El documento resume las vidas y carreras de dos pintoras renacentistas italianas, Sofonisba Anguissola y Lavinia Fontana. Ambas fueron educadas de acuerdo con los ideales humanistas de la época que promovían la educación y participación de las mujeres. Sofonisba nació en Cremona y recibió entrenamiento pictórico de sus padres y maestros locales. Se destacó por sus retratos y fue llamada a la corte real española, donde pintó retratos de la familia real aunque no firmados. Más
El documento resume la historia y evolución del cartel publicitario desde el siglo XIX hasta el siglo XX. Explica cómo el cartel moderno surgió debido a factores urbanos, económicos y estéticos a mediados del siglo XIX, y cómo la litografía permitió la ilustración de carteles en color. También describe las características y obras de destacados cartelistas como Jules Chéret, Alfons Mucha y Leonetto Cappiello, señalando sus contribuciones al desarrollo del cartel como med
Stefan Sagmeister is an Austrian graphic designer born in 1962. He studied graphic design at the University of Applied Arts Vienna and Pratt Institute. He has designed album covers for musicians like Lou Reed, The Rolling Stones, and David Byrne. He has also designed for clients like HBO, The Guggenheim Museum, and Time Warner. Sagmeister has received two Grammy Awards for his design work. He is currently working on a documentary about happiness called "The Happy Film."
El documento presenta una plantilla para crear un storyboard con espacios para describir acciones y diálogos en múltiples escenas. La plantilla contiene casillas repetitivas para acción, diálogo, acción, etc. en dos páginas, permitiendo planificar una historia visual escena por escena.
El clasicismo fue una corriente artística e intelectual que dominó Europa durante los siglos XVII y XVIII, caracterizada por un retorno a las formas clásicas de la antigua Grecia y Roma. Se expresó en diversas áreas como la arquitectura, la literatura y la música. Paralelamente, la Ilustración promovió el uso de la razón y el conocimiento científico frente a la autoridad, influyendo en la Revolución Francesa.
El documento proporciona información sobre la técnica del pastel. Explica que el pastel es una técnica seca que utiliza pigmentos aplicados sobre un soporte rugoso sin aglutinante. También describe los materiales utilizados como los pasteles, papeles y fijativos, así como las técnicas como la aplicación directa del color frotando las barras de pastel y el uso de trazos para lograr diferentes efectos. Además, resume brevemente la historia de la técnica y algunos de sus principales exponentes como Rosalba Carriera
El expresionismo fue una corriente artística a finales del siglo XIX y principios del XX que buscaba representar las emociones y sentimientos del artista más que la realidad objetiva. Dos de los grupos expresionistas más importantes fueron Die Brücke y Der Blaue Reiter. Artistas como Kandinsky, Marc y Klee formaron parte de Der Blaue Reiter y crearon obras abstractas y figurativas intensificando el uso del color y la forma para expresar estados emocionales.
La revolución bolchevique de 1917 en Rusia dio lugar al constructivismo ruso, un movimiento artístico y arquitectónico que promovió la idea del artista como propagandista de la nueva sociedad socialista. El constructivismo se opuso al cubismo y al futurismo, y en su lugar promovió el uso de formas geométricas, líneas puras y materiales simples. Sus principales exponentes fueron Tatlin, Malevich y Rodchenko.
El documento resume la historia y evolución del cartel publicitario desde el siglo XIX hasta el siglo XX. Explica cómo el cartel moderno surgió debido a factores urbanos, económicos y estéticos a mediados del siglo XIX, y cómo la litografía permitió la ilustración de carteles en color. También describe las características y obras de destacados cartelistas como Jules Chéret, Alfons Mucha y Leonetto Cappiello, señalando sus contribuciones al desarrollo del cartel como med
Stefan Sagmeister is an Austrian graphic designer born in 1962. He studied graphic design at the University of Applied Arts Vienna and Pratt Institute. He has designed album covers for musicians like Lou Reed, The Rolling Stones, and David Byrne. He has also designed for clients like HBO, The Guggenheim Museum, and Time Warner. Sagmeister has received two Grammy Awards for his design work. He is currently working on a documentary about happiness called "The Happy Film."
El documento presenta una plantilla para crear un storyboard con espacios para describir acciones y diálogos en múltiples escenas. La plantilla contiene casillas repetitivas para acción, diálogo, acción, etc. en dos páginas, permitiendo planificar una historia visual escena por escena.
El clasicismo fue una corriente artística e intelectual que dominó Europa durante los siglos XVII y XVIII, caracterizada por un retorno a las formas clásicas de la antigua Grecia y Roma. Se expresó en diversas áreas como la arquitectura, la literatura y la música. Paralelamente, la Ilustración promovió el uso de la razón y el conocimiento científico frente a la autoridad, influyendo en la Revolución Francesa.
El documento proporciona información sobre la técnica del pastel. Explica que el pastel es una técnica seca que utiliza pigmentos aplicados sobre un soporte rugoso sin aglutinante. También describe los materiales utilizados como los pasteles, papeles y fijativos, así como las técnicas como la aplicación directa del color frotando las barras de pastel y el uso de trazos para lograr diferentes efectos. Además, resume brevemente la historia de la técnica y algunos de sus principales exponentes como Rosalba Carriera
El expresionismo fue una corriente artística a finales del siglo XIX y principios del XX que buscaba representar las emociones y sentimientos del artista más que la realidad objetiva. Dos de los grupos expresionistas más importantes fueron Die Brücke y Der Blaue Reiter. Artistas como Kandinsky, Marc y Klee formaron parte de Der Blaue Reiter y crearon obras abstractas y figurativas intensificando el uso del color y la forma para expresar estados emocionales.
La revolución bolchevique de 1917 en Rusia dio lugar al constructivismo ruso, un movimiento artístico y arquitectónico que promovió la idea del artista como propagandista de la nueva sociedad socialista. El constructivismo se opuso al cubismo y al futurismo, y en su lugar promovió el uso de formas geométricas, líneas puras y materiales simples. Sus principales exponentes fueron Tatlin, Malevich y Rodchenko.
El documento describe las características y técnicas principales del grabado. Explica que el grabado implica la creación de una matriz e impresión de la imagen en múltiples copias. Describe tres tipos básicos de grabado - en relieve, hueco y plano - y varias técnicas específicas como la xilografía, aguafuerte y litografía. También resume brevemente la evolución del grabado en el siglo XX y algunos artistas que exploraron nuevos enfoques.
Presentación. El impresionismo y el modernismoMonicadva
El documento describe el surgimiento y características del impresionismo y postimpresionismo. El impresionismo surgió a finales del siglo XIX en Europa y se centraba en captar impresiones y sensaciones a través de pinceladas sueltas y colores. Artistas clave incluyen a Monet, Renoir y Degas. El postimpresionismo continuó explorando la luz y el color pero también la expresividad. Van Gogh y Cézanne influyeron en movimientos posteriores. El modernismo también surgió a finales del sig
Transvanguardia Italiana - Artes Comparadasdantedacci
La transvanguardia fue un movimiento artístico posmoderno que surgió en Italia en los años 70 liderado por Sandro Chia, Enzo Cucchi y Mimmo Paladino en contraposición al arte pobre y conceptual. Se caracterizó por una gran expresividad, el uso del color y la combinación de temas del pasado con técnicas innovadoras, tomando referencias de diferentes épocas de un modo ecléctico y subjetivo.
Este documento describe diferentes técnicas y herramientas para trabajar con tinta, incluyendo modos de empleo con pinceles, plumillas y estilógrafos. Explica que la tinta se ha utilizado ampliamente en el arte oriental y occidental a lo largo de la historia, desde los egipcios y chinos antiguos hasta artistas renacentistas y modernos como Da Vinci, Rembrandt, Goya y Van Gogh. También proporciona detalles sobre diferentes tipos de pinceles, plumillas, estilógrafos y papeles apro
El documento presenta la planificación de una unidad didáctica de Educación Artística para el primer ciclo. Se fundamenta en que el arte es importante para la construcción del pensamiento. Los objetivos son desarrollar habilidades artísticas y culturales en los estudiantes. El contenido se organiza en torno a los elementos de los lenguajes artísticos y la construcción de identidad cultural. Las actividades incluyen producciones visuales y musicales, exploración de materiales y reconocimiento del patrimonio local.
Este documento presenta un resumen de un libro sobre cómo dominar el arte de combinar colores. El libro enseña a los lectores a percibir los efectos de la luz sobre el color, comprender cómo se afectan mutuamente los colores y manipular el matiz, el valor y la intensidad de los colores a través de ejercicios progresivos. El objetivo final es enseñar a los lectores a crear armonía en el color aplicando técnicas probadas para combinar colores de manera exitosa.
El documento describe las técnicas artísticas de barras de ceras y pasteles al óleo. Las barras de ceras están formadas por pigmentos aglutinados con cera virgen y resina. Se pueden aplicar de forma suave o fuerte y mezclar colores. Los pasteles al óleo son una mezcla de pigmentos, ceras e hidrocarburos que permiten capas finas o empastadas. Ambas técnicas fueron usadas por pintores surrealistas como Paul Klee y Joan Miró en el siglo XX.
El documento describe diferentes criterios compositivos para analizar imágenes, incluyendo la continuidad vs. ruptura, la simetría vs. asimetría, la centralidad vs. descentralidad, la simplicidad vs. complejidad, la recomposición vs. descomposición, la repetición vs. unicidad, agrupar vs. disgregar, y la figuración vs. la abstracción. Estos criterios se refieren a la disposición y relaciones entre las formas en una imagen, y si estas mantienen o alteran su estado original.
El documento describe las técnicas de barras de ceras y pasteles al óleo. Las barras de ceras están formadas por pigmentos aglutinados con cera virgen y resina. Se pueden aplicar suave o fuertemente sobre diferentes soportes y mezclar colores. Los pasteles al óleo son una mezcla de pigmentos, ceras e hidrocarburos que Picasso popularizó como alternativa al óleo tradicional. Ambas técnicas permiten lograr transparencias y empastes mediante diferentes utensilios y métodos.
El documento describe la técnica del gouache, incluyendo su origen, modo de empleo, utiles y soportes. El gouache probablemente fue descubierto por un monje en el siglo XI al añadir blanco de zinc a las acuarelas. Se diferencia de la acuarela en que permite pintar zonas opacas y claras usando el color blanco. Artistas como Durero, Boucher, Turner, Toulouse-Lautrec, Bonnard, Mucha, los cubistas y Miró utilizaron el gouache en obras importantes.
Wassily Kandinsky fue un pintor ruso pionero del arte abstracto. Según Kandinsky, la pintura abstracta es el arte más difícil porque requiere habilidades de dibujo, sensibilidad para la composición y los colores, y ser un verdadero poeta. Kandinsky mostró una gran sensibilidad para los sonidos, palabras y colores desde una edad temprana. Aunque estudió derecho, abandonó su carrera para estudiar arte en Múnich. Allí cofundó el grupo Der Blaue Reiter y publicó su tratado teórico sobre
Este documento describe los principales movimientos de diseño gráfico en Europa a principios del siglo XX, incluyendo el futurismo en Italia, el dadaísmo y surrealismo en Francia, el cubismo y constructivismo en Rusia, y el suprematismo ruso, enfocándose en sus características estilísticas y enfoques innovadores hacia la tipografía, el color, la forma y la composición.
El documento describe la técnica artística del stencil, explicando que se originó hace miles de años y fue usada por civilizaciones antiguas con fines decorativos. Explica que en el siglo XX artistas como Andy Warhol popularizaron el stencil a través del Pop Art, y que desde entonces artistas callejeros como Banksy, Blek le Rat y Shepard Fairey lo han usado para expresar mensajes políticos y sociales.
Este documento describe brevemente la historia y técnicas de dibujo con tinta, incluyendo los tipos de plumas, pinceles y soportes utilizados. Explica que la tinta se ha usado desde la antigüedad para dibujar y escribir, y que existen diferentes tipos de tintas y plumas que producen líneas de anchura y textura variadas. También se mencionan varios artistas famosos que utilizaron la pluma como medio de expresión.
Frottage Técnica de fricción o frotamiento automático descubierto por Max Ernst que transfiere al papel o al lienzo el veteado de una superficie rugosa con la ayuda de un sombreado a lápiz. El Frottage sirve como modelo de activación de la imaginación creativo- visionaria.
bibliografia
http://www.picassomio.es/diccionario-de-arte-y-terminos-artisticos/frottage.html
Ricardo marín viadel cap 1 parte 3 del dibujo a la cultura visualPeteca Indiaca
La Unión Europea ha anunciado nuevas sanciones contra Rusia por su invasión de Ucrania. Las sanciones incluyen prohibiciones de viaje y congelamiento de activos para más funcionarios rusos, así como restricciones a las importaciones de productos rusos de acero y tecnología. Los líderes de la UE esperan que estas medidas adicionales aumenten la presión sobre Rusia para poner fin a su guerra contra Ucrania.
Este documento describe las diferentes cualidades y tipos de luz y sombra que pueden usarse en composiciones artísticas. Explica conceptos como luz transmitida, radiante, atmosférica, homogénea, focalizada, selectiva y conceptual, y cómo estas luces crean volumen, atmósfera y expresividad. También analiza ejemplos históricos que ilustran estas técnicas de luz, desde obras románicas hasta impresionistas.
Biografía de vincent van gogh. verbspdfSheryl Rojas
Vincent Van Gogh nació en 1850 en Holanda. Mostró interés por el arte desde temprana edad, trabajando primero como marchante de arte y luego como predicador y profesor antes de dedicarse por completo a la pintura en 1880. Sus obras más famosas fueron realizadas en Arles entre 1888 y 1889 y se caracterizan por sus vivos colores y formas retorcidas. A lo largo de su vida sufrió trastornos mentales que lo llevaron a cortarse la oreja y vivir con problemas emocionales. Es considerado uno de los
Las pintoras Sofonisba Anguissola y Lavinia Fontana rompieron barreras en el siglo XVI al tener éxito en un campo dominado por hombres. Ambas provenían de familias cultas que apoyaron sus carreras artísticas. Sofonisba se destacó como retratista real y dama de compañía, mientras que Lavinia estableció un taller propio y pintó retratos y obras religiosas y mitológicas, siendo una de las primeras en tener acceso al estudio del desnudo. Ambas tuvieron una notable car
El documento describe las características y técnicas principales del grabado. Explica que el grabado implica la creación de una matriz e impresión de la imagen en múltiples copias. Describe tres tipos básicos de grabado - en relieve, hueco y plano - y varias técnicas específicas como la xilografía, aguafuerte y litografía. También resume brevemente la evolución del grabado en el siglo XX y algunos artistas que exploraron nuevos enfoques.
Presentación. El impresionismo y el modernismoMonicadva
El documento describe el surgimiento y características del impresionismo y postimpresionismo. El impresionismo surgió a finales del siglo XIX en Europa y se centraba en captar impresiones y sensaciones a través de pinceladas sueltas y colores. Artistas clave incluyen a Monet, Renoir y Degas. El postimpresionismo continuó explorando la luz y el color pero también la expresividad. Van Gogh y Cézanne influyeron en movimientos posteriores. El modernismo también surgió a finales del sig
Transvanguardia Italiana - Artes Comparadasdantedacci
La transvanguardia fue un movimiento artístico posmoderno que surgió en Italia en los años 70 liderado por Sandro Chia, Enzo Cucchi y Mimmo Paladino en contraposición al arte pobre y conceptual. Se caracterizó por una gran expresividad, el uso del color y la combinación de temas del pasado con técnicas innovadoras, tomando referencias de diferentes épocas de un modo ecléctico y subjetivo.
Este documento describe diferentes técnicas y herramientas para trabajar con tinta, incluyendo modos de empleo con pinceles, plumillas y estilógrafos. Explica que la tinta se ha utilizado ampliamente en el arte oriental y occidental a lo largo de la historia, desde los egipcios y chinos antiguos hasta artistas renacentistas y modernos como Da Vinci, Rembrandt, Goya y Van Gogh. También proporciona detalles sobre diferentes tipos de pinceles, plumillas, estilógrafos y papeles apro
El documento presenta la planificación de una unidad didáctica de Educación Artística para el primer ciclo. Se fundamenta en que el arte es importante para la construcción del pensamiento. Los objetivos son desarrollar habilidades artísticas y culturales en los estudiantes. El contenido se organiza en torno a los elementos de los lenguajes artísticos y la construcción de identidad cultural. Las actividades incluyen producciones visuales y musicales, exploración de materiales y reconocimiento del patrimonio local.
Este documento presenta un resumen de un libro sobre cómo dominar el arte de combinar colores. El libro enseña a los lectores a percibir los efectos de la luz sobre el color, comprender cómo se afectan mutuamente los colores y manipular el matiz, el valor y la intensidad de los colores a través de ejercicios progresivos. El objetivo final es enseñar a los lectores a crear armonía en el color aplicando técnicas probadas para combinar colores de manera exitosa.
El documento describe las técnicas artísticas de barras de ceras y pasteles al óleo. Las barras de ceras están formadas por pigmentos aglutinados con cera virgen y resina. Se pueden aplicar de forma suave o fuerte y mezclar colores. Los pasteles al óleo son una mezcla de pigmentos, ceras e hidrocarburos que permiten capas finas o empastadas. Ambas técnicas fueron usadas por pintores surrealistas como Paul Klee y Joan Miró en el siglo XX.
El documento describe diferentes criterios compositivos para analizar imágenes, incluyendo la continuidad vs. ruptura, la simetría vs. asimetría, la centralidad vs. descentralidad, la simplicidad vs. complejidad, la recomposición vs. descomposición, la repetición vs. unicidad, agrupar vs. disgregar, y la figuración vs. la abstracción. Estos criterios se refieren a la disposición y relaciones entre las formas en una imagen, y si estas mantienen o alteran su estado original.
El documento describe las técnicas de barras de ceras y pasteles al óleo. Las barras de ceras están formadas por pigmentos aglutinados con cera virgen y resina. Se pueden aplicar suave o fuertemente sobre diferentes soportes y mezclar colores. Los pasteles al óleo son una mezcla de pigmentos, ceras e hidrocarburos que Picasso popularizó como alternativa al óleo tradicional. Ambas técnicas permiten lograr transparencias y empastes mediante diferentes utensilios y métodos.
El documento describe la técnica del gouache, incluyendo su origen, modo de empleo, utiles y soportes. El gouache probablemente fue descubierto por un monje en el siglo XI al añadir blanco de zinc a las acuarelas. Se diferencia de la acuarela en que permite pintar zonas opacas y claras usando el color blanco. Artistas como Durero, Boucher, Turner, Toulouse-Lautrec, Bonnard, Mucha, los cubistas y Miró utilizaron el gouache en obras importantes.
Wassily Kandinsky fue un pintor ruso pionero del arte abstracto. Según Kandinsky, la pintura abstracta es el arte más difícil porque requiere habilidades de dibujo, sensibilidad para la composición y los colores, y ser un verdadero poeta. Kandinsky mostró una gran sensibilidad para los sonidos, palabras y colores desde una edad temprana. Aunque estudió derecho, abandonó su carrera para estudiar arte en Múnich. Allí cofundó el grupo Der Blaue Reiter y publicó su tratado teórico sobre
Este documento describe los principales movimientos de diseño gráfico en Europa a principios del siglo XX, incluyendo el futurismo en Italia, el dadaísmo y surrealismo en Francia, el cubismo y constructivismo en Rusia, y el suprematismo ruso, enfocándose en sus características estilísticas y enfoques innovadores hacia la tipografía, el color, la forma y la composición.
El documento describe la técnica artística del stencil, explicando que se originó hace miles de años y fue usada por civilizaciones antiguas con fines decorativos. Explica que en el siglo XX artistas como Andy Warhol popularizaron el stencil a través del Pop Art, y que desde entonces artistas callejeros como Banksy, Blek le Rat y Shepard Fairey lo han usado para expresar mensajes políticos y sociales.
Este documento describe brevemente la historia y técnicas de dibujo con tinta, incluyendo los tipos de plumas, pinceles y soportes utilizados. Explica que la tinta se ha usado desde la antigüedad para dibujar y escribir, y que existen diferentes tipos de tintas y plumas que producen líneas de anchura y textura variadas. También se mencionan varios artistas famosos que utilizaron la pluma como medio de expresión.
Frottage Técnica de fricción o frotamiento automático descubierto por Max Ernst que transfiere al papel o al lienzo el veteado de una superficie rugosa con la ayuda de un sombreado a lápiz. El Frottage sirve como modelo de activación de la imaginación creativo- visionaria.
bibliografia
http://www.picassomio.es/diccionario-de-arte-y-terminos-artisticos/frottage.html
Ricardo marín viadel cap 1 parte 3 del dibujo a la cultura visualPeteca Indiaca
La Unión Europea ha anunciado nuevas sanciones contra Rusia por su invasión de Ucrania. Las sanciones incluyen prohibiciones de viaje y congelamiento de activos para más funcionarios rusos, así como restricciones a las importaciones de productos rusos de acero y tecnología. Los líderes de la UE esperan que estas medidas adicionales aumenten la presión sobre Rusia para poner fin a su guerra contra Ucrania.
Este documento describe las diferentes cualidades y tipos de luz y sombra que pueden usarse en composiciones artísticas. Explica conceptos como luz transmitida, radiante, atmosférica, homogénea, focalizada, selectiva y conceptual, y cómo estas luces crean volumen, atmósfera y expresividad. También analiza ejemplos históricos que ilustran estas técnicas de luz, desde obras románicas hasta impresionistas.
Biografía de vincent van gogh. verbspdfSheryl Rojas
Vincent Van Gogh nació en 1850 en Holanda. Mostró interés por el arte desde temprana edad, trabajando primero como marchante de arte y luego como predicador y profesor antes de dedicarse por completo a la pintura en 1880. Sus obras más famosas fueron realizadas en Arles entre 1888 y 1889 y se caracterizan por sus vivos colores y formas retorcidas. A lo largo de su vida sufrió trastornos mentales que lo llevaron a cortarse la oreja y vivir con problemas emocionales. Es considerado uno de los
Las pintoras Sofonisba Anguissola y Lavinia Fontana rompieron barreras en el siglo XVI al tener éxito en un campo dominado por hombres. Ambas provenían de familias cultas que apoyaron sus carreras artísticas. Sofonisba se destacó como retratista real y dama de compañía, mientras que Lavinia estableció un taller propio y pintó retratos y obras religiosas y mitológicas, siendo una de las primeras en tener acceso al estudio del desnudo. Ambas tuvieron una notable car
El documento presenta información sobre tres importantes figuras del Renacimiento italiano: Lorenzo de Medici, gobernante de Florencia conocido por su mecenazgo de las artes; Leonardo da Vinci, polifacético genio del Renacimiento conocido principalmente por su obra La Gioconda; y Miguel Ángel, destacado arquitecto, escultor y pintor cuya obra más famosa son los frescos de la Capilla Sixtina.
Este documento presenta información sobre la pintora renacentista Sofonisba Anguissola y su obra. Resume su biografía, incluyendo detalles sobre su formación artística, su trabajo en la corte de Felipe II en España y su regreso a Italia. Describe algunas de sus pinturas más importantes como La partida de ajedrez y varios autorretratos. Explica el contexto histórico y la importancia de Anguissola como una de las primeras mujeres artistas reconocidas en la historia del arte occidental.
El documento resume las características y representantes más importantes del Barroco y el Neoclasicismo en la literatura española. En el Barroco destacan Luis de Góngora, Lope de Vega y Baltasar Gracián. El Neoclasicismo surgió como reacción al Barroco y se inspiró en las obras clásicas. Algunos de sus representantes fueron Félix María Samaniego, Juan Meléndez Valdés y José Cadalso.
Literatura Medieval Española: Barroco y Neoclasicismoangeloaa
El documento habla sobre la literatura española del Barroco y el Neoclasicismo. Brevemente describe las características y representantes más importantes de cada período, incluyendo autores como Luis de Góngora, Lope de Vega, Baltasar Gracián, Félix María Samaniego, Juan Meléndez Valdés y José Cadalso. También menciona obras literarias destacadas de cada autor.
Este documento presenta resúmenes biográficos de importantes figuras del Renacimiento italiano y español como Lorenzo de Médicis, Leonardo da Vinci, Rafael, Tiziano, Donatello, Miguel Ángel, Fernando de Rojas, Miguel de Cervantes, Luis de Góngora y Francisco de Quevedo. Se destacan sus contribuciones al arte, la literatura y la política durante este periodo histórico.
Sofonisba Anguissola fue una pintora renacentista italiana, nacida en 1532 en Cremona. Fue la primera mujer en destacar como pintora en el Renacimiento. Recibió una educación artística de su madre y tuvo una relación creativa con Miguel Ángel, quien reconoció su talento. Viajó a España donde estudió con Sánchez Coello y desarrolló un estilo similar. Algunas de sus obras más destacadas incluyen retratos de Felipe II, su esposa Isabel y su propia familia.
El documento resume el desarrollo del arte en Argentina desde el período hispánico hasta inicios del siglo XX. Durante el período hispánico, el arte en Argentina fue principalmente de influencia europea. En el siglo XIX, pintores como Brambilla, de Suria y Ravenet documentaron paisajes y escenas como parte de la expedición Malaspina. Más tarde, pintores como Morel, García del Molino y Pueyrredón desarrollaron un estilo romántico y costumbrista. A fines del siglo XIX e inicios del XX,
El documento resume la vida y obra del renombrado artista italiano Miguel Ángel. En 3 oraciones o menos:
Miguel Ángel fue un destacado escultor, pintor y arquitecto renacentista que trabajó principalmente en Florencia y Roma durante más de 70 años. Es conocido por sus esculturas como el David y por sus frescos en la Capilla Sixtina, incluyendo su obra maestra El Juicio Final. Miguel Ángel fue aclamado en vida como el mayor artista de su época y sus obras se consideran cumbres del arte renacentista
Este documento presenta breves biografías de importantes figuras del Renacimiento italiano como Donatello, Lorenzo de Médici, Leonardo da Vinci, Rafael, Tiziano y Miguel Ángel, así como de importantes autores españoles como Fernando de Rojas, Miguel de Cervantes, Luis de Góngora y Francisco de Quevedo. Se describen sus principales obras y contribuciones al arte y la literatura de sus épocas respectivas.
Trabajo De Los 40 Principales (Juan Luis García López)juanlu103
Alessandro Maganza fue un pintor italiano del Renacimiento tardío que trabajó en Vicenza. Recibió formación en los talleres de su padre y de Giovanni Antonio Fasolo. Sus primeras obras muestran influencias de pintores venecianos como Tintoretto, Palma el Joven y Veronese. Maganza se dedicó principalmente a temas religiosos, destacando sus obras en la Catedral y en la Capilla del Rosario de Vicenza. Tuvo varios hijos que continuaron su profesión y enseñó a otros artistas como Francesco Maffei.
Alessandro Maganza fue un pintor italiano del Renacimiento tardío que se caracterizó por su estilo contramanierista. Recibió formación en los talleres de su padre y de Giovanni Antonio Fasolo. Sus primeras obras muestran influencia de pintores venecianos como Tintoretto, Palma el Joven y Veronese. Realizó importantes obras como las Escenas de la Pasión para la Catedral de Vicenza y los frescos de la Villa Rotonda de Palladio. Tuvo cuatro hijos que continuaron su profesión y entre sus alumnos se
Biografias De Grandes Artistas como Diego Rodríguez de Silva y Velázquez ,Petrus Paulus Rubens ,Michelangelo Merisi da Caravaggio y Rembrandt Harmenszoon Van Rijn
El documento proporciona información sobre varios escritores y pintores del siglo XVII en España, incluyendo Diego Velázquez, Francisco de Quevedo, Bartolomé Esteban Murillo, Lope de Vega, Luis de Góngora y El Greco. Resume sus biografías, obras principales y contribuciones a la literatura y el arte de la época.
El documento proporciona información sobre varios escritores y pintores del siglo XVII en España, incluyendo Diego Velázquez, Francisco de Quevedo, Bartolomé Esteban Murillo, Lope de Vega, Luis de Góngora y El Greco. Resume sus biografías, obras principales y contribuciones a la literatura y el arte de la época.
Alessandro Botticelli fue un destacado pintor renacentista florentino conocido por obras maestras como La primavera y El nacimiento de Venus. Trabajó principalmente para la familia Médici y otros mecenas florentinos. Su estilo se caracterizó por la elegancia de sus líneas y la fusión de temas cristianos y paganos inspirados en el neoplatonismo. Pasó sus últimos años en la pobreza a pesar de seguir produciendo obras, y murió en 1510.
Arte renacentista español: Escultura y pintura.encarnagonzalo
La escultura y pintura del Renacimiento español se desarrolló bajo fuertes influencias religiosas. La escultura se caracterizó por el uso de la madera policromada y figuras expresivas. Artistas italianos como Domenico Fancelli y Pietro Torrigiano ayudaron a introducir el estilo renacentista, mientras que Alonso Berruguete y Juan de Juni lo desarrollaron más adelante. En pintura, Pedro Berruguete y El Greco fueron dos de los más importantes artistas, con El Greco fusionando diversos estilos en ob
El documento contiene biografías breves de importantes figuras del arte y la literatura como Gian Lorenzo Bernini, Leonardo da Vinci, Tiziano, Donatello, Miguel Ángel, Fernando de Rojas, Miguel de Cervantes, Luis de Góngora y Francisco de Quevedo. Cada biografía resume su lugar y fecha de nacimiento, su formación, obras principales y mecenas importantes.
El documento contiene biografías breves de importantes figuras del arte y la literatura como Gian Lorenzo Bernini, Leonardo da Vinci, Tiziano, Donatello, Miguel Ángel, Fernando de Rojas, Miguel de Cervantes, Luis de Góngora y Francisco de Quevedo. Cada biografía incluye detalles sobre su lugar y fecha de nacimiento, su formación, obras principales y mecenas.
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Entre los grandes titulares que se esgrimen sobre la sanidad, siempre se demanda su carácter universal, su óptima calidad y el ámbito público de prestación de los servicios, temas de extrema importancia que son objeto de amplios debates, pero, ¿qué hay detrás del otro tema demandado: la gratuidad? Este es el asunto que se trae a discusión y análisis en este momento.
La asistencia sanitaria no es gratuita y nunca podrá serlo. No se debe de confundir el desembolso inmediato que tendría que hacer el paciente para ser atendido con su aportación mediante impuestos a los fondos estatales que son dedicados a este menester.
La sanidad es una actividad que requiere cuantiosos recursos y crece de forma continua, acompañando a la evolución de la economía social, y como cualquier actividad de servicios, requiere dotaciones de personal, instalaciones, equipos tecnológicos y una organización que provea de una logística eficiente y de alta calidad.
El tratamiento de este problema, generalmente es discutido en los despachos de la Administración como un asunto de reparto y gestión de los presupuestos, buscando que la calidad asistencial sea la mejor posible. Pero analizar el tema en este exclusivo entorno, impide tener una visión completa, simplemente porque la asistencia sanitaria, en principio, es un asunto con dos actores principales: el médico y el paciente. El análisis, pues, debe de realizarse contemplando sus respectivas circunstancias y perspectivas.
OBJETIVO DEL SEMINARIO:
El seminario es experimental, al ser el primero, si respondemos a las expectativas de los asistentes programaremos varias sesiones en la próxima temporada.
Las características que debe recoger un seminario de un par de horas que trate sobre la importancia de la economía y la asistencia sanitaria, es quizás demasiado ambicioso, pero planteado como ensayo piloto para diseñar un programa de información futuro no solo sobre la economía sanitaria y su impacto asistencial, sino también sobre todos aquellos aspectos y circunstancias que rodean la asistencia sanitaria, puede resultar muy instructivo.
INFORMACION SOBRE EL PONENTE
Luis Núñez Martín es especialista en Radiofísica Hospitlaria., Física Medica y Protección Radiológica. Ha sido Jefe de Servicio en el Hospital Puerta de Hierro en Majadahonda (jubilado) y es Profesor Honorario del Departamento de Medicina de la UAM.
La Universidad Popular Carmen de Michelena de Tres Cantos y el Espacio de Psicología de Tres Cantos colaboran en este proyecto para familias resilientes, aquellas que están abiertas a aprender y a mejorar. Este curso vamos a trabajar sobre las interacciones humanas. Porque comunicarnos bien nos ayuda a comprendernos, a querernos y a relacionarnos mejor, pero la comunicación no es siempre una tarea fácil.
La naturaleza nos ha dotado del más complejo sistema de comunicación, es verbal y no verbal, implícita y explícita, analógica y digital, escrita y oral... Nos podemos comunicar a través de diferentes canales, en diferentes idiomas, incluso nos comunicamos con otras especies, pero paradójicamente, en múltiples ocasiones tenemos verdaderas dificultades para comunicarnos con quienes tenemos más cerca, con nuestros hijos, con nuestra pareja, en definitiva, con nuestra familia.
Durante este curso, Sara Mallo, de Espacio Psicología Tres Cantos, en el seminario de familia profundizará en la familia reconstituida y también dedicará una sesión a los abuelos.
El suelo es un conjunto natural que sirve de soporte a la totalidad de los ecosistemas de los ambientes continentales terrestres. Su principal función dentro de los ecosistemas es la de proveer la totalidad del agua y nutrientes que necesitan todos los seres vivos del ecosistema a lo largo de su vida. Precisamente, a la capacidad que tiene un suelo para desempeñar este papel es lo que se conoce por calidad del suelo.
Una forma sencilla de definir al suelo es la de “resultado de la adaptación de las rocas al ambiente geoquímico de la superficie de la Tierra, muy diferente por lo general de aquel bajo el que se generó la roca en su interior. Dado que el ambiente geoquímico de la superficie terrestre está condicionado por el clima, es por lo que los suelos son muy diferentes según el tipoi de clima y por lo que estos se distribuyen a lo largo de la superficie terrestre según amplias zonas que se corresponden con las distintas zonas climáticas.
De todos los componentes de los suelos, la materia orgánica es el que más incide sobre su fertilidad natural y su sostenibilidad. Los cambios que esta experimenta en el suelo por la acción de los microorganismos, constituyen la base de la sostenibilidad de la misma a lo largo del tiempo.
A lo largo de los diferentes capítulos de este seminario, veremos como la principal diferencia entre la sostenibilidad de la fertilidad natural del suelo de los diferentes ecosistemas terrestres deriva de alteraciones provocadas por el hombre en la dinámica de la materia orgánica, siendo el ejemplo más palpable de la degradación de los suelos la transformación de los ecosistemas naturales en ecosistemas agrícolas.
El suelo es un conjunto natural que sirve de soporte a la totalidad de los ecosistemas de los ambientes continentales terrestres. Su principal función dentro de los ecosistemas es la de proveer la totalidad del agua y nutrientes que necesitan todos los seres vivos del ecosistema a lo largo de su vida. Precisamente, a la capacidad que tiene un suelo para desempeñar este papel es lo que se conoce por calidad del suelo.
Una forma sencilla de definir al suelo es la de “resultado de la adaptación de las rocas al ambiente geoquímico de la superficie de la Tierra, muy diferente por lo general de aquel bajo el que se generó la roca en su interior. Dado que el ambiente geoquímico de la superficie terrestre está condicionado por el clima, es por lo que los suelos son muy diferentes según el tipoi de clima y por lo que estos se distribuyen a lo largo de la superficie terrestre según amplias zonas que se corresponden con las distintas zonas climáticas
De todos los componentes de los suelos, la materia orgánica es el que más incide sobre su fertilidad natural y su sostenibilidad. Los cambios que esta experimenta en el suelo por la acción de los microorganismos, constituyen la base de la sostenibilidad de la misma a lo largo del tiempo
A lo largo de los diferentes capítulos de este seminario, veremos como la principal diferencia entre la sostenibilidad de la fertilidad natural del suelo de los diferentes ecosistemas terrestres deriva de alteraciones provocadas por el hombre en la dinámica de la materia orgánica, siendo el ejemplo más palpable de la degradación de los suelos la transformación de los ecosistemas naturales en ecosistemas agrícolas
En la sesión de hoy se hablará de: La materia orgánica del suelo y su relación con la sostenibilidad de los ecosistemas terrestres
El suelo es un conjunto natural que sirve de soporte a la totalidad de los ecosistemas de los ambientes continentales terrestres. Su principal función dentro de los ecosistemas es la de proveer la totalidad del agua y nutrientes que necesitan todos los seres vivos del ecosistema a lo largo de su vida. Precisamente, a la capacidad que tiene un suelo para desempeñar este papel es lo que se conoce por calidad del suelo.
Una forma sencilla de definir al suelo es la de “resultado de la adaptación de las rocas al ambiente geoquímico de la superficie de la Tierra, muy diferente por lo general de aquel bajo el que se generó la roca en su interior. Dado que el ambiente geoquímico de la superficie terrestre está condicionado por el clima, es por lo que los suelos son muy diferentes según el tipoi de clima y por lo que estos se distribuyen a lo largo de la superficie terrestre según amplias zonas que se corresponden con las distintas zonas climáticas
De todos los componentes de los suelos, la materia orgánica es el que más incide sobre su fertilidad natural y su sostenibilidad. Los cambios que esta experimenta en el suelo por la acción de los microorganismos, constituyen la base de la sostenibilidad de la misma a lo largo del tiempo
A lo largo de los diferentes capítulos de este seminario, veremos como la principal diferencia entre la sostenibilidad de la fertilidad natural del suelo de los diferentes ecosistemas terrestres deriva de alteraciones provocadas por el hombre en la dinámica de la materia orgánica, siendo el ejemplo más palpable de la degradación de los suelos la transformación de los ecosistemas naturales en ecosistemas agrícolas
La finalidad de este seminario de huella de carbono es dar conocer las implicaciones del cambio climático en el ámbito doméstico, con el cálculo de contribuciones de emisiones de CO2 que sirvan de ejemplo para hallar las interacciones que se producen en tu día a día.
El análisis de la huella de carbono se abordará desde una óptica práctica para lo que se utilizarán diagramas y gráficos generados, la mayoría de ellos con Inteligencia Artificial, como una aproximación novedosa y actual del empleo de esta herramienta así como la interpretación de resultados a través de hojas de cálculo que permitan combinar distintos escenarios para tener opinión sobre las implicaciones del cambio climático.
El seminario se desarrollará en 3 jornadas que permitirán avanzar en el conocimiento de los gases de efecto invernadero, las relaciones causa efecto asociadas a las emisiones de CO2, los balances energéticos de la Tierra, comprender por qué no se escapan los gases de la atmósfera y descubrir cómo y dónde absorben estos gases.
Durante la exposición, el ponente, Antonio Navarro Marín, Verificador Jefe de Huella de Carbono en Bureau Veritas, nos enseñará cálculos in situ por lo que tendrá un enfoque dinámico y participativo, con objeto de reflexionar sobre sus implicaciones y tener opinión de lo que cada uno podría hacer. Se utilizarán transparencias y hojas de cálculo, hechas y pensadas para este seminario manejando distintos supuestos para tener soluciones alternativas y comparables, según los escenarios considerados o que se planteen durante la exposición del seminario.
Contenido de esta sesión:
Se realizará el planteamiento y cálculo de la huella de carbono del tubo de escape de tu coche en función de los parámetros que configuremos. Este análisis permitirá hacerse ya una opinión profunda de las implicaciones y significado de las emisiones de CO2.
La Inteligencia Artificial nos permitirá hallar el balance químico de lo que sucede en la combustión del combustible del coche. Se utilizarán datos y tablas publicadas por el MITERD que permitirán a los asistentes avanzar en el cálculo total de su huella de carbono doméstica.
Se realizará un análisis del Ahora y Antes de las causas que más influyen en la emisión de gases, de las que se es poco o nada consciente de su existencia. A partir de este análisis se tendrá una idea clara que como las emisiones de CO2 han tenido un crecimiento hiperbólico y somos nosotros los que estamos influyendo en el calentamiento de la Tierra, y por tanto en su clima.
Se planteará el manejo de la Inteligencia Artificial como herramienta de trabajo, para lo que se comentarán y documentarán las principales suites gratuitas disponibles en el mercado. Se generarán imágenes, gráficos y tablas ilustrativas que permitirán interpretar los resultado numéricos. Se analizará el hecho peculiar y conocido por todos de por qué, justo al amanecer es cuando más frío hace.
En esta última sesión planificada del Seminario se van a estudiar los temas siguientes:
Enfermedad de Parkinson: Epidemiología. Manifestaciones clínicas. Factores de riesgo. Mecanismos. Proteína α-synucleina. Sustancia negra. Dopamina. Biomarcadores. Prevención.
Prologo
Llega a mis manos el libro: Introducción sintética a las enfermedades de las plantas, del que es autor Santiago Ormeño Villajos, doctor
ingeniero agrónomo y profesor de la UPM.
Desde que se jubiló como profesor, el Dr. Ormeño ha continuado ejerciendo una labor docente dirigida al colectivo de mayores del municipio donde reside, Tres Cantos, impartiendo diversos seminarios en el Centro Municipal de Mayores Antonio Somalo Bernal y en la Universidad Popular Carmen de Michelena. También ha venido asesorando para el buen manejo de los cultivos en los huertos urbanos de dicho
municipio.
Al igual que Santiago Ormeño, he impartido docencia en la UPM, en mi caso en el área de Geología y Edafología, y gracias a su invitación impartí un seminario sobre manejo de suelos con aplicación a los huertos urbanos en dicho Centro de Mayores. Tengo que admitir que esta docencia ha sido para mí muy alentadora, pues ha puesto de manifiesto
el alto interés que dicho colectivo de mayores tiene por mantener activa la mente después del cese de sus actividades laborales. Está claro que a estos seminarios los alumnos no acuden con el animo de estudiar una
carrera para después ejercer una profesión, sino que lo hacen por interés personal y como una forma de enriquecer sus experiencias vitales, pues
como bien señala Santiago, en la mayoría de los casos, los asistentes sienten mucho apego a todo lo relacionado con el ámbito rural del que se alejaron hace muchos años.
El libro ha tenido que ser muy complejo en su concepción, de ahí el gran mérito del autor, pues el mundo de las plantas es muy amplio y diverso y en él se incluyen no solo las plantas de carácter agrícola con las que este peculiar alumnado tiene contacto a través de los huertos
urbanos de los que Santiago es alma mater, sino además las plantas ornamentales sobre las que otra parte del alumnado proyecta un interés muy especial. Por otra parte, los agentes tanto bióticos como no bióticos causantes tanto de estas enfermedades como de su propagación son muy diversos. El autor ha tenido el gran acierto de exponer las
enfermedades de una forma sistemática, clara y concisa; además, ha incluido una amplia colección de magníficas fotos a color que facilitan enormemente la tarea de la identificación de la enfermedad a través de los síntomas que manifiestan las plantas afectadas. A destacar los dos
últimos capítulos dedicados a la epidemiologia y a los métodos fotográficos y espectroscópicos, de carácter muy técnico, que sin duda se expandirán enormemente en un futuro inmediato en el ámbito de la
agricultura de precisión. El presente libro, no sólo será de gran utilidad para el colectivo al que va dirigido, sino que también puede ser de
interés para muchos técnicos relacionados con el cuidado de las plantas.
Rafael Espejo Serrano
La Universidad Popular Carmen de Michelena de Tres Cantos y el Espacio de Psicología de Tres Cantos colaboran en este proyecto para familias resilientes, aquellas que están abiertas a aprender y a mejorar. Este curso vamos a trabajar sobre las interacciones humanas. Porque comunicarnos bien nos ayuda a comprendernos, a querernos y a relacionarnos mejor, pero la comunicación no es siempre una tarea fácil.
La naturaleza nos ha dotado del más complejo sistema de comunicación, es verbal y no verbal, implícita y explícita, analógica y digital, escrita y oral... Nos podemos comunicar a través de diferentes canales, en diferentes idiomas, incluso nos comunicamos con otras especies, pero paradójicamente, en múltiples ocasiones tenemos verdaderas dificultades para comunicarnos con quienes tenemos más cerca, con nuestros hijos, con nuestra pareja, en definitiva, con nuestra familia.
Durante este curso, Sara Mallo, de Espacio Psicología Tres Cantos, en el seminario de familia profundizará en la familia reconstituida y también dedicará una sesión a los abuelos.
El suelo es un conjunto natural que sirve de soporte a la totalidad de los ecosistemas de los ambientes continentales terrestres. Su principal función dentro de los ecosistemas es la de proveer la totalidad del agua y nutrientes que necesitan todos los seres vivos del ecosistema a lo largo de su vida. Precisamente, a la capacidad que tiene un suelo para desempeñar este papel es lo que se conoce por calidad del suelo.
Una forma sencilla de definir al suelo es la de “resultado de la adaptación de las rocas al ambiente geoquímico de la superficie de la Tierra, muy diferente por lo general de aquel bajo el que se generó la roca en su interior. Dado que el ambiente geoquímico de la superficie terrestre está condicionado por el clima, es por lo que los suelos son muy diferentes según el tipoi de clima y por lo que estos se distribuyen a lo largo de la superficie terrestre según amplias zonas que se corresponden con las distintas zonas climáticas
De todos los componentes de los suelos, la materia orgánica es el que más incide sobre su fertilidad natural y su sostenibilidad. Los cambios que esta experimenta en el suelo por la acción de los microorganismos, constituyen la base de la sostenibilidad de la misma a lo largo del tiempo
A lo largo de los diferentes capítulos de este seminario, veremos como la principal diferencia entre la sostenibilidad de la fertilidad natural del suelo de los diferentes ecosistemas terrestres deriva de alteraciones provocadas por el hombre en la dinámica de la materia orgánica, siendo el ejemplo más palpable de la degradación de los suelos la transformación de los ecosistemas naturales en ecosistemas agrícolas
En la sesión de hoy se hablará de "El suelo en los ecosistemas naturales y agrícolas" sobre conceptos de calidad y su relación con la sostenibilidad del ecosistema.
En esta sesión del Seminario se van a estudiar los temas siguientes:
Enfermedad de Alzheimer: Epidemiología. Manifestaciones clínicas. Factores de riesgo. Mecanismos. Proteínas A-beta y tau. Biomarcadores. Prevención.
En esta sesión del Seminario se van a estudiar los temas siguientes:
Enfermedades neurodegenerativas. Agregados patológicos de proteínas. Disfunción sináptica. Anomalías citoesqueléticas. Inflamación. Muerte neuronal.
En esta sesión del Seminario se van a estudiar los temas siguientes: Introducción a la macroanatomía y microanatomía del encéfalo: Cerebro, cerebelo, tronco del encéfalo. Células neuronales y gliales. Fibras nerviosas y su reunión en fascículos. Redes de comunicación cerebral intra- e interhemisférica.
En esta sesión del Seminario se van a estudiar los temas siguientes: Lesiones adquiridas en el cerebro: El lóbulo temporal medial y el caso Henry Molaison (H.M.). El área fusiforme de las caras y la percepción facial.
En el Seminario "Entender la Música" que vamos a impartir a lo largo de este curso se presentarán aspectos del repertorio musical o partes importantes del mismo a través de ejemplos ( audiciones breves) y con apoyo visual.
El próximo viernes 2 de febrero celebraremos la tercera sesión del seminario “Entender la música", con el prof. Germán Labrador (UAM) en la sala de conferencias del Auditorio Nacional de Madrid, a las 18:00 h.
La sesión estará dedicada a la música instrumental, y seguidamente podremos asistir al concierto "en el estilo del siglo XVIII" que la UAM organiza en el mismo Auditorio, a las 19:30 h, con varios solistas de voz y de instrumento, y la excelente orquesta barroca "Os músicos do Tejo", procedente de Portugal. Podéis consultar el programa en este link:
https://www.uam.es/uam/csipm-ciclo-grandes-autores-interpretes-musica/51-anos-concierto-4
La UAM nos ofrece un precio especial (50% de descuento en todas las localidades) para asistir al concierto. Este descuento solo es posible llamando al Centro Superior de Música de la UAM (91 4974978) e identificándoos como asistentes al seminario de la UP Carmen de Michelena. Tambien se pueden obtener en el enlace anterior con la reducción del 50%, identificandose para el decuento con el código UPMICH2024.
El seminario tendrá lugar en una sala dentro del auditorio, con la entrada, donde intervendran el director y algunos de los interpretes del concierto.
Por cuestiones de aforo solo podemos asistir 80 personas al coloquio. Las plazas se asignarán por orden de compra de las localidades hasta completar aforo.
Se pueden conseguir las entradas también en la página web, pero solo las 80 primeras se obtendrán con descuento.
Ponente:
Germán Labrador, director del Centro Superior para la Investigación y la Promoción de la Música de la Universidad Autónoma será el encargado de impartir el seminario, y en alguna sesión delegará en alguna persona en los últimos años de formación en la Facultad de Música de la Universidad Autónoma de Madrid.
En el Seminario "Entender la Música" que vamos a impartir a lo largo de este curso se presentarán aspectos del repertorio musical o partes importantes del mismo a través de ejemplos ( audiciones breves) y con apoyo visual.
El próximo viernes 2 de febrero celebraremos la tercera sesión del seminario “Entender la música", con el prof. Germán Labrador (UAM) en la sala de conferencias del Auditorio Nacional de Madrid, a las 18:00 h.
La sesión estará dedicada a la música instrumental, y seguidamente podremos asistir al concierto "en el estilo del siglo XVIII" que la UAM organiza en el mismo Auditorio, a las 19:30 h, con varios solistas de voz y de instrumento, y la excelente orquesta barroca "Os músicos do Tejo", procedente de Portugal. Podéis consultar el programa en este link:
https://www.uam.es/uam/csipm-ciclo-grandes-autores-interpretes-musica/51-anos-concierto-4
La UAM nos ofrece un precio especial (50% de descuento en todas las localidades) para asistir al concierto. Este descuento solo es posible llamando al Centro Superior de Música de la UAM (91 4974978) e identificándoos como asistentes al seminario de la UP Carmen de Michelena. Tambien se pueden obtener en el enlace anterior con la reducción del 50%, identificandose para el decuento con el código UPMICH2024.
El seminario tendrá lugar en una sala dentro del auditorio, con la entrada, donde intervendran el director y algunos de los interpretes del concierto.
Por cuestiones de aforo solo podemos asistir 80 personas al coloquio. Las plazas se asignarán por orden de compra de las localidades hasta completar aforo.
Se pueden conseguir las entradas tambien en la página web, pero solo las 80 primeras se obtendrán con descuento.
Ponente:
Germán Labrador, director del Centro Superior para la Investigación y la Promoción de la Música de la Universidad Autónoma será el encargado de impartir el seminario, y en alguna sesión delegará en alguna persona en los últimos años de formación en la Facultad de Música de la Universidad Autónoma de Madrid.
Tertulia del 26 de enero.
Empleamos el tiempo de la tertulia en presentarnos.
La mayoría había venido de Madrid a Tres Cantos:
- Dos habían vivido en el centro de Madrid y sus padres no venían de otros sitios.
- Otros habían nacido en Madrid o en otras ciudades, pero sus padres tenían familia en
pueblos a dónde iban de vez en cuando, sobre todo en verano.
- Otros habían pasado la primera infancia en pueblos, pero les habían enviado a un
internado a la ciudad, para realizar los estudios.
- Otras habían vivido en el pueblo de niñas, pero se habían trasladado con toda la familia
a la ciudad, donde algunas habían combinado el trabajo y los estudios. Alguno añoraba
los veranos que pasaba en el pueblo.
- Hubo una persona que contó que su familia había estrenado un pueblo, creado por las
políticas de reparcelación. Curiosamente no mencionó que a Tres Cantos también
había venido a poblarlo.
Al comenzar la tertulia se describió a grandes rasgos el tema del que se iba a hablar: el paso de la adolescencia a la madurez en España desde principio del siglo XX hasta ahora.
Lo íbamos a dividir en tres etapas:
- La primera de principios de siglo XX, hasta 1965.
- La segunda de 1965 hasta 1995. Etapa caracterizada por el éxodo del campo a la ciudad.
- La tercera de 1995 hasta 2024. Aparición de internet y de las redes digitales.
Comentamos que la Tertulia nos iba a permitir adentrarnos en los temas mediante los
recuerdos que teníamos.
También dijimos que íbamos a utilizar el concepto “rito de paso”, que en antropología se
estudia en relación al paso de una etapa a otra del ciclo vital, y designa un conjunto específico
de actividades que simbolizan y marcan la transición de un estado a otro. Las fases de esta
transición son tres, la de separación, la de marginalidad, y la de integración.
Preguntamos si alguien podía reconocer algún momento o acontecimiento que actuara como marcador del cambio de etapa:
- Una persona dijo que un momento importante era cuando los padres te mandaban a la compra, te daban un dinero que tenías que saber gestionar, dar bien las vueltas, y no
sisar, porque si no lo hacías bien, traía consecuencias.
- También se comentó como marcador para la mujer, la aparición de la menarquía (o la
regla). Una mujer recordaba cuando le vino por primera vez, se asustó y fue a decírselo
a su madre, que en ese momento se hallaba en la cama, se metió con ella y su madre le dijo que “ya era mujer”. Las vecinas que habían ido a visitar a su madre, también le decían que ya era mujer, entre alborozadas y preocupadas, llevándole alguna algún regalillo.
Un hombre que vivía rodeado de mujeres cuando era niño, comentó que no entendía
nada cuando veía en el tendedero colgadas muchas toallitas, no sabía para qué eran…
- Para algunos de los que estaban allí, y vivían en un pueblo, el cambio fuerte lo habían tenido al ir a estudiar de internos. La separación de la familia y del pueblo, integrarse,
pasar algunas novatadas…
- Una persona que había sido profesor, comentaba
Los científicos del clima vienen pronosticando desde hace muchos años unas amenazas muy graves originadas por el Calentamiento Global, y que afectarán a aspectos fundamentales de la vida de las personas. En estos momentos ya es indiscutible que dichas amenazas comienzan a materializarse en diferentes fenómenos climáticos, geofísicos, económicos, de salud, etc.
Los países han puesto en práctica hasta la fecha planes de reducción de emisiones de gases de efecto invernadero, pero sus resultados se hallan muy lejos de lo esperado. Los estudios que se han realizado para analizar las causas de esos resultados tan negativos muestran que una de las causas principales es la falta de conocimiento y de compromiso por parte de la población en general. Visto este panorama, la Universidad Popular Carmen de Michelena entiende que está justificado ofrecer a la ciudadanía este Seminario.
Este curso el seminario va a tener un carácter más participativo; vamos a proponer a los asistentes, y sin ningún compromiso, que se animen a realizar una investigación más profunda de los temas que vamos a proponer en cada sesión. Los resultados de estos estudios se presentarán a discusión en las sesiones subsiguientes.
Novedad: Este seminario finalizará con la realización de una mesa redonda sobre un tema aún en estudio, que tendrá lugar el miércoles 28 de febrero de 2024.
Modalidad: Este seminario se va a realizar exclusivamente en la modalidad Presencial, en el local y horario indicados en este misma página.
El resultado esperado será el placer de trabajar juntos, de avanzar juntos, de apoyarse mutuamente y de llegar a una visión más amplia y precisa de todos los fenómenos físicos, sociales, políticos y económicos que conforman el Cambio Climático.
Hemos incluido en esta página la presentación ISSU y el vídeo Youtube correspondiente a esta sesión, con objeto de que las personas que vayan a asistir al Seminario lo hagan con unos conocimientos previos que faciliten la comprensión.
Lista de preguntas o cuestiones a aclarar en conexión con el Seminario "El efecto Invernadero", dentro del Seminario el Cambio Climático 2023-2024. Se describe el papel del CO2 y el Metano en el calentamiento global. La velocidad de aumento del CO2 en la atmósfera está creciendo, así como la temperatura global. El origen principal de las emisiones de CO2 es la combustión de combustibles fósiles, petróleo, gas natural, carbón, etc.
Acidificación aguas de los océanos, que conduce a la reducción de reproducción del plancton y los problemas de reducción de capturas en las pesquerías de todo el Mundo. La fusión del permafrost y des hielos situados en tierra firme conduce al aumento del nivel de los mares, con la desaparición de costas, playas, islas, etc.
Los científicos del clima vienen pronosticando desde hace muchos años unas amenazas muy graves originadas por el Calentamiento Global, y que afectarán a aspectos fundamentales de la vida de las personas. En estos momentos ya es indiscutible que dichas amenazas comienzan a materializarse en diferentes fenómenos climáticos, geofísicos, económicos, de salud, etc.
Los países han puesto en práctica hasta la fecha planes de reducción de emisiones de gases de efecto invernadero, pero sus resultados se hallan muy lejos de lo esperado. Los estudios que se han realizado para analizar las causas de esos resultados tan negativos muestran que una de las causas principales es la falta de conocimiento y de compromiso por parte de la población en general. Visto este panorama, la Universidad Popular Carmen de Michelena entiende que está justificado ofrecer a la ciudadanía este Seminario.
Este curso el seminario va a tener un carácter más participativo; vamos a proponer a los asistentes, y sin ningún compromiso, que se animen a realizar una investigación más profunda de los temas que vamos a proponer en cada sesión. Los resultados de estos estudios se presentarán a discusión en las sesiones subsiguientes.
Novedad: Este seminario finalizará con la realización de una mesa redonda sobre un tema aún en estudio, que tendrá lugar el miércoles 28 de febrero de 2024.
Modalidad: Este seminario se va a realizar exclusivamente en la modalidad Presencial, en el local y horario indicados en este misma página.
El resultado esperado será el placer de trabajar juntos, de avanzar juntos, de apoyarse mutuamente y de llegar a una visión más amplia y precisa de todos los fenómenos físicos, sociales, políticos y económicos que conforman el Cambio Climático.
Hemos incluido en esta página la presentación ISSU y el vídeo Youtube correspondiente a esta sesión, con objeto de que las personas que vayan a asistir al Seminario lo hagan con unos conocimientos previos que faciliten la comprensión.
Lista de preguntas o cuestiones a aclarar en conexión con el Seminario "El efecto Invernadero", dentro del Seminario el Cambio Climático 2023-2024. Se describe el papel del CO2 y el Metano en el calentamiento global. La velocidad de aumento del CO2 en la atmósfera está creciendo, así como la temperatura global. El origen principal de las emisiones de CO2 es la combustión de combustibles fósiles, petróleo, gas natural, carbón, etc.
Acidificación aguas de los océanos, que conduce a la reducción de reproducción del plancton y los problemas de reducción de capturas en las pesquerías de todo el Mundo. La fusión del permafrost y des hielos situados en tierra firme conduce al aumento del nivel de los mares, con la desaparición de costas, playas, islas, etc.
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PLANTILLA DE PRESENTACION PARA MULTIUSOSS CANVA , ESTO LO HIZE CON EL FIN DE DESCARGAR UN DOCUMENTO GRATIS JAJAJAJAJA , AL FIN ES MUY BUENA LA PLANTILLA , SI QUIEREN USENLA , LA DESCARGUE DESDE CANVA , CANVA LO MEJOR DE LO MEJOR
EN DIN HAGANLO BIEM
Aquí tienes una descripción al azar de 500 palabras:
En el vasto horizonte del cosmos, donde las estrellas parpadean como joyas incrustadas en el manto celestial, se encuentra un universo lleno de misterios y maravillas. Desde los confines de las galaxias distantes hasta los rincones más oscuros de la imaginación humana, la exploración del cosmos nos lleva a un viaje sin fin de descubrimiento y asombro.
En este vasto universo, la Tierra, nuestro hogar, brilla como una esfera azul brillante suspendida en la inmensidad del espacio. Un mundo de una belleza incomparable, donde los océanos danzan con la luz del sol y los continentes están adornados con una diversidad de paisajes y formas de vida.
Los océanos, vastos y profundos, albergan una inmensa variedad de criaturas marinas, desde las criaturas más pequeñas e imperceptibles hasta los gigantes majestuosos de las profundidades. Los arrecifes de coral, con sus colores vibrantes y formas caprichosas, son como ciudades submarinas llenas de vida y actividad.
En tierra firme, los paisajes varían desde las vastas llanuras hasta las imponentes montañas, desde los densos bosques tropicales hasta los áridos desiertos. Cada rincón de la Tierra está habitado por una diversidad de formas de vida, desde las diminutas bacterias hasta los majestuosos elefantes y los ágiles leopardos.
Pero la belleza de la Tierra también está marcada por la fragilidad de su ecosistema. El cambio climático, la deforestación y la contaminación amenazan con perturbar el delicado equilibrio de la naturaleza, poniendo en peligro la vida en el planeta. Es responsabilidad de cada uno de nosotros proteger y preservar este precioso hogar que compartimos.
Mientras exploramos las maravillas de la Tierra, también miramos hacia el cielo en busca de respuestas a las preguntas más profundas sobre el universo. Desde los telescopios terrestres hasta los satélites en órbita, la humanidad ha desplegado una red de ojos en el cielo para desentrañar los secretos del cosmos.
Las estrellas, como faros en la oscuridad, nos guían a través del vasto océano cósmico, mientras que los planetas y las lunas nos ofrecen destellos de mundos distantes y paisajes extraterrestres. En los confines del sistema solar y más allá, los científicos buscan signos de vida más allá de la Tierra, preguntándose si estamos solos en el universo.
Pero incluso mientras miramos hacia las estrellas en busca de respuestas, recordamos que nuestro hogar, la Tierra, es un oasis de vida en un vasto y desolado desierto cósmico. Es aquí, en este pequeño rincón del universo, donde encontramos la belleza, la diversidad y la maravilla que nos inspiran a explorar y descubrir más sobre el mundo que nos rode
Enganchados nº1_Fanzine de verano de junio de 2024Miguel Ventayol
Número 1 del fanzine de creación Enganchados.
Escrito e ideado por Miguel G. Ventayol.
Poemas, textos breves, narrativa y crítica literaria.
He escrito el primer fanzine para este verano de 2024, con la intención de que tenga continuidad en el tiempo.
Con una serie de poemas surgidos de diversas plantillas de CANVA, porque me pareció divertido trabajar sobre esas imágenes; así como poemas y algunos textos.
Algunos de ellos de experiencias personales, otros inventados.
Recuerdos de discos como el de Supersubmarina, Eels o Los Planetas
ÍNDICE
copiar. página 4
una cala frente al mar. página 5
una plaza en verano. página 6
tierra. página 7
échate unas risas, primo. página 8
palabras son solo palabras, a fin de cuentas. página 9
gírate. página 10
enganchados. páginas 11-13
luis, celine y la chica de ojos Bowie. páginas 14-15
crítica literaria. páginas 16-18
párate y mira. página 19
aniversario de super 8. página 20-22
échate unas risas, primo 2. página 23
FIN. página 24
Este proyecto se enfoca en las artesanías y el arte de la región del Departamento de Nariño. ArtNariño es una iniciativa que busca crear una plataforma, donde los artesanos y artistas locales puedan publicar, explicar y vender sus obras, facilitando la conexión entre creadores y compradores según sus preferencias.
-La adhesión entre los espermatozoides y las membranas plasmáticas de las células oviductales está asegurada por moléculas expuestas en la superficie rostral de los espermatozoides y capaces de unir carbohidratos en la superficie de las células oviductuales especifica para cada especie
-La adhesión entre los espermatozoides y las membranas plasmáticas de las células oviductales está asegurada por moléculas expuestas en la superficie rostral de los espermatozoides y capaces de unir carbohidratos en la superficie de las células oviductuales especifica para cada especie.
-Unas horas antes de la ovulación, los espermatozoides unidos comienzan a liberarse y progresan hacia la unión ampular/ístmica, donde el ovocito ovulado se detendrá para la fertilización.
Objetivo
-Revisar el conocimiento disponible sobre las moléculas involucradas en la selección, almacenamiento y liberación de espermatozoides del reservorio oviductal.
Resumen del catálogo de la Exposición "Dos Pintoras: Sofonisba Anguissola y Lavinia Fontana"
1. DOS PINTORAS EN EL PRADO: SOFONISBA ANGUISSOLA Y LAVINIA FONTANA
22 oct.2019-02 feb. 2020
(Extracto del catálogo de la exposición por A.Guerrero para la UPCM)
En Italia ya a finales de la E. Media se inició el movimiento literario y cultural basado en
las ideas de los humanistas del momento, destacando Baldassare Castiglione que en su
obra Il Cortesano (1528), describe el prototipo de mujer del Renacimiento que exigía
una educación refinada que le permitiera cultivar diversas artes, lo que propiciaría su
participación en pie de igualdad en encuentros y tertulias culturales. Hay pues una
reivindicación del papel de las mujeres, de su excelencia y de sus capacidades
intelectuales y la necesidad de su formación para convertirla en la esposa-compañera
ideal del esposa de quien debía ser su prolongación social y espejo de la familia.
Enseñanzas en letras, música, pintura y danza eran las adecuadas y que junto con la
prudencia, discreción, honestidad, dulzura, belleza etc. hacía la mujer-esposa
perfecta.
Tanto Sofonisba como Lavinia respondía a este tipo de mujer, educadas para una
notable cultura humanística y artística. Sin embargo la distinta clase social a la que
pertenecía se refleja en su manera de representarse: con ropas sencillas Sofonisba, de
cuna aristocrática. Sólo quería que se la apreciara por su inteligencia. En cambio, con
ropa de gran calidad Lavinia para expresar cómo siendo hija de unos artesanos había
conseguido el éxito.
En ambas influyó también el lugar de nacimiento que las encauzó hacia distintos destinos.
Cremona y Bolonia son ciudades cercanas del norte de Italia, prósperas
Cremona: Dependía del Ducado de Milán, bajo la corona española entonces, en donde a
diferencia de otras ciudades no sólo participaban de la enseñanza cultural las mujeres de
la alta nobleza sino también las de la baja, como la familia de Sofonisba; especialmente
la rama familiar de su madre.
Bolonia pertenecía al Estado Pontificio pero con una importante universidad que
impulsó la cultura y el papel de las mujeres boloñesas lo que facilitó que hubiese un
significativo número de pintoras asentadas.
Otros elementos comunes a ambas fueron:
-Influencia flamenca a través de Catherina van Hemessen. Esta pintora fue hija del
pintor Jan Sanders van Hemessen del que El Prado posee varios cuadros como “El
cirujano o La extracción de la piedra de la locura”
2. A través de las intensas relacionas que existían entre la Italia del norte y la zona
flamenca, esta pintora, cuyo autorretrato seguramente conocía al menos Sofonisba,
influyó poderosamente en ambas.
-Padres pintores: Amilcare Anguissola y Prospero Lavinia eran seguidores del
tardomanierismo (fig.alargadas, escorzos, reinterpretación de la naturaleza..), lo que
marcó a ambas en al menos alguna etapa de sus vidas.
-Otros pintores cuyas obras también les influyeron fueron Correggio o Parmigiannino,
con sus obras de características cercanas a las de Rafael .
-La Contrarreforma y las enseñanzas del cardenal Paleotti en su “Discorso intorno alle
immagini sacre e profane” donde propone una nueva sensibilidad religiosa: claridad e
implicación emocional, (Sofonisba en su etapa de Génova lo hace a través del pintor
Cambiasso)
-Problemas económicos familiares. Ambas contribuyeron con sus pinturas, que eran
muy apreciadas, a levantar la economía familiar y olvidadas tras su muerte a pesar de
su fama.
-El olvido. A pesar de haber sido muy apreciadas en su época tras su muerte fueron
prácticamente olvidadas y algunas de sus obras no firmadas atribuidas a otros pintores
más reconocidos.
3. SOFONISBA ANGUISSOLA
Nació en Cremona, Italia (1535) bajo la corona española. Murió en Palermo en 1625 a
los 93 años. Hija de una familia de la baja nobleza y culta, de Amilcare Angissola y
Bianca Ponzoni. Tuvieron 6 hijos,(5hijas) ,Sofonisba fue la mayor.
Para encontrar la razón de ese nombre existen dos teorías, una que su familia
pretendía descender de los cartagineses (Sofonisba: joven reina cartaginesa que se
sacrificó por su pueblo tras la derrota con Escipión).
Otros creen que los de la Italia del norte veían al poder papal de Roma como una tiranía
y a Carlos V un nuevo Aníbal que los había liberado.
Eran muchas las hijas para dotar y al no tener recursos para tanto es por lo que al ver
las cualidades pictóricas de Sofonisba y de su hermana Elena su padre las envió a
aprender el oficio bajo la tutela de dos pintores locales importantes , desde 1546 a
1551.(desde los 11 a los 16 años).
Amílcar Anguissola estaba familiarizado con las ideas de los humanistas del momento
como Baldassare Castiglione, que ya vimos, y el nuevo papel de la mujer en la
sociedad.
1er. Maestro 1546-1549 (11-13años): Su padre tenía buenas relaciones con los pintores
de Cremona y la envió junto a su hermana Elena al taller de Bernardino Campi..Les
enseñó los rudimentos de la pintura: prepar las tablas, los pigmentos, etc.
2do. Maestro. Campi se trasladó a Milán en 1549 y Sofonisba y su hermana fueron
enviadas a otro pintor, a Bernardino Gatti, Il Sojaro, de quien reciben la influencia de
Correggio (fondos y sombras) y aprenden la técnica del retrato.
Mientras su hermana ingresaba en un convento Sofonisba siguió pintando, especialmente
retratos para lo que tenía cualidades excepcionales (dibujo, técnica y profundidad
psicológica), destacando sus autoretratos de composición sencilla pero provistos de
sutiles referencias a sus virtudes y de una medida expresividad. Su casa familiar fue
lugar de exposición de sus logros aumentando su fama. Todos quería tener una obra suya
lo que contribuyó a que el mismo Vasari visitara su casa y la incluyera en su famosa obra
Vidas de artistas.
Su padre la promocionó viajando con ella y enviando autorretratos de ella a las más
importantes familias y pintores como Miguel Ángel, a quien le dirigió un dibujo de ella a
lo que respondió felicitándola y solicitándole otro más, como más adelante veremos.
Incluso por recomendación de su padre lo conoció personalmente en Roma a los 22
años y pudo beneficiarse de sus enseñanzas de forma informal.
TÉCNICA PICTÓRICA
Al no tener los cuadros que pintó en España firmados es difícil atribuírselos, a veces se
les ha atribuido a Sánchez Coello. En el estudio de sus obras se han distinguido
claramente dos tipos: las que poseen una preparación del lienzo a base de
imprimaciones muy oscuras, casi negras y otras de colores más claros y luminosos,
grises.
4. Ello es importante porque en general todos los artistas de una misma época y lugar
suelen preparar sus cuadros de forma parecida, algo distinto a como luego realizan el
proceso de mezcla de pigmentos y capas de pintura que es algo personal. Así vemos que
en sus obras primeras italianas la imprimación es oscura, a base de tierras y pigmentos
negros, como ocurría en la Italia de su época.
Cuando llega a Madrid cambia su técnica y se acomoda a lo que aquí se hacía y pinta
sobre bases de color gris claro compuesto de albayalde, negro y minio, que distingue
a las obras de la corte española de otras europeas. Sólo hay una excepción de un
cuadro pintado en Italia poco antes de venir a España, el G.Battista Casselli, poeta de
Cremona , donde se utiliza una base de tono claro.
En cuanto a si volvió a su técnica anterior cuando regresó a Italia es cuestión abierta
porque poco se sabe de sus pinturas de esa época.
En sus retratos se puede apreciar la calidad del dibujo, su minuciosidad, su gran
técnica y una excelente profundidad psicológica.
Los autoretratos son de composición sencilla pero provistos de sutiles referencias a
sus virtudes y de una medida expresividad.
En España sus cuadros fueron atribuidos a Sánchez Coello.
PINTURA RELIGIOSA
Como vimos, Sofonisba pintó este tipo de obras en una edad ya madura, tras su vuelta a
Italia y para ello utiliza modelos ajenos, son obras de mediana o pequeña factura que
indican su carácter privado, para oratorios particulares. Su tema más frecuente es la de la
Sagrada Familia, donde repite las composiciones de Boccaccino a la vez seguidor de
Parmigianino, con acentos rafaelescos. Especialmente en Génova son amables e
intimistas siguiendo a Luca Cambiasso (pintura contrarreformista), con iluminaciones
contrastadas y sugestivos nocturnos
SOFONISBA EN ESPAÑA (1.559-1563)
En sus viajes con su padre promocionando sus trabajos conoció a varios aristócratas
entre ellos al Duque de Alba, entonces gobernador de Milán quien intervino ante Felipe II
para que la llamara como dama de su tercera esposa Isabel de Valois. A pesar de no
ser de la alta nobleza tenía unas cualidades como el que supiera tocar música y sobre
todo pintar, además de hablar italiano, como la futura reina Isabel .
A España llegó Sofonisba con 24 años, en 1559 y se dedicó especialmente a enseñar a
pintar a Isabel aunque también a pintar retratos de la familia real pero al no cobrar por
ellos individualmente (cobraba por ser dama), no están firmados. Pintaba cuando podía
y a veces era ayudada por Sánchez Coello.
Pintó a la hermana del rey Juana de Austria y al príncipe Carlos entre otros y también
algunos autorretratos. A la muerte temprana de Isabel siguió luego con sus hijas y con
la cuarta esposa del rey, Ana de Austria hasta que le llegó la edad de casarse.
5. En total estuvo en España 14 años. Volvió a Italia en 1573 (con 38 años) casada con el
marido que le habían buscado en la corte, Ferdinando de Moncada, de una buena
familia siciliana. Pero 1578 enviudó y regresó a Lombardía donde conoció a un genovés,
Oracio Lomellini, y se casó con él y se fue a Génova donde siguió pintando. Desde
1615 con (80 años) residió en Palermo hasta su muerte con 93 años.
Su llegada a la corte española truncó su brillante carrera. En sus retratos españoles se
tuvo que atener a las rígidas reglas que imperaban sobre la imagen del rey y familia, sin
libertades creativas. Su cargo era más importante que su labor como pintora. No
obstante muestran su gusto por el detalle y una gran percepción psicológica que
atenúa la distancia y contención de los Austrias españoles así como una atmósfera
envolvente y tamizada. Pero no consiguió superar sus obras anteriores de Cremona.
En Italia se dedicó a la pintura religiosa, abandonando el retrato, siguiendo al pintor
Luca Cambiaso, quien fue llamado por Felipe II a trabajar en el Escorial por poseer un
estilo del gusto de la corte y capacidad para llevar los preceptos artísticos derivados
del Concilio de Trento a ese monasterio.
Su pintura fue codiciada por su calidad y rareza, por ser mujer. Sin embargo a su
muerte ya en España había sido olvidada. Al no ser pintora oficial no firmaba retratos por
lo que lo que los que posee El Prado se les ha venido atribuyendo a pintores como
Pantoja de la Cruz o Sánchez Coello. Han sido recientes investigaciones las que van
aclarando su autoría.
El total de sus obras hoy en día quizás no alcance a la cincuentena pero seguramente
ese número seguirá ampliándose.
CUADROS
Caterina van Hemessen: Autorretrato con caballete. 1548 (11 años).
Éste es el el modelo que inició la pintora flamenca Caterina van Hemessen, primera
pintora del renacimiento que se autorretrató de manera explícita, seis años antes que
Sofonisba: joven discreta ,tímida, con la mirada dirigida al espectador . Este retrato
tuvo gran repercusión por lo que cabe pensar que Sofonisba lo conocía cuando pintó su
autorretrato, de parecidas características.
6. La hermana con hábito de monja. 1551.(16 años).
Es la primera pintura que se tiene de ella. Parece ser su hermana Elena que entró de
monja. Fondo plano, sin referencia espacial, color de hábito anunciando a Zurbarán
que contrasta con el fondo oscuro. Todo conduce la mirada hacia la beatitud del
rostro. Libro de las Horas en la mano.
Autorretrato. 1554 (19 años).
Sigue las características del de Caterina, ella se toma como modelo para evitar
suspicacias si pintara a varones. Además así no necesitaba salir del taller de su padre.
Modesta, seria y bella, ropa sencilla, culta y virtuosa con un libro que puede ser un
pequeño volumen de poemas, típico de la época o un devocionario. Lo aprovecha para su
firma. Concentra su impacto en el rostro y la intensa mirada.
Composición derivada de los modelos nórdicos importados por el renacimiento
italiano: pose en ¾ mostrando solo el busto y quizás una mano.
La Partida de ajedrez, 1555 (20 años).
Escena familiar y cotidiana con sus hermanas, considerada como su mejor obra. Se
identifican a su hermanas Lucia,Europa y Minerva (iz-dcha), junto a la sirvienta familiar
.Inscripción: “ex vera efigie” o sea que se basó en bocetos o pinturas anteriores. La
sirvienta la situó donde ahora el árbol y luego rectificó, de ahí que esté como apretada.
7. Muestra una de las actividades de las mujeres cultas de la época, junto con la lectura y
la música. El fondo es inventado según modelos clásicos. En 1566 Lucia y Minerva había
ya muerto. Este cuadro bien posicionado en su casa familiar serviría también como
recuerdo.
Aguda observación de la realidad y capacidad de invención. Se recrea en la textura
de las telas de vestidos y tapete, ¿quizás fue bordadora también como la mayoría de
las mujeres de entonces? No parece lógico trajes tan lujosos en una escena así, sólo para
demostrar lo que podía conseguir. Ahí vemos una característica de su pintura , la
diligenza, o sea la finura, lo cual no le correspondía a ella sola sino a otros artistas
famosos de la época Sánchez Coello en España, en contraste con la de bravura que
realizaban otros pintores italianos como Tiziano y Tintoretto, de pinceladas sueltas y
dinámicas. Aunque en esta pintura se observa que no todo está hecho con perfección
sino que quedan zonas poco acabadas (corpiño niña dorado, desaparece a los lados,
hilos de oro de trajes cuando no brilla casi desaparecen, puños traje , paisaje de
fondo..)
Autorretrato en miniatura.1556 (21años).
Es lo que se denominaba un “naipe” en la España de la época, montado en metal se
convertía en un colgante para uso personal como indumentaria. Tiene una leyenda que
dice”La doncella Sofonisba Anguissola representada por su propia mano ,desde un
espejo, en Cremona.” Así declara su autoría y lugar de creación. El monograma deriva
del método publicado por Battista Palatino para juntar todas las letras de una palabra en
figura armoniosa y legible. Tiene todas las letras de “Amilcare”, nombre de su padre, el
cual era su protector y garante de su virtud (le buscaba un buen matrimonio para salir de
sus estrecheces económicas). El clípeo (redondo) se interpreta con un doble significado:
oculta su espíritu y su cuerpo tras el nombre de su padre-protector y también que la
pintura está hecha mediante un espejo.
8. Autorretrato tocando la espineta. 1556 (21 años).
Deteriorado en su mano izq. Podría ser también su hermana Lucía. Es un modelo de
feminidad cortesana, la música y la danza eran virtudes que debían adornar a la mujer
ideal de la corte guardadora de su honestidad (se llamaba “virginal” a los clavecines de la
época por la actitud decorosa al tocarlos). Junto con Caterina van Hemessen Sofonisba
contribuyó a una nueva imagen femenina activa, cultivada y capaz que luego
influyó en Lavinia y otras.
Autorretrato ante el caballete. 1556 (21 años).
De altísima calidad, parecido al anterior. Sigue los cánones de Caterina pero aquí indica
que está pintando una pintura religiosa lo cual tiene más categoría que los simples
autorretratos, es pues pintora de invención, de más categoría que simple imitación o
copia.
9. Bianca Ponzoni .1557 (22 años (su madre).
Contrasta con la sobriedad de sus autoretratos. Es suntuoso, imagen aristocrática y
poderosa. La madre vestida con todas sus joyas. Da un brillo al vestido que lo hace casi
táctil .En la mano un quitapulgas de piel de marta, elemento nórdico. Rostro muy
expresivo suavemente modelado según costumbre lombarda aunque el cuerpo está mal
proporcionado, típico de ella ya que nunca pudo formarse en el desnudo, al igual que el
sillón, que se separa de la robusta figura femenina, lo que es coherente con su formación
en retratista y pequeñas obras devocionales. Influencias de su maestro Campi en los
detalles del vestido y joya y también de Correggio en el sfumato. Su firma aparece
debajo del reposabrazos.
10. Autorretrato.1558-9 (23-4 años).
Papel. Sobre el hombro dcho., una inscripción “Sofonisba Anguissola hija de Amilcare se
pintó a sí misma 1558”. De alta calidad, composición parecida a los modelos milaneses:
casi de frente, grandes ojos dirigidos al observador.
Vieja que estudia el alfabeto y provoca la risa de una joven.1555-58 (20-23 años).
Se contrapone con otra obra en donde muestra el llanto de un niño (su hermano) mordido
por un cangrejo. Son los dos únicos dibujos conocidos. Expresan pues las dos
emociones contrarias, risa y llanto. Influencia de su aprendizaje en el taller de su
maestro Campi, donde asimiló sus enseñanzas sobre la importancia de la observación
natural y la representación de escena populares, de influencia flamenca. Ambas
demuestran sus dotes como observadora del natural y expresiones humanas que luego
fueron limitadas por los condicionantes del decoro, dedicada al retrato cortesano. La
primera fue enviada a M.Ángel quien la valoró y pidió que hiciese otra estudiando los
gestos, de ahí la del niño llorando.
11. Parece ser que este dibujo influyó más tarde en la famosa obra de Caravaggio “Niño
mordido por un lagarto”
.
12. Retrato de familia,1558 (23 años).
Obra maestra e inacabada. Realizada antes de su venida a España. Están su hermana
Minerva, su padre Amilcare y su hermano Asdrubale. Sin concluir, se puede apreciar
en la parte baja del vestido de Minerva y en el rojo de Asdrubale, abocetado. Quizás
las partes que requería más trabajo le interesaban menos. Deja ver su forma de pintar a
base de diversas capas de preparación que remata en superficie minuciosamente,
fórmulas tomadas de la pintura veneciana seguidas por sus maestros a quienes supera
en profundidad psicológica y composición.
Composición muy compleja, padre mirando al espectador serenamente, a la izquierda
su hija Minerva quien observa a su hermano Asdrubale y este a su vez a su padre,
estableciendo un vínculo familiar. Además se puede interpretar como una declaración
explícita de la continuidad dinástica en esas manos unidas de padre e hijo varón.
Paisaje onírico de tipo flamenco y gotizante, de tonalidades azuladas. Hay zonas
inacabadas (mano Asdrubale, parte inferior izq.) lo que indica que sería una obra
doméstica, no de encargo.
Bernardino Campi retratando a Sofonisba. 1559 (24 años).
Bernardino fue maestro de ella y de su hermana Elena en Cremona entre 1522-1591.
Aunque la mayoría de los estudiosos se la adjudican a ella algunos difieren y creen que
la hizo el propio Campi por algunos detalles: ojos más pequeños, vestimenta distinta,
paleta más cálida, pincelada más fundida con menor precisión en la representación de los
13. tejidos, rostro más redondeado. Cuando se pintó el cuadro ya Sofonisba hacía diez años
que dejó de ser alumna de Campi. Quizá éste quiso representarse con su mejor alumna.
Giulio Clovio.1556 (26 años).
Miniaturista croata. Recibió enseñanzas suyas. Sobria vestimenta sobre fondo oscuro,
sentado en una silla de tijera frente a una mesa cubierta con tela verde y sostiene en una
mano un pincel y en la otra un pequeño retrato femenino ovalado que algunos creen
que es de Levina , hija y discípula de Simon Bening, último gran miniaturista flamenco
aunque siendo él miniaturista y mostrando ese cuadro con pincel parece querer decir que
lo está haciendo él mismo (está inacabado).Tambien podría ser la propia Sofonisba, que
fue discípula suya. En un juego de espejos estaría mirándola mientras la pinta (tiene al
lado pinceles)
.
Massimiliano Stampa, III Marqués de Soncino. 1557.(27 años).
Anillo en la mano dcha. y espada: noble. Torpeza en la recreación espacial aunque
meticuloso estudio fisonómico y profunda indagación de las emociones.
Seguramente fue encargo de la familia para conmemorar el día que fue nombrado
marqués, justo a la muerte de su padre. Encargado a Sofonisba por las relaciones de su
familia con la familia del marqués.
14. Pietro Manna, médico de Cremona. Lucia Anguissola (hermana de Sofonisba.).1557
Es la obra más importante de la hermana de Sofonisba, tiene parecida forma de pintar
influidas las dos por la pintura lombarda del momento. Sostiene la vara de Esculapio,
que junto con su indumentaria identifica a los galenos. Lucia fue formada
principalmente por Sofonisba pero realizó muy pocas obras ya que murió pronto, lo
que seguramente le impidió llegar a ser tan importante como su hermana. Alguna torpeza
de perspectiva (brazos) pero muy detallista y profundidad psicológica así como
representación muy real y amenazante con ojos tan penetrantes como los de la figura
humana.
Retrato de anciano.1557-8 (27 años).
Por el birrete es un posible clérigo o doctor. Mirada penetrante, presentado como otros
cuadros de la pintora de esa época. Interés en representar el dibujo de la tela.
15. Giovanni Battista Caselli, poeta de Cremona. 1557-8.(27 años).
Se le identifica por lo que pone en el libro “Rime de Casellio”. Fue poeta famoso
entonces en Cremona y su retrato le fue encargado a Sofonisba para incluirlo en una
galería de hombres ilustres particular. Por el color, composición y estructura se le
relaciona con el anterior, pintados en fechas parecidas. Sentados en su estudio, pocas
referencias espaciales. Bien descritas con realismo los libros y las manos y cabeza.
Buen dibujo y hondura psicológica, involucrando al espectador. Interrumpe su trabajo de
loa a la Virgen con Niño y S.Juanito del cuadro de la pared. Originalmente el poeta
estaba vestido con ropa sencilla de casa pero se repintó para convertirlo en S.Pedro y
como tal se le identifica cuando lo adquirió el marqués de Leganés a mediados del XVII.
La esfera armilar estaba tapada por un crucifijo.
Medalla conmemorativa de Sofonisba. (1559).(28años).
Encargada por su gran éxito social de convertirse en dama de la reina Isabel de
Valois. Con sujeción para colgarla de un aparador. A partir de la 2ª mitad XVI en Italia
se dio la costumbre de hacer medallas conmemorativas de mujeres artistas , algo que
ya se venía haciendo con los hombres. Esta fue la primera y realizada en plomo, bajo
costo y gran difusión ya que se consideraba a la mujer artista como una rareza a admirar.
La muestra según modelos clásicos y a diferencia de sus autorretratos más sobrios ya
16. no lleva corpiño cerrado sino cuello abierto, al estilo veneciano, quizás como
componente de la corte aunque sin ostentación: no lleva joyas. No hace a alusión su
nueva condición de dama real sino sólo a su padre lo que indica que iba dirigida a un
círculo restringido, familiar y local. En el reverso no hay nada lo que indica que fue hecha
para colgar en algún mueble.
Isabel de Valois sosteniendo un retrato de Felipe .1561-65 (26-30años). Influencia de
un retrato de Tiziano de la madre de Felipe II, la emperatriz Isabel de Portugal.
También como aquella se presenta con complicado vestido, con cola ( una vez se le
enganchó en coche caballos y la arrastró). Rico vestido con diamantes y perlas y
trenzados de oro y plata. La aparición de la miniatura de su marido se asocia a la
representación en su nombre en la conferencia de Bayona de 1565 con su madre
Catalina de Médicis y su hermano rey de Francia, Carlos IX para solicitar el apoyo de su
madre, regente de Francia, frente a los protestantes. Junto a ella hay una columna de
jaspes, símbolo del linaje de Felipe II, de la casa de los Austrias. Este retrato sirvió de
modelo a otras pinturas de otros autores y para el grupo escultórico orante del
Escorial.
17. .Doña Juana de Austria y una niña Atribuido a Sofonisba. 1561 (26 años).
Hija de Carlos V y hermana de Felipe II. Sostiene un abanico y en el pecho un camafeo
con la efigie de su padre. Posee las características del cuadro de la corte austríaca:
sobriedad, distancia, severidad y gravedad. En contraposto la figura, en primer
término. Heredó de su padre una prominente nariz por lo que en los retratos procuraba
que se la disimularan. Quizás aquí se llegó a un equilibrio entre verosimilitud y
disimulatio. La niña es difícil identificar, quizás alguna de sus damas o hace referencia a
las jóvenes que ingresaban en el monasterio de las Descalzas Reales, fundado por ella.
Por la técnica empleada no está claro que sea de Sofonisba aunque sí que hay algunos
rasgos suyos. Quizás elaborado por Sofonisba y concluido por Sánchez Coello.
18. Sánchez Coello o Sofonisba . Joven desconocida. 1567-70 (32-35 años)
No se conoce la identidad de esta joven aunque por su apariencia parece ser una
compañera de Sofonisba en la corte. Lleva ropa de viaje, con forrado de piel. Primero se
pensó en una de las hijas de Felipe II, se descartó. Representa el ideal de belleza de la
época: ojos grandes y almendrados, piel anacarada, sonrosados pómulos, boca
pequeña con comisuras algo levantadas. María Kusche la atribuyó a Sofonisba junto
con tres retratos más aunque la autora del catálogo de la exposición ve más cercana la
posibilidad de atribuirla a Sánchez Coello por entre otros detalles, no poseer la caligrafía
minuciosa de Sofonisba. Sería pues una dama de corte retratada quizás en busca de
candidato para matrimonio.
Magdalena Girón Osuna (atribuido a Sofonisba). 1568 (33 años).
Hay varias hipótesis de quien podría ser su autor. Una dice que sería atribuible a
Federico Barocci aunque se trata de una dama de corte, compañera de Sofonisba y lo
más probable es que sea obra de ésta. Hay varias características como la golilla, que se
parece a las que ha dibujado en otros cuadros, por lo que se presenta en esta exposición
por primera vez como de Sofonisba. Hay una inscripción que la identifica como dama
española. De ella se enamoró el hijo del duque della Rovere y este retrato se lo llevaría
consigo cuando su padre se enteró y reclamó su vuelta a Italia.
19. El príncipe don Carlos vestido de blanco. Taller de Sánchez Coello según
Sofonisba. 1568 . (33 años).
El malogrado príncipe encargaría este cuadro a Sofonisba cuyo original se ha perdido
y en el que Sofonisba dulcificaría su rostro y disimularía su columna torcida con
anchos ropajes. El retrato se hizo a finales de 1567 poco antes de ser enviado a prisión
por su padre Felipe II acusado de traición. Viste como caballero del Toisón en el tercer
día capitular dedicado a la Virgen. Sofonisba hizo el original y luego se dio a Sánchez
Coello para que hiciese varias copias a repartir entre los escasos afectos al príncipe. En
agradecimiento por lo bien que lo había retratado el príncipe regaló a Sofonisba un
anillo con un gran diamante. Del original hoy no se sabe dónde puede estar.
Joven dama (atribuido a Sofonisba). 1570 (35 años).
Durante el reinado de Felipe II se puso de moda la realización de pequeños retratos
para mantener en entornos íntimos y en los que los pintores desarrollaban sus
habilidades para reflejar con exactitud los rasgos del retratado. Había en varios formatos:
naipes, láminas de cobre, tablas.. Debían mantener una elegancia formal con el sujeto
de ¾ del rostro, correcta iluminación preferentemente frontal para evitar sombras,
tal como aconsejó Sofonisba ya mayor a Van Dyck cuando la visitó en Sicilia. Se
utilizaban también para enviar a las familias de las damas para buscarles
pretendientes. No se sabe si pertenece a Sofonisba aunque por la elegancia del
tocado y joyas se supone que era una dama de Isabel de Valois. Se caracteriza por un
peinado trenzado de cabello rojo y un especial interés en la filigrana del cuello. El rostro
es cuidado con suaves transiciones cromáticas como hacía Sofonisba aunque el cabello
con vivos toques de pincel recuerda a Sánchez Coello
20. Felipe II . 1573 (38 años).
Lo realizó justo antes de volver a Italia. Sustituye su imagen bélica de S. Quintín
por la de un rey en la intimidad para uso privado y familiar. Diferentes texturas dentro
del negro típico del traje cortesano español de la época Tuvo bastante repercusión y
se hicieron varias copias. Recortado en ¾ sobre fondo neutro, vestido de negro como
solía, con espada y el toisón colgando con una cinta. Rosario en mano izq. como
símbolo de su defensa del catolicismo. Denota distancia, sobriedad, adusted, poderío.
21. La reina Ana de Austria. 1573 (38 años).
Cuarta mujer de Felipe II.Viste de de diario, sin joyas. Collar quizá de calambuco o
ámbar, a lo que era muy aficionada. Estaba ya embarazada del infante Carlos Lorenzo y
hace pareja con el retrato de su marido pintado en las mismas fecha. Imagen idealizada
de la reina obviando una verruga en una de sus cejas o aminorando su ligero
prognatismo. También representó a las infantas y al príncipe heredero como despedida de
la corte española. Parece ser que Sofonisba y la reina se llevaban bien y aquella la apoyó
para su matrimonio.
22. Infantas Isabel Clara Eugenia y Catalina Micaela con tití. 1573. (38 años).
Antes de marcharse retrató también a las hijas de Isabel de Valois. Vestidas con sayas
negras y lechuguillas de encaje. Micaela lleva un mono tití, mascota que como pájaros y
otros animales también aparecen en otros cuadros de la corte. Éste está comiendo, frente
al hieratismo de la infanta.
La reina Isabel de Valois, tercera esposa de Felipe II. Juan Pantoja de la Cruz
(atribuido), según Sofonisba. 1605.
Retrato cortesano donde Isabel va vestida de gala con joyas. Lleva una cabeza de
marta de orfebrería en las manos, lo que aludiría a la necesidad de un nuevo hijo varón
ya que el príncipe Carlos tenía una salud muy inestable. La marta es familia de la
comadrejas (fecundidad). El realizado por Sofonisba iría destinado a la Galería de
Retratos del Palacio Real de El Pardo. Se perdió en el incendio de 1604 pero hubo
varias copias No es segura la atribución a Pantoja por el estudio de la preparación de la
obra.
23. PINTURA RELIGIOSA
En estas obras Sofonisba depende de modelos ajenos, son obras de mediana o
pequeña factura que indican su carácter privado, para oratorios particulares. Su tema
más frecuente es la de la Sagrada Familia, donde repite las composiciones de
Boccaccino a la vez seguidor de Parmigianino, con acentos rafaelescos.
Especialmente en Génova son amables e intimistas siguiendo a Luca Cambiaso
(pintura contrarreformista), con iluminaciones contrastadas y sugestivos nocturnos.
La Piedad. 1574-85 ( 40-50 años).
Es poco amiga de representar escenas de la Pasión sino más de tipo mariano y
sensibles y emocionales. Ésta reproduce en miniatura la parte central de un cuadro de
otro de sus maestros Bernardino Campi.
Composición piramidal derivada de la Pietat de M.Ángel con otras características como
esa cabeza abandonada de Cristo (Bramantino).
La de Sofonisba está mejor adaptada que el original a la estética contrarreformista
simplificando la escena y dotándola de sensiblidad más amable (alargamiento de
figuras, paisaje con nubes no borrascosas, suavidad de rasgos (musculatura
Cristo).
24. La Virgen de la Leche. 1588. ( 53 años).
Pertenece a su etapa genovesa donde sigue las directrices del pintor Luca Cambiaso.
Con estética contrarreformista de sensibilidad íntima y emocional. Este cuadro parece
que tomó como modelo otro perdido de Cambiaso. Personajes sobre fondo negro
(quizás huída de Egipto). Apariencia triste de María (prefigura la Pasión) contrasta con
la actitud natural del niño. Perfiles más esfumados que los de Cambiaso. Dominio del
desnudo en figuras infantiles.
Desposorios místicos de Sta. Catalina. 1588 (53 años).
También de su etapa genovesa, siguiendo a Cambiaso. Matrimonio místico de Sta.
Catalina de Alejandría (s.IV) con el Niño Jesús, según la Leyenda Dorada de
Vorágine. Aquí Jesús cobra gran protagonismo, ya es mayorcito -6 años- , apoyado en
María –figuras alargadas- mientras mete el anillo matrimonial en el dedo de la santa.
25. Curiosa la actitud de la anciana que no presta atención a la escena sino que se dirige a
María con preocupación. No se sabe bien por qué esa figura ni el niño tan mayor,
quizás alguna historia dentro de la literatura devocional del momento. Sofonisba
estaba limitada para la invención por lo que se servía de pinturas ajenas. En cuanto a la
composición, color, modelos, iluminación, etc. la obra podría ser de Cambiaso y así
llegó a creerse. Nada se supo de esta obra hasta que salió a la venta en junio de este
mismo año en la Sala Goya de Madrid.
La Sagrada Familia con Sta. Ana y S. Juanito. 1592 (57 años).
Última obra de su etapa genovesa. Enternecedora, sigue a Cambiaso –muerto ya hacía
7 años- . Atmósfera de suaves contrastes lumínicos basada en dos velas. Se
diferencia de otras obras por: cuidada factura técnica y excepcional tamaño. Quizá
también basada en otra obra de Cambiaso desconocida ya que se parece mucho a su
estilo, conectando por ejemplo con Virgen de la vela, de Cambiaso.
26. Aquí la Virgen y S.Ana se concentran en el Niño mientras S.Juanín detrás mira. S.José
aparece al fondo con una vela, como la de Cambiaso.. Elementos secundarios
reducidos al mínimo. Perro (fidelidad). Suavidad de contrastes lumínicos, de los
perfiles de las figuras, tonos pardo-violáceos (Cambiaso) y fuerte rojo en el vestido
de la Virgen.Caras y cuerpos modelados con suaves sombras.
Sofonisba Anguissola. Retrato y dibujo. Antonio Van Dyck :. 1624 (89 años). Este
pintor viajó a Italia en su juventud, desde 1621, con 22 años, a 1627. En 1624 se
encontró en Sicilia con Sofonisba quien le contó su vida como retratista. Luego él también
sería el retratista más solicitado en Europa. Dyck llevaba un cuaderno de viaje donde
iba anotando y dibujando cosas que veía que hoy se conserva en el British. Una copia
de una de las hojas es ésta que vemos aquí realizada por Hug Howard donde dibujó a
Sofonisba ya mayor y ciega. Imagen similar hizo luego en retrato donde se ve a una
señora “todavía dispuesta a pesar de su edad e interesada por sus ideas sobre la
pintura).De hecho le dio consejos sobre pintura.
27. LAVINIA FONTANA (1552-1614)
Nació en Bolonia, casi veinte años después que Sofonisba, hija de un pintor Prospero
Fontana, acomodado y reconocido con un estilo cercano a las enseñanzas del arzobispo
Paleotti (Contrareforma). Era una familia no noble pero sí con pretensiones de ahí el
nombre de Lavinia, antigua matrona romana que murió por defender su castidad,
frecuente entre las clases altas.
Como en el caso de Sofonisba nos encontramos con que en una determinada etapa de su
vida su padre comenzó a tener dificultades económicas y viendo las habilidades de su
hija se dió a potenciarlas dentro del hogar para así conseguir un prolongación del taller y
sustento de la familia. La fama entonces ya de Sofonisba amparaba la respetabilidad de
la práctica artística en la mujer .Sus primeras obras están dentro de ese estilo dulce
como las religiosas de Sofonisba en Cremona.
Se casó con Giovanni Paolo Zappi, un hombre acomodado hijo de una rica familia de
comerciantes pero sin profesión que le sirvió para tener una posición estable y decorosa,
dedicarse a la pintura y mantener a sus padres, pasando tras la muerte de éstos a ser su
tutor legar y ayudarle en su trabajo. Tuvo 11 hijos aunque sólo 3 le sobrevivieron.
Se dedicó tras su matrimonio a las composiciones religiosas y a los retratos teniendo
gran éxito especialmente con los últimos. En 1589 (37 años) ya tenía un prestigioso
taller donde practicaba la pintura religiosa en gran formato y la mitológica y el
retrato y trabajaba tanto en Florencia como en Roma. Fue muy apreciada en su entorno
28. boloñés por lo bien que representaba los rostros y los ropajes, especialmente los
femeninos, de sus personajes.
Estilo: Recoge el tardomanierismo de su padre Prospero Fontana y luego de
Bartolomeo Passerotti con la “perspectiva Passerotti”: escenario teatral que prolonga el
espacio con juegos lumínicos. Retratos sedentes con marcado escorzo y personajes
rodeados de elementos que los definen. En damas opulencia indumentaria (gusto
burguesía boloñesa). En los de grupo influencia también flamenca (cotidianiedad),
gestualidad (Passerotti) y naturalismo de los hermanos Carracci (Ludovico).
Es la primera mujer documentada titular de su propio taller pero no se dedicó a lo
normal para las mujeres pintoras de la época (flores, paisajes, pequeños retratos)sino
que realizó grandes cuadros de altar, de grupo, mitológicos con desnudos, algo
extraordinario. Pionera pues. Pero El Prado no posee ninguna pintura suya, sólo hay una
obra suya que llegó al Escorial quizá encargada por Felipe II (La Virgen del Silencio,
pag. 207) reforzando su prestigio en España.
Pero como Sofonisba, a pesar de haber sido una celebridad en su Bolonia natal luego ha
sido olvidada hasta recientes trabajos a principios de este siglo.
Retrato doble de matrimonio. 1577 . (22 años).
Está hecho en cobre, es una “picola pintura” que se desarrolló en Bolonia para regalar y
para coleccionista o cartas de presentación. Uso privado, doméstico por fácil de
transpotrar. Ambos sentados misma silla de brazos, frecuente en Bolonia. Ella rico
vestido, joyas y abanico con mango de oro. Mano iz. Incompleta. Él de ¾ , ligero escorzo,
ropa típica con espada (caballero) y perrito y clavel como símbolos de fidelidad y
amor conyugal .Cortinas que sugieren lecho conyugal.
Retrato de caballero.(Senador Orsini). 1577 (25 años).
Obra maestra juvenil. No es seguro este senador. Firmado en la silla. Bien vestido, telas
excelentes, alto rango. Suspende la lectura, es ilustrado. El libro quizás manuscrito
glosado (con aclaraciones), tintero y reloj(paso tiempo). Espacio dilatado, escena que
recoge de su padre Prospero siguiendo los grabados flamencos y de
Passerotti(gestos). Está realizado en una época a donde está alcanzando la fama.
29. Autorretrato tocando la espineta, 1577 (25 años).
Lavinia no necesita leer las notas, la música procede de su mente o memoria: es una
artista
.
Al fondo caballete en otro espacio de la estancia a donde puede y de hecho pasa de uno
a otro. Está pues indicando que alternaba ambas artes. De esta manera está siguiendo
a lo que 20 años antes hizo Sofonisba autorretratándose sosteniendo un libro tocando
la espineta y pintando. Lo cual nos indica que probablemente Lavinia conocía las
pinturas de Sofonisba. Son de los primero autorretratos conocidos que representan a
una mujer tocando música que siguen la moda iniciada por la flamenca Caterina van
Hemessen (muerta después de 1587). Con ello se adelantaron también a los pintores
varones que no se conoce que lo hicieran antes de la década de 1590. Contraste entre el
sencillo atuendo de la criada y el lujo de la protagonista.
La inscripción en latín declara que se realizó ante el espejo, tal como hacían las
antiguas pintoras recordadas por Plinio en su Naturalis historia y atestiguada por
fragmentos de frescos conservados en Nápoles, y podemos ver en este fragmento de
30. libro miniado de Boccaccio del siglo XV en donde se retrata a una pintora del s.I a.c.
vestida con ropajes medievales.
En la obra de Lavinia hay una inscripción con la fecha, su identidad e hija de Prospero
Fontana y su condición de doncella (virgo). Al parecer se realizó con motivo de su
compromiso con Giovanni Paolo Zappi y se lo dió a su suegro para que se lo entregara al
novio.
Toca quizás una canción de amor con la criada detrás con la partitura. Está en una
habitación – estudio, siguiendo modelo también de la flamenca Caterina y Sofonisba. Al
fondo hay una apertura de perspectiva (Paserotti) que le sirve para dar aire y
amplitud a la composición, crear otra fuente luminosa y demostrar las enseñanzas de
su padre y que está al día de las corrientes artísticas de ese momento en el norte de
Italia. Describe fielmente el instrumento. Demuestra su buena educación, cultura y
elegancia según los principios del buen cortesano.
A sus 25 años tenía que demostrar su valía ante sus colegas varones además de
presentarse ante la familia de su futuro esposo con esas cualidades descritas.
Autoretrato en el estudio. 1579 (27 años)
Sobre cobre. Fue realizado para enviarlo al coleccionista dominico español Alfonso
Chacón, para acompañar también al de Sofonisba que ya poseía. Por primera vez una
colección de tanta importancia incluía mujeres.
Aquí Lavinia ya era madre de dos hijos y esperaba el tercero. Ejerce su dotes de
retratista – miniaturista presentándose como humanista y estudiosa de arte-.
Apreciamos la diferencia de representarse respecto a la sencillez con que lo hacía
Sofonisba: enorme lechuguilla, pelo con muchos adornos con precisión en los detalles de
tipo flamenco . Está frente a estatuillas de tipo clásico que representa la forma humana,
era una forma de dibujar el cuerpo sin tener que hacerlo del natural. Con la enorme
cruz al cuello reafirma su cristiandad, no contradictoria con temas paganos. Lavinia afirma
así su formación cultural cimentada en las raíces del Renacimiento y al día en lo
contemporáneo. Firma ya como esposa de Zappis (Tappii), emancipada de la
dependencia paterna.
31. Retrato nacido en cuna 1583 (31 años). Sin firmar.
Tipo de cunas de moda de nuevo a finales del XIX. Esta fue reproducida en la
Exposición Universal de S. Luis, en 1906. Bebé de la familia aristocrática boloñesa
Gozzadini. Era poco frecuenta esa representación de esa edad, pero cuida de resaltar
los símbolos del estatus social:collar de perlas,columnas.. Pequeño inmóvil, algunos
creen que muerto pero poco probable por tener los ojos abiertos. A lo lejos dos mujeres
y un débil rayo de luz (típico de ella). Ya ella había tenido 5 hijos y tendría luego 6 más,
conocía bien la infancia.
Retrato de un médico. 1587 (35 años). Sin firmar.
Enmarcado según su entorno, típico de ella. Al fondo los detalles que lo definen: libros
y esfera armilar. El retratado está ofreciendo una lección al espectador señalando a un
famoso tratado de anatomía de Andrea Vesalio, que está abierto con un esqueleto:
reflexión sobre la muerte (Contrarreforma). Es un médico pero no se sabe quién
exactamente.
32. Retrato de dama con una niña (1592-95) 40-45 años. Sin firma.
Madre e hija vestidas severamente esplendorosa. Ella protegiendo con afecto y unidas
a un pequeño devocionarios, lo que indica su educación para ser dama como la madre
(católica,aristocrática,austera). Quizás viuda por el vestido negro.
Constanza Alidosi . 1595 (43 años).
Hay dos versiones de este cuadro, uno para su domicilio y quizás el otro para la casa de
campo. Fue esposa de Rodolfo Isolanni, murió a los 40 años. Gran precisión en el
rostro y suntuoso vestido. Cruz de oro (cristiana). Mesa con detalles que enfatizan
su rango, característica heredada de su padre y recogida del arte flamenco que armoniza
lo cortesano y doméstico. De Carracci recoge la naturalidad como los reflejos del
jarrón. Retrato de aparato, por ser figura entera, grande y moderno
33. Retrato de familia. 1595-1603 (43-51 años). Sin firmar.
Influencia de Passerotti (composición y gestos) y Carracci (naturalismo religioso).
Se aleja del cliché de la retratística internacional (hieratismo heráldico) para hacer un
retrato-relato siguiendo a Passerotti. Son 3 generaciones reunidas, vivos y muerto,
jóvenes y viejos, revalorizando los lazos familiares. Probablemente hecho tras la muerte
del padre, la madre la anciana con pañuelo que le encargaría el cuadro. Poca
profundidad (dos planos),apretados, mucha gestualidad (Carracci) , relato no verbal .
Difunto con perro negro (alma),viuda de luto y pañuelo de llanto protegiendo a su nieta
que viste de blanco (inocencia) con collar apotropaico (aleja los males), tiende el
devocionario al niño y ambos mano en pecho con signo en V (aleja el mal). La joven
señalando a lo alto y su compañero en actitud de presentarnos su familia. Miradas no
cruzadas, unas al espectador otras fuera de campo. Rostros melancólicos. Aquí está
experimentando buscando un nuevo lenguaje naturalista, en la línea de sus colegas
contemporáneos, para satisfacer a la burguesía local.
34. Retrato de niño con flores y granada. 1588-90 (46-48 años).
Realizó muchos retratos de niños. Desde fondo oscuro el niño avanza hacia el
espectador estableciendo un diálogo con él apoyado en las flores y la granada.
Indagación psicológica, imagen viva y cercana, lejos del retrato frío. Siguiendo a
Sofonisba capta la relación cuerpo-alma, como también Leonardo Da Vinci (ojos
grandes , media sonrisa). Rosas cerca del corazón, inocencia. Clavel, amor. Granada:
pobre en apariencia rica por dentro: hombre prudente, compasivo, etc. (muchas
virtudes) que todo niño educado debía aprender según la pedagogía tridentina. Ropaje
severo lo que manifiesta su clase social. Minuciosidad flamenca. Cromatismo derivado
de los Carracci,(eran dos hermanos y un primo : Anibale, Agostino y su primo Ludovico).
35. El arreglo de la novia. 1600-5 (48-50 años). Sin firmar.
Conocido desde 2010, mal estado con desgastes, repintes, etc. Reparado aunque
quedan zonas sin reconstruir (izquierda). Minuciosidad en los textiles, flores, joyas,
encajes. Retrato del ambiente aristocrático femenino con vivaz narrativa. Son 5
jóvenes que parecen que están vistiendo para una boda al personaje sentado. Vestidas
iguales, a la moda española de la época. En las puntas de la golilla dibuja una columna
coronada, símbolo de la casa Colonna, por lo que sería un mimbro de esta familia o
alguien que se incorpora a ella. Las flores, loro y perrito simbolizan el amor, la pureza
y la fidelidad. Vestidos rojos usados frecuentemente en las bodas. En la figura central
repite modelos como la de Constanza Aldosi: monumental y naturalista , cerca del estilo
de Carracci.
. Medalla conmemorativa de Lavinia Fontana. 1611 (52 años).
Retrato de perfil, clásico, como matrona, con pocos detalles, figura mítica que se
asocia en el reverso con su profesión de pintora. Es un emblema del reconocimiento
público cuando ya estaba en Roma recibiendo encargos del entorno del Papa. Por
delante indica su nombre y profesión y por detrás la frase”Per te stato gioioso mi
mantene”, relacionada con rimas de Petrarca (Por ti un estado jubiloso me mantiene) que
indicaría a la libertad como el bien por el cual el ser humano alcanzaría un estado de
alegría, semejante a los dioses, asimilando su inspiración artística a la creatividad
divina.
36. Cabeza de joven. 1606. (54 años).
Entre la pintura y el dibujo de su última época romana, donde se había trasladado a sus
50 años para pintar un gran cuadro sobre la lapidación de S.Esteban en la basílica de
S.Pablo Extramuros, hoy perdido por incendio en 1823. Esta joya se relaciona con ese
gran retablo probablemente porque hay una copia de aquel, donde esta cabeza se
parece a la de S.Pablo que estuvo presente según Hechos de los Apóstoles.Quizá fue
un trabajo preparatorio. Influencia de Carracci (naturalismo). Anibale Carracci pintó
varias “cabezas con carácter”, mitad naturalistas y mitad estudio de las expresiones. Éste
gozaba de bastante fama entonces en Roma.
37. PINTURA RELIGIOSA
Lavinia: Sigue a al cardenal Paleotti con la nueva sensibilidad religiosa de la
Contrarreforma: claridad e implicación emocional, lo que hizo Sofonisba en
Génova. Pero Lavinia fue más compleja superando el manierismo de su padre
haciendo “invenciones “ propias utilizando elementos de tipo rafaeliano como
Parmigianino o Correggio., a la vez que influencias flamencas en el paisaje y
detallismo vegetal.
La Sagrada Familia con Sta. Margarita y S.Fsco. 1578 . (26 años). Firmada y fechada.
Sigue los cánones manieristas de su padre Prospero Fontana. Diagonales,
protagonismo femenino. Margarita arrodillada junto al dragón (fue una santa del sigo
III-VI, en Antioquía, un demonio en forma de dragón la engulló pero ella con la cruz
consiguió salir de su panza.).
Tras la santa y la virgen S.Fsco. y S.José en penumbra, con mesa y cuna oblicuas y el
Niño en el centro, eje pral. Influencias de su padre y del clasicismo rafaelesco de
Parmigianino y Correggio. Pero concentra su atención en las enseñanzas del cardenal
Paleotti (contrarreforma) para educar e implicar emocionalmente a los fieles. ¿Por
qué S.Margarita? Santa de las parturientas porque logró salir de la panza del diablo.
Lavinia en esa época ya había tenido dos hijos malogrados y quizá esperaba otro. Otros
simbolismos: mesa=sepulcro. tela=sudario. Niño levantado= Cristo resucitado que
bendice a la humanidad. S.Fsco. representado con los estigmas según las
enseñanzas tridentinas. Enlaza la fría rigidez de la norma tridentina con una dulce
escena familiar de suaves luces, ornamentos de sabor flamenco y finura en los
velos transparentes de la Virgen y la santa y la sábana de la cuna.
38. Noli me tangere. 1581 (29 años).
Perteneciente a la familia de los Medici, seguramente un encargo de ellos. Inspirada en
el cuadro de Correggio de El Prado.
Pero siguiendo a Paleotti que defendía la verosimilitud, sigue fielmente a los descrito
en los Evangelios realzando el aspecto humano y sentimental de la narración que
está en dos parte: descubrimiento del sepulcro vacío con ángel luminoso
anunciando la resurrección y primer plano con la incrédula Magdalena
reconociendo a Xto.vestido de jardinero con sombrero. Ella se refrena tendiendo un
brazo al espectador y otro con perfumes y Él la bendice y detiene tiernamente. Paisaje
botánico (flamenco). Composición en diagonal y colores anaranjados que se precisan
en el vestido de ella. Lavinia ha despojado un asunto de énfasis y retórica y siguiendo
las enseñanzas tridentinas lo pinta de forma naturalista y emocional, como los
Carracci.
39. La Virgen del Silencio. 1589 (37 años).Firmada.
Fue un encargo de la corte española y se adecúa al estilo artístico emanado del
Concilio de Trento que consideraba a los pintores como predicadores del pueblo cuya
misión era conmover a los fieles e incrementar su fe, según Paleotti (1522-1597),
Esta obra tuvo gran influencia en Bolonia que pasó del clasicismo manierista de la
primera mitad de siglo al naturalismo. Las obras de Lavinia son representativas de esa
transición alejándose de la sofisticación compositiva y buscando la claridad y la
emoción. Obra influída por la pintura de Rafael, Sebastiano dei l Piombo y las
enseñanzas de su padre Próspero Fontana así como las recomendaciones de Paleotti.
Tuvo mucha repercusión esta pintura a su llegada a España y se reprodujo mucho,
incluso hay un bordado que la reproduce en El Escorial. Su envío a España pudo ser
por las relaciones que tenía con el ambiente español en Roma. Así pues, características
contrarreformistas , como las anteriores.
La Virgen levanta un lienzo transparente que cubre al Niño. Virtuosismo técnico.
Prefigura el sudario. S.Juanito pide silencio y sujeta una cruz (Pasión).Inscripción en la
sábana “Duermo pero mi corazón vigila”.
.
Recoge el modelo de Rafael de “La Virgen del Popolo”
40. Judit y Holofernes. 1595. (43 años).
Ambiente nocturno con luz de antorcha, cabeza de Holofernes sobre la mesa y detrás el
cuerpo mostrado por la criada que levanta la cortina. Espacio reducido a dos planos, la
oscuridad engulle lo superfluo.
.
Sigue al cuadro de Lorenzo Sabatini “Judith y Holofernes”
Pero aquí no es una mera ejecutora sino que su mirada se dirige al cielo, como
instrumento de la voluntad divina. Simbología como victoria del bien sobre el mal o
sea, del catolicismo sobre el protestantismo . Ataviada con preciosas telas iridiscentes
41. rojo-anaranjado con velos y brillantes. En el centro colgante con pavo real: generosidad
y lealtad del alma. Rostro redondo, pelo recogido, etc. que muestra la riqueza y
elegancia de la mujer de verdad. Lenguaje manierista tardío con elementos
flamencos (minuciosidad vestido), experimentación lombarda y colorismo véneto.
Consagración de la Virgen. 1599 (47 años).
Retablo de capilla encargado por la familia Gnetti. Fechado y firmado en la parte
inferior pero mal conservada esa zona. Rigurosa estructura compositiva separando
espacio terrenal y celestial, siguiendo a Paleotti. Abajo los niños y las jóvenes de la
familia Gnetti mientras son consagrados a la Virgen por S.Pedro Crisóstomo y S.
Domnino (mártir de Tesalónica). Más arriba Sta. Elena y Sta. Inés interceden por ellos a
la Virgen con Niño. Refleja clima religioso tridentino sobre la educación de los niños
para la estabilidad del mundo contrarreformista. Compungida devoción de los
jóvenes Gnetti, como modelos para los jóvenes que asistían a la escuela de la
iglesia donde estaba (Sta. María dei Servi).
Lavinia modera la rigidez tridentina con colorismo, suavidad (Carracci), indagación
psicológica (en los jóvenes) y espontaneidad. Sus vestimentas muy bien pintadas y un
S.Pedro benignamente paternal. Se aleja del manierismo de su padre para seguir a
Correggio. En el cielo cromatismo suave, tierna redondez formal y armonía.
42. LAVINIA Y LA PINTURA MITOLÓGICA
Fue la primera mujer que tuvo a su cargo un taller de pintura por lo que pudo ampliar
sus géneros más allá del retrato, bodegones o flores. Hizo varias tipologías de retratos,
pintura religiosa y paisajes de gran formato y sorprendentemente composiciones
mitológicas en las que además de demostrar su capacidad de invención tuvo que
enfrentarse al desnudo, terreno vedado a las mujeres porque entre otras cosas, no
poseían estudios de anatomía. Gracias al taller de su padre , Prospero Fontana, pudo
relacionarse con artistas que sí lo practicaban y acceder a libros y estampaciones,
así como sugerencias concretas de quienes encargaban las obras.
A pesar del dominio de las enseñanzas contrarreformistas del cardenal Paleotti, en la
sofisticada sociedad boloñesa se pudo conciliar los postulados de éste en la pintura
religiosa con los desnudos de la pintura mitológica, principalmente femeninos. Lo que
se trasladó también a Roma donde varios cardenales le encargaron también obras de
ese tipo. En estas pinturas vemos influencias de su padre y de otros (Lorenzo
Sabatini,etc.), que la dotaron de un refinado cosmopolitismo tardomanierista. Su
potente invención se demuestra en la disposición de los desnudos, joyas, transparencias
que refuerzan y estimulan la sensualidad de las anatomías. (Manierismo: Los artistas
se dejan llevar por sus gustos, alejándose de lo verosímil, tendiendo a la irrealidad y a la
abstracción. Se prefiere, en escultura sobre todo, la línea o figura serpentinata, en que las
figuras se disponen en sentido helicoidal ascendente, el manierismo significó un
progresivo abandono de la proporción de las figuras, de la perspectiva espacial, del uso
de líneas claras y definidas y de las expresiones mesuradas y dulces de los personajes
renacentistas. Colores fríos.)
Galatea y amorcillos..1590.(38 años).
Galatea, nereida (ninfa)del mar amada por el cíclope Polifemo pero rechazó su amor por
Acis, un pastor siciliano. El cíclope lo mató y Galatea transformó su sangre en el río Acis
de Sicilia. Luego terminó siendo madre de tres hijos de Polifemo Celto Illirio y Gala dando
origen a los celtas, illirios y gálatas. (Hay otra leyenda no representada aquí sobre el Rey
Pigmalión que se enamoró de una estatua y luego cobró vida.) . Recoge pues el mito de
La Metamorfosis, de Ovidio. Muestra a la diosa arrebatada por un éxtasis celestial
cercano a las visiones místicas de las santas cristianas. No hay lágrimas por su
amado Acis sino que la pinta entre la espuma con su piel blanca (Galatea en griego es
piel blanca como la leche). Está sobre el dorso de un dragón de grandes ojos auxiliada
por amorcillos y otro que señala hacia una luz en el cielo que significaría el alma humana
debe dirigirse hacia Dios. Convierte la sangre de su amado Acis en un río que desemboca
en el mar donde ella vive y así siempre estarán juntos. Escena teatral y turbulenta
“teatro de los efectos”, poética apoyada por Paleotti. Interés por la naturaleza y
animales en los detalles del monstruo (influencia del amigo de su familia Ulisse
Aldrovandi, científico que estudiaba dragones y serpientes marinas). En aquella Bolonia
había una clientela culta y sin prejuicios que aprovechaba estos temas mitológicos
para encargar desnudos especialmente femeninos. Los desnudos de Lavinia son
siempre mas explícitos que los de su padre, con componente erótico que le vienen
de la Escuela de Fontainebleau y Praga (joyas frías sobre la calidad piel, velo
transparente que apenas le cubre). Así satisfacía a una clientela que quería olvidar los
43. sermones del cardenal Paleotti y sus consejos contrarreformistas censurando este tipo de
representaciones.
Venus recibe el homenaje de los amorcillos. 1590 (38 años).
Aquí como en la anterior, Lavinia se sirve de la mitología para representar anatomías
femeninas desnudas en poses agraciadas, cuadros elegantes, sofisticados
destinados a una exclusiva clientela capaz de apreciar su exquisita factura. En esta
pose recuerda a los frescos de su padre Prospero en los frescos del Palazzo Bocchi
d Bolonia. Es una pintura sobre cobre en la que representa a Venus y a unos putti que
le ofrecen varias joyas dentro de una concha (alude al nacimiento de Venus de la
espuma del mar). Lleva cadena de oro sobre los pechos y brazo y exquisitas joyas sobre
el peinado. Su única vestimenta es un velo transparente con bordados de oro. Cama con
sábanas de seda, manta con brocado . Se la relaciona con La Virgen del Silencio (allí
niños, aquí putti profanos que presentan sus regalos a la diosa.) . Conecta con la
moda que se había impuesto en Europa de pinturas que estimulaban sutilmente las
emocionas más secretas de los espectadores. Más que al álgido y cerebral erotismo
de la escuela de Fontainebleau se orienta a los de la Escuela de Praga por su
provocadora exhibición del desnudo y la importancia de los detalles ornamentales
(joyas). Aquí no idealiza la figura sino que presenta un rostro hermoso y natural, quizás
una joven esposa o una cortesana codiciada..
44. Retrato de una dama de la familia Ruini. 1593 (41 años). Firmado.
Joven dama sobre fondo oscuro con los atributos de su posición social: suntuoso
vestido con refinadas joyas. Podría ser Isabella Ruini que dio lugar a contiendas
literarias por su belleza. Lavinia, pintora preferida de la aristocracia hace alarde de
minuciosidad flamenca en vestido y joyas e influencia de los Carracci en su
colorismo véneto. Atisbo de sonrisa y manos acariciando un perro cariñosamente, en
contra de la gélida retratística internacional. Esplendor heráldico y gracia cortesana
que indican que podría ser un encargo quizás de su marido, para colgar en su palacio.
45. Venus y Cupido. 1592 (40 años).
Parece ser la misma Isabella Ruini. Fondo oscuro con cortina como telón de fondo
Venos se presenta exhibiendo un repertorio de miradas y gestos eróticos
provenientes de la Escuela de Fontainebleau y Praga: velos transparentes con hilos
de oro que acentúan la desnudez (accesorios afrodesíacos), joyas sobre la piel, etc
. Rostro con labios turgentes, barbilla redondeada, pelo rojizo, como el retrato de
Isabella Ruini. Alegoría: bajo la semblanza de Venus está Isabella que posa desnuda
de medio cuerpo sujetando una flecha de cupido que la abraza a sus espaldas. Fuerte
potencial erótico. Busto desnudo con delicadas variacions cromáticas. Empatía íntima
entre el cliente, su esposo, y el espectador. Cuadro íntimo sólo para disfrutar en
privado, lejos de miradas indiscretas. Así Lavinia, que sigue en otros ámbitos las
enseñanzas contrarreformistas del cardenal Paleotti aquí nos presenta una de sus
pinturas lascivas hechas para una clientela exclusiva, confirmando así el principio
contrarreformista de la separación de lo público y lo privado.
.
Marte y Venus. 1595 (43 años).
Es el cuadro de mayor audacia de Lavinia en la pintura profana. No está firmado por
lo que antes se atribuyó a Veronesse o a su hijo Carletto hasta recientemente. Venus
de espaldas desnuda con joyas sentada en taburete sobre la camisa que se acaba de
46. quitar, mira al espectador ofreciéndole un narciso. Marte despojado de sus armas pero
con casco la mira intensamente y le toca la nalga acariciándosela
desvergonzadamente. En el centro jarra y dos chinelas blancas y sobre la cama Cupido
adormecido con su arco. Arriba cortinaje que cierra la alcoba.
La represenación de las nalgas femeninas, de gran impacto erótico vino por el anterior
descubrimiento de una estatua de esta diosa en Roma (principios del XV), divulgada
por algunos artistas y descrita como “de hermosas nalgas”. A Tiziano le impresionó y la
utilizó en su obra “Venus y Adonis” del Prado.
Tuvo después un éxito extraordinario en diversos artistas como Veronese que en algunas
de sus obras utiliza también las nalgas de Venus como elemento importante. Hay un
cuadro, hoy perdido, de ese pintor en donde aparecen los tres personajes y que parece
ser el antecedente directo de éste de Lavinia que se centra en el poder de atracción y
dignidad para ser representada esta parte del cuerpo femenino. Las fisionomías son
realistas, quizás la de la mujer sea alguna cortesana de cuya efigie alguien quiso hacer
un retrato para su dormitorio, quizás el hijo del Papa Gregorio XIII, Jacopo Boncampagni.
47. Minerva desnuda 1604 – 5 ( 52-53 años).
Este cuadro parece ser un encargo del arzobispo de Salzburgo Marco Sittico
Altemps. Representa a la diosa con su casco, mirada seductora . Sería uno de los
primeros trabajos de Lavinia en Roma. Influencia de Carracci en el paisaje cristalino y
sereno del fondo así como Domenichino. Podría ser un autorretrato de la propia
Lavinia pero como ya era mayor utilizaría el rostro de su hija muerta a los 16 años y
que se le parecía mucho. Todo ello se basa en un poemita encontrado de Ottaviano
Rabasco : Pero si los rasgos Celestes, formar no osas, de inmortal semblante, Tú, quien
del cielo las recibiste, finge tus formas, gráciles y santas, que no te costará plasmar a
Palas, si de la tela haces espejo de ti misma.
Minerva desnuda 1613. 61 años.
Galleria Borghese. Quizás encargo del cardenal Borghesse. Versión más grande y
ambiciosa que la anterior pero menos fresca y desenvuelta. Pérdidas sufridas en la
textura original. Aquí Minerva, diosa griega de la guerra deja sus emblemáticas
armas, objeto de juego para eros, para convertirse en Venus. De forma pedagógica
nos ofrece Lavinia todos los símbolos de la diosa (lechuza,laurel, coraza, escudo,
lanza, etc.) mientras que en la anterior hay más sensualidad, frescura y facciones
más dulces e insinuantes del cuerpo desnudo.