Este documento presenta análisis técnicos e históricos de 13 obras de arte famosas de diferentes épocas y estilos. Proporciona información sobre los artistas, fechas de creación, técnicas, dimensiones, ubicaciones y contextos históricos de las obras. También incluye breves explicaciones del simbolismo de cada pieza.

1. Perteneciente a Francisco Víquez

2. EL HIJO DEL HOMBRE
ANÁLISIS TÉCNICO
 Nombre: El hijo del hombre
 Autor: René Magritte
 Fecha: 1964
 Técnica: Oleo sobre lienzo.
 Estilo: Surrealismo
 Tamaño: 116 cm x 89 cm
 Ubicación: Colección privada..
ANÁLISIS HISTÓRICO
 Es su obra más conocida.
 Magritte fue un pintor surrealista belga conocido
por sus ingeniosas y provocativas imágenes. A
diferencia de Dalí, Magritte no usa la pintura para
expresar sus obsesiones privadas o sus fantasías,
sino que se expresa con agudeza, ironía y un
espíritu de debate. Su surrealismo también
llamado “realismo mágico” retrata las ambiguas
relaciones entre palabras, imágenes y los objetos
que estos denotan.
 Esta obra ha sido parodiada múltiples veces.
SIMBOLISMO
 La manzana significa la tentación creacionista. El
hombre y el que su rostro esté oculto significa los
prejuicios que nos hacemos de las personas antes
de conocerlas.

3. LECCIÓN DE ANATOMÍA
ANÁLISIS TÉCNICO
 Nombre: Lección de Anatomía del Dr. Nicolaes Tulp
 Autor: Rembrandt
 Fecha: 1632
 Técnica: Oleo sobre lienzo.
 Estilo: Barroco
 Tamaño: 169,5 x 216, 5 cm
 Ubicación: Museo Mauritshuis, Holanda.
ANÁLISIS HISTÓRICO
 Es el primer retrato de grupo pintado por Rembrandt de
apenas 26 años de edad encargado por el gremio de
médicos holandeses.
 Muestra una lección de anatomía impartida por el doctor
NicolaesTulp explicando la musculatura del brazo. El
cadaver pertenece al criminal Aris Kindt.
 La obra muestra una disección pública que era todo un
acontecimiento en la época. Sólo se permitía una al año
y de un criminal ejecutado en invierno para su mejor
conservación. Por lo cual la gente pagaba y se realizaba
en un teatro como todo un espectáculo.
 El movimiento lineal de la obra centra la atención en el
cadaver y la disección. Rembrandt a pesar de su
juventud, hace uso magistralmente del claroscuro para
atraer la atención y sacar 3 planos en el cuadro que le
dan tridimensionalidad.
SIMBOLISMO
 A pesar de que el tema principal era retratar a la élite de
médicos holandeses de la época, Rembrandt escoge la
lección que presenta el “movimiento” de la mano ya que
por entonces, el tema era el movimiento del alma
expuesto por Descartes radicado entonces en Holanda,
el movimiento de los planetas expuesto por Galileo en
Italia y también el movimiento del cuerpo.

4. LAS 3 GRACIAS
ANÁLISIS TÉCNICO
 Nombre: Las 3 gracias
 Autor: Peter Paul Rubens
 Fecha: 1636-1639
 Técnica: Oleo sobre tabla
 Estilo: Barroco
 Tamaño: 221 x 181 cm.
 Ubicación: Museo del Prado, España.
ANÁLISIS HISTÓRICO
 El cuadro muestra las 3 hijas de Zeus que
simbolizan el amor, la fertilidad y la sexualidad.
 No fue un encargo sino una empresa personal de
Rubens por lo que nos expresa el estado de ánimo
del pintor, principalmente después de su segundo
matrimonio. Se cree que uno de los rostros es el
de su segunda esposa (izquierda) y otro el de su
primera. Para él encarnarían su ideal de
sensualidad, vitalidad y alegría.
 El propio rey de España compró la obra en junio
de 1640 cuando murió el artista y su familia
subastó todos sus bienes y pinturas. Fue una
subasta muy popular en toda Europa.
 Es una imitación del cuadro las 3 gracias de Rafael
Sanzio pero al estilo de Rubens.
SIMBOLISMO
 Simboliza el ideal de belleza, vitalidad y alegría.

5. Nº5, 1948
ANÁLISIS TÉCNICO
 Nombre: Nº5, 1948
 Autor: Jackson Pollock
 Fecha: 1889
 Técnica: Oleo en fibra vulcanizada, dripping
 Estilo: Expresionismo abstracto
 Tamaño: 1,3 x 2,6 m
 Ubicación: Colección privada.
ANÁLISIS HISTÓRICO
 Se llegó a vender en subasta en 140 millones de
dólares en 2006. Para ese entonces, la obra
subastada más cara de la historia. Hoy es la
tercera más cara vendida.
 Se considera el primer estilo netamente
estadounidense.
 Pollock trató de ir en contra de toda técnica y todo
estilo antes hecho. No usaba pinceles, espátulas o
caballete. No le importaba dirección, contraste,
proporción o formas en su composición. Colocaba
el lienzo en el suelo y desde un andamio encima,
derramaba pintura e iba esparciéndola de distintas
maneras, incluso cortando el lienzo luego, técnica
conocida como dripping. Que según él, seguía el
propio impulso de sus manos, lo que la hacía más
suya, una pintura más íntima.
SIMBOLISMO
 Simboliza la intimidad del artista con su propio ser.
La creatividad como ideal.

6. TARDE DE DOMINGO
ANÁLISIS TÉCNICO
 Nombre: Tarde de Domingo en la isla de la Grande
Jatte
 Autor: Georges Pierre Seurat
 Fecha: 1884-1886
 Técnica: Oleo sobre lienzo.
 Estilo: Puntillismo
 Tamaño: 207, 6 x 308 cm.
 Ubicación: Instituto de Arte de Chicago, EU.
ANÁLISIS HISTÓRICO
 Considerado por muchos, una de las pinturas más
relevantes del siglo XIX.
 Basado en el estudio de la teoría óptica del color,
contrastó puntos minúsculos de color que a través
de su observación de manera global, forman una
figura coherente en el ojo del observador. Él creía
que esta forma haría los colores más brillantes y
fuertes que pintados a pinceladas.
 Estaba empeñado en demostrar que usando
métodos científicos basados en la luz podía
representar obras de arte como la música.
 Su nueva forma de pintar produjo polémicas entre
los críticos de arte y los neo impresionistas.
 Murió a los 31 años
SIMBOLISMO
 Simboliza la calma de lo cotidiano.

7. JARDÍN DE LAS DELICIAS
ANÁLISIS TÉCNICO
 Nombre: Jardín de las Delicias
 Autor: El Bosco
 Fecha: 1500-1505
 Técnica: Oleo sobre tabla.
 Estilo: Renacentista
 Tamaño: 220 x 389 cm.
 Ubicación: Museo del Prado, España
ANÁLISIS HISTÓRICO
 Considerada una de las obras más fascinantes,
misteriosas y atrayentes de la historia del arte.
 Es un tríptico. 3 tablas que se cierran y forman otra
pintura en el reverso simbolizando la Tierra. Al abrirlo,
se aprecia el mundo dividido en 3: El Paraíso
escenificando la presentación de Eva a Adán; el del
centro es el llamado, Jardín de las Delicias, un falso
paraíso en el que la humanidad ya ha sucumbido al
pecado y el último, el Infierno.
 Adquirida por el rey de España, Felipe II en 1593, éste
la mandó al monasterio del Escorial. Se dice que al
momento de morir, el rey la tenía en su dormitorio y
gritaba viendo el cuadro, tal vez creyendo que en él
hallaría la salvación.
 Se cuenta que El Bosco tuvo una infancia marcada por
la violencia y el horror. Su pueblo se consumió en el
fuego y lo que vio lo trató de expresar en esta pintura.
 En sus obras abunda el sarcasmo, lo grotesco y una
imaginería onírica propia del hombre medieval llena de
brujería, alquimia, magia, bestiarios, apocalípticos y la
visión cristiana de culpar a la mujer de la entrada del
pecado.
SIMBOLISMO
 Si se mira de izquierda a derecha, quiere simbolizar el
camino que lleva a la perdición. Si se mira de derecha a
izquierda el camino al paraíso.

8. RETRATO DE ADELE BLOCH
BAUERANÁLISIS TÉCNICO
 Nombre: Retrato de Adele Bloch Bauer
 Autor: Gustav Klimt
 Fecha: 1907
 Técnica: Oleo y oro sobre tela
 Estilo: Modernismo
 Tamaño: 138 x 138 cm.
 Ubicación: Neue Galerie, New York, EU.
ANÁLISIS HISTÓRICO
 Fue vendida en 135 millones al dueño de la Neue
Galerie, convirtiéndola en la segunda pintura más cara
en ese entonces vendida.
 Fue un encargo de un rico empresario de la industria
azucarera a Klimt quien pintó 2 veces a la esposa de
este, Adele.
 Ella murió en 1925, su esposo años después. Sus
testamentos indicaban destinos distintos para los
cuadros de Klimt y así se inició una lucha judicial entre
EU y Austria por este cuadro y 4 más en posesión de la
pareja hasta que finalmente, quedaron en manos de una
sobrina del empresario radicada en EU.
 El dueño del museo, se refiere a ella como la MonaLisa
de los judíos. E intenta conseguir todo el arte judío que
robaron los nazis en la guerra.
 Un número considerable de sus obras fue confiscado
por la dictadura nazi que al ver el avance de las tropas
enemigas y ver que estas obras se convertirían en
botines de guerra, decidieron quemar el castillo con
obras de Klimt.
SIMBOLISMO
 Simboliza la belleza y sensualidad de la mujer.

9. LATA DE SOPA CAMPBELL
ANÁLISIS TÉCNICO
 Nombre: Lata de Sopa Campbell
 Autor: Andy Warhol
 Fecha: 1962
 Técnica: Pintura de polímero sintético sobre lienzo.
 Estilo: Arte Pop
 Tamaño: 50,8 x 40,6 cm.
 Ubicación: Museo de Arte Moderno de New York.
ANÁLISIS HISTÓRICO
 Consiste en 32 lienzos cada una con una pintura de una
lata de sopa campbell que la marca de alimentos ofrecía
en aquella época. El proceso era casi una serigrafía
mecanizada. Warhol era ilustrador.
 Los críticos se molestaron al inicio por considerar este
movimiento una burla al expresionismo abstracto de
antes de la guerra. Warhol expresaba que todo objeto
del mundo actual era arte.
 La ética como los méritos de trabajo de Warhol fueron
temas de debate entre críticos, ya que empleaba
mecanismos para pintar, no pintaba en sí. Se toma
como un enfriamiento del arte. Un arte minimalista en el
sentido de que intenta representar objetos en su forma
más simple e inmediatamente reconocibles sin
connotación alguna.
 Esta polémica, atrajo la atención en Warhol y lo convirtió
en el pintor estadounidense más famoso hasta su
muerte en 1987.
SIMBOLISMO
 Simboliza el pensamiento contemporáneo, el
capitalismo y el consumismo popular.

10. CAMINANTE SOBRE EL MAR DE
NUBESANÁLISIS TÉCNICO
 Nombre: Caminante sobre un mar de nubes
 Autor: Caspar David Friedrich
 Fecha: 1818
 Técnica: Oleo sobre tela
 Estilo: Romanticismo
 Tamaño: 74,8 x 94,8 cm.
 Ubicación: Kunsthalle de Hamburgo, Alemania.
ANÁLISIS HISTÓRICO
 La obra representa a un viajero, parece ser el
mismo pintor, que se encuentra de pie en lo alto de
una montaña elevada, mirando un mar de nubes.
 Esta obra está creada teniendo en cuenta las
convenciones de género tanto del romanticismo
como del paisaje. A Friedrich le encantaba pintar
paisajes naturales que se vincularan a la idea de
aislamiento físico y espiritual.
 Se dice que el pintor se caracterizaba por colocar
a menudo gente de espaldas por que no se le
daba mucho dibujar los rostros. Otros dicen que
era una forma de quitarle atención al individuo y
permitir que el observador se ubique en su lugar
en el extenso paisaje, el cual es el símbolo
emocional del individuo.
SIMBOLISMO
 Simboliza aislamiento y soledad.

11. INCREDULIDAD DE SANTO TOMÁS
ANÁLISIS TÉCNICO
 Nombre: Incredulidad de Santo Tomás
 Autor: Caravaggio
 Fecha: 1602
 Técnica: Oleo sobre lienzo.
 Estilo: Barroco
 Tamaño: 107 x 146 cm.
 Ubicación: Palacio de Sanssouci, Alemania.
ANÁLISIS HISTÓRICO
 Fue un encargo para la familia Giustiniani. Muestra a
Cristo resucitado ante sus discípulos con Tomás
tocando la herida del Señor.
 El uso magistral de la sombra y la luz de Caravaggio
dotan de realismo al cuadro.
 Es considerado el primer gran exponente del Barroco.
Escogía a sus modelos de entre la gente del pueblo, e
incluso se inclinaba por mendigos y prostitutas para
interpretar personajes religiosos como la Virgen María y
santos. Esto le atrajo el favor pero también detractores
en la Iglesia de su época.
 Por causa de estos conflictos, al parecer, mató a una
persona y se vio envuelta en una riña, por la cual se le
persiguió en Italia y su carrera decayó. No fue hasta el
siglo XX con el estudio del barroco italiano que
Caravaggio se le es reconocido su trabajo nuevamente.
SIMBOLISMO
 Simboliza la belleza y la tranquilidad de la noche.

12. AMERICAN GOTHIC
ANÁLISIS TÉCNICO
 Nombre: American Gothic
 Autor: Grant Wood
 Fecha: 1930
 Técnica: Oleo sobre aglomerado de madera.
 Estilo: Regionalismo
 Tamaño: 74,3 x 62,4 cm.
 Ubicación: Instituto de Arte de Chicago
ANÁLISIS HISTÓRICO
 El cuadro muestra a un granjero sujetando una
horca y a una joven mujer, enfrente de una casa
de estilo gótico rural. Es una de las imágenes más
reconocidas del arte estadounidense del siglo XX.
 El artista quería representar los roles tradicionales
del hombre y la mujer. La mujer es su hermana, y
el hombre el dentista de Wood. No querían ser
reconocidos. Hoy son personajes famosos.
 Es uno de los cuadros más reconocidos del arte
estadounidense y más parodiados.
 Wood lo vendió apenas por 300 dólares al Instituto
de Arte de Chicago. Hoy, un cuadro de Wood se
cotiza en 7 millones de dólares.
SIMBOLISMO
 Simboliza el estilo estadounidense. La cultura
estadounidense.

13. CRISTO DE SAN JUAN DE LA CRUZ
ANÁLISIS TÉCNICO
 Nombre: Cristo de San Juan de la Cruz
 Autor: Salvador Dalí
 Fecha: 1951
 Técnica: Oleo sobre lienzo.
 Estilo: Surrealismo
 Tamaño: 205 x 116 cm.
 Ubicación: Museo Kelvingrove, Reino Unido.
ANÁLISIS HISTÓRICO
 La originalidad de la perspectiva y la habilidad
técnica a la hora de pintar el cuadro lo han hecho
muy popular.
 Muestra a Jesús crucificado, tomado en
perspectiva y visto desde arriba, cuya cabeza,
mirando hacia abajo, es el punto central de la obra.
La obra simboliza al Cristo Redentor El fuerte
claroscuro sirve para resaltar la figura de Jesús.
 Es posiblemente la obra más humana y humilde
que se ha pintado sobre la crucifixión de Cristo.
 De acuerdo a Dalí, en los sueños le hablaban de
pintarlo y pintarlo sin espinas, clavos ni sangre, su
única preocupación era pintar a un Cristo bello
como el mismo Dios que encarna.
SIMBOLISMO
 Simboliza al Cristo Redentor, el Cristo Metafísico o
ideal sufriendo por nosotros.