El documento presenta un esquema de Elena Oliveras sobre los cambios históricos en el concepto de estética, el cual se amplía explicando cuatro categorías (fundamento de producción, el artista, el comitente y el fin) en diferentes épocas. También se discuten los conceptos de percepto y ojo crítico, relacionándolos con la obra "Guernica" de Picasso como ejemplo. Se pide comparar una obra renacentista con una vanguardista.

1. Taller de Lenguaje y Estética de la Imagen
Trabajo Práctico N°2
Alumnos: Walter Vilca, M 11429
Barrera laura, M4335
Consigna:
1) Lea el capítulo 1 Aproximación a la estética en “Estética. La cuestión del arte” de Elena
Oliveras. Ed. Bs. As. La autora presenta un esquema con los principales cambios históricos
producidos en relación al concepto de estética. Amplíe este cuadro, explicando las cuatro
categorías que considera Oliveras: a) el fundamento de producción, b) el artista, c) el comitente y
d) el fin según cada época. Busque ejemplos visuales para ejemplificar.
2) La expresión: “El arte conserva, y es lo único en el mundo que se conserva… El arte no conserva
del mismo modo que la industria… (pág33/34) Da cuenta del concepto de percepto. Como
relaciona este concepto con el de ojo crítico, Busque un ejemplo de obra de arte y explique.
3) Elija una obra del renacimiento y una vanguardista ( Pollock, Duchamp, Zorreguieta, Nicola
Constantino, León Ferrari, Dali ) compárelas y explique el concepto de mundo/arte.
DESARROLLO
1) Elena Oliveras presenta el siguiente esquema sobre los cambios históricos, el cual desmenuzo y
desarrollo de acuerdo a cada uno de sus aspectos y en cada momento histórico.
Fundamento de
Producción
Edad Media: Auctoritas
En esta época, el hombre no es considerado como sujeto. Como tal, el artista
entonces es considerado una criatura y ocupa un lugar más entre los entes
creados por Dios. Su obra se consideraba como un reflejo de lo divino, un
mandato o la regla, lo que llaman Auctoritas.
Cristo como pantocrátor (el que todo lo gobierna) en un mosaico de San

2. Renacimiento: Experimentación
Surge un nuevo tipo de artistas interesado en todo tipo de saber. El hombre adquiere cierta
autonomía a partir de sus experiencias. Leonardo, paradigma de artista humanista afirma: “creo en
la experimentación más que en la palabra”.
En la pintura “Cortejo de los Reyes
Magos”, el pintor Benozzo Gozzoli se incluye en la escena junto a los reyes Médici.
Ilustración: Autonomía
La autonomía del artista se logra con ese marcado principio de subjetividad, sus
ideas ponen al hombre como el centro y lugar de decisión: “yo mismo y mis estados”
son lo primero, lo digno de atención.
”Los jugadores de cartas”, pintada
por Paul Cézanne en el siglo –XIX, refleja la monotonía de la vida.

3. El Artista
En la Edad Media: Artesano
Se veía el arte como un oficio, donde su trabajo tenía una utilidad. El artista era simplemente un
artesano o un trabajador manual y es así que su trabajo se medía cuantitativamente. Sus obras
eran entonces anónimas porque él no era lo importante.
Esta pintura Gótica, es parte de la
ornamentación de una Iglesia.
En el Renacimiento: Genio
A partir de ese hombre creador, comparado a veces con Dios, comienza a mostrar el individuo
genial y su trabajo es considerado cualitativamente, a diferencia de la Edad Media.
El Artista

4. El artista hace culto de la perfección,
como se puede ver en “El cristo muerto” de Andrea Mantegna, en el Primer Renacimiento.
En la Ilustración: Libre
Hay una causa cada vez más individual, el artista comienza a trabajar independientemente a partir
de esa autonomía y se transforma en un ser desarraigado: libre y bohemio. Hay un principio de
libertad guiado por la razón
Esta obra de Georges François Laugée, propia
del Realismo, muestra el trabajo de los labriegos.
Edad Media: Iglesia
El artista producía para una comunidad, para aquellos que no tenían acceso a las Sagradas
Escrituras para no saber el latín, y en especial para la Iglesia y el Estado.
Comitente
Comitente

5. Las pinturas eran parte de la Iglesia y tenía ese significado
religioso en cada uno de sus motivos.
Renacimiento: Príncipe, prelado, burgués
A partir del Renacimiento el destinatario del arte son los príncipes, prelados y la burguesía. Es su
nuevo público porque puede pagarlo.
. Retrato de uno de los reyes de Borgoña. El artista trabajaba por
encargo y era retribuido por su trabajo. Su labor de artista era reconocido.
Ilustración: Burgués
La nueva burguesía autosuficiente, defensora de la propiedad privada y del ser dueño de sí, pasa a
ser el principal destinatario de un artista autónomo, producto social de la Ilustración y de esa
visión utópica.

6. El cubimo, no escapa a esa lógica capitalista de producción
donde su arte va dirigido a la burguesía.
Edad Media: Enseñanza
En esa época, el arte tenía utilidad en el sentido religioso y hasta educativo. Era una forma de
educar a aquellos que no accedían a la educación, algo que estaba reservado para la curia o las
castas.
Las pinturas tenían representaciones religiosas y
recreaban parte de la Biblia como una forma de llegar a la gente.
Renacimiento: Homenaje, recuerdo
Fin

7. Sus motivos eran otros, su artes es una necesidad de justificarse y de encontrar su comunidad. Su
destino bohemio, es comparable al de los viejos juglares que relataban a través de su arte lo que
creían importante.
La Batalla de San Romano, un
pintura que ejemplifica cómo el artista homenajeaba parte de su historia de Florencia, Italia.
Ilustración: Felicidad
La Estética participa de la utopía ilustrada de una praxis que, guiada por la razón, permite alcanzar
al hombre la completa felicidad.
“El sueño” de Salvador Dali, es una muestra de que el objetivo es sacar a luz el sentimiento mismo
del pintor.

8. 2) El percepto, a diferencia de la percepción, es algo más abarcativo y complejo, dice Elena
Oliveras. Podría decirse que es esa visión, o sentido, que le imprimió el artista a su obra y que
nosotros aún la podemos percibir a pesar del tiempo. La autora agrega que es un “vibrar de
sensaciones” y sobre todo enigma, porque todo está en su obra, en ese sello perdurable y el cual
hay que descubrirlo.
“Por eso habla del hombre ausente, pero todo entero”, señala, dado que el artista se manifiesta
y se significa a través de su obra. Y somos nosotros, los espectadores, los que debemos reconocer
al artista en su pintura y a su vez reconocernos en ella, a pesar del transcurso de los años, en base
a esa percepción más amplia y compleja que es el percepto. Por eso cita esa frase de que “el arte
conserva…”, pues guarda el sentido de lo presente o la vigencia de su autor en una obra, más allá
de lo vemos como objeto material.
Y esto tiene relación con el concepto de “ojo crítico” del espectador en el sentido que para llegar
al percepto, al “enigma” y a “ese hombre ausente pero todo entero” en una obra, es necesario
situarse en un punto de vista, en un tiempo y momento histórico, y en las raíces y la personalidad
concreta del autor.
Ejemplo:
La obra cubista “Guernica” de artista Pablo Picasso, producida en 1937, nos revela el horror de la
guerra civil española y en especial al bombardeo que sufrió en ese pueblito del norte de España. Es
contemporánea a la época de su autor, quien a través de las figuras fragmentadas y sus
expresiones de dolor de sus personajes representan su visión sobre esa parte de la historia y su
recuerdo de las víctimas. Datos: Wikipedia y www.descubrirelarte.es