El documento describe la evolución de la reproducción de imágenes desde la litografía en el siglo XVIII hasta el surgimiento de los movimientos artísticos vanguardistas a principios del siglo XX. Explica cómo la fotografía y otras técnicas como el fotograbado permitieron reproducir obras de arte de forma mecánica, influyendo en la pintura y facilitando su difusión. También analiza la representación del cuerpo femenino y cómo esta evolucionó con el tiempo.
El arte contemporáneo se refiere al arte creado a partir del siglo XX en adelante, que refleja la sociedad actual y plantea un constante cuestionamiento de las convenciones. Incluye diversas corrientes como el fauvismo, expresionismo, cubismo y futurismo, las cuales se caracterizan por el uso vívido del color, la abstracción de formas y la representación del movimiento. Las raíces del arte contemporáneo se encuentran a finales del siglo XIX, con el impresionismo y posimpresionismo sentando las bases para
Este documento proporciona información sobre el arte contemporáneo. Explica que el arte contemporáneo generalmente se refiere al arte creado en el siglo XX hasta el presente y se caracteriza por la búsqueda constante de nuevas formas de expresión artística como la abstracción y tendencias conceptuales. También destaca que el arte contemporáneo depende de instituciones como museos para legitimarse pero también las cuestiona, como lo demostró Marcel Duchamp con su obra Fuente en 1917.
El arte contemporáneo se refiere al arte del siglo XX en adelante y refleja la sociedad actual. Tiene como objetivo hacer ver el mundo de otra manera y plantearnos preguntas. Sus raíces incluyen el impresionismo, posimpresionismo, fauvismo, cubismo, expresionismo, dadaísmo y surrealismo. El arte contemporáneo abarca una variedad de estilos y tiende a la experimentación, abstracción y fusión de corrientes.
El arte contemporáneo se refiere al arte del siglo XX en adelante y refleja la sociedad actual. Tiene como objetivo hacer que veamos el mundo de nuevas maneras planteándonos preguntas. Se caracteriza por la experimentación, la búsqueda de nuevas formas de expresión y el uso de nuevas tecnologías. Sus raíces incluyen el impresionismo, posimpresionismo, fauvismo, cubismo, expresionismo, dadaísmo y surrealismo.
El documento describe el movimiento artístico Pop Art que surgió en los años 50 en Estados Unidos e Inglaterra para reflejar la sociedad de consumo y el capitalismo. Andy Warhol fue uno de sus principales exponentes al plasmar iconos de la cultura popular. También describe el graffiti como una expresión callejera de protesta política que surgió en Nueva York en los 60 y 70, fusionando diversos estilos como el cubismo y el pop art.
Este documento presenta información sobre varios artistas conceptuales como Kosuth, Man Ray y Duchamp. Explica que Kosuth argumentó que el arte es una proposición analítica y que una obra de arte es una definición del arte. También describe la obra Four Colors Four Words de Kosuth y su ensayo "El arte después de la filosofía". Asimismo, analiza obras de Man Ray y Duchamp como Observatory Time: The Lovers y Boîte-en-Valise.
El documento proporciona información sobre diferentes movimientos artísticos de la segunda mitad del siglo XX como el Happenings, el Pop Art, el Op Art y sus principales características y artistas representativos. Se describe el contexto histórico y las influencias de cada movimiento, con ejemplos de obras significativas de Warhol, Lichtenstein, Oldenburg, Riley y otros importantes exponentes.
El arte contemporáneo se refiere al arte creado a partir del siglo XX en adelante, que refleja la sociedad actual y plantea un constante cuestionamiento de las convenciones. Incluye diversas corrientes como el fauvismo, expresionismo, cubismo y futurismo, las cuales se caracterizan por el uso vívido del color, la abstracción de formas y la representación del movimiento. Las raíces del arte contemporáneo se encuentran a finales del siglo XIX, con el impresionismo y posimpresionismo sentando las bases para
Este documento proporciona información sobre el arte contemporáneo. Explica que el arte contemporáneo generalmente se refiere al arte creado en el siglo XX hasta el presente y se caracteriza por la búsqueda constante de nuevas formas de expresión artística como la abstracción y tendencias conceptuales. También destaca que el arte contemporáneo depende de instituciones como museos para legitimarse pero también las cuestiona, como lo demostró Marcel Duchamp con su obra Fuente en 1917.
El arte contemporáneo se refiere al arte del siglo XX en adelante y refleja la sociedad actual. Tiene como objetivo hacer ver el mundo de otra manera y plantearnos preguntas. Sus raíces incluyen el impresionismo, posimpresionismo, fauvismo, cubismo, expresionismo, dadaísmo y surrealismo. El arte contemporáneo abarca una variedad de estilos y tiende a la experimentación, abstracción y fusión de corrientes.
El arte contemporáneo se refiere al arte del siglo XX en adelante y refleja la sociedad actual. Tiene como objetivo hacer que veamos el mundo de nuevas maneras planteándonos preguntas. Se caracteriza por la experimentación, la búsqueda de nuevas formas de expresión y el uso de nuevas tecnologías. Sus raíces incluyen el impresionismo, posimpresionismo, fauvismo, cubismo, expresionismo, dadaísmo y surrealismo.
El documento describe el movimiento artístico Pop Art que surgió en los años 50 en Estados Unidos e Inglaterra para reflejar la sociedad de consumo y el capitalismo. Andy Warhol fue uno de sus principales exponentes al plasmar iconos de la cultura popular. También describe el graffiti como una expresión callejera de protesta política que surgió en Nueva York en los 60 y 70, fusionando diversos estilos como el cubismo y el pop art.
Este documento presenta información sobre varios artistas conceptuales como Kosuth, Man Ray y Duchamp. Explica que Kosuth argumentó que el arte es una proposición analítica y que una obra de arte es una definición del arte. También describe la obra Four Colors Four Words de Kosuth y su ensayo "El arte después de la filosofía". Asimismo, analiza obras de Man Ray y Duchamp como Observatory Time: The Lovers y Boîte-en-Valise.
El documento proporciona información sobre diferentes movimientos artísticos de la segunda mitad del siglo XX como el Happenings, el Pop Art, el Op Art y sus principales características y artistas representativos. Se describe el contexto histórico y las influencias de cada movimiento, con ejemplos de obras significativas de Warhol, Lichtenstein, Oldenburg, Riley y otros importantes exponentes.
El Art Nouveau fue un estilo artístico y de diseño europeo entre finales del siglo XIX y principios del XX que se manifestó en arquitectura, mobiliario y artes aplicadas. El Cubismo, desarrollado por Picasso y Braque, revolucionó el arte al representar objetos desde múltiples ángulos en una sola imagen plana. El Futurismo celebró la era moderna y la máquina a través de formas dinámicas y colores vibrantes.
Define el concepto de vanguardia artistica en relacion con el acelerado ritmo...Ignacio Sobrón García
Resumen Estándar aprendizaje EBAU Historia del Arte 2º de Bachillerato LOMCE: Define el concepto de vanguardia artística en relación con el acelerado ritmo de cambios en la sociedad de la época y la libertad creativa de los artistas iniciada en la centuria anterior
El arte posmoderno se caracteriza por el eclecticismo y la mezcla de estilos del pasado, rechazando la idea de progreso e innovación de las vanguardias modernas. Los artistas posmodernos toman libremente referencias de otros estilos y épocas para crear obras que carecen de un mensaje conceptual claro, asumiendo el arte como un fin en sí mismo más que un vehículo para transmitir ideas. A diferencia del arte moderno, el posmoderno no busca la integración del arte con la sociedad sino que refleja el aspecto plural y globalizado del mundo a
Este documento resume varios movimientos artísticos de los siglos XIX y XX, incluyendo la grisalla, el romanticismo, los nazarenos, el impresionismo, el puntillismo/divisionismo, y el postimpresionismo. Define cada movimiento, describe sus características y técnicas, e identifica artistas representativos. El documento ofrece una visión general de estos movimientos y cómo evolucionaron las tendencias artísticas durante este período.
Este documento resume las principales tendencias artísticas en las artes plásticas desde 1945, incluyendo el arte abstracto, concreto y biomórfico en Europa y Estados Unidos. Destaca el expresionismo abstracto estadounidense con figuras como Pollock y su técnica de pintura de acción, y el informalismo en Europa con artistas como Tàpies, Dubuffet y Hartung.
El impresionismo surgió en la segunda mitad del siglo XIX en Francia. Se caracterizó por intentar plasmar la luz y el instante mediante el uso de colores puros y pinceladas sueltas. Los impresionistas pintaban al aire libre y se enfocaban en temas cotidianos como paisajes y escenas urbanas. Este estilo allanó el camino para movimientos posteriores como el posimpresionismo y las vanguardias del siglo XX.
El documento resume los principales movimientos artísticos del siglo XX, incluyendo Fauvismo, Expresionismo, Cubismo, Futurismo, Arte Abstracto, Surrealismo, Muralismo Mexicano, Arte Pop, Arte Óptico y algunos artistas chilenos contemporáneos. Cubre desde el Fauvismo a principios del siglo hasta el Arte Pop y Arte Óptico en la mitad del siglo, destacando los elementos característicos de cada movimiento y sus principales exponentes.
El documento resume la evolución del arte contemporáneo desde la desmaterialización de la obra en los años 1960-1975 hasta el presente. Aborda movimientos como el minimalismo, land art, arte corporal, arte povera, arte conceptual y video arte. También analiza el papel cambiante del artista, espectador y museo, así como las nuevas formas de cuestionar qué es el arte en la actualidad.
El documento contrasta el arte moderno y el arte contemporáneo. Explica que el arte moderno se desarrolló entre los siglos XIX y mediados del siglo XX, explorando nuevos puntos de vista y materiales. El arte contemporáneo surgió a partir de la década de 1940, enfocándose más en temas sociales y adoptando una postura crítica. Las principales diferencias son que el arte moderno buscaba una representación subjetiva mientras que el contemporáneo se centra en temas sociales, y los artistas modernos idealizaban el arte puro frente
Este documento resume el arte contemporáneo desde finales del siglo XIX hasta principios del siglo XXI. Explica los principales movimientos de vanguardia como el fauvismo, el futurismo, el cubismo y el expresionismo que surgieron antes de la Primera Guerra Mundial. También describe tendencias como el abstraccionismo, el dadaísmo y la Bauhaus que se desarrollaron antes de la Gran Depresión. Finalmente, señala que a diferencia del cambio al siglo XX, el paso al siglo XXI no trajo cambios radicales debido
El documento describe el arte contemporáneo y su definición cambiante a través del tiempo. Señala que el Museo Guggenheim Bilbao alberga arte contemporáneo y esculturas externas. Explica que el arte contemporáneo generalmente se refiere al arte posterior a la Segunda Guerra Mundial, aunque algunos lo limitan al arte posterior a 1989 o 2001. También discute las definiciones cambiantes de arte moderno, y cómo los términos se aplican de manera diferente a las distintas artes.
El arte conceptual es un movimiento en el que las ideas son más importantes que los aspectos formales de la obra. A menudo la idea es la obra misma. El performance describe una práctica artística que consiste en representar una obra ante un público en directo. El happening requiere la participación del público y está condicionado por el azar, a diferencia de la performance. El land art utiliza elementos naturales para crear formas en exteriores. El hiperrealismo reproduce la realidad con la misma fidelidad que la fotografía.
Proy.7. movimientos artisticos. arte contempraneoCalamarita
El documento describe las principales vanguardias artísticas del siglo XX, incluyendo el fauvismo, expresionismo, cubismo, futurismo, constructivismo, dadaísmo y surrealismo. Cada movimiento se caracterizó por un estilo y técnicas distintivas, como el uso provocativo del color en el fauvismo o la descomposición de formas geométricas en el cubismo. Juntos, estos movimientos sentaron las bases del arte contemporáneo moderno.
Los Movimientos Del Arte Visual Contemporaneoguest16b4ba31
El documento resume las principales corrientes artísticas del siglo XX, como el impresionismo, postimpresionismo, fauvismo y expresionismo. El impresionismo surgió en 1874 buscando captar las impresiones visuales fugaces mediante colores puros y luminosos. El postimpresionismo incluyó tendencias como el puntillismo y obras de Van Gogh, Cézanne y Gauguin. El fauvismo se caracterizó por el uso de colores puros y planos, mientras que el expresionismo alemán buscaba
El documento resume la evolución de la reproducción de imágenes desde la litografía en el siglo XVIII hasta la fotografía en el siglo XIX. Explica cómo la fotografía permitió reproducir imágenes de forma más exacta y barata, democratizando el arte. También analiza cómo la fotografía influyó en la pintura al liberarla de la función mimética y cómo el retrato fotográfico permitió a la burguesía afirmar su estatus social.
El documento resume varios movimientos artísticos de principios del siglo XX como el cubismo, surrealismo, expresionismo, impresionismo y otros. Explica que estas corrientes buscaban nuevas formas de expresión alejadas del realismo tradicional. Luego describe brevemente cada movimiento, sus características y principales exponentes. Finalmente, menciona otros estilos como el dadaísmo, fauvismo, op art y pop art.
El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914 en Francia por Pablo Picasso, Georges Braque y otros. Rompió con la perspectiva tradicional al representar objetos desde múltiples ángulos simultáneos usando formas geométricas. Se originó con el cuadro Las Señoritas de Avignon de Picasso y se desarrolló en dos fases: el cubismo analítico, que analizaba la realidad en elementos geométricos, y el sintético, que reintrodujo el color.
El Art Nouveau fue un estilo artístico y de diseño europeo entre finales del siglo XIX y principios del XX que se manifestó en arquitectura, mobiliario y artes aplicadas. El Cubismo, desarrollado por Picasso y Braque, revolucionó el arte al representar objetos desde múltiples ángulos en una sola imagen plana. El Futurismo celebró la era moderna y la máquina a través de formas dinámicas y colores vibrantes.
Define el concepto de vanguardia artistica en relacion con el acelerado ritmo...Ignacio Sobrón García
Resumen Estándar aprendizaje EBAU Historia del Arte 2º de Bachillerato LOMCE: Define el concepto de vanguardia artística en relación con el acelerado ritmo de cambios en la sociedad de la época y la libertad creativa de los artistas iniciada en la centuria anterior
El arte posmoderno se caracteriza por el eclecticismo y la mezcla de estilos del pasado, rechazando la idea de progreso e innovación de las vanguardias modernas. Los artistas posmodernos toman libremente referencias de otros estilos y épocas para crear obras que carecen de un mensaje conceptual claro, asumiendo el arte como un fin en sí mismo más que un vehículo para transmitir ideas. A diferencia del arte moderno, el posmoderno no busca la integración del arte con la sociedad sino que refleja el aspecto plural y globalizado del mundo a
Este documento resume varios movimientos artísticos de los siglos XIX y XX, incluyendo la grisalla, el romanticismo, los nazarenos, el impresionismo, el puntillismo/divisionismo, y el postimpresionismo. Define cada movimiento, describe sus características y técnicas, e identifica artistas representativos. El documento ofrece una visión general de estos movimientos y cómo evolucionaron las tendencias artísticas durante este período.
Este documento resume las principales tendencias artísticas en las artes plásticas desde 1945, incluyendo el arte abstracto, concreto y biomórfico en Europa y Estados Unidos. Destaca el expresionismo abstracto estadounidense con figuras como Pollock y su técnica de pintura de acción, y el informalismo en Europa con artistas como Tàpies, Dubuffet y Hartung.
El impresionismo surgió en la segunda mitad del siglo XIX en Francia. Se caracterizó por intentar plasmar la luz y el instante mediante el uso de colores puros y pinceladas sueltas. Los impresionistas pintaban al aire libre y se enfocaban en temas cotidianos como paisajes y escenas urbanas. Este estilo allanó el camino para movimientos posteriores como el posimpresionismo y las vanguardias del siglo XX.
El documento resume los principales movimientos artísticos del siglo XX, incluyendo Fauvismo, Expresionismo, Cubismo, Futurismo, Arte Abstracto, Surrealismo, Muralismo Mexicano, Arte Pop, Arte Óptico y algunos artistas chilenos contemporáneos. Cubre desde el Fauvismo a principios del siglo hasta el Arte Pop y Arte Óptico en la mitad del siglo, destacando los elementos característicos de cada movimiento y sus principales exponentes.
El documento resume la evolución del arte contemporáneo desde la desmaterialización de la obra en los años 1960-1975 hasta el presente. Aborda movimientos como el minimalismo, land art, arte corporal, arte povera, arte conceptual y video arte. También analiza el papel cambiante del artista, espectador y museo, así como las nuevas formas de cuestionar qué es el arte en la actualidad.
El documento contrasta el arte moderno y el arte contemporáneo. Explica que el arte moderno se desarrolló entre los siglos XIX y mediados del siglo XX, explorando nuevos puntos de vista y materiales. El arte contemporáneo surgió a partir de la década de 1940, enfocándose más en temas sociales y adoptando una postura crítica. Las principales diferencias son que el arte moderno buscaba una representación subjetiva mientras que el contemporáneo se centra en temas sociales, y los artistas modernos idealizaban el arte puro frente
Este documento resume el arte contemporáneo desde finales del siglo XIX hasta principios del siglo XXI. Explica los principales movimientos de vanguardia como el fauvismo, el futurismo, el cubismo y el expresionismo que surgieron antes de la Primera Guerra Mundial. También describe tendencias como el abstraccionismo, el dadaísmo y la Bauhaus que se desarrollaron antes de la Gran Depresión. Finalmente, señala que a diferencia del cambio al siglo XX, el paso al siglo XXI no trajo cambios radicales debido
El documento describe el arte contemporáneo y su definición cambiante a través del tiempo. Señala que el Museo Guggenheim Bilbao alberga arte contemporáneo y esculturas externas. Explica que el arte contemporáneo generalmente se refiere al arte posterior a la Segunda Guerra Mundial, aunque algunos lo limitan al arte posterior a 1989 o 2001. También discute las definiciones cambiantes de arte moderno, y cómo los términos se aplican de manera diferente a las distintas artes.
El arte conceptual es un movimiento en el que las ideas son más importantes que los aspectos formales de la obra. A menudo la idea es la obra misma. El performance describe una práctica artística que consiste en representar una obra ante un público en directo. El happening requiere la participación del público y está condicionado por el azar, a diferencia de la performance. El land art utiliza elementos naturales para crear formas en exteriores. El hiperrealismo reproduce la realidad con la misma fidelidad que la fotografía.
Proy.7. movimientos artisticos. arte contempraneoCalamarita
El documento describe las principales vanguardias artísticas del siglo XX, incluyendo el fauvismo, expresionismo, cubismo, futurismo, constructivismo, dadaísmo y surrealismo. Cada movimiento se caracterizó por un estilo y técnicas distintivas, como el uso provocativo del color en el fauvismo o la descomposición de formas geométricas en el cubismo. Juntos, estos movimientos sentaron las bases del arte contemporáneo moderno.
Los Movimientos Del Arte Visual Contemporaneoguest16b4ba31
El documento resume las principales corrientes artísticas del siglo XX, como el impresionismo, postimpresionismo, fauvismo y expresionismo. El impresionismo surgió en 1874 buscando captar las impresiones visuales fugaces mediante colores puros y luminosos. El postimpresionismo incluyó tendencias como el puntillismo y obras de Van Gogh, Cézanne y Gauguin. El fauvismo se caracterizó por el uso de colores puros y planos, mientras que el expresionismo alemán buscaba
El documento resume la evolución de la reproducción de imágenes desde la litografía en el siglo XVIII hasta la fotografía en el siglo XIX. Explica cómo la fotografía permitió reproducir imágenes de forma más exacta y barata, democratizando el arte. También analiza cómo la fotografía influyó en la pintura al liberarla de la función mimética y cómo el retrato fotográfico permitió a la burguesía afirmar su estatus social.
El documento resume varios movimientos artísticos de principios del siglo XX como el cubismo, surrealismo, expresionismo, impresionismo y otros. Explica que estas corrientes buscaban nuevas formas de expresión alejadas del realismo tradicional. Luego describe brevemente cada movimiento, sus características y principales exponentes. Finalmente, menciona otros estilos como el dadaísmo, fauvismo, op art y pop art.
El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914 en Francia por Pablo Picasso, Georges Braque y otros. Rompió con la perspectiva tradicional al representar objetos desde múltiples ángulos simultáneos usando formas geométricas. Se originó con el cuadro Las Señoritas de Avignon de Picasso y se desarrolló en dos fases: el cubismo analítico, que analizaba la realidad en elementos geométricos, y el sintético, que reintrodujo el color.
El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914 en Francia por Pablo Picasso, Georges Braque y otros. Rompió con la perspectiva tradicional al representar objetos desde múltiples ángulos simultáneos mediante formas geométricas. Se originó con cuadros como "Las Señoritas de Avignon" de Picasso y se extendió en dos fases: el cubismo analítico, que descomponía la realidad en elementos geométricos, y el sintético, que reintrodujo el color.
El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1908 por Picasso y Braque que rompió con la pintura tradicional. Se caracterizó por representar objetos desde múltiples perspectivas en un mismo plano y eliminar la perspectiva tradicional, influenciado por el arte africano y Cézanne. El cubismo evolucionó de una etapa analítica monocroma a una sintética con colores y collages donde se pegaban materiales a la tela.
I. Este documento resume diferentes movimientos artísticos del cambio de siglo como el Modernismo, Fauvismo y Expresionismo, describiendo sus características. También describe el Cubismo de Picasso. II. Explica la arquitectura del cambio de siglo como el Modernismo y diferentes estilos. III. Incluye biografías y obras de artistas como Matisse, Munch y Picasso.
El documento proporciona información sobre el cubismo, un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1920. Explica que surgió en París de la mano de artistas como Picasso, Braque y Metzinger, quienes desarrollaron nuevas técnicas como el collage y la geometrización de formas. También señala algunas características del cubismo como el uso de formas geométricas y la ausencia de perspectiva tradicional.
El documento describe el movimiento artístico del cubismo. Surge en París en la primera década del siglo XX de la mano de Picasso y Braque y se caracteriza por la geometrización de las formas y el abandono de la perspectiva tradicional. El cubismo influyó en otros movimientos artísticos y se desarrolló principalmente en la pintura aunque también tuvo expresiones en la literatura y la arquitectura.
El documento describe el movimiento artístico del cubismo. Surge en París en la primera década del siglo XX de la mano de Picasso y Braque y se caracteriza por la geometrización de las formas y el abandono de la perspectiva tradicional. El cubismo influyó en otros movimientos artísticos y literarios y se considera una de las revoluciones más importantes en el arte desde el Renacimiento.
Presentación de los diferentes movimientos artísticos que tienen lugar en la primera mitad de siglo XX, es decir, todo el nuevo arte europeo que comienza en torno en 1910 y llega hasta 1945, coincidiendo con el fin de la 2ª Guerra Mundial.
Las diferentes tendencias artísticas que se desarrollan en este momento reciben el nombre de «vanguardias artísticas» y son principalmente las siguientes: Fauvismo, Expresionismo, Futurismo, Cubismo, Dadaísmo y Surrealismo.
El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914 en Francia por Pablo Picasso, Georges Braque y otros. Rompió con la perspectiva renacentista al representar objetos desde múltiples ángulos en una misma obra. Se dividió en Cubismo Analítico, con formas geométricas y colores apagados, y Cubismo Sintético, con formas más figurativas y uso de collage. El cubismo influyó en otras vanguardias y marcó el inicio de la ruptura con la pintura tradicional.
Clases de Pinturas (Surrealismo, Cubismo, Abstraccionismo)David Frätti
El documento trata sobre diferentes estilos y movimientos pictóricos como el abstraccionismo, el cubismo y el surrealismo. El abstraccionismo surge a principios del siglo XX en contraposición a la pintura figurativa, dando prioridad a la forma y el color. El cubismo, desarrollado entre 1907 y 1914, rompe con la perspectiva renacentista mediante la representación de múltiples perspectivas de un objeto. El surrealismo, que comienza en 1924, busca plasmar las imágenes del subconsciente a través de formas abstractas
El documento resume el surgimiento del impresionismo y el postimpresionismo en el arte del siglo XX. El impresionismo se presentó en 1874 cuando un grupo de pintores expuso sus obras en París rechazando el academicismo imperante. Buscaron captar las impresiones fugaces de la luz y el color en la naturaleza. Más tarde, surgió el postimpresionismo con artistas como Seurat y Signac que desarrollaron el puntillismo.
El cubismo fue un movimiento artístico vanguardista desarrollado entre 1907 y 1914 en Francia por pintores como Picasso y Braque. Representaba objetos geométricamente desde múltiples ángulos en una misma imagen, rompiendo con la perspectiva renacentista. Más adelante surgieron dos tendencias: el cubismo analítico, que enfatizaba la geometrización sobre el color, y el cubismo sintético, que incorporaba materiales como periódicos en collages. El cubismo influyó en otros movimientos artísticos de principios del siglo
Las vanguardias artísticas del Siglo XIX y XX incluyen movimientos como el impresionismo, posimpresionismo, cubismo, fauvismo y expresionismo que buscaban romper con las tradiciones del pasado e incorporar ideas innovadoras. Estilos como el impresionismo de Monet se enfocaron en capturar la luz y atmósfera a través de pinceladas rápidas, mientras que el cubismo de Picasso y Braque desafió las formas tradicionales mediante el uso de geometría. El muralismo mexicano,
El documento describe el origen y características del impresionismo. Surgió en París en la década de 1870 influenciado por el realismo y la fotografía. Los impresionistas capturaban impresiones fugaces de la luz y la vida cotidiana usando pinceladas sueltas de color puro y pintando al aire libre. Artistas como Monet, Renoir, Pissarro y Degas formaron parte de este movimiento pictórico revolucionario que marcó el inicio de la pintura moderna.
El documento resume los principales estilos artísticos del arte contemporáneo desde finales del siglo XIX hasta mediados del siglo XX. Comienza con el impresionismo y el postimpresionismo a finales del siglo XIX. Luego describe las primeras vanguardias históricas del siglo XX como el fauvismo, el cubismo, el expresionismo, el dadaísmo y el surrealismo. Finalmente, menciona otros estilos posteriores como el arte abstracto, el expresionismo abstracto, el arte cinético y el op art.
El documento describe la historia y características del cubismo. Surge en París a principios del siglo XX y fue creado por Picasso y Braque entre 1907-1914. Rompe con la perspectiva tradicional al representar objetos desde múltiples ángulos simultáneamente. Se divide en dos fases: analítica, con descomposición geométrica de formas; y sintética, con incorporación de materiales no pictóricos como collage. Figuras clave incluyen a Picasso, Braque, y Gris.
El documento resume los principales movimientos artísticos y de diseño que surgieron a inicios del siglo XX, como el fauvismo, el cubismo, el futurismo y el dadaísmo. Estos movimientos cuestionaron los valores establecidos y exploraron nuevas formas de expresión influenciadas por los cambios sociales, políticos y tecnológicos de la época. El cubismo, en particular, revolucionó el arte al romper con la perspectiva renacentista e introducir nuevos enfoques como el collage.
1. La imagen en la era de la reproductibilidad técnica Siglo XIX y principios del XX
2.
3. El proceso cromolitográfico alcanzó su cima durante el siglo XIX. La mejora en los métodos del fotograbado (el grabado de una imagen fotográfica en una plancha metálica recubierta con una capa sensible y "mordida" después con ácido, obteniéndose así una imagen impresora en relieve) amenazó la supervivencia de la litografía, conduciendo a su progresivo declive a partir de la década de 1890. Aunque este procedimiento fue extensamente usado con fines comerciales, la mayor parte de los grandes pintores de los siglos XIX y XX también lo emplearon ya que facilitaba obtener un cierto número de copias de un mismo trabajo: Picasso, Toulouse-Lautrec, Miró, entre otros. Al aparecer las rotativas se comenzaron a emplear láminas flexibles de zinc o de aluminio, y más recientemente de plástico, en sustitución de las pesadas piedras litográficas. Con la incorporación de la fotomecánica, dichas planchas dejaron de ser dibujadas a mano, puesto que la sensibilización de su superficie permitía exactas reproducciones fotográficas.
4. La implicancia de la fotografía en la pintura Los movimientos artísticos de finales del siglo XIX, y el posterior surgimiento de las vanguardias se relacionan con una cierta superación y rechazo de lo antiguo, lo clásico. Por otro lado, esta modernidad se plantea tanto como una reivindicación del momento actual –dentro de un largo proceso artístico-cultural-, o bien, como “ la posibilidad de una estética de lo nuevo ”, vinculando la producción de arte con el desarrollo de la técnica y el progreso industrial. De este modo, dicha producción artística se verá irremediablemente vinculada a lo perecible y/o desechable que surge con la noción de ‘moda’ (máscara de la muerte, como la llamará Apollinaire). Edouard Manet: “Olympia” (1863) Gustave Courbet: “Mujer con loro” (1866) Coubert: “El reposo” (mediados del siglo XIX)
5. De este modo, la invención de la fotografía y las amplias posibilidades de 'reproducción técnicas o mecánicas', le permitieron al arte del siglo XIX una lenta pero progresiva emancipación de la función mimética, para llevarla finalmente a un camino de autonomía y reflexión tan revolucionarias como lo fue la aparición de las vanguardias a principios del siglo XX, y de un arte plástico más abstracto. Picasso: “Les demoiselles d’Avignon” (1907) “ El arte se dirige exclusivamente a un número restringido de individuos ” Mientras que a partir del Renacimiento hasta hoy poseemos un amplio repertorio de imágenes de desnudos femeninos: Venus, odaliscas, bañistas, bailarinas, etc. Con lo que se establece que la presencia del “cuerpo” ha sido hasta hoy un elemento persistente en la representación artística. Ahora bien, lo que habría que preguntarse es: ¿cuál es la importancia de estos desnudos: son simples metáforas de la belleza, o bien obedecen a una fetichización de la mujer como objeto de deseo? En cualquiera de las opciones a nuestras inquietudes, debiéramos considerar: ¿qué es realmente lo que se representa? ¿A quién se representa? ¿Por qué o para quién se representa? Tiziano: “Venus de Urbino” (1538)
6. Por otro lado, John Berger sostiene: “ Los hombres miran a las mujeres. Las mujeres se contemplan a sí mismas mientras son miradas. Esto determina no sólo la mayoría de las relaciones entre hombres y mujeres sino también la relación de las mujeres consigo mismas. El supervisor que lleva la mujer dentro de sí es masculino: la supervisada es femenina. De este modo se convierte a sí misma en un objeto, y particularmente en un objeto visual, en una visión. […] ¿Qué significa un desnudo? Para responder cabalmente a estas preguntas no basta con referirse a la forma-arte, pues está muy claro que el desnudo está relacionado también con la sexualidad vivida. Estar desnudo es ser uno mismo. Ser un desnudo equivale a ser visto en estado de desnudez por otros, y sin embargo, no ser reconocido por uno mismo. Para que un cuerpo desnudo se convierta en «un desnudo» es preciso que se le vea como un objeto. (Y el verlo como un objeto estimula el usarlo como un objeto). La desnudez se revela a sí misma. El desnudo se exhibe. Estar desnudo es estar sin disfraces. Exhibirse desnudo es convertir en un disfraz la superficie de la propia piel, los cabellos del propio cuerpo. El desnudo está condenado a no alcanzar nunca la desnudez. El desnudo es una forma más de vestido. En general, la pintura al óleo del desnudo europeo nunca presenta al protagonista principal, que es el espectador que hay ante el cuadro, espectador que se supone masculino. Todo va dirigido a él. Todo debe parecer un mero resultado de su presencia allí. Por él asumen las figuras su desnudez. Pero él es, por definición, un extraño que aún conserva sus ropas ”.
7. Movimientos pictóricos de mediados del siglo XIX Antecedente inmediato Goya: La maja desnuda y La maja vestida: 1803 – 1806(?) Goya (1746 – 1826) es el precursor de muchos movimientos pictóricos posteriores como el impresionismo, expresionismo, romanticismo, realismo, etc. El realismo Hacia mediados del siglo XIX, el pintor francés Gustave Courbet rechazaba tanto el neoclasicismo como el romanticismo y proclamaba un movimiento individual llamado realismo. Los movimientos No le interesaba la pintura histórica, ni los retratos de los gobernantes, ni los temas exóticos, pues creía que el artista debía ser realista y pintar los acontecimientos cotidianos de la gente común. Courbet: La Bacchante (1844-47)
8. El impresionismo Al volver sus ojos hacia los temas cotidianos, los artistas de mediados del siglo XIX cuya obra es adscribible al realismo sentaron un precedente para la siguiente generación de la vanguardia francesa. édouard Manet fue el principal innovador de la década de 1860 y su estilo fue precursor del impresionismo. Al igual que Courbet, Manet encontró muchos de sus temas en la vida que le rodeaba (los parisinos solazándose en restaurantes, en parques, o paseando en barco), aunque también tomó muchos de maestros anteriores —Velázquez y Goya— recreándolos de acuerdo con la vida contemporánea, a su propio estilo, aplanando las figuras y neutralizando las expresiones emocionales. Estas y otras innovaciones, como su pincelada libre e imprecisa y sus amplios parches de color yuxtapuestos sin transición, hacen que se considere a Manet el primer pintor moderno. Manet: Almuerzo sobre la hierba (1863)
9. La pincelada suelta, típica del impresionismo, Se transformó en puntitos de pigmento puro, yuxtaponiendo sobre el lienzo zonas diminutas de colores complementarios. Las obras tempranas de tres importantes artistas de finales del siglo XIX, Vincent van Gogh, Paul Gauguin y Henri Toulouse-Lautrec, denotaban la influencia del impresionismo, pero acabaron por desarrollar estilos postimpresionistas claramente definidos. Tanto van Gogh como Pissarro hicieron breves experimentos con la división del color. Gauguin: Espíritu del muerto mirando Van Gogh: La Siesta Pissarro: Recolectoras de heno descansando El pos impresionismo
10. La obra de los artistas más preocupados por plasmar sentimientos y respuestas subjetivos, por medio de la distorsión de la línea y del color, que por representar fielmente la realidad externa, se fundió en un movimiento conocido como expresionismo. El expresionismo El cubismo Entre 1907 y 1914, Pablo Picasso y Georges Braque desarrollaron el cubismo en París, inspirándose en la forma, cada vez más geométrica, que tenía Cézanne de representar los paisajes y las naturalezas muertas, y en las formas dinámicas de la escultura africana e ibérica. El dadaísmo y el surrealismo Durante la I Guerra Mundial un grupo de intelectuales suizos, unidos por su repugnancia hacia los valores burgueses, y sobre todo hacia el militarismo de los años de guerra, eligió el vocablo "dadá", sin significado alguno, para describir sus actividades de protesta y repulsa y el arte con el que desafiaban los criterios estéticos establecidos. En 1924 André Breton presentó un manifiesto dando el nombre de surrealismo al movimiento que proclamaba la superioridad del inconsciente y el papel de los sueños en la creación artística. Salvador Dalí : Bañista
11. El retrato en la primera mitad del siglo XIX Carjat: Retrato de Charles Baudelaire (1859) Nadar: Retrato de Gustave Doré El descubrimiento técnico de la fotografía inspiró una nueva forma artística: el retrato fotográfico. Uno de los fotógrafos más distinguidos en este sentido es el dibujante, caricaturista y escritor Tournachon Nadar. Su clientela eran otros artistas e intelectuales de la época: Las fotografías son rostros que miran, que casi hablan. Poseen una superioridad estética que se ancla en la preponderancia de la fisonomía. Nadar descubre el rostro humano a través del aparato fotográfico; el objetivo se sumerge en la misma intimidad de la fisonomía. La fotografía en esta época aún no era una mercancía.
12. El retrato en la segunda mitad del siglo XIX Los efectos de la política económica repercuten en la pequeña burguesía. Las sociedades modernas habían hecho emerger clases medias constituidas por los funcionarios públicos. La que se convierte en la nueva clientela del retrato fotográfico. Tras alcanzar la seguridad económica o material, pretenden afirmarse mediante signos externos. Fue Disderi quien imprimió a la fotografía un cambio decisivo en su orientación. Gracias a el, quien cambió el formato, y con ello su precio, logró popularizar definitivamente a la fotografía. El retrato de Disderi y de sus émulos permiten la fijación y la comunicación en serie de la propia imagen que anhela el burgués respecto del sentimiento de importancia que este tiene de si mismo: democratiza el deseo de reconocimiento social. Así, las fotografías en adelante, pondrán en escena la imagen completa del fotografiado dentro de un estudio teatro, con todos los accesorios necesarios, para resaltar los valores del burgués.
13. Pareja de novios, Estados Unidos, finales del siglo XIX. En esta fotografía podemos observar la vestimenta de dos novios de clase humilde en el siglo XIX. Pero no llama tanto la atención su ropa como su actitud, pues ambos parecen totalmente ausentes, como si la foto se realizara en contra de su voluntad. Hiladora de algodón en fábrica (1910) La fotografía no solo registra a la burguesia, sino también a otras clases sociales: los trabajadores y el proletariado.
14. Lewis W Hines : Niña manejando el telar (California - 1908) Lewis W Hines : Niña entre los telares (California - 1908) S/D El dispositivo fotográfico debía sustituir a la más sofisticada de las “máquinas de dibujar” que desde el Renacimiento habían facilitado la descripción visual del mundo. La fotografía debía suplir las carencias de la mano en la producción de imágenes realistas, imágenes que restituyeran el parecido de lo real y que eran comúnmente empleadas en retener y transmitir información gráfica. Un sistema técnico y generativo aparecía para suplantar los sistemas precedentes, que eran manuales y constructivos. El dibujo construye la imagen, la fotografía la genera. Esta diferencia radical instauró una revolución en el orden de la comunicación humana que institucionalizó la creencia de que ese nuevo modus operandi garantizaba que el resultado era un reflejo de la realidad. Nace ahí la idea de que la imagen fotográfica está revestida esencialmente, imperativamente, fatalmente, de una naturaleza documental.
15. Se constituye una sociedad que produce en serie y para el consumo masivo. Así, el capitalismo de la segunda revolución industrial atraviesa desde finales del siglo XIX una expansión comercial en marco de la división internacional del trabajo. Todo será producido en serie, en cadena de montajes, incluso el arte, que perderá su valor de pieza única. El ocio, el entretenimiento de las clases populares, la publicidad y el auge de la presa gráfica se construirán en función de una comunicación masiva basada en los mismos principios en que se produce cualquier mercancía. Se impone el Capitalismo Fabrica de montaje de autos EEUU. Principios del XX
16. Los Estados Unidos se convierten en la locomotora de la economía mundial. El modelo de vida americano será exportado por todo el mundo. Es el " american way of life " que rápidamente sedujo a los europeos, cimentado en el consumo individual de bienes (automóviles, teléfonos, electrodomésticos), impulsado por la publicidad y sostenido por un crédito fácil y las ventas a plazos. Los espectáculos de masas (cine, deportes, cabarets, teatro), el interés por la alta costura, las nuevas corrientes musicales (jazz, charleston, blues) se conviertieron en objetos de consumo y alimentaron a toda una industria que hasta entonces no había sido significativa (Hollywood, discográficas, moda, etc. La prensa conoció un gran esplendor, proliferaron las revistas especializadas, las deportivas, las dedicadas a la mujer. Fenómeno destacado fue el de la radio , cuyas ondas se difundieron por campos y ciudades y comenzó a utilizarse como excelente instrumento de publicidad. Inmigrantes esperan entrada a New York. Principios del XX Album para fotografía familiar. Principios del XX Publicidad de Chanel y radio. Ambas de principios del XX
17. George Eastman con la primera cámara automática. Placa autocrómica obtenida por Louis Lumière, 1907 Walter Benjamin sostiene que la reproducción mecánica de la imagen, tanto en la fotografía como en el cine, implican la pérdida del aura de toda obra artística. Es decir sus cualidades únicas y que remite a un tiempo y lugar preciso en que el autor produjo su arte único. No obstante observará también que con ella se inagura la era de la expresión política y construcción de sentido a partir de las imágenes que se producen para ser replicadas en función de un consumo masivo. En ese sentido es que debe observarse el papel del periodismo ilustrado y del séptimo arte. La imagen, la fotografía y el cine en las primeras décadas del siglo XX Fotograma de “Intolerancia” de D. W. Griffith. Primera superproducción de la historia del cine norteamericano.
18. Tanto es así, que los nazis hicieron uso de la misma de un modo efectivo y Hitler contaba con un fotógrafo propio que lo retrataba cuando ensayaba sus discursos para luego corregir o enfatizar las posturas que mas convenían al fin propagandístico. Con ello también empezaría todo un uso de lo femenino a través de la publicidad para incitar el consumo de todo lo producido masivamente.
19. La prensa conoció un gran esplendor, proliferaron las revistas especializadas, las deportivas, las dedicadas a la mujer. El nacimiento del fotoperiodismo se producirá en el período de entreguerras en Alemania. Teniendo cómo vehículo las revistas ilustradas que allí florecieron. Entonces para dar salida a una demanda creciente de información visual por parte de una sociedad que "experimentaba" con la democracia después de la época oscura del autoritarismo prusiano. El magazine -nombre genérico con el que se conoce el formato periodístico en el que prevalece la cobertura visual de las noticias- da sus primeros pasos de la mano de las revistas alemanas Berliner Illustrirte y Münchner Illustrierte Presse, que salen a la luz bajo el espíritu liberal que propició el establecimiento político de la República de Weimar, de duración efímera. La Guerra truncó el proceso de maduración de la fotografía en los medios europeos y llevó a sus profesionales a buscar cobijo en la incipiente prensa ilustrada norteamericana. Nacimiento del fotoperiodismo Erich Salomon: Marlene Dietrich hablando por teléfono desde Hollywood con su hija que está en Berlín. (1930) Erich Salomon: Wilhelm Furtwängler en La Haya dirigiendo la orquesta. (1932)
20. Erich Salomon: Estudiantes Alemanes en una conferencia geográfica en Munich. (1928) Erich Salomon: Casamiento religioso de la princesa Juliana de los Países Bajos con el principe bernardo de Lippe-Biesterfeld en La Haya (1937 ) Erich Salomon: Recepción en el Quai d’Orsai, Ministerio de Relaciones Exteriores de París. (1931 ) Erich Salomon: Discurso del delegado húngaro en la conferencia de desarme, Genf. (1932 )
21. El fenómeno que asienta definitivamente el fotoperiodismo como práctica normal de prensa será la aparición, primero, de la revista Time en 1929, y después de su gemela Life en 1936, en EE.UU. -ambas fundadas por Henry Luce-, cuyo alcance se establece en torno a la dimensión sociológica que ejercerán sus portadas sobre la magnitud de las noticias y de los personajes. Durante la inmediata posguerra y en las dos décadas siguientes las portadas del semanario ilustrado Life llegarán a suponer una suerte de consagración para los temas de abanico informativo y de notoriedad para los individuos retratados. La mítica revista alcanzará durante las décadas de los 60 y 70 -en su momento de máximo esplendor. Mas tarde, en la década del 40’ irrumpirá la televisión, modificando las pautas de la comunicación masiva y la difusión de las imágenes.