El documento describe la evolución del arte, los artistas y los comitentes a través de la historia. En la Edad Media, el arte estaba al servicio de la iglesia y tenía fines religiosos y de enseñanza. En el Renacimiento, los artistas ganaron autonomía y produjeron para clientes individuales como príncipes y burgueses. El arte moderno busca la libertad creativa y apelar a la felicidad del espectador.

1. LENGUAJE Y ESTÉTICA DE LA IMAGEN
TRABAJO PRÁCTICO N° 2
Integrantes: Tomas, Luis
Peñafiel, Martina
1 –
• Fundamento de producción:
Edad media: Auctoritas
Lo que llamamos “arte” en esta edad no era sentido como algo separado de la religión. La obra
procede de la intervención divina, a través de la auctoritas, regla o mandato reflejando lo divino.
Es decir, las obras se producían con motivos religiosos y para estar ubicadas en las iglesias.
Renacimiento: Experimentación
La auctoritas, la regla o el mandato ceden paso a la elección –subjetiva- del artista. El paradigma
de artista “humanista” es Leonardo con su divisa: “creo en la experimentación más que en la
palabra”
A partir de este momento destacan obras de desnudos, exaltando al hombre como centro y
medida de todas las cosas.

2. La ninfa de la fuente
Lucas Cranach el Viejo
1530 a 1535
Técnica Óleo sobre
tabla
77 × 121.5 cm
Ilustración: Autonomía
La estética como disciplina autónoma es la consecuencia teórica del avance de un arte autónomo,
desligado tanto de la utilidad como de la función educativa o religiosa.
Number 8
Pollock
1949
• Artista:
Edad media: Artesano
- Trabajador manual
- Sus trabajos son valorados cuantitativamente, es decir, por la cantidad de horas de trabajo
puestos en ellos

3. Se puede observar que estos vitrales, que se encontraban en las iglesias, están realizados por
artesanos, los cuales dedicaban mucho tiempo a su realización. Además, los vitrales no llevan la
firma de autor.

4. Renacimiento: Genio
En el proceso de nacimiento de la Estética serán determinantes la categoría renacentista de autor,
como individuo creador (comparado a veces con Dios) y la del siglo XVIII de individuo genial.
El artista comienza a trabajar independientemente. Sus obras pasan a ser valoradas
cualitativamente por llevar la firma de quien las hizo y los precios de ellas aumentan
considerablemente según el renombre del autor.
La dama del armiño
Leonardo da Vinci
1483-1490
Ilustración: Libre
La educación, el desarrollo plural del individuo, fueron principales ideales de esa época dinámica
de la historia, guiada por la razón que ilumina y el principio de libertad.
Los impulsores de la Ilustración defienden la libertad creadora del artista más allá de los cánones
tradicionales.

5. Guernica
Pablo Picasso
1937
• Comitente
Edad media: Iglesia
Las obras eran una ofrenda a Dios, a los santos o a los difuntos, con el fin de obtener su gracia, su
indulgencia. Es por ello que el hombre medieval no dudaba de la legitimidad de la riqueza de los
adornos de las iglesias, monasterios u otros lugares de culto, puesto que esta riqueza era vista
como una ofrenda necesaria a Dios.

6. Renacimiento: Príncipe, prelado, burgués.
Es a partir del Renacimiento cuando el artista comienza a producir, no para la comunidad, sino
para el cliente individual. Ahora los príncipes, prelados, aristócratas, burgueses adinerados los
nuevos comitentes que reemplazan a la Iglesia o al Estado.
Retrato de Johann Joachim Winckelmann
Anton von Maron
1530- 1540
Ilustración: Burgués
El nuevo sujeto burgués, autónomo, producto social de la Ilustración, será el principal destinatario
de la utopía de felicidad. No podremos entender el nuevo ideal ilustrado si no tenemos en cuenta
el protagonismo y ascenso de la burguesía autosuficiente, defensora de la propiedad privada y del
“ser dueño de sí”.
Portrait of Baudoin of Burgundy
Mabuse
1768

7. • Fin
Edad media: Enseñanza
El arte no se podía separar de la religión, ya que pinturas murales, esculturas, retablos, mosaicos y
vitrales conformaban una suerte de Biblia pauperum, de biblia para los pobres, para aquellos que
no tenían acceso a las Sagradas Escrituras porque no sabían latín.
Renacimiento: Homenaje, recuerdo
El burgués adinerado tenía la posibilidad de pagarle a un artista para que éste realice una obra
para él a manera de homenaje o recuerdo.
La rendición de Breda
Diego Velázquez
1634-35.

8. Las Meninas
Diego Velázquez
1656 and 1657
Ilustración: Felicidad
En la estética inglesa de principios del siglo XVIII, se habla del felix aestheticus, el hombre estético,
feliz. Esta infiltración utópica seguirá viva en toda la estética de la modernidad.
El fin de la obra es libre, la obra de arte apela a hacer sentir pleno al hombre.
The Waterlily Pond, green
harmony
Claude Monet
1899

9. 2 –
El arte es lo único que permanece, lo único que no es superado o reemplazado por nuevas idas o
productos, como ocurre en el campo del conocimiento científico o de la tecnología:
Al arte conserva, y es lo único en el mundo que se conserva. El arte no conserva del mismo modo
que la industria, que añade una sustancia para conseguir que la cosa dure…lo que se conserva, la
cosa o la obra de arte, es un bloque de sensaciones, es decir un compuesto de perceptos y de
afectos. La preparación de la tela, el trazo de pelo del pincel son evidentemente parte de la
sensación. Pero lo que se conserva no es el material, que constituye la condición del hecho…lo que
se conserva en sí es el percepto o el afecto.
La percepción es un mecanismo psicofísico; es el resultado de la impresión de un estímulo sobre
un órgano; el percepto, en cambio, es algo más abarcativo y complejo. Es todo lo que está en la
percepción actual y también antes de ella, aunque no se reduce o se explica por la memoria, si
bien esta no deja de intervenir. Es un “vibrar la sensación”. Es, sobre todo, enigma.
Como se menciona, el percepto es un conjunto de sensaciones y es también la percepción actual y
pasada. Por lo tanto, para poder llegar a este conjunto de sensaciones es necesario tener un ojo
crítico. Es decir, un ojo formado que requiere conocimiento histórico del ambiente y de la cultura
en la que el artista y la obra se han desarrollado. Esta visión crítica se contrapone al ojo común,
que es el que se guía por la costumbre, por lo que ve en reproducciones de almanaque, por lo
convencional, lo tradicional.
La pintura abstracta de Piet Mondrian.

10. Ojo crítico: A la obra se la puede contextualizar dentro del movimiento artístico denominado arte
abstracto que es un concepto general, opuesto al concepto de arte figurativo, que remite a lo más
esencial del arte, reducido a sus aspectos cromáticos, formales y estructurales. La abstracción
acentúa las formas, abstrayéndolas, alejándolas de la imitación o reproducción fiel o verosímil de
lo natural (mimesis); rechaza cualquier forma de copia de cualquier modelo exterior a la
conciencia del artista.
El autor de esta obra es
Pieter Cornelis Mondriaan conocido como Piet Mondrian, fue un pintor vanguardista neerlandés,
fundador del neoplasticismo. Esta corriente abstracta se caracteriza por formas geométricas y
ángulos rectos, uso de colores puros (amarillos, rojos, azul) y neutros (blancos y negros).
3 –
La obra de arte presenta un mundo. Si bien la imagen del mundo no puede “caber entera” en
ningún signo, es posible a través de la obra de arte fijarla y clarificarla, aunque sea parcialmente.
No es simple representación sino reproducción, es decir, vuelve a presentar lo que ya está.
La obra de arte nos permite conocer en profundidad la atmosfera espiritual de una época
determinada, el conjunto de pensamientos, ideas, creencias, costumbres y sentimientos propios
de una época histórica determinada. La obra de arte abre un mundo; nos introduce en la
complejidad de un momento de la historia.
Vanguardia: León Ferrari
León Ferrari es un artista plástico de Argentina. Gran parte de su obra está orientada a
denunciar los abusos de poder y la intolerancia en la sociedad. Según The New York Times, es uno
de los cinco artistas plásticos vivos más provocadores e importantes del mundo. Los pilares de su
obra han sido las guerras, todas las formas de intolerancia y la religión.
En general, las obras creadas por este artista son collages, en los que mezcla imágenes orientales,
occidentales, sagradas, eróticas con fotografías históricas, con el objetivo de denunciar la
violencia.
Pero lo que más ha trascendido es su mirada sobre el arte. Mirada política, claro. Se trata
de un artista que siempre ha denunciado las contradicciones de la Iglesia y la religión católica.
También siempre se ha manifestado en contra de todo tipo de totalitarismos (uno de sus hijos
permanece desaparecido) y, sobre todo, de la intolerancia.
En 1976 se exilió en San Pablo debido a la dictadura militar en Argentina.
A Ferrari lo acusaron de blasfemo. Fue en 2004, cuando hizo su retrospectiva en el Centro
Cultural Recoleta. El autor de la acusación fue el cardenal Bergoglio, actual Papa Francisco.
La obra de arte elegida de León Ferrari nos permiten conocer en profundidad la atmosfera
espiritual de una época determinada, nos introduce en la complejidad de un momento de la
historia: la obra reproduce una semejanza entre el momento histórico de la dictadura militar en
argentina y el nazismo alemán, ambos relacionados con la Iglesia Católica.

11. Collage de la serie “Nunca más”
Renacimiento
Se denomina Renacimiento al periodo de la historia europea, caracterizada por un
renovado interés por el pasado grecorromano clásico y especialmente por su arte. Con el
Renacimiento, el hombre centra toda su actividad, en el hombre como tal, es decir después del
aletargamiento medieval el hombre piensa ahora con una libertad de espíritu, que le conducirá a
la libertad de pensamiento, el culto a la vida y el amor a la naturaleza son otros aspectos
importantes, además el Renacimiento estableció como fuentes de inspiración el equilibrio y la
serenidad. Pero lo más característico de esta época es la separación entre lo cívico y lo religioso
Como en la obra anterior, esta obra de Rafael también reproduce un momento en la
historia. Este momento se caracteriza por el antropocentrismo, es decir, se toma al hombre como
centro y medida de todas las cosas, esto se refleja en la pintura a través de los desnudos.

12. Raffaello, La Fornarina, 1519, Galeria Nazionale d'Arte Antica (Roma)