Este documento describe los movimientos pictóricos del simbolismo, los nabis y la pintura naïf en Francia a finales del siglo XIX. El simbolismo rechazaba el naturalismo e impresionismo en busca de un arte más subjetivo e imaginativo. Los nabis, influenciados por Gauguin y el simbolismo, se centraron en el color plano y lo decorativo. Artistas clave fueron Moreau, Redon, Puvís de Chavannes, los nabis Bonnard y Denis.

1. PINTURA SIMBOLISTA, NABIS Y PINTURA NAÏF

2. El término “simbolismo” procede del ámbito
literario. El primero en utilizarlo fue el poeta
Jean Moréas en 1885 en su Manifiesto
Simbolista, para definir a aquellos poetas que
expresaban sentimientos profundos y
personales, revistiendo el tema de una forma
sensual.
Pronto comenzó a utilizarse el término
simbolismo para referirse a aquellos pintores
que rechazaban el naturalismo pictórico, tanto
el de la pintura academicista como el de los
impresionistas, y abogaban por un tipo de arte
más subjetivo, imaginativo y fantasioso, con
fuerte contenido poético, incluso místico. Los
simbolistas era estetas exquisitos, que
valoraban la belleza como bien supremo y
rechazaban la vulgaridad de la vida moderna.
SIMBOLISMO
Jean Moréas, autor del
Manifiesto simbolista.

3. Los artistas simbolistas buscaron
nuevos valores basados en lo
espiritual. Deseaban crear una
pintura no supeditada a la realidad.
Su pintura fue una respuesta al
estado de decepción frente al
positivismo y cientifismo imperante,
en busca de una realidad más allá de
lo empírico, más allá de la apariencia,
en busca de lo oculto y místico, del
significado de la obra de arte.
Madame Stuart Merrill / Misteriosa,
1892, Jean Delville

4. Entre los antecedentes de los
simbolistas cabe citar a pintores
románticos como William Blake y
Johann Heinrich Füssli, los
nazarenos alemanes y los
prerrafaelitas británicos.
De los simbolistas derivarían los
pintores del grupo de Pont-Aven,
los nabis y muchos artistas
modernistas.
NABUCODONOSOR, WILLIAM BLAKE
LA PESADILLA, FÜSSLI

5. Los simbolistas defendían el uso de la pintura
para trascender a otros ámbitos a través de la
intuición y la contemplación. Consideraban
que la obra de arte equivale a una emoción
provocada por la experiencia. Trataban de
exteriorizar una idea. Les interesaba la
capacidad de sugerir, de establecer
correspondencias entre los objetos y las
sensaciones, el misterio, el ocultismo. Sentían
la necesidad de expresar una realidad distinta
a lo tangible y tendieron hacia la
espiritualidad. Los simbolistas proponían una
pintura conceptual en la que domine el tema
sobre la representación: un arte de contenido.
El símbolo se convierte en su instrumento de
comunicación, decantándose por figuras que
trascienden lo material y son signos de
mundos ideales y raros, con una inclinación
hacia lo sobrenatural, lo que no se ve, hacia el
mundo de las sombras. QUIMERA, GUSTAVE MOREAU

6. Los simbolistas cultivaron el subjetivismo, el
antirracionalismo y dejaron aflorar el interés
por el cristianismo y las tradiciones.
Estudiaron la ambigüedad, la belleza
hermafrodita, lo andrógino, la mujer fatal, lo
femenino devorador.
Entre sus temas preferidos se encuentran las
escenas de carácter literario, bíblico o
mitológico. Combinaron cierto misticismo
con lo perverso y decadente, mostrando
interés por el ocultismo, lo morboso, el
mundo de los sueños, la melancolía, el mal y
la muerte. El erotismo estuvo muy presente
en algunos pintores simbolistas, que suelen
representar a una mujer fatal que destroza
cuando ama, una mujer que adopta la forma
de esfinge, sirena, araña o genio alado
diabólico.
El simbolismo fomentaba el escapismo, la
huida de la realidad y de los
convencionalismos burgueses.
GALATEA, GUSTAVE MOREAU, 1880

7. En cuanto a la técnica, los simbolistas
privilegiaron la mancha sobre el
dibujo y su pintura presenta colores
vivos, utilizados muchas veces de
forma arbitraria (rostro azul, paisaje
amarillo…), lo que lo convierte en
antecedente del fauvismo. A veces
utilizaban colores fuertes para resaltar
el sentido onírico de lo sobrenatural.
En las composiciones se aprecia
también la influencia de las estampas
japonesas en el uso de colores planos
y perspectivas en diagonal.
SUEÑO CALIBÁN. ODIOLO REDON, 1895-1900

8. GUSTAVE MOREAU
LA APARICIÓN, 1876
LEDA Y EL CISNE, 1864
Se le puede considerar el
precursor del Simbolismo.
Se caracteriza por un lenguaje
formal de extraordinaria
riqueza ornamental y
cromática.
Trabajó con texturas muy
gruesas, por lo que la
superficie resulta irregular.
El mundo de Moreau está
poblado de adolescentes
andróginos, mujeres
fascinantes y perversas y
personajes extraídos de la
historia sagrada que se
convierten en seres humanos
o mitos clásicos.

9. EDIPO Y LA ESFINGE
PIETÀ EUROPA Y EL TORO

10. SALOMÉ JASÓN Y MEDEA
LA QUIMERA

11. PIERRE PUVIS DE CHAVANNES
LA ESPERANZA, 1872
Fue el más clásico de los
simbolistas. La mayor parte de
su obra son grandes murales
para edificios públicos,
pintados al óleo y no a fresco,
lo que le obligó a suprimir la
tercera dimensión. Gran
conocedor de la cultura clásica
y atraído por los pintores
italianos, en especial por
los muralistas del Quattrocento,
se mantuvo fiel a la pintura de
historia.Su énfasis sobre lo
plano le llevó a las más
atrevidas distorsiones, tanto en
perspectiva como en la figura.

12. EL POBRE PESCADOR, 1881
LA MUERTE Y LAS JÓVENES, 1872
EL SUEÑO, 1883

13. EL BOSQUE SAGRADO, LA SORBONA
EL BOSQUE SAGRADO DE LAS MUSAS,
MUSEO DE BELLAS ARTES DE LYON

14. SANTA GENOVEVA
VIGILANDO PARÍS
EL VERANO, MURAL PARA EL
AYUNTAMIENTO DE PARÍS
EL TRABAJO, MURAL PARA EL MUSEO
DE PICARDÍA

15. ODILON REDON
EL CUERVOEL ESPÍRITU DEL BOSQUE
Sus pinturas y grabados incluyen
mitos clásicos y orientales,
retratos, flores y referencias
literarias. El interés por el
inconsciente, lo onírico y lo
fantástico se hace patente en su
temática.
Su obra se puede dividir en dos
partes, una en blanco y negro y
otra en color.
Hasta 1890 trabajó casi
exclusivamente en blanco y negro,
realizando sobre todo dibujos al
carbón y litografías. Para él, el
negro era el príncipe de los
colores.

16. EL ESPÍRITU GUARDIÁN DE LAS
AGUAS
EL OJO, COMO UN GLOBO EXTRAÑO, SE
DIRIGE AL INFINITO
EL PÓLIPO DEFORME
Serie dedicada a Edgar Allan Poe, subtitulada El
ojo como un globo extraño se dirige hacia el
infinito, concebida en 1882 como un tributo a la
pasión de Poe por lo extraordinario y lo
sobrenatural.
El tema del ojo obsesionó a Redon y lo trató con
diferentes matices, como símbolo de conciencia
universal cuando lo representaba abierto, o
como símbolo de la vida interior y la soledad
cuando lo pintaba cerrado.
MELANCOLÍA, 1876

17. FLOR DE PANTANO, CABEZA
HUMANA TRISTE, 1885
EL CORAZÓN DELATOR,1883
CABEZA DE MÁRTIR, 1877
HOMENAJE A GOYA, 1885

18. HOMBRE CACTUS
LA ARAÑA QUE LLORA
LA ARAÑA SONRIENTE
El artista crea un ser híbrido, humaniza al insecto, buscando la
monstruosidad de forma irónica y morbosa para asustar, asquear,
desconcertar y, en definitiva, hacer pensar. Ésta fue la etapa negra
del artista, cuando utilizó exclusivamente este color

19. LOS OJOS CERRADOS, 1890
EL CARRO DE APOLO, 1907-8
PERFIL SOBRE MEANDROS ROJOS, 1900
A partir de 1895 incluyó el color en numerosas acuarelas, pinturas al óleo y pastel. Su
obra se hizo más brillante y alegre, como por ejemplo en Ofelia entre las
flores, Cíclope u Orfeo. Fue un gran admirador de Goya y se le considera como uno de
los precursores del surrealismo.

20. OFELIA, 1902
LA CELDA DORADA, 1892
MARIPOSAS

21. SILENCIO, 1900
BEATRICE, 1897
FIGURA CON FLOR AMARILLA, 1901
http://algargosarte.blogspot.com.es/2014/10/odilon-redon-el-
simbolismo-en-la.html

22. FRISO EL DÍA
FRISO LA NOCHE
Entre sus últimas
obras destaca la
decoración realizada
en 1909 de la
biblioteca de la abadía
de Fontfroide,
posesión de su amigo
M. G. Fayet, para la
que creó los
paneles El día y La
noche.

23. EL CÍCLOPE, 1914
PANDORA, 1914
RETRATO DE VIOLETTE HEYMANN

24. LOS NABIS
Fotografía de 1889, con Ker-xavier Roussel,
Édouard Vuillard, Romain Coulus y Felix Valloton
EL TALISMÁN, 1888
Éste es el nombre que se atribuyeron a sí mismos
un grupo de pintores postimpresionistas. “Nabi”
significa “profeta" en hebreo e "inspirado" en
árabe.
Pierre Bonnard, Édouard Vuillard, Maurice Denis,
Ker-Xavier Roussel y Paul Ranson eran
compañeros en el taller de la Academia Julien, en
la Escuela de Bellas Artes. Después se unieron al
grupo el suizo Félix Vallotton, y el escultor Aristide
Maillol. Uno de ellos, Paul Sérusier, pasó un
tiempo en la Bretaña francesa con Gauguin,
siguiendo sus enseñanzas. Gauguin lo vio cuando
está pintando El talismán, también llamado El río
Auven en el bosque de Amour, y le dijo que se
atreviese a pintar cada una de las partes del color
que veía. Cuando Sérusier volvió a París, mostró el
cuadro a sus compañeros, que sufrieron una
revelación y se agruparon bajo el nombre de “los
nabis"

25. El nombre de “profetas" quería
indicar que eran adelantados a su tiempo,
que tenían nuevas inquietudes y querían
abrir nuevos caminos en el ámbito del
arte. Pretendían plasmar una verdad más
allá del mundo visible a través de la
exaltación del color, la simplificación de
las formas y la trascendencia mística y
enigmática de sus composiciones.
Sus referencias fueron el sintetismo de
Gauguin y Émile Bernard, el Art Nouveau,
en pleno desarrollo en la década de los 90,
el arte japonés y el simbolismo. FORMAS DE LUZ DEL SOL EN LA
TERRAZA, MAURICE DENIS, 1890.

26. Se puede considerar a los nabis como
una rama del Simbolismo. La pintura
nabi fue un arte más sencillo y primitivo,
haciendo hincapié en el sintetismo y en
el valor decorativo de la pintura. Luego
fueron evolucionando y fueron
abandonando las manchas planas de
color, muy intensas, por una pincelada
dividida y vibrante a la manera
impresionista.
Los temas más tratados fueron los temas
religiosos, el París moderno, el ámbito
burgués y doméstico. También se
interesaron por lo exótico y lo oriental.
BAJO LA LUZ DE LA LÁMPARA, PIERRE BONNARD
LA ANUNCIACIÓN, MAURICE DENIS, 1913

27. - Pintura basada en la deformación de la
realidad, tanto objetiva como subjetiva
- Utilizaron normalmente colores planos de
gran sentido estético. Emplearon tonos
desde la gama de los pardos a los verdes,
pasando por ocres, azulados, etc.
Emplearon a menudo como soporte el
cartón y el papel, materiales que absorben
más el color. Los colores se matizan,
perdiendo así parte de su agresividad.
- Utilizaron todo tipo de materiales y
técnicas decorativas: litografías, vidrieras,
grabados, carteles, dibujos para ilustrar
libros y revistas, decorados, trajes para el
teatro… Una de sus intenciones era
democratizar el arte, que todo el mundo
tuviese acceso a él.
MUJERES EN EL JARDÍN, PIERRE
BONNARD

28. El grupo nabi se escindió en dos ramas:
- La CORRIENTE ESPIRITUAL, que fue la más
cercana a las ideas de Gauguin, la más
romántica. Volvieron la mirada hacia la
Edad Media, al primitivismo y la
simplificación. Mezclaron el simbolismo y
el romanticismo en temas sobre Bretaña,
la Edad Media, temas bíblicos... Entraron
en contacto con sectas, estaban atraídos
por los filósofos orientales y se sumaron a
la idea de la superioridad de la intuición
sobre el intelecto. En este grupo
destacaron Paul Sérusier (El talismán)
y Maurice Denis (Las musas, Homenaje a
Cézanne, Misterio católico).
LAS MUSAS, MAURICE DENIS

29. PAUL SÉRUSIER
MELANCOLÍA
EL TALISMÁN
Artista de la línea
simbólica. Fue el único
discípulo directo del
pintor Paul Gauguin.

30. MAURICE DENIS
MISTERIO CATÓLICO,1889
LAS MUSAS, 1893
Los temas de sus pinturas
incluyeron paisajes y estudios
de figuras, particularmente de
madre e hijo. Pero su principal
interés radicó en los temas
religiosos. Se le considera
como uno de los grandes
renovadores del arte religioso
francés.
Sus compañeros nabis le
llamaron «Nabi de los bellos
iconos», por su estilo simple y
arcaizante.
PRIMAVERA VIRGINAL
(MANZANOS EN FLOR), 1894

31. ABRIL (LAS ANÉMONAS)
HOMENAJE A CÉZANNE, 1900
https://www.wikiart.org/es/maurice-denis

32. ÉDOUARD VUILLARD
EL LECHO, 1891
JARDINES PÚBLICOS, 1894
Uno de los artistas más prolíficos de
los nabis. Muy dotado en todas las
técnicas, destacó en las escenas
interiores y retratos de mujeres con
flores. También fue muy notable su
obra litográfica.
INTERIOR, 1902

33. MUJER DE ROJO, DE ESPALDAS EN LA
VENTANA
https://www.wikiart.org/es/edouard-vuillard
MUJER CON LAS CEJAS NEGRAS

34. FÉLIX VALLOTON
DAMA Y CRIADA BAÑÁNDOSE,1896
- La CORRIENTE DECORATIVISTA estuvo
más cercana al impresionismo y a las
ideas de Degas. Tenían un punto de vista
más escéptico sobre la misión del arte
como medio de remover las conciencias.
Apostaron por la armonía estética, un
orden abstracto dentro de la
representación y partieron de la herencia
de Cézanne y Seurat. Tuvieron interés por
el arte oriental (estampas japonesas):
formas planas, composiciones
descentradas, perspectivas en altura...
Los temas que trataron solían ser
interiores burgueses, sobre todo los más
intimistas (cuartos de baño). Su pintura se
define por las iluminaciones artificiales,
enfoques cambiantes y el horror vacui.
Sus obras se utilizaron también como
papeles pintados, vidrieras, decorados
escenográficos...

35. Aunque considerado un pintor anticuado por
algunos artistas de la época, fue muy estimado por
sus contemporáneos, que valoraban mucho el
colorido de su producción artística, como Matisse.
Para él, el color era un fin en sí mismo. Abandonó
la tercera dimensión a la hora de representar las
figuras, pintando amplias zonas de colores planos.
Ha sido calificado como pintor intimista, ya que no
le interesaban los temas simbolistas (fantasiosos
o místicos), sino escenas de la vida cotidiana,
frecuentemente en interiores.
También realizó ilustraciones de libros, diseños
textiles y mobiliario. Sus aportaciones resultan
fundamentales para comprender la transición
entre el postimpresionismo y el simbolismo.
Bonnard prefirió mantenerse al margen de las
corrientes vanguardistas imperantes para volcarse
en su mundo cotidiano. Se centró en temas de la
vida familiar y en paisajes que muestran una
naturaleza vibrante y luminosa, donde el poder
expresivo del color toma un protagonismo cada
vez más relevante.
PIERRE BONNARD
INTIMIDAD, 1891
EL ALMUERZO DE LAS NIÑAS 1897

36. BAJO LA LUZ DE LA LÁMPARA 1899 MUJER CON MEDIAS NEGRAS, 1900
DESNUDO A CONTRALUZ 1908
LA CARTA, 1906. EL MANTEL DE CUADROS ROJOS ,1910
EL COMEDOR, 1913.
https://www.wikiart.org/es/pierre-bonnard

37. Corriente artística surgida a finales del S. XIX en
Francia, caracterizada por la candidez, la
ingenuidad, espontaneidad y el
autodidactismo de los artistas, que utilizaron
colores brillantes y antinaturalistas y una
perspectiva acientífica.
La ingenuidad no debe ser considerada de forma
peyorativa, sino que está ligada a la búsqueda
de la simplicidad para ofrecer así una visión del
mundo sincera y exenta de artificios.
Los artistas naïf no se dedicaron al arte como
actividad principal, sino como una actividad al
margen de sus profesiones. Buscaron huir del
academicismo y no concebían el arte como
creación trascendente, sino como reflejo de
despreocupación y serenidad interior.
ARTE NAÏF
JUNGLA, LOUIS VIVIN

38. Las principales características del arte
naif son:
- contornos definidos con mucha
precisión
- falta de perspectiva
- sensación volumétrica conseguida
por medio de un extraordinario
colorido
- pintura detallista y minuciosa
- gran potencia expresiva, aunque el
dibujo puede ser incorrecto.
Los artistas más destacados fueron
Henri Rousseau, Louis Vivin, Camille
Bombois, André Bauchany y Sérafine
Louis en Francia. En EEUU destacó
Grandma Moses y en Reino Unido
Alfred Wallis.
SAINT YVES, ALFRED WALLIS
ATRAPANDO EL PAVO, GRANDMA MOSES
https://www.wikiart.org/es/anna-mary-robertson-moses
https://www.wikiart.org/es/alfred-wallis

39. HENRI ROUSSEAU
YO MISMO, 1890 ROUSSEAU EN 1910,
Foto tomada por Picasso
Fue el principal representante de este
grupo. Fue conocido con el sobrenombre
de "el aduanero" debido a su trabajo de
cobrador en uno de los fielatos de París. Su
verdadera pasión era la pintura. En su
tiempo libre se dedicaba a copiar pinturas
y grabados en el Louvre. Se volcó en la
pintura por completo tras su jubilación en
1893. Sus cuadros chocaron con los
convencionalismos de la sociedad
burguesa del momento al recurrir a las
técnicas realistas consideradas pasadas de
moda. Pero esta peculiar manera de
representar la realidad fue
inmediatamente valorada por otros artistas
como Pissarro, Kandinsky, Picasso o
Braque.
Le interesaron principalmente los retratos
y paisajes, que desarrolló a partir de un
lenguaje de gran ingenuidad e
importantes dosis de fantasía.

40. Su pintura es muy reconocible por su carácter muy lineal, perspectivas muy convencionales,
aunque ligeramente sesgadas y el empleo de armónicos y sutiles colores, lo que se tradujo en unas
producciones de naturaleza intemporal e imágenes arquetípicas reducidas a la esencia. Aunque
pintó paisajes exóticos con animales salvajes, apenas viajó fuera de Francia. Buscó su inspiración
en zoos, jardines botánicos, fotografías e incluso en animales disecados para crear junglas llenas
de monos, felinos, aves y otros animales fantásticos en unas obras llenas de poesía, pero también
de sentido del humor y de ironía. Su trabajo destaca por las escenas aparentemente infantiles y el
color, que dota a su pintura de una gran fuerza expresiva. Su obra influyó en el desarrollo del arte
moderno, en estilos como el cubismo, del surrealismo y del expresionismo.
TIGRE EN UNA TORMENTA TROPICAL, 1886
TARDE DE CARNAVAL, 1886

41. LA GITANA DORMIDA, 1897
LA TORRE EIFFEL, 1898
GUERRA, 1894
NIÑO SOBRE LAS ROCAS, 1897

42. LEÓN CAZANDO A UN ANTÍLOPE, 1905
LUCHA ENTRE UN TIGRE Y UN BÚFALO
LA ENCANTADORA DE SERPIENTES, 1907
RETRATO DE UNA MUJER, 1895, comprado por Picasso

43. PAISAJE EXÓTICO, 1908
JUGADORES DE FÚTBOL, 1908 MUSA INSPIRANDO AL POETA, 1909

44. RETRATO DEL SEÑOR X (PIERRE
LOTI), 1891-1892
RETRATO NUPCIAL, 1905
LA LIBERTAD INVITA A LOS ARTISTAS
A PARTICIPAR EN EL XII SALÓN DES
INDÉPENDANTS, 1906

45. LOUIS VIVIN
Sus composiciones son de
gran minuciosidad y su
dibujo es muy preciso. Son
típicas sus evocaciones de
edificios de París, que
aparecen representados
ladrillo a ladrillo.
LE MOULIN DE LA GALETTE
JUNGLAEL GRAN CANAL DE VENECIA
LA CATEDRAL DE NOTRE DAME

46. Muy aficionado a
representar con gran
espontaneidad opulentas
figuras femeninas y escenas
de feria y de circo, en el que
había trabajado como atleta.
Sus desnudos exaltan el
poder de la feminidad y
hacen pensar en las mujeres
de la prehistoria. Toda su
fuerza reside en la precisión
y energía del dibujo, que
confiere a las figuras planas
su relieve y su fuerza.
CAMILLE BOMBOIS
EL ATLETA, 1920 LAS MEDIAS NEGRAS CON PERIÓDICO, 1930
https://www.wikiart.org/es/paintings-by-style/arte-naif-
primitivismo?artistUrl=camille-bombois

47. ANDRÉ BAUCHANT
Era jardinero y empezó a pintar cuando
contaba con cuarenta y cinco años. Prefirió
las composiciones históricas o mitológicas y
las trató con una grotesca seriedad.
DECLARACIÓN DE INDEPENDENCIA DE EEUU
ADÁN Y EVA

48. EL ÁRBOL DEL PARAÍSO
SÉRAPHINE LOUIS
Trabajaba como asistenta. Sus cuadros tienen como tema
flores y frutos de una fascinante original belleza, próxima al
misterio de lo surreal.
FLORES Y FRUTOS HOJAS