuto renacentista vigente a principios del siglo XX,
la perspectiva. En los cuadros cubistas, desaparece la perspectiva tradicional. Trata las formas de lanaturaleza por medio de
figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies. Se adopta así la llamada «perspectiva múltiple»: se representan todas las
partes de un objeto en un mismo plano. La representación del mundo pasaba a no tener ningún compromiso con la apariencia de las
cosas desde un punto de vista determinado, sino con lo que se sabe de ellas. Por eso aparecían al mismo tiempo y en el mismo plano
vistas diversas del objeto: por ejemplo, se representa de frente y de perfil; en un rostro humano, la nariz está de perfil y el ojo de frente;
una botella aparece en su corte vertical y su corte horizontal. Ya no existe un punto de vista único. No hay sensación de profundidad.
Los detalles se suprimen, y a veces acaba representando el objeto por un solo aspecto, como ocurre con los violines, insinuados sólo
por la presencia de la cola del mismo.
Historia
El cubismo tuvo como centro neurálgico la ciudad de París, y como jefes y maestros del movimiento figuraban los españoles Pablo
Picasso y Juan Gris y los franceses Georges Braque y FernandLéger. El movimiento efectivamente se inicia con el cuadro "Las
Señoritas de Avignon" (DemoisellesD'Avignon) de Pablo Picasso. Como elemento precursor del cubismo destaca la influencia de las
esculturas africanas y las exposiciones retrospectivas de Georges Seurat (1905) y de Paul Cézanne (1907).
El cubismo surge en la primera década del siglo XX, constituyendo la primera de las vanguardias artísticas. Entre las circunstancias
que contribuyeron a su surgimiento, se ha señalado tradicionalmente tanto la obra de Cézanne como el arte de otras culturas,
particularmente la africana. En efecto, Cézanne pretendió representar la realidad reduciéndola a sus formas esenciales, intentando
representar los volúmenes sobre la superficie plana del lienzo de una manera nueva, tendencia que fue seguida por los cubistas. Ya
antes que él, los neoimpresionistas Seurat y Signac tendieron a estructurar geométricamente sus cuadros. Lo que Picasso y Braque
tomaron de Cézanne fue la técnica para resolver ese problema de lograr una nueva figuración de las cosas, dando a los objetos
solidez y densidad, apartándose de las tendencias impresionistas que habían acabado disolviendo las formas en su búsqueda
exclusiva de los efectos de la luz.