Este documento resume el arte contemporáneo desde finales del siglo XIX hasta principios del siglo XXI. Explica los principales movimientos de vanguardia como el fauvismo, el futurismo, el cubismo y el expresionismo que surgieron antes de la Primera Guerra Mundial. También describe tendencias como el abstraccionismo, el dadaísmo y la Bauhaus que se desarrollaron antes de la Gran Depresión. Finalmente, señala que a diferencia del cambio al siglo XX, el paso al siglo XXI no trajo cambios radicales debido

1. Republica Bolivariana de Venezuela
Universidad Bicentenaria de Aragua
Vicerrectorado Académico
Facultad Comunicación Social
Arte Contemporáneo
Trimestre II
Arte Contemporáneo
Profesor(a): Integrante:
Irlanda Aray Nehymar Torrealba
C.I: 27233470
Mayo,2017.

2. Introducción
El arte es un lenguaje plasmado en una gran diversidad de objetos realizados para usos y aplicaciones
diversas (un puente, una silla, un sepulcro, una joya…). Sin embargo, muchos de los objetos que hoy consideramos
obras de arte carecieron originariamente de una función artística: las portadas góticas o las pinturas de Altamira
no fueron creadas para ser estudiadas por los historiadores o para estar en un museo, aunque hoy en día hayan
cobrado una condición artística.
La Rueda de bicicleta sobre un taburete de Duchamp (1913) expresaba precisamente esto: un objeto
extraído de su función original e integrado para dar lugar a un objeto artístico. Por ello hay que tener en cuenta
que la presión ejercida por el arte contemporáneo ha sido la que ha hecho mirar con otros ojos a artistas y
movimientos olvidados en el tiempo; pues no en vano la vertiginosa y acelerada aventura del arte del siglo XX ha
transformado por completo la Historia del Arte, cambiando radicalmente sus métodos, sus ámbitos y sus límites.
Solía admitirse que el arte era, y debía seguir siendo, asunto de un grupo que, en relación con el resto
del cuerpo social, era muy reducido, formado por la aristocracia, la plutocracia y la clase media acomodada y
culta, su principal componente.

3. El arte contemporáneo ha sido utilizado para designar genéricamente el arte y la arquitectura realizados
durante el siglo XX. El cuestionamiento de los principios artísticos que se inició en las últimas décadas del siglo
XIX tuvo una influencia decisiva en la formación del espíritu crítico propio del siglo XX.
A finales del siglo XIX y principios del siglo XX Europa vivía en una situación caracterizada por la
inestabilidad social, la rivalidad económica y política entre las distintas naciones, que desemboca en la Primera
Guerra Mundial, y una fecunda productividad en el ámbito científico e intelectual. En ello el arte se vio afectado y
empezaron a surgir múltiples corrientes que se denominaron "ismos", eran las diferentes rupturas con los
modelos de belleza dominantes en la época. No todas las tendencias se suceden linealmente en el tiempo, sino
que muchas son coetáneas y tienen interrelaciones entre sí. Las vanguardias no se pueden entender intentando
establecer un orden cronológico, hasta la II Guerra Mundial tienen lugar las primeras vanguardias artísticas o
vanguardias históricas, mientras que pasada la guerra aparecen las segundas vanguardias y el postmodernismo.
Las raíces del arte contemporáneo se encuentran a finales del siglo XIX. El Impresionismo y
el Postimpresionismo constituyen un punto de partida para las corrientes del siglo XX. Dentro de las vanguardias
históricas, las más destacadas fueron el fauvismo, el expresionismo, el cubismo, el futurismo, el constructivismo,
el neoplasticismo, el dadaísmo y el surrealismo. Todas tienen una serie de elementos comunes en su ideología,
pero no en lo estilístico.

4. Arte Contemporáneo
El arte contemporáneo, en sentido literal, es el que se ha producido en nuestra época: el arte actual. No
obstante, el hecho de que la fijación del concepto se hizo históricamente en un determinado momento, el paso del
tiempo lo hace alejarse cada vez más en el pasado del espectador contemporáneo.
El concepto de la contemporaneidad aplicado al arte puede ubicarse cronológicamente con distintos
criterios:
• Con un criterio extenso, incluye el arte de toda la Edad Contemporánea (que comienza a finales del siglo XVIII)
• Con criterios sucesivamente cada vez más limitados, incluye únicamente:
• el arte del siglo XX (caracterizado por las vanguardias artísticas);
• el arte del mundo actual, que en el momento que se definió como término historiográfico se entendía era el
posterior a la Segunda Guerra Mundial -1945- (la mayor parte de los museos de arte suelen denominar «arte
contemporáneo» a las colecciones de ese período);
• el arte surgido en la historia inmediata del más cercano presente, tomando como hito histórico, por ejemplo, los
sucesos del Mayo de 1968 en Francia, la caída del muro de Berlín (1989) o el atentado de las Torres Gemelas de
Nueva York (2001).

5. Arte Contemporáneo del siglo XX
y XXI
El arte del siglo XX no supone un corte drástico y real con el pasado, aunque es cierto que
su desarrollo ha supuesto la mayor ruptura con la tradición artística, dado que su elemento
definidor es la negación del pasado, el descubrimiento de lo desconocido y la idolatría de lo
nuevo. Por ello a lo largo de este siglo se vivió una ruptura con la jerarquía de las artes y con
el sistema tradicional.
Pero a pesar del aluvión de vanguardias y aunque la modernidad ganó la batalla a la
tradición, esta no desapareció durante todo el siglo. El academicismo fue un reducto que no
desapareció y hubo formas de un clasicismo autoritario que se desarrollaron en los regímenes
totalitarios.
A strada entra nella casa (Una calle entra en
la casa) del futurista Umberto Boccioni,
1911.

6. La propia personalidad del hombre es objeto de cuestionamiento, a través de los obscuros
caminos del inconsciente desvelados por el psicoanálisis.
El artista ha accedido a su completa libertad, o al menos es lo que de él se espera, en una
nueva función social que lo equipara a poetas y pensadores (los intelectuales) que se supone que
han de interpretar la realidad y señalar los caminos de futuro.
La técnica por un lado, pone al hombre en posición de poder intentarlo todo; pero no sin
crearle al mismo tiempo una nueva esclavitud: la de la máquina (fordismo y cadena de
montaje magistralmente reflejados en Tiempos modernos de Charles Chaplin -1936-), un mundo
repetitivo de una intensidad agobiante que, pese a su comodidad, produce un gran desasosiego e
insatisfacción, que el arte expresa a través de la irracionalidad.
Tiempos modernos de Charles
Chaplin -1936

7. Las denominadas vanguardias históricas de la primera mitad del siglo XX tienen su fecha de nacimiento
en la irrupción de los fauves en el Salón de Otoño parisino de 1905.
El término vanguardia, frecuente en la historiografía española, francesa e italiana pero no así en la
anglosajona, hace referencia al sentido de avanzadilla con la que los movimientos del periodo asumieron que
debían afrontar su producción artística, yendo por delante y rompiendo con el resto de manifestaciones de su
momento. Esta actitud dio lugar a que el mito de lo nuevo, con el consiguiente desprecio por todas las
realizaciones del pasado, se instalase en el ideario de las vanguardias hasta que comenzaron a entrar en crisis
poco antes de 1980.
Por ello el concepto no tiene nada que ver con el de escuela (que cayó en desuso tras el Romanticismo)
ni con el surgido entonces de movimiento, pues si el término escuela hace referencia a un amplio número de
artistas de un periodo relativamente largo en el que a veces se agrupan estilos diferentes (escuela barroca
española, escuela sevillana del siglo XVII…), las vanguardias, también conocidos como los ismos, integran grupos y
movimientos de duración y de integrantes limitados, pues fueron minoritarias.
La Vanguardia se vio reflejada con el color de la siguiente manera: La negación del pasado, el mito de lo
nuevo, Academicismo y kitsch, Un nuevo espacio figurativo: Fauvismo y Expresionismo, La saturación del color:
el Fauvismo, Matisse, el color y la sensación El color y la forma. El Expresionismo, El grupo Die Brücke

8. La fuerte personalidad y voluntad de estilo de los artistas hace imposible clasificar a muchos de ellos en
un sólo estilo o movimiento. A ello también contribuye lo efímero de algunos de estos, que agotan su capacidad
de atracción o su impacto provocativo en pocos años. Por ejemplo, Picasso suele ser clasificado en fases o
épocas (azul, rosa, cubista, de los ballets rusos, surrealista, de la Suite Vollard, del Gernica, de Vallauris, etc.)
que por su extraordinaria diversidad y fecundidad parecerían obra de varios artistas diferentes. Además, como en
el Renacimiento, muchos de estos artistas no se limitan a un arte, y son a la vez pintores, grabadores, escultores,
fotógrafos, cineastas, etc.
Especialmente en el caso de los arquitectos, cuya formación profesional (en diálogo y a veces debate
con la de los ingenieros) les empuja a expresarse en todas las dimensiones del espacio (urbanismo, interiorismo,
diseño industrial, etc.) y de las otras artes plásticas.
Retrato de Picasso, por Juan Gris,
1912.

9. En la primera década del siglo XX, la tecnología, ciertamente, realizaba rápidos progresos, pero aún
estaba lejos de haber penetrado completamente en la vida cotidiana de la mayor parte de los europeos. Las
terribles condiciones sociales que habían impresionado a ciertos grandes escritores del siglo precedente, como
Dickens y Émile Zola.
La diversidad de tendencias de vanguardia no supuso la eliminación de unos comportamientos comunes.
La idea de exclusividad asumida por cada tendencia para alcanzar la hegemonía de las distintas corrientes y el
principio de autosuficiencia de estas, fueron principios comunes que se mantuvieron hasta que entraron en crisis
en la década de los setenta, cuando el arte se desarrollará por caminos mucho más complejos. Partiendo de la
idea de modernidad como una nueva vanguardia, no rechaza la confluencia de artes, géneros y nuevas
manifestaciones que rompen con las habituales y que no obstaculizan que la mirada se vuelva hacia atrás, al
pasado y a la misma vanguardia, para realizar un arte nuevo.
A diferencia de lo que ocurrió cuando nada más comenzar el siglo se produjo la aparición de los primeros
movimientos de vanguardia, el cambio del siglo XX al XXI no ha traído ningún cambio radical entre otras razones
porque el arte se plantea desde unas nociones de cambio, ruptura y transformación, completamente distintas de
las de las radicales y excluyentes de las vanguardias.

10. Vanguardias Anteriores a la Primera
Guerra Mundial
Fovismo (Matisse)
El fovismo, fue un movimiento pictórico originado en Francia, alrededor de 1904-1908. Luego se
desarrolló a otros países, en años posteriores. Generalmente es caracterizado por un empleo provocativo
del color. Su nombre procede de la expresión "les fauves", en español las fieras, dado por el crítico de arte Louis
Vauxcelles
Futurismo (Marinetti, Boccioni)
El futurismo es el movimiento de las corrientes de vanguardia artística, fundado en Italia por Filippo
Tommaso Marinetti, quien redactó el Manifeste du Futurisme, publicado el 20 de febrero de 1909, en el diario Le
Figaro de París.
Paisaje: Provenza por Alfred Henry
Maurer, c. 1912.
Umberto Boccioni, Dinamismo de un
ciclista, 1913, Museo Guggenheim de
Venecia.

11. Cubismo (Picasso, Braque, Juan Gris)
El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia y encabezado
por Pablo Picasso, Georges Braque, Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay, Juan Gris y Guillaume
Apollinaire. Es una tendencia esencial, pues da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX. No se trata
de un ismo más, sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional.
Expresionismo (Die Brücke, Der Blaue Reiter, Munch, Schiele)
El expresionismo fue un movimiento cultural surgido en Alemania a principios del siglo XX, que se plasmó
en un gran número de campos: artes plásticas, literatura, música, cine, teatro, danza, fotografía, etc.
Juan Gris: Guitarra y
mandolina, 1919, Galerie
Beyeler, Basilea.
El grito (1893), de Edvard
Munch, Galería Nacional de Noruega.

12. Vanguardias Anteriores a la Crisis de
1929
Abstraccionismo (abstracción geométrica y constructivismo;
el expresionismo abstracto es posterior a la Segunda Guerra
Mundial). Vasili Kandinski, Rodchenko, Malevich, Piet Mondrian.
El arte abstracto es una forma de expresión artística que prescinde de toda figuración y propone una
nueva realidad distinta a la natural. Usa un lenguaje visual de forma, color y línea para crear una composición que
puede existir con independencia de referencias visuales del mundo real. Abarca movimientos como
el expresionismo, el suprematismo, el action painting, De Stijl o el constructivismo.
Círculo negro (1915) de Kasimir
Malévich.

13. Dadaísmo (Marcel Duchamp, Jean Arp, Francis Picabia, Max Ernst).
El dadaísmo es un movimiento cultural y artístico que surgió en 1916 en el Cabaret
Voltaire en Zúrich (Suiza). Fue propuesto por Hugo Ball, escritor de los primeros textos dadaístas; posteriormente,
se unió el rumano Tristan Tzara que llegaría a ser el emblema del Dadaísmo.
El movimiento expresionista siguió desarrollándose (George Grosz, Emil
Nolde, Oskar Kokoschka, Amedeo Modigliani, José Gutiérrez Solana).
Picabia, amigo de Duchamp, en su
estudio.
Emil Nolde

14. Bauhaus, escuela de diseño fundada en Weimar en 1919 (cerrada en 1933
bajo el nazismo) y que tuvo repercusiones en todas las artes visuales,
pero especialmente en el diseño y la divulgación del funcionalismo y
el racionalismo arquitectónico (Walter Gropius, Mies Van der Rohe, Le
Corbusier, Escuela de Chicago (arquitectura) -que se había iniciado a
finales del siglo XIX-).
Desde una perspectiva muy diferente, triunfaba en las artes
decorativas el estilo denominado Art decó.
Las posibilidades expresivas de la fotografía más allá de la mera
reproducción de la realidad son exploradas por artistas
como László Moholy-Nagy o Man Raya.
El Gropiusstadt, distrito de Berlín diseñado
por Walter Gropius.

15. Arte Contemporáneo de la Segunda Mitad del
Siglo XX
Arte Contemporáneo entre 1945 y 1960: El Informalismo
La destrucción de Europa por la guerra y la emigración de artistas, coleccionistas, críticos e historiadores,
convierten a Nueva York en el nuevo centro mundial del arte.
• informalismo o expresionismo abstracto (Jackson Pollock, Antoni Tàpies)
• op-art
• arte cinético
• La escultura: Henry Moore, Eduardo Chillida, Jorge Oteiza, Pablo Serrano
• Brasilia (Lúcio Costa, Oscar Niemeyer)
Tres formas: Vertebrae. Henry
Moore, 1968-1969.

16. Arte contemporáneo entre 1960 y 1975: El Pop
• La cara de Barcelona, Roy Lichtenstein, 1992.
• pop-art (Andy Warhl, Roy Lichtenstein)
• minimal
• arte conceptual (conceptual-art o idea-art), que incluye o se relaciona con multitud de manifestaciones, estilos o
movimientos: Videoarte, happening, Fluxus, (George Maciunas, Joseph Beuys, Nam June Paik, John Cage, Wolf
Vostell, Charlotte Moorman), action-art, performance, arte povera (desarrollado en Italia), land-art, body-
art, Process art, etc.
Fue a principios de los sesenta cuando se hizo patente, tanto en el ámbito artístico estadounidense como
el europeo, la cristalización y difusión de un nuevo tipo de arte, de unos nuevos comportamientos y de una nueva
manera de entender arte y vida. Nuevos escenarios (la calle, el desierto, las costas australianas, la montaña, es
decir, cualquier lugar de la naturaleza) reemplazaron los lugares habituales donde el arte solía exponerse.
La cara de Barcelona, Roy
Lichtenstein, 1992.

17. El arte "más contemporáneo", desde 1975: Deconstrucción y
Postmodernidad
• Hiperrealismo (Chuck Close, Gerhard Richter, Antonio López García)
• Neofiguración, ya desarrollada décadas antes, es revalorada a partir del último cuarto del siglo XX (Lucian
Freud, Francis Bacon)
• Instalaciones
• Arte Postmoderno
• Deconstrucción
• Art bin (arte del cubo de basura)
The Umbrella Project, instalación
artística en un entorno
periurbano. Christo, 1991.

18. Último Cuarto del siglo XX y Comienzos del Siglo XXI
Las posibilidades de expresión pictórica se han diversificado hasta incluir instalaciones artísticas y
utilizaciones del espacio artístico herederas de los happenings, el arte conceptual y el minimal de mediados de
siglo; el arte povera realizado con materiales de desecho; el graffiti y otras expresiones gráficas vinculadas
a subculturas juveniles; el land art o arte ecológico que implica a la propia naturaleza; el body art en el que el
cuerpo hace de soporte; el arte digital y el net.art, que explota las posibilidades de las nuevas tecnologías de la
información y la comunicación, etc.
Entre los innumerables ismos que pretenden identificar estilos que se suceden y escinden, a veces
como revivals (recuperación de movimientos anteriores -neos-), están el anacronismo (nuevo clasicismo o neomanierismo),
la neo-geo (recuperación de la abstracción geométrica), la new image ("nueva imagen"), el Pattern Art o Pattern &
Decoration (pintura feminista "de patrones y decoración"). Con la etiqueta neoexpresionismo (nuevos fauves o "nuevos
salvajes", también asociado con la equívoca etiqueta neo-pop) se engloba un conjunto de movimientos como
la transvanguardia italiana (Francesco Clemente), la bad painting neoyorkina (Keith Haring), la figuration libre francesa, o
trayectorias personales difícilmente clasificables, como la del español Miquel Barceló, la del colombiano Fernando Botero, la
del japonés Takashi Murakami o la de la pareja Gilbert & George.
Mural de cerámica vitrificada de Joan
Miró (surrealismo abstracto).

19. Arte Contemporáneo
Venezolano
En el arte contemporáneo Venezuela se ha destacado por su gran potencialidad creadora. Ningún otro
país de nuestro continente ha aportado tan alto número de artistas plásticos de significación e
importancia. Armando Reverón, Jesús Soto, Carlos Cruz-Diez, Alejandro Otero, Gego, Marisol, Víctor Lucena,
Meyer Vaisman, José Antonio Hernández-Diez y Arturo Herrera son considerados internacionalmente precursores
y figuras claves de movimientos y tendencias que han marcado pauta y abierto caminos inéditos a lenguajes
distintivos del arte del siglo XX que ya son parte primordial de la Historia del Arte universal.
En su extraordinaria obra pictórica, Reverón trató la luz de manera magistral como ningún otro pintor
latinoamericano de su tiempo, llegando a crear telas casi monocromas. Soto y Cruz-Diez fueron pioneros, maestros de
primerísimo nivel del arte cinético, óptico y retinal. Otero desarrolló un cuerpo de trabajo de importancia seminal que lo
sitúa como un creador de lucidez única, de referencia obligada para la correcta comprensión del arte en América Latina. De
sensibilidad, equilibrio, inteligencia y originalidad infrecuente, el trabajo creador de Gego exploró la línea en sus
posibilidades infinitas. Marisol, la única artista mujer de relevancia del Arte Pop, inventó una nueva forma de abordar la
escultura figurativa, dando como resultado personajes enigmáticos de insólita e hierática belleza.
Arturo Herrera

20. Lucena investiga lo perceptual, lo ambiguo y las relaciones fragmentadas de formas geométricas, de
simplicidad minimalista, causando sorpresas desconcertantes e inesperadas en el espectador al momento de
interactuar con su obra. Vaisman es cabeza principal e intelectual del Neo-Geo, movimiento que revisa, cuestiona
y reactualiza ciertos lenguajes geométricos, además de planteamientos que denotan sátira y humor. Uno de los
más notables e inventivos pioneros del video arte en América es Hernández-Diez quien, con sus inquietantes
piezas experimentales de investigación multimedia, se coloca de manera notoria entre los creadores visuales más
interesantes y prominentes de su generación a nivel internacional. Herrera, cuyo trabajo novedoso
primordialmente abstracto con insinuadas pistas de formas reconocibles de la realidad se dificulta encasillar, es
calificado actualmente como uno de los 100 artistas visuales vivos y activos más importantes del planeta.
En lo que va del siglo XXI creadores visuales venezolanos jóvenes de reconocido
talento se han destacado insertándose con cada vez mayor presencia y visibilidad
en el altamente exigente y exclusivo circuito internacional del arte. Alexander Apóstol,
Carla Arocha, José Gabriel Fernández, Magdalena Fernández, Jaime Gili,
Luis Molina-Pantin, Jorge Pedro Núñez y Javier Téllez forman parte de
esa lúcida y brillante constelación de estrellas que han hecho del arte
venezolano moderno y contemporáneo un hito trascendente de la cultura occidental.
José Antonio
Hernández-Diez

21. Conclusión
El arte es un término que proviene de un vocablo latino que hace referencia a las creaciones
del hombre para expresar su visión sensible del mundo real o imaginario a través del uso de recursos plásticos,
sonoros o lingüísticos.
Contemporáneo es una palabra que se refiere a aquello perteneciente o relativo a la época en que se
vive. Quienes vivieron en la segunda mitad del siglo XVIII, por ejemplo, fueron contemporáneos a Wolfgang
Amadeus Mozart, no así quienes nacieron en el siglo XX.
El arte contemporáneo no es mas que el arte que se presenta en nuestra época de el siglo XXI. Por
supuesto, esta definición dependerá de quien la pronuncia. El arte producido en el siglo XIV era el arte
contemporáneo de la gente que vivía en el año 1300. Lo contemporáneo, de todas formas, puede entenderse de
diversas formas. Para algunos especialistas, el arte contemporáneo es aquel surgido en la historia inmediata (en
las últimas décadas). Para otros expertos, se entiende como arte contemporáneo al desarrollado a partir de
la Segunda Guerra Mundial (1945).
El arte contemporáneo a tenido una gran importancia en la actualidad de mayor amplitud porque como ha
de ser libre cada pintor, escultor, arquitecto, entre otros autores transmiten su arte de la manera que a ellos mejor
les parezca dando a conocer sus sentimientos e inclusive emociones.

22. Referencias Bibliográficas
campusvirtualuba. (2017). Obtenido de http://campusvirtualuba.net.ve
García, M. M. (2012). Arte Contemporáneo Venezolano Internacional. arte en la red.
MILICUA, J., SUÁREZ, A., & VIDAL, M. (1994). «El arte como escenario del arte». Historia universal del
arte. V. IX. Madrid: Planeta, S. A. ISBN 84-320-6689-3.
Sol, E. Historia del Arte Contemporáneo siglo XX. monografías.