Este documento presenta información sobre varios artistas conceptuales como Kosuth, Man Ray y Duchamp. Explica que Kosuth argumentó que el arte es una proposición analítica y que una obra de arte es una definición del arte. También describe la obra Four Colors Four Words de Kosuth y su ensayo "El arte después de la filosofía". Asimismo, analiza obras de Man Ray y Duchamp como Observatory Time: The Lovers y Boîte-en-Valise.

1. Arte contemporáneo y
actual
ACTIVIDAD I
ANTECEDENTES HISTÓRICOS DEL GIRO CONCEPTUAL
MODULO II
ZAYRA GEORGINA MONTES VARELA.

2. Kosuth:
“El arte después de la filosofía”.
En este texto, Kosuth habla de la separación de la estética y el arte.
La estética, generalmente concebida como una teoría o la
percepción del arte, en realidad se adjudica a una percepción del
mundo en general y el arte no puede ser realmente atendido desde
la teoría.
Esto reside en las cualidades estéticas que se presentan en todo
objeto que existe y que pierde su juicio estético al presentarse como
arte, ya que este objeto descontextualizado posee una estética sea
presentado como artístico o no.

3. Man Ray
1890-1976
“El trabajo del artista, así entendido, no consiste en “hacer”, si no en
“reconocer”, algo que ya existe”.

4. Observatory time: the lovers 1936
Esta obra es una fotografía a blanco y negro donde se
representa la famosa pintura de grandes proporciones
coloquialmente llamada “los labios”, en la cual Man Ray
trabajó durante dos años luego de su separación con
Lee Miller. Esta obra es considerada una de las pinturas
surrealistas por excelencia, se trata de la representación
del concepto filosófico surrealista de “la mujer
devoradora”, la mujer en un plano alterno, lejano e
inalcanzable. Debajo de la pintura en la fotografía
aparece un desnudo de espalda de mujer que aparece
como una extensión de la pintura, y a sus pies se
encuentra un tablero de ajedrez con todas sus piezas en
su lugar, objeto que obsesionó a Duchamp, a Man Ray y
sus contemporáneos y era frecuente en sus obras.

5. Marcel Duchamp
1887-1968
“Entre sus creaciones más importantes se cuenta su propia vida; en
una ocasión se definió a su mismo como un “respirador”, y alguien
dijo que su mejor obra era el modo como usaba su propio tiempo.
Tal vez esto, (como el humo, el perfume, las sombras, la
transparencia del cristal, el vaho de la respiración, el peso
imperceptible de la suciedad de una camisa, y otras cosas similares)
formara parte de su preocupación por lo “infrafino”. Muchas de sus
obras giran, en efecto, en torno a esta noción que trasciende lo
visual para entrar en otras categorías o dominios de la existencia
humana. Duchamp pues, suscitó el interés por cosas y situaciones
que nadie había colocado hasta entonces en el terreno del arte”.

6. Boîte-en-valise 1935-1941
También llamada caja en una maleta, es una monografía miniatura
portátil que incluye sesenta y nueve reproducciones de propia obra del
artista. Se considera esta obra como un dossier e incluso como un
precedente del libro de artista.
Entre 1935 y 1940 se creó una edición de lujo de veinte cajas, cada una en
un maletín de cuero marrón, pero con ligeras variaciones en el diseño y
contenido. Una edición posterior que consiste en seis series diferentes se
creó durante los años 1950 y 1960.
Cada caja contiene marcos que se ponen de pie y contienen obras como
la pintura de desnudo bajando una escalera, el gran vidrio, y otras obras
como sus ready-mades. Como ejemplo, LHOOQ, un ready-made creado
por tomar una impresión barata de la Mona Lisa adicionándole un bigote,
perilla, y que al pronunciarse rápidamente en francés significa "ella tiene
un culo caliente".
Estas cajas de Duchamp, junto con su obra alterada de la Mona Lisa,
tienen una intención de cuestionar la importancia relativa de la obra
“original” del arte.

7. Joseph Kosuth
“Las obras de arte son propuestas analíticas. Esto es, si son vistas
dentro de su contexto –como arte—no proporcionan información
alguna sobre cualquier hecho. Una obra de arte es una tautología, en
el sentido de que es una presentación de la intención del artista,
esto es, el artista nos está diciendo que una obra de arte en
particular “es” arte, lo que quiere decir que es una “definición” del
arte. Por lo tanto, el hecho de que sea arte es verdadero “a priori””.

8. Four colors four words 1965
Joseph Kosuth realizó esta pieza cuando tenía 20 años de edad. La obra
está hecha con luz neón, en la que cuatro colores y cuatro palabras son
el contenido de la obra.
En 1969 Kosuth escribió su ensayo, “El arte después de la filosofía”, en
la que se reúne toda su teoría sobre el arte. Una idea que se puede
resumir en la desmaterialización del objeto artístico hasta convertirlo
en un concepto, lo cual supuso un nuevo rumbo para la historia del
arte. Reduce la obra de arte a ideas, a conceptos, y para materializar la
obra usa un lenguaje lógico, las propias palabras.
Aquí Kosuth elimina la subjetividad conceptual en la pieza, inclusive lo
que se podría pensar como una cuestión personal en la elección del
color y los materiales industriales, convierte su creación en una
reflexión sobre el propio arte, ¿Qué es arte y que no, y cuál es su
función? Esta instalación no ofrece otro tipo de significación o
contenido: son focos neón de cuatro colores diferentes.

9. ¿Cuál fue el legado de las vanguardias
modernas al arte contemporáneo?
El legado de las vanguardias modernas es la apertura de medios alternativos a la creación tradicional de la
obra de arte. Antes del arte moderno, la obra se consideraba en relación a la función que podía tener,
retratos de personaje, de eventos, de ilustración. En la época moderna, el arte se vuelve sobre sí mismo,
sobre sus medios, la pintura sobre la pintura, la escultura sobre la escultura, y las representaciones que cada
uno puede tener sobre si mismo.
Posterior al arte moderno, iniciando el arte contemporáneo o posthistórico como lo llama Danto, el arte se
vuelve sobre sí mismo, el tema del arte es el arte, pero no exclusivamente sus diferentes representaciones si
no que el arte toma un giro a la esencia del arte y comienza a cuestionarse a sí mismo y a expandir los
medios que sirvan al discurso o al concepto y no desarrollar el concepto para el medio. El arte se une a la
filosofía, a la lingüística, a la sociología. Comienzan las transdisciplinas en la creación artística y se hace algo
nuevo en la obra; el espectador mismo forma parte del arte y debe interpretarla y concebirla, concepción
igual a idea, es decir, debe crear la idea de arte en su cabeza y cuestionarse el mismo. El aporte del arte
contemporáneo es que no se trata sólo de un arte para la contemplación, si no que se vuelve un arte para la
contemplación y la reflexión, e incluso en ciertas obras, de plena interacción física con el espectador.