U.D.C.A: 20 - El arte en la historia del cine

CENTRO DE ARTE Y CULTURA
DIFUSIÓN CULTURAL
PROGRAMA FORMAR CULTURA ARTÍSTICA UNIVERSITARIA
LA HISTORIA VISTA POR…
EL ARTE EN LA HISTORIA DEL CINE
ZULEMA HANI A. CARLOS E. RODRÍGUEZ ARANGO
Coordinadora Programa Difusión Cultural Coordinador Centro de Arte y Cultura
El cine compendia y se basa en todas las artes. Sin la literatura, la fotografía, el dibujo, la pintura, la escultura, la
arquitectura, la música, la danza, la luz o el color no podría expresarse en su plenitud. Sin las ciencias, la física y la química,
la tecnología o la informática, el cine no tendría base material en que sustentarse.
El cine, tiene una trascendencia inmensa, marca pautas de comportamiento social y juega un papel determinante en la
sociedad. Ha significado una verdadera revolución en las artes, la cultura y el pensamiento de la especie humana.

EL ARTE EN LA HISTORIA DEL CINE
DIFUSIÓN CULTURAL

DIFUSIÓN CULTURAL
Louis Le Prince, proyectó las primeras imágenes en
movimiento en una película de papel con una cámara de
lente única. Ha sido mencionado como “el padre de la
cinematografía”, desde el año 1930.
Louis Le Prince, inventor de las imágenes en
movimiento
LOUIS LE PRINCE
EL PADRE DE LA CINEMATOGRAFÍA

DIFUSIÓN CULTURAL
Desapareció misteriosamente de un tren el 16 de
septiembre de 1890. Su cuerpo y el equipaje nunca fueron
encontrados.
La policía encontró una fotografía de un hombre ahogado
que podía haber sido él. La desaparición de Le Prince
permitió a Thomas Edison, conquistar el crédito por la
invención del cine.
Cámara de proyector de cine abierta.
(Science Museum, London, 1930).

En 1888, la ciudad de Leeds, Inglaterra, se volvió parte de la
historia del cine como el lugar donde las primeras películas
fueron realizadas. Fue el lugar donde Louis Aimé Augustin
Le Prince, demostró con éxito su invención por primera vez
y realizo las primeras imágenes en movimiento de la
historia.
DIFUSIÓN CULTURAL
Roundhay Garden Scene, es un cortometraje breve filmado por el
inventor francés Louis Le Prince el 14 de octubre de 1888 en el
jardín de la casa de sus suegros en Leeds.

DIFUSIÓN CULTURAL
Le Prince filmó secuencias de imágenes en movimiento:
“Roundhay Garden Scene” y “Leeds Puente”, escena de la
calle con la sola lente de la cámara y la película de papel
Eastman.
Estas secuencias fueron elaboradas antes que
aparecieran los inventores Auguste y Louis Lumière y
Thomas Edison.
Leeds Bridge

DIFUSIÓN CULTURAL
El cine considerado una atracción menor, cambió su
imagen cuando George Méliès usó todos sus recursos para
simular experiencias mágicas, creando rudimentarios
pero eficaces efectos especiales. El cine ha desarrollado
el lenguaje cinematográfico, creando los géneros y
surgiendo así distintos movimientos cinematográficos.
Ilustración de Georges Méliès, similar a la reproducida por el autómata en el filme
PRIMEROS PASOS DEL
CINEMATÓGRAFO

La idea de capturar el movimiento por medios mecánicos
es muy antigua. Existieron antecedentes en la cámara
oscura, o el taumatropo. La técnica para captar la realidad
por medios luminosos había sido ya desarrollada por los
inventores del daguerrotipo y la fotografía, a mediados del
XIX.
DIFUSIÓN CULTURAL
Ilustración de Georges Méliès, similar a la reproducida por el autómata en el
filme

DIFUSIÓN CULTURAL
Desde 1830, los experimentos ópticos como el
fenantiscopio, el zootropo y el praxinoscopio, se
diseñaron para demostrar o explotar el
fenómeno físico de la persistencia de la visión.
John Paris utilizó su taumatropo en 1824 para
demostrar este efecto en el Real Colegio de
Físicos.
El Zootropo fue inventado por el
matemático William George
Horner (1786-1837) que ideó una
tira de papel con dibujos que
colocados en el interior de un
tambor giratorio provisto de
pequeñas hendiduras permitía
ver los dibujos en movimiento.
Thomas Alva Edison, inventor de
la lámpara incandescente y el
fonógrafo, estuvo muy cerca
también de inventar el cine, al
patentar el kinetoscopio creado
en su laboratorio por William
Dickson, el cual, sin embargo,
sólo permitía funciones muy
limitadas.

DIFUSIÓN CULTURAL
Méliès, un prolífico innovador en el uso de efectos
especiales, descubrió accidentalmente la sustitución del
stop trick ("truco de parar"), en 1896, y fue uno de los
primeros cineastas en utilizar múltiples exposiciones, la
fotografía en lapso de tiempo, las disoluciones de
imágenes y los fotogramas coloreados a mano.
Fotograma de Le Voyage á Travers de L´Impossibe, 1904
GEORGE MÉLIÈS
EL MAGO DEL CINE

DIFUSIÓN CULTURAL
Gracias a su maestría para emplear y transformar la
realidad a través de la cinematografía, Méliès es recordado
como un «mago del cine". Dos de sus películas más
famosas, “Viaje a la Luna” (1902) y “El viaje imposible”
(1904), las cuales narran viajes surreales y fantásticos,
inspirados por Julio Verne, son contempladas entre las
más importantes e influyentes del cine de ciencia ficción.
Fotograma de el viaje a la luna (1902)

Méliès fue también un pionero del cine de terror con su
temprana película “Le Manoir du Diable” (1896).
DIFUSIÓN CULTURAL
Le Manoir du Diable (1896).

DIFUSIÓN CULTURAL
“La invención de Hugo” es un magnifico viaje a la luna de
los sueños cinematográficos que actúa como una
transcripción de la belleza de contar historias y revivir las
fantasías que habitan en la mente.
Hugo
HOMENAJE AGEORGE MÉLIÈS
“HUGO”

DIFUSIÓN CULTURAL
La historia nos llevará por un fantástico viaje a través de la
historia del cine y la literatura para descubrir la identidad
real de George Méliès, el director de cine francés, autor de
“Le Voyage Dans La Lune” (Viaje a la Luna), de 1902.

DIFUSIÓN CULTURAL
Sin pretender desvelar ninguna intriga, hay que referir que
La invención de Hugo comienza contando la vida de Hugo
Cabret, un niño que vive escondido en los rincones
impenetrables de la estación de tren de París y que busca
las piezas necesarias para arreglar un viejo autómata, una
figura mecánica que su padre fallecido trágicamente, ha
dejado sin restaurar.
Hugo con el autómata

Hugo sobrevive robando comida y escabulléndose del
inspector jefe de la estación hasta que conoce a Isabelle,
empedernida lectora y amante de la aventura, que ayudará
a Hugo a resolver el enigma del autómata descrito en una
pequeña libreta que ha tomado su papá George, el viejo y
amargado propietario de la tienda de juguetes de la
estación.
DIFUSIÓN CULTURAL
La invención de Hugo es una dedicatoria al autor
de la novela, Selznick, que Scorsese, evoca con
maestría.

DIFUSIÓN CULTURAL
A partir de 1892, los hermanos Lumière comenzaron a
fotografiar imágenes en movimiento.
Crearon el cinematógrafo, un aparato que servía como
cámara y como proyector. Este proyector estudiaba el
efecto de las imágenes sobre el ojo humano.
El 13 de febrero de 1894, fue patentado y en el mismo año
se rodó la primera película, exhibiéndola al año siguiente
en París: “Salida de los obreros de la fábrica Lumière en
Lyon Monplaisir”, en una sesión de la Société
d'Encouragement à l'Industrie Nacional
Los Lumière
LOS HERMANOS LUMIÉRE
PADRES DEL CINE

DIFUSIÓN CULTURAL
El 28 de diciembre de 1895, el cine fue oficialmente
inaugurado como espectáculo en París, en el Salón Indio
del Grand Café, en el número 14 del bulevar de los
Capuchinos de París donde se proyectó la primera película
cinematográfica de la historia.
Allí los escasos asistentes tuvieron ocasión de admirar
varias escenas grabadas por los hermanos Lumière, entre
ellas la célebre “Llegada de un tren a la estación Ciotat”.El público que asistía por primera vez en la historia a la magia
cinematográfica salió corriendo por el pánico al ver que se les
lanzaba un tren encima. La imagen de la locomotora en marcha, habría
de convertirse en una acertada metáfora del progreso de un nuevo
arte, que se encargaría de desmentir el frio vaticinio de sus autores:
"El cine es un invento sin futuro".
LA PRIMERA PROYECCIÓN
CINEMATOGRÁFICA DE LA HISTORIA

DIFUSIÓN CULTURAL
El 28 de diciembre de 1895 en París, se oficializa el inicio
del cine en el Salón Indien du grand café, donde se
proyectan las cintas “Llegada de un tren a la estación de
la Ciotat” o “El regador regado”.
El cine comenzó su historia a modo de documental, como
testigo objetivo de la vida cotidiana.
Fotograma de La llegada de un tren a la estación
AUTOCHROME
LUMIÉRA

DIFUSIÓN CULTURAL
En 1907 se pusieron a disposición del público en general los
primeros materiales comerciales de película en color.
Consistían en unas placas de cristal llamadas Autochrome
Lumière en honor a sus creadores, los franceses Auguste y
Louis Lumière. En esta época las fotografías en color se
realizaban con cámaras de tres exposiciones.
Imagen por Louis Lumière, Autochrome 1907

DIFUSIÓN CULTURAL
La primera película muda fue creada por Louis Le Prince en
1888. Era un filme de dos segundos que mostraba a dos
personas caminando alrededor de “El jardín Roundhay”.
Después del estreno de la película “El cantante de jazz”, las
películas habladas fueron cada vez más habituales y diez
años después, el cine mudo prácticamente había
desaparecido.
Primera película con diálogos sonoros que utilizó el
sistema sonoro "Vitaphone" (grabación de sonido
sobre un disco). A partir de ese momento, el cine
cambia de manera radical, excepto con algunos
directores de cine nostálgicos de un cine mudo que,
según ellos, se bastaba a sí mismo. Desde entonces,
las comedias musicales se multiplicaron.
LA EDAD DE PLATA
HISTORIA DEL CINE MUDO

DIFUSIÓN CULTURAL
El arte de la cinematografía alcanzó su plena madurez
antes de la aparición de las películas con sonido. El cine
mudo no podía servirse de audio sincronizado con la
imagen para presentar los diálogos, por esta razón, se
añadían títulos para aclarar la situación a la audiencia o
para mostrar conversaciones importantes.
El escritor de títulos se convirtió en un profesional del cine
mudo, hasta tal punto que a menudo se le mencionaba en
los créditos al igual que al guionista. Intertítulo del film El nacimiento de una nación (1915), de D.W.
Griffith. Los intertítulos constituyeron un recurso de primer
orden en el cine mudo donde fueron profusamente utilizados para
transcribir los diálogos. El primer uso conocido de intertítulos
data de 1901, del film británico Scrooge, o el espectro de Marley.
LOS
INTERTÍTULOS

DIFUSIÓN CULTURAL
En los comienzos de la industria cinematográfica la música
era parte esencial de las películas, para ambientar la
acción que transcurría en la pantalla.
Los cines de ciudades pequeñas normalmente tenían un
pianista para acompañar la proyección; los de ciudades
grandes podían tener organistas o incluso orquestas
completas, que podían añadir efectos de sonido.
LA
MÚSICA

Algunos órganos de teatro tales como la famosa Rudolph
Wurlitzer Company, podía simular algunos sonidos de
orquesta junto con un gran número de efectos sonoros.
También en ocasiones había un narrador que, con voz en
off, relataba los intertítulos o describía lo que iba
ocurriendo. En los comienzos del cine mudo, las partituras
utilizadas fueron a menudo improvisadas o se utilizaba
música clásica o repertorio teatral.
Una vez los largometrajes se hicieron habituales, la música
fue recopilada en la llamada Música de Photoplay, que
estaba específicamente realizada para acompañar a los
films.
DIFUSIÓN CULTURAL

DIFUSIÓN CULTURAL
El cine mudo requería mayor énfasis en el lenguaje
corporal y en la expresión facial, para que la audiencia
pudiera comprender mejor lo que un actor estaba
representando en la pantalla. Algunas películas dan la
impresión que los actores sobreactúan de manera
exagerada. Debido en parte a esto, las comedias mudas
tienden a ser más populares actualmente que los dramas,
porque la sobreactuación resulta más natural en una
comedia.
Nosferatus el vampiro, una película muda de 1922 dirigida por F.W.
Murnau.
EL
LENGUAJE

DIFUSIÓN CULTURAL
La mayoría de las películas en la etapa del cine mudo entre
1895 y 1927 estaban rodadas en blanco y negro. En 1896,
comenzaron los experimentos pintando a mano, cada
fotograma a veces con cuatro colores distintos.
La tarea era complicada por el tamaño reducido de los
fotogramas y porque una película normal, de menos de un
minuto empleaba unos 1.000 fotogramas. En 1905 Pathé
acopló al proceso de coloreado medios mecánicos.
EL DESARROLLO DEL
COLOR

DIFUSIÓN CULTURAL
Charles Pathé fue el pionero de la industrialización del cine
en Francia.
En sus películas aplicó la fórmula para atraer a todo tipo
de espectador con las llamadas "escenas dramáticas
realistas“. Esta tendencia al realismo sentó las bases para
futuros movimientos cinematográficos, como el realismo
poético francés y el neorrealismo italiano.
Tom pouce suit une femme, Charles Pathé, 1910.
(Pulgarcito persiguiendo a una mujer)
CHARLES
PATHÉ

DIFUSIÓN CULTURAL
En 1894, acudió a una feria donde se exponía el famoso
fonógrafo de Edison y tuvo la idea de convertir a las
audiciones de dicho invento en un negocio. Interesado y
fascinado por los prodigiosos inventos de Edison (el
Cinematoscopio) y de los Lumière (el Cinematógrafo),
Pathé decidió probar fortuna también en el campo de las
imágenes en movimiento: auxiliado por el mecánico Henri
Joly fabricó una cámara tomavistas similar a la de los
Lumière.
Vista interna del kinetoscopio con la película arrollada en una banda sinfín, que
circulaba entre una fuente luminosa y el ocular de la parte superior.

El primer corto filmado por Pathé, fue “La llegada del tren
de Vincennes” en el año de 1897, claramente influenciado
por “la llegada del tren” de los hermanos Lumière.
DIFUSIÓN CULTURAL
En 1877,Thomas Alva Edison, uno de los inventores del cinematógrafo,
logró grabar la voz humana en su fonógrafo. Muybridge gravó la
progresión del galope de un caballo en 1972. Estos dos precursores
sientan las bases de los inventos posteriores. En el caso del cine, el
problema que no se conseguirá solucionar de manera rentable y eficaz
hasta después de la Primera Guerra Mundial será la sincronización de
sonido e imagen.

DIFUSIÓN CULTURAL
Pathé se rodeó de personas que se hicieron cargo de la
dirección de películas, como Ferdinand Zecca.
Al igual que Georges Méliès, Zecca procedía del mundo de
las variedades y el espectáculo. Se caracterizaba por sus
comedias galantes, actualidades reconstruidas, escenas
fantásticas y persecuciones cómicas. Junto a Pathé,
inventó el noticiario cinematográfico.
Su primer éxito como realizador es Historia de un crimen, primer éxito de
Zecca,(1901). La obra contiene un interesante flash-back. El condenado a
muerte rememora en sus últimos momentos el crimen por el que se condenó.

DIFUSIÓN CULTURAL
La compañía Technicolor comenzó a dar sus primeros
pasos en el rodaje a color natural en la etapa del cine
mudo, y así estrenó su primer proceso de color en 1917,
para la película “The Gulf Between”.
EL
TECHNICOLOR
The Gulf Between

DIFUSIÓN CULTURAL
El primero en utilizar el nuevo procedimiento fue Walt
Disney para sus “Sinfonías tontas” de 1932, y siguió
usándolo para muchos de sus restantes dibujos
animados. Se considera que el primer largometraje en
verdadero technicolor fue “La feria de la vanidad” (Beeky
Sharp, 1935), de Rouben Mamoulian.
Sinfonías Tontas

Clásicos del cine mudo como “Los diez mandamientos”
(1923), “The Phantom of the Opera” (1925) o “Ben-Hur”
(1925) contenían escenas rodadas en color.
El proceso de Technicolor continuó utilizándose más allá
del cine mudo durante los primeros años del cine sonoro
hasta que la gran depresión redujo el número de rodajes al
mínimo y volvió a estandarizarse durante algunos años
más el blanco y negro.
DIFUSIÓN CULTURAL
“El Fantasma de la Opera” (1925)

DIFUSIÓN CULTURAL
En 1937, la enorme acogida que estaba obteniendo Blanca
Nieves y los 7 enanitos, de Walt Disney, animó a Selznick a
filmar con grandes riesgos “Lo que el viento se llevó” en
1939. En 1939 también Víctor Fleming, terminó “El Mago de
Oz”, muy costosa en su producción y que tampoco fue
ningún éxito comercial debido a los grandes costos del
technicolor.
Blanca Nieves y los siete Enanitos (1937)

En los años cuarenta, los estudios ignoraron las
filmaciones a color y Technicolor.
Los estudios para almacenar elementos destruyeron los
negativos de las filmaciones, provocando que la mayoría de
películas a color de este periodo se perdieran o sólo se
conservaran copias en blanco y negro.
DIFUSIÓN CULTURAL
Lo que el viento se llevó, novela escrita por la autora Margaret Mitchell, es uno
de los libros más vendidos de la historia, un clásico de la literatura de los
Estados Unidos y debido a su adaptación al cine es uno de los más grandes
iconos o mitos de la cultura popular contemporánea.

DIFUSIÓN CULTURAL
La Segunda Guerra mundial afectó gravemente la
industria del cine a color, sobre todo en Gran Bretaña,
que había producido varias películas de éxito como “Las
cuatro plumas” (The Four Feathers, 1939), y “El ladrón de
Bagdad” (1940), de Alexander Korda.
El color volvió a ser masivo en la década de 1950,
buscando contrarrestar los efectos de la televisión sobre
los espectadores.
Las cuatro plumas,1939, de Alexander Korda

DIFUSIÓN CULTURAL
El Artista, película francesa de drama y comedia romántica
en el estilo de una película muda en blanco y negro. Escrita
y dirigida por Michel Hazanavicius.
La historia toma lugar en Hollywood, entre 1927 y 1932, y
está enfocada en la relación de una vieja estrella del cine
mudo y una exitosa actriz joven, cuando el cine mudo pasó
de moda y fue reemplazado por el cine sonoro.
HOMENAJE AL CINE MUDO
“EL ARTISTA”
“El Artista” llamó la atención del mundo entero por su original formato: cine
blanco y negro y a su vez es una película sobre el cine mudo. El Artista,
filmada en el 2011, con algunos elementos de los pioneros años 20.

DIFUSIÓN CULTURAL
Cuando el cine sonoro demostró su rentabilidad, las
películas mudas, a pesar de su arte, quedaron condenadas
a pasar a la historia.
El cine mudo había durado 35 años. Algunos experimentos
habían demostrado que las ondas sonoras se podían
convertir en impulsos eléctricos.
En el momento en que se logró grabar en el celuloide la
pista sonora, se hizo posible ajustar el sonido a la imagen.
EL CINE
SONORO
Las nuevas técnicas, el espíritu creativo y emprendedor de los
cineastas hizo que se impusiera el cine sonoro, acabando, no sin
dificultades y dejando a mucha gente en el camino, con el cine
mudo.

DIFUSIÓN CULTURAL
Hacia el año 1926, el cine mudo había alcanzado un gran
nivel de desarrollo en cuanto a la estética de la imagen y
movimiento de la cámara. Había una gran producción
cinematográfica en Hollywood y el público se contentaba
con las películas producidas. No se exigía que los
personajes comenzaran a hablar, ya que la música
aportaba el dramatismo necesario a las escenas que se
proyectaban en pantalla.
Los primeros experimentos con el sonido en el cine llegaron de la mano del
físico francés Georges Démeny, quien en 1893 inventó la fotografía
parlante.

La primera exhibición pública conocida de cine sonoro
proyectado ocurrió en París en 1900, décadas antes de que
la sincronización confiable entre sonido e imagen se
hiciera comercialmente práctica.
La primera proyección comercial de películas con sonido
completamente sincronizado ocurrió en la ciudad de Nueva
York, en abril de 1927.
DIFUSIÓN CULTURAL
El cantor de jazz de Alan Crosland.
En los primeros años después de la
introducción del sonido, las películas que
incorporaban diálogos sincronizados fueron
conocidas como "películas sonoras".

DIFUSIÓN CULTURAL
En los años 1930, las películas sonoras eran un fenómeno
global. En los Estados Unidos, ayudaron a asegurar la
posición de Hollywood como uno de los sistemas
culturales y comerciales más potentes del mundo.
En Europa, el nuevo desarrollo fue tratado con
escepticismo por muchos directores de cine y críticos a
los que les preocupaba que el centrarse en los diálogos,
perturbaría la principal virtud estética del cine mudo.
La moviola, la máquina de montaje, que sin ella hubiera sido imposible montar las
películas musicales que tanto influyeron en los primeros momentos del sonoro.

En Japón, donde la tradición de cine integraba cine mudo
con interpretaciones vocales en directo, las películas
sonoras prevalecieron con gran lentitud.
En India, el sonido fue el elemento que llevó a la rápida
expansión de la industria del cine del país, la más
productiva del mundo desde principios de los años 1960.
DIFUSIÓN CULTURAL

DIFUSIÓN CULTURAL
Debido a la primera guerra mundial, Europa sufre una
decadencia que marcó la pérdida de su dominio
internacional en el cine. Aun así, tras la guerra, se
crearon obras maestras que iban a hacer escuela.
Hasta 1914, productoras como la Gaumont, la Pathé o la
Itala films, dominan los mercados internacionales.
EL
CINE EUROPEO
Marlene Dietrich en "El Expreso de Shangai" (1932). Actriz
y cantante alemana que adoptó la nacionalidad
estadounidense. Considerada como uno de los más
eminentes mitos del séptimo Arte, y también como la
novena mejor estrella femenina de todos los tiempos
según el American Film Institute.

El expresionismo fue el movimiento más importante en
estos años, cuyo punto de partida suele fijarse con la
película “El gabinete del doctor Caligari” (1919), y cuya
estética extraña y alienada respondía a los miedos de la
Europa de la postguerra, seguida después por “Nosferatus,
el vampiro” (1922).
DIFUSIÓN CULTURAL
“El gabinete del doctor Caligari” (1919).
El cine Expresionista Alemán existe entre 1919 y 1926, hasta que el país
experimenta una lenta recuperación económica. El sentido estético de
esta corriente trabajaba también, la distorsión de los colores, las formas y el
espacio, como se puede apreciar en El Gabinete del Doctor Caligari.

DIFUSIÓN CULTURAL
La técnica de contar una historia en imágenes sufre una
gran evolución. A medida que transcurre el tiempo, los
directores desarrollan técnicas con los movimientos de la
cámara, y en los filmes históricos como “Quo Vadis” y
“Cabiria”. Se comienza a trabajar sobre escenarios
tridimensionales.
LA CREACIÓN DEL LENGUAJE
CINEMATOGRÁFICO
“Cabiria”

El lenguaje cinematográfico nace con Griffith, en Estados
Unidos, con las películas “El nacimiento de una nación” e
“Intolerancia”.
En “El acorazado Potemkin”, Sergéi Eisenstein, mezcla
imágenes imprevistas para estimular una asociación
emocional o intelectual en el público.
DIFUSIÓN CULTURAL
Fotograma del film Intolerancia de David Wark Griffith.

DIFUSIÓN CULTURAL
El cine, como expresión artística, cuenta con movimientos
o corrientes a lo largo del siglo XX. Las escuelas rompen
con los estilos anteriores, y pronostican un auge de los
estilos antecesores.
El cine de Vanguardia rompe con la narrativa del cine
convencional y las corrientes vanguardistas cuestionan
los modos tradicionales de producción, difusión, exhibición
y consumo de los objetos artísticos, y recurren a
cuestiones relativas a la modernidad.
CORRIENTES
CINEMATOGRÁFICAS
El Acorazado Potemkin, de Sergéi Eisenstein
Poster oficial de la película,1926.

DIFUSIÓN CULTURAL
El cine impresionista confiere importancia a la emoción y a
la narración psicológica, la expresión de sentimientos y los
estados de ánimo de los personajes. Una de las películas
más representativas del movimiento es “La Rueda” (1922)
de Abel Gance.
CINE
IMPRESIONISTA
“La Rueda” (1922) de Abel Gance.

DIFUSIÓN CULTURAL
Originario de la poesía y de las artes plásticas, el cine
surrealista mantiene varias de sus características:
creación al margen de todo principio estético y moral, la
fantasía onírica, el humor desaprensivo y cruel, el
erotismo lírico, la deliberada confusión de tiempos y
espacios diferentes.
CINE
SURREALISTA
“Un perro Andaluz”

DIFUSIÓN CULTURAL
Sus realizadores lo utilizan para escandalizar y exterminar
una sociedad burguesa mezquina y sórdida.
Le otorgan a las imágenes un valor en sí mismas,
recurriendo a los fundidos, acelerados, cámara lenta,
uniones arbitrarias entre planos cinematográficos y
secuencias.
Dalí y el cine.
Fotograma de la película Recuerda (Spellbound, 1945), dirigida por Alfred
Hitchcock, que forma parte de la exposición Dalí.

DIFUSIÓN CULTURAL
En las creaciones de la cinematografía expresionista
predomina el tema de lo fantástico y el drama social y
psicológico, donde se expresa una inestabilidad y angustia
existencial.
CINE
EXPRESIONISTA ALEMÁN
El gabinete del Dr. Caligari, (1919), de Robert Wiene, abrió las
puertas a una producción cinematográfica artística casi
inexistente en Alemania y que daría las pautas estéticas y las
temáticas que guiarán el camino del resto de los realizadores
expresionistas.

Se evidencia la crisis moral, toma importancia el tema de
la muerte, aparecen personajes que ejercen algún tipo de
violencia física y moral.
La mayoría de los dramas psicológicos del expresionismo
están ligados a la crítica social, donde el pueblo es el
protagonista, lo que ayuda al espectador a identificarse
más fácilmente con los personajes del film.
DIFUSIÓN CULTURAL
El gabinete del Dr. Caligari, (1919)

DIFUSIÓN CULTURAL
El Cine-Ojo, es una teoría creada por el documentalista
soviético Dziga Vertov, que será el fundador del noticiario
Cine-Verdad o Kino- Pravda.
El Cine – Ojo, consigue una objetividad total e integral en la
captación de las imágenes. Rechaza el guión, la puesta en
escena, los decorados y a los actores profesionales.
CINE -
OJO
Cartel de El hombre de la cámara.
El Cine-Ojo de Vertov es más una actitud filosófica
que una proposición técnica, que busca a través del
lente del cinematógrafo, captar las acciones de la
vida, utilizando los métodos más sencillos para el
rodaje, violando si es preciso, todas las leyes y
hábitos que requieren la construcción de un film.

DIFUSIÓN CULTURAL
Cinéma Pur, fue un movimiento vanguardista nacido en
París en la década de 1920 y 1930.
El término fue acuñado por Henri Chomette para definir un
cine que se centró en los elementos puros del arte
cinematográfico, como la forma, el movimiento, la
composición visual y el ritmo, algo que realizó en sus
cortos “Reflets de Lumière et de vitesse” (1925) y “Cinq
minutes de Cinema Pur” (1926).
CINEMA
PUR
Man Ray fotógrafo y cineasta, (en la foto aquí en
1934) era parte del dadaísmo.
"Cinema Pur" movimiento, que influyó en el
desarrollo del arte de las películas.

El movimiento incluyo a muchos artistas dadaístas, como
Man Ray (Emak Bakia, Retorno a la razón), René Clair
(Entreacto), Fernand Leger (Ballet Mécanique), Marc
Allegret, Jean Gremillon, Dudley Murphy, y Marcel Duchamp
(Anémic Cinéma).
DIFUSIÓN CULTURAL
Ballet Mécanique, fue originalmente escrita para acompañar una
película dadaísta del mismo nombre, dirigida por Dudley Murphy y
Fernand Léger con fotografía de Man Ray. Aunque la película fue
prevista para usar la música de Antheil como banda sonora, las dos
partes no se unieron hasta los noventas. Como una composición, Ballet
Mécanique es el trabajo más conocido y perdurable de Antheil. Se
mantiene famoso por su estilo e instrumentación radical así como por
su argumento. La película fue estrenada el 24 de Septiembre de 1924
en Viena y presentada por Frederick Kiesler, mas tarde un famoso
arquitecto. Mientras tanto, la música de Antheil para Ballet Mécanique
se transformo en una pieza de concierto, estrenada por el mismo
Anthiel en París en 1926.

DIFUSIÓN CULTURAL
El Neorrealismo italiano fue un movimiento
cinematográfico surgido en Italia durante la posguerra de
la Segunda Guerra Mundial, cuyos principales
representantes fueron Roberto Rossellini, Luchino Visconti
y Vittorio de Sica.
El neorrealismo es el movimiento del cine italiano que ha
conquistado mayor fama en todo el mundo, y para muchos
críticos constituye la mayor contribución de Italia a la
historia y desarrollo de la cinematografía mundial.
.
NEORREALISMO
ITALIANO
Los precursores más significativos del neorrealismo
fueron Toni, de Renoir, de 1935, Napoli, La fine dei
Borboni, de Blasetti, realizada en 1934.
El neorrealismo adquirió resonancia mundial por
primera vez con Roma, Città Aperta, de Roberto
Rossellini (1945), primera película importante
realizada en Italia tras el fin de la guerra.

DIFUSIÓN CULTURAL
El cine underground estadounidense es una corriente
cinematográfica inscrita dentro de las vanguardias,
directamente opuesta al cine clásico de Hollywood. Los
orígenes del cine underground estadounidense se sitúan en
la década de 1940, en la ciudad de Nueva York, ya que
Estados Unidos era considerado la cuna del modernismo, el
desarrollo económico y el liberalismo.
CINE UNDERGROUND
ESTADOUNIDENSE
El logo para la exposición del trabajo de Anger celebrada en
Londres, 2010.

El cine underground es una clase de cine artesanal, no
necesariamente narrativo, con una elevada autoconciencia
artística y con recursos de distribución propios.
En este período se produjo una fuga masiva de
intelectuales y artistas de Europa a Estados Unidos de
América que huían del nazismo.
DIFUSIÓN CULTURAL
Maya Deren, se la considera la primera directora de cine underground
estadounidense.

DIFUSIÓN CULTURAL
Maya Deren fue la primera directora de cine
estadounidense que visitó institutos y universidades para
dar a conocer el cine experimental. Lo significativo de su
aportación es que toda su carrera corre en paralelo a la
apertura de nuevas vías para el cine de vanguardia. Su
obra sirvió de bisagra entre las artes plásticas y el cine.
La autora definía sus propias obras con el término
"películas de cámara", puesto que sus películas no
llegaban a un público amplio, sino a un público íntimo. No
aspiraba a exhibirlas en los grandes cines, pero tampoco
a la marginalidad.
Meshes of the afternoon, 1943. Su película más destacada es “Meshes of the
afternoon”, que parte de lo onírico en el cine y la pintura europea y hace de la
mujer la protagonista, interpretada por ella misma.
.

Otra gran directora fue Kenet Anger. El cine de Anger se
basa en las alusiones directas del ocultismo, el escándalo,
el mal, la violencia y el fascismo.
Su obra más importante es la película “Fireworks”. Otra de
sus películas fundamentales es “Scorpio Rising” (1964), en
la que hace referencia continua a elementos fascistas y a
experiencias relacionadas con el satanismo y el ocultismo.
DIFUSIÓN CULTURAL

DIFUSIÓN CULTURAL
El cine de realidad, es un estilo de cine que inició como una
reacción hacia el sistema clásico de hacer películas.
El cine de realidad a causa de las ataduras entre su estilo
y los aspectos narrativos permite un realismo subjetivo.
Peter Falk y Gena Rowlands, en Una Mujer Bajo la Influencia
CINE DE REALIDAD O
CINÉMA VERITÉ

DIFUSIÓN CULTURAL
En la forma clásica de Hollywood, la película es dictada
por la narrativa, cada situación que transcurre en una
película clásica hace avanzar la narrativa. Todos los
personajes presentados son agentes causales en la
narrativa, y los clásicos son saturados con imágenes
redundantes, expresiones verbales o símbolos para
obtener el mensaje a través del espectador.
Pionero del cine independiente norteamericano y
precursor del cinema verité, John Cassavetes (1929-
1989) intentó siempre a lo largo de sus películas
encontrar la esencia de las relaciones humanas una vez
desposeídas estas de las ceremonias sociales y los
rituales de la vida que automatizan al individuo.

DIFUSIÓN CULTURAL
Esto puede ser como una construcción artificial de la
realidad, ya que nada que no ayude al espectador a
entender claramente lo que esta ocurriendo será incluido
en la película.
Alice es una película de 1990 escrita y dirigida por
Woody Allen y protagonizada por Mía Farrow, Joe
Mantegna y Alec Baldwin. Fue una de sus películas
más exitosas comercialmente.

DIFUSIÓN CULTURAL
Nouvelle Vague es la denominación que la crítica utilizó
para designar a un nuevo grupo de cineastas franceses
surgido a finales de la década de 1950.
Los nuevos realizadores reaccionaron contra las
estructuras que el cine francés imponía hasta ese
momento y consecuentemente postularon como máxima
aspiración no sólo la libertad de expresión, sino también
libertad técnica en el campo de la producción fílmica.
NOUVELLE
VAGUE

La Nouvelle Vague comienza a tomar forma en 1958, cuando
Claude Chabrol dirige dos películas. Serán las obras de
Truffaut “Los 400 golpes” (1959) y Alain Resnais con
“Hiroshima Mon Amour” (1959).
Películas que despertaron la atención y sentenciaron el
advenimiento del nuevo fenómeno cinematográfico.
DIFUSIÓN CULTURAL

DIFUSIÓN CULTURAL
Los jóvenes realizadores e impulsores de la Nouvelle
Vague se caracterizaron por poseer un bagaje cultural
cinematográfico, obtenido en las Escuelas de Cine y en la
Cinemateca Francesa, por forjar su estilo a través de la
crítica, por hacer referencias y citas de homenaje a sus
realizadores más admirados, sobre los que incluso han
escrito libros.
Jean-Luc Godard y François Truffaut

Por ser defensores de el cine norteamericano de Howard
Hawks, John Ford, Alfred Hitchcock y Samuel Fuller, así
como también el cine realista y visual de Jean Renoir,
Robert Bresson, Jacques Tati, Max Ophuls.
Por su preparación teórica y el deseo de renovar el cine
les impulsó a redescubrir la “mirada” de la cámara y el
poder creador del montaje, pues se reconocían férreos
admiradores de Orson Welles.
DIFUSIÓN CULTURAL

DIFUSIÓN CULTURAL
Por tratar en sus películas la condición humana
desoladoramente aislada en el marco de la sociedad
pequeño burguesa de la posguerra y por considerar el
cine como una especie de autoconocimiento personal, por
lo que en sus películas aparecen claras referencias
personales.

DIFUSIÓN CULTURAL
Free Cinema fue un movimiento cinematográfico británico
que nació en los años 1950 y se prolonga hasta la década
de 1960. Se caracteriza por implementar una estética
realista en el cine de ficción y el documental. Realiza
historias creadas a partir de lo cotidiano, se compromete
con la realidad social y reacciona ante la artificialidad
narrativa de Hollywood y a la dramaturgia británica.
FREE
CINEMA
En febrero de 1956, más de dos años antes de la
Nouvelle Vague francesa y treinta y nueve años antes
del Dogma 95, un grupo de cineastas promovían su
manifiesto en el National Film Theatre de Londres.
Llamaron a su programa «Free Cinema» y llevaron
sus cámaras a la calle, para capturar una mirada
nueva, naturalista e improvisada sobre Inglaterra.

El Free Cinema busca, siguiendo la línea del cine
documental y del neorrealista italiano, acercarse a los
seres anónimos de la sociedad, mediante un tipo de cine
rodado con pequeños equipos y al margen de los estudios,
con un costo inferior al de un simple noticiario y empleando
la música de jazz para sus bandas sonoras.
DIFUSIÓN CULTURAL

DIFUSIÓN CULTURAL
La industria del cine inglés sufrió las consecuencias de la
arrolladora expansión de la televisión en Europa. Ante
este retroceso y con la imposibilidad de competir con los
colosos americanos, el cine inglés busca nuevas
soluciones y una de ellas será la de actualizar el cine de
terror, esta vez con el empleo del color, que va a permitir
crear efectos cromáticos tenebrosos.
Dada la proximidad cultura e idiomática de Gran Bretaña con Hollywood, este fué
el país europeo que más dejó sentir la influencia del gigante americano en su
cinematografía. El trasvase de actores, directores y guionistas fue constante.
Actores británicos e irlandeses, como Julie Christie, Albert Finney, Glenda
Jackson, Richard Harris, Peter O'Toole, Alec Guinness o Vanessa Redgrave se
hicieron muy populares.

Paralelamente a la Nouvelle vague, en Gran Bretaña los
jóvenes cineastas sentían un deseo de renovación y vuelta
a la realidad. Los primeros títulos del nuevo cine serán
“Together”, de Lorenza Mazetti, triste historia sobre una
pareja de sordomudos; “O Dreamland”, de Lindsay
Anderson, estudio sobre los visitantes de un parque de
atracciones y “Momma don’t allow”, de Karel Reisz y Tony
Richardson, crónica de una velada en un club de jazz por
parte de un grupo de jóvenes.
DIFUSIÓN CULTURAL
Los cineastas del Free cinema estaban más próximos a la realidad y
reivindicaban cambios sociales concretos; rechazaban el conformismo y la
hipocresía de la tradición monárquica inglesa.

DIFUSIÓN CULTURAL
El New Queer Cinema es un movimiento cinematográfico
nacido dentro del cine independiente de Estados Unidos a
principios de los años 90.
Los directores de este movimiento se caracterizaron por
su aproximación a la cultura Queer y su cine pretendía ser
un antídoto frente a las películas que buscaban dar
imágenes endulzadas de la homosexualidad, tales como
“Maurice” (James Ivory, 1987), “El banquete de boda” (Ang
Lee, 1993) o “Philadelphia” (Jonathan Demme, 1993).
NEW
QUEER CINEMA

La expresión New Queer Cinema fue utilizada por primera
vez por la periodista B. Rudy Rich en un artículo publicado
en 1992 en la revista británica Sight & Sound. En dicho
artículo se analizaba la numerosa presencia de películas
con temática homosexual en los festivales de cine del año
anterior. Algunos de estos films fueron “Young Soul Rebels”
(Isaac Julien, 1991), “Poison” (Todd Haynes, 1990), “Eduardo
II” (Derek Jarman, 1992) y “Swoon” (Tom Kalin, 1992).
DIFUSIÓN CULTURAL

DIFUSIÓN CULTURAL
La mayoría de los noticieros eran dramatizaciones de
hechos importantes, dada la imposibilidad de asistir al
lugar de la noticia. Este género gozó de una gran acogida,
porque gracias a su realce tenían una gran capacidad de
impacto emocional. Además, durante la Primera Guerra
Mundial se convirtió en un referente informativo
fundamental.
EL FOTO DRAMA DE LA
CREACIÓN
Asistentes al Foto Drama de la Creación, New York, 1914.
El Foto-Drama de la Creación, esta producción estaba compuesta de
diapositivas fotográficas y película cinematográfica acompañadas
de discos fonográficos de discursos y música.

DIFUSIÓN CULTURAL
La primera película de cine épica se llamó “El Foto-Drama
de la Creación’” y aunque apareció 15 años antes que se
produjeran otras películas sonoras, ofreció una
combinación de películas cinematográficas y fotografías
sincronizadas con un discurso grabado.
Se dividía en cuatro partes, duraba un total de ocho horas y
la vieron aproximadamente 8.000.000 de personas.
El cartel de la película : "El foto drama de la Creación"

DIFUSIÓN CULTURAL
En 1918, se patentó el sistema sonoro TriErgon, que
permitía la grabación directa en el celuloide.
El invento definitivo surgió en 1923, el Phonofilm, creado
por el ingeniero Lee de Forest, quien resolvió los
problemas de sincronización y amplificación de sonido, ya
que grababa sobre la misma película; rodó 18 cortos para
promocionar la técnica, entre ellos uno de 11 minutos de
Concha Piquer, que se considera la primera película sonora
en español.
No obstante, por falta de financiación el invento se
postergó hasta 1925, año en que la compañía Western
Electric negoció por él.
EL
PHONOFILM
Concha Piquer, se considera la primera
película sonora en español.

En 1927, los estudios Warner Bros se encontraba en una
situación financiera critica y acordaron por integrar el
nuevo sistema de sonido Vitaphone, sistema en el cual la
banda sonora estaba presente en discos sincronizados con
la proyección. Se incorporó por primera vez en una
producción comercial titulada “Don Juan” (1926) de Alan
Crosland, así como en otra de sus películas, “Old San
Francisco” (1927).
DIFUSIÓN CULTURAL

DIFUSIÓN CULTURAL
En ésta producción incorporó por primera vez ruidos y
efectos sonoros. Sin embargo la película sonora más
exitosa fue “El cantante de jazz” (1927).
Ante el éxito, pronto todos los grandes estudios montaron
sus propias películas sonoras, y el cine mudo quedó
olvidado. La aparición del cine sonoro introdujo grandes
cambios en la técnica y expresión cinematográfica.

La cámara perdió movilidad quedando relegada a la
posición fija del cine primitivo y la imagen perdió su
estética cediéndole importancia al diálogo. Los actores
también se vieron implicados en este cambio técnico.
Algunas grandes estrellas fílmicas de Hollywood vieron
naufragar sus carreras ante su mala dicción, su pésima
voz o su excesiva mímica. Debido a esto surgieron nuevos
actores en su reemplazo.
Una película que retrata esta transición del cine mudo al
sonoro es el famoso musical "Cantando bajo la lluvia"
(1952).
DIFUSIÓN CULTURAL

DIFUSIÓN CULTURAL
Quizás el único de los grandes del cine mudo que siguió
haciendo filmes sin sonido fue Charles Chaplin como
“Tiempos modernos" (1936). A partir de 1940 comienza a
realizar películas con sonido, la primera de las cuales es
"El gran dictador". Así mismo, Eisenstein, Pudovkin y
Alexandrov publicaron un manifiesto en 1928 manifestando
su negativa al cine sonoro.

DIFUSIÓN CULTURAL
Sir Charles Spencer Chaplin, (1889 –1977) fue un actor
cómico, compositor, productor, director y escritor
británico. Adquirió popularidad gracias a su personaje
Charlot en múltiples películas del período mudo. A partir
de entonces, es considerado un símbolo del humorismo y
el cine mudo. Para el final de la Primera Guerra Mundial,
era uno de los hombres más reconocidos de la
cinematografía mundial.
CHARLES CHAPLIN
EL HOMBRE SIN PALABRAS

Con su personaje Charlot, debutó en 1914 en la película
“Ganándose el Pan” y durante ese año rodó 35
cortometrajes, entre ellos “Todo por un Paraguas”,
“Charlot en el Baile” y “Charlot y el Fuego”.
DIFUSIÓN CULTURAL
Chaplin caracterizado como Charlot

DIFUSIÓN CULTURAL
Sin embargo, las películas más destacadas de Chaplin
fueron “La quimera del oro” (1925), “Luces de la ciudad”
(1931), “Tiempos modernos” (1935) y “El gran dictador”
(1940). Sus técnicas al momento de filmar incluían
slapstick, mímica y demás rutinas de comedia visual.
Chaplin en Tiempos Modernos

Desde mediados de la década de 1910 dirigió la mayoría de
sus películas. En 1916 se encargó de la producción, y desde
1918 compuso la música para sus producciones.
En 1919, en colaboración con Douglas Fairbanks, David Wark
Griffith y Mary Pickford, fundó la United Artists.
DIFUSIÓN CULTURAL

DIFUSIÓN CULTURAL
Posiblemente la cúspide de las posibilidades del cine de la
época, en términos de lenguaje cinematográfico, haya sido
alcanzada por el filme “Ciudadano Kane”, de Orson Welles,
en 1941.
ORSON
WELLES
Orson Welles en el filme el“Ciudadano Kane”, en 1941

DIFUSIÓN CULTURAL
Película polémica en su época, ha sido reconocida en
retrospectiva como uno de los grandes hitos fílmicos de
todos los tiempos, y sumó todos los experimentos
conceptuales de la época, cerrando caminos y abriendo
otros, razón por la cual figura regularmente como una de
las mejores películas de todos los tiempos, en listados y
reseñas críticas.
Welles (izquierda) visitando a Mankiewicz (centro) en el desierto de California
durante el proceso del guión del Ciudadano Kane.

DIFUSIÓN CULTURAL
El primer intento que se conoce de una animación
mediante la proyección de imágenes data de 1640, cuando
el alemán Athanasius Kircher inventó el primer proyector
de imágenes, la «linterna mágica», en la que, mediante
grabados en cristales, era capaz de proyectar diferentes
fases consecutivas del movimiento, cambiando los
cristales de forma mecánica.
Linterna mágica
HISTORIA DE LA
ANIMACIÓN

DIFUSIÓN CULTURAL
El primitivo mundo de la animación estuvo estancado
hasta 1824, cuando Peter Mark Roget descubrió el
principio de persistencia de la visión, fundamento en el
que se basan todas las imágenes proyectadas que
conocemos hoy en día. Demostraba que el ojo humano
retiene la imagen que ve durante el tiempo suficiente
para ser sustituida por otra, y así sucesivamente, hasta
realizar un movimiento completo, como se ve en su
“taumatropo”.
Proyección con linterna mágica

Aunque fueron muchos los inventos nacidos a la sombra del
principio de persistencia de la visión, ninguno pasó de la
categoría de juguete hasta la llegada del
«Phenakistoscopio» de Joseph Antoine Plateau, en 1831, en
el que conseguía plasmar un movimiento completo
mediante el uso de dibujos.
Entre las bases del origen de la animación está el mismo
juego de sombras y la proyección de siluetas de papeles
recortados creados por la cultura china.
DIFUSIÓN CULTURAL
Phenakistoscopio

DIFUSIÓN CULTURAL
La animación apareció antes que el propio cinematógrafo.
En 1888 el francés Émile Reynaud, padre del cine de
animación, inventó el praxinoscopio, uno de los muchos
juguetes ópticos de la época, en el cual se utilizaba una
técnica pre-cinematográfica de animación.
Personajes de Autour d'une cabine (1895).

Posteriormente lo perfeccionó con su teatro óptico, que
permitía proyectar películas animadas dotadas de
argumento en una pantalla para un público y, acompañadas
de música y efectos sonoros, mantuvo un espectáculo de
dibujos animados desde 1892 hasta finales del siglo XIX. De
su producción, en la actualidad se conserva “Pobre
Pierrot”, de 12 minutos de duración.
DIFUSIÓN CULTURAL
Recreación de Émile Reynaud proyectando Pauvre Pierrot.

DIFUSIÓN CULTURAL
El siguiente pionero del cine de animación fue el francés
Émile Cohl, que desde 1908 realizó los primeros
cortometrajes de dibujos animados, entre los que se
destaca “Fantasmagorie”, de un minuto y veinte segundos
de duración. Otro pionero fue George Méliès, el cual utilizó
en sus filmes abundantes efectos realizados con técnicas
de animación.
“Fantasmagorie”, a still from the film

Durante el cine mudo, las películas más comerciales,
destinadas al público masivo, fueron las producidas por
Walt Disney o las que incluían personajes como Popeye o
Betty Boop, y la de los artistas de vanguardia que
contemplaron la animación como una extensión de las
artes plásticas y realizaron obras experimentales como
Oskar Fischinger y Len Lye.
DIFUSIÓN CULTURAL
Durante la época del cine mudo y los primeros años del cine sonoro aparecieron
las principales formas del cine de animación.

DIFUSIÓN CULTURAL
Innumerables modalidades, desde los cuentos
tradicionales en adversos muñecos animados por
Ladislaw Starewicz hasta el reportaje animado sobre “El
hundimiento del Lusitania” de Winsor McCay.
Un Cel original de El hundimiento del Lusitania, firmado por Winsor McCay.

DIFUSIÓN CULTURAL
El primer largometraje de animación fue mudo y argentino
“El apóstol” (1917) de Quirino Cristiani. Otros
largometrajes tempranos fueron “Die abenteuer des
Prinzen Achmed”, (Alemania, 1926) de Lotte Reiniger y Le
roman de Renard (Francia, concluida en 1930 pero
estrenada en 1937) de Starewicz. Finalmente, en 1937 Walt
Disney estrenó “Blanca Nieves y los siete enanitos”.
El Apóstol, es una sátira política dirigida al
entonces Presidente de Argentina, Hipólito
Yrigoyen y tiene la peculiaridad de ser la
primera película animada en la historia del
cine.
LARGOMETRAJES DE
ANIMACIÓN

Anteriormente a la II Guerra Mundial, la animación era
usada como arma política, en la que se ridiculizaba a los
grandes dictadores de la época. Durante la guerra, eran
populares entre los soldados americanos las proyecciones
y las tiras cómicas de "Ducktators", una serie de
cortometrajes de Warner Brothers.
DIFUSIÓN CULTURAL
"Ducktators“, Warner Brothers, 1948

DIFUSIÓN CULTURAL
Los soldados decoraban las bombas y los aviones con
dibujos de "Ducktators".
Después de la Segunda Guerra Mundial, sobrevino un
importante desarrollo de lo que ya era la Industria del
Cine de Animación.
"Ducktators“, Warner Brothers, 1948

En los países del bloque comunista, el Estado promovió
intensamente la animación.
Esto permitió a muchos animadores trabajar sin presiones
comerciales y crear obras de inmensa variedad y riesgo.
La primera gran figura de este desarrollo fue la del
animador checo de marionetas Jiri Trnka, un artista
popular.
DIFUSIÓN CULTURAL
El Saltador y los Hombres de la SS (1946)

DIFUSIÓN CULTURAL
En 1922, Walt Disney, fundó la empresa Laugh-O-Gram
Films, Inc., teniendo como colaboradores a Iwerks, Hugh
Harman, Rudolph Ising, Carmen Maxwell y Friz Freleng.
Laugh-O-Gram Films dedicada a realizar cortometrajes
animados basados en cuentos de hadas populares y
relatos para niños, como “La Cenicienta” y “El Gato con
Botas”.
La historia tradicional de la Cenicienta en la década de 1920, creada
por Walt Disney.
INDUSTRIA DEL CINE DE
ANIMACIÓN

DIFUSIÓN CULTURAL
Los cortos se hicieron famosos en la zona de Kansas City,
pero sus gastos de producción excedían a los ingresos
que proporcionaban. El 15 de mayo de 1928, en Plane
Crazy, aparece cinematográficamente el ratón Mickey. En
enero de 1930 fue adaptado al cómic, en una tira de
prensa con guion de Disney y dibujos de Iwerks.
El ratón Mickey

Walt Disney ,recibe el Oscar honorífico por la creación del
ratón Mickey, y, en 1932, estrena su primera película a
color, “Flowers and Trees”, de la serie "Silly Symphonies",
obteniendo el Oscar al mejor cortometraje de animación.
En 1935, realizan los cortometrajes a color y comienzan a
aparecer nuevos personajes, como el Pato Donald, Goofy y
Pluto.
DIFUSIÓN CULTURAL
Silly Symphonies fue una serie de cortometrajes animados producidos
por Walt Disney Productions entre 1929 y 1939. A diferencia de las
series de Mickey Mouse, Silly Symphonies no usaba personajes
continuos.

DIFUSIÓN CULTURAL
“Blanca Nieves y los siete enanitos” fue el primer
largometraje animado, sonoro, de dibujos animados a
color en la historia del cine y con mayor éxito de taquilla
en 1938, con unos ingresos de 8 millones de dólares en
su estreno, lo cual la academia le otorgó a Walt Disney
un Oscar honorífico y siete estatuillas diminutas.
En 1940, los estudios produjeron otros dos largometrajes:
“Pinocho” y “Fantasía”.
Blancanieves y los siete enanitos (Snow White and the Seven Dwarfs en el
título original), es una película de animación de Walt Disney basada en el
cuento Blancanieves y los siete enanitos de los hermanos Grimm. Es el
largometraje nº 1 de la lista oficial de los clásicos animados de Disney.
LA EDAD DORADA DE
LA ANIMACIÓN

A finales de esa década, el estudio realiza la producción de
“La Cenicienta”, siendo el primer auténtico largometraje
producido por los estudios Disney desde “Bambi”, en 1942.
Continuando con “Alicia en el país de las maravillas” (1951)
y “Peter Pan” (1953).
Ambos filmes fueron muy criticados por suavizar las obras
originales —de Lewis Carroll y James M. Barrie.
DIFUSIÓN CULTURAL
Ilustración del capítulo XII: cuando Alicia se levanta para
testificar en el juicio, derriba sin querer todo a su alrededor.

DIFUSIÓN CULTURAL
En los años 1960 y 1970, con la popularización de la
televisión, los cortometrajes de animación desaparecieron
definitivamente de los cines. A pesar de ello, aparecen
numerosas escuelas de animación en todo el mundo y el
cortometraje prosperó en otros canales de distribución.
En Estados Unidos, Hanna-Barbera dominó la animación
para televisión y Disney la animación para cine.
Pinocho es una película animada de 1940 producida por Walt Disney.
Está basada en la novela Pinocho de Carlo Collodi. Fue la segunda
película animada de Disney después de Snow White and the Seven
Dwarfs y fue estrenada originalmente por RKO Radio Pictures el 7 de
febrero de 1940. La película obtuvo dos premios Óscar, en las
categorías de mejor banda sonora y mejor canción original.
LA ANIMACIÓN YLA
TELEVISIÓN

DIFUSIÓN CULTURAL
En los años 70 algunas alternativas gozaron del favor del
público, como
Ralph Bakshi, con sus primeras películas pertenecientes
al movimiento underground “Heavy Traffic”, “Fritz el gato
caliente” y posteriormente sus películas de fantasía “El
señor de los anillos”, “Wizards” y “Tygra”.
Entre los directores de cortometrajes se destacaron
John y Faith Hubley.
Fotograma de El Gato con Botas

Las industrias de Europa del Este y la Unión Soviética, se
convirtieron en las más poderosas del mundo: la
producción fue enorme en volumen y variedad, desde las
series de televisión para niños hasta los cortometrajes
artísticos más vanguardistas y radicales. Entre los muchos
artistas importantes, el más famoso es el checo Jan
Švankmajer, que utiliza el stop-motion y la plastilina para
crear mundos surrealistas.
DIFUSIÓN CULTURAL
Alicia, por Jan Švankmajer

DIFUSIÓN CULTURAL
Otros nombres que se pueden mencionar son los de Marcell
Jankovics, Sándor Reisenbüchler, Yuri Norstein, Walerian
Borowczyk y Jan Lenica. Osamu Tezuka protagonizó la
explosión de los dibujos animados conocidos como anime.
Autor de historietas prolífico, adaptó varias de sus propias
obras, consiguiendo el primer éxito con la serie de
televisión “Astroboy”,que definió los rasgos habituales del
anime: rasgos faciales de los personajes, animación
limitada, narración semejante al cine de imagen real, vínculo
entre la industria de la animación y la del cómic.
Tezuka, un huracán creativo, realizó largometrajes y
cortometrajes experimentales.
Osamu Tezuka protagonizó la explosión de los dibujos animados conocidos como
anime. Autor de historietas prolífico, adaptó varias de sus propias obras,
consiguiendo el primer éxito con la serie de televisión “Astroboy”

Durante los años 60 el anime fue continuo en las salas de
cine, pero en la década siguiente quedó limitado a la
televisión. También hubo notables animadores
independientes como Yoji Kuri y Kihachiro Kawamoto.
En Europa occidental los resultados fueron más puntuales:
películas como “El submarino amarillo” de George Dunning,
“Allegro non troppo” de Bruno Bozzetto o “El planeta
salvaje” de Réne Laloux tuvieron repercusión.
En el cortometraje se destacaron artistas como Raoul
Servais, Jean-François Laguionie o Paul Driessen.
DIFUSIÓN CULTURAL

DIFUSIÓN CULTURAL
En Estados Unidos, Disney, a principios de la década de
1990, con “La bella y la bestia” de Trousdale y “Wise”, tuvo
su momento de esplendor. El auge de la infografía ha
llevado a la compañía Pixar de John Lasseter. a
convertirse en la más exitosa productora del mundo, con
películas tan bien acogidas como los mejores Disney: “Toy
Story”, “Bichos”, “Monsters Inc.”, y varios más.
La bella y la bestia de Trousdale y Wise
ESTADOS
UNIDOS

También se han producido algunas películas aisladas de
gran calidad, como “El gigante de hierro” de Brad Bird,
“Pesadilla antes de Navidad” de Henry Selick, “Me casé con
un extraño” y “Mutant aliens” de Bill Plympton.
DIFUSIÓN CULTURAL

DIFUSIÓN CULTURAL
El anime japonés se ha convertido en la industria más
productiva del planeta, extendiéndose en todo el mundo.
Las series de televisión son considerables y siguen siendo
la atracción principal para millones de aficionados. Los
largometrajes para cine, después de desaparecer
prácticamente durante los años 1970, reaparecieron con
una fuerza creativa y comercial inusitada, principalmente
a partir de “Nausica del valle del viento” de Hayao Miyazaki
y Akira de Katsuhiro Otomo.
Nausica del valle del viento de Hayao Miyazaki
JA -
PÓN

DIFUSIÓN CULTURAL
Se ha producido una expansión en la variedad de los estilos
y temáticas que se tratan, con autores tan diferentes
como Mamoru Oshii, Satoshi Kon o Isao Takahata, mientras
el citado Miyazaki se ha convertido en un director de culto
internacional con el prestigio de los grandes directores de
imagen real.
Un animador independiente que ha logrado reconocimiento
en Occidente ha sido Koji Yamamura.

DIFUSIÓN CULTURAL
En Francia se han destacado los cortometrajes de la
productora Folimage; en largometraje, el éxito de “Kirikú y
la bruja” de Michel Ocelot ha abierto el camino para un
número creciente de películas de ambiciones y calidad
notables: “Las trillizas de Belleville” de Sylvain Chomet,
“Corto Maltese: La cour secrète des Arcanes” de Pascal
Morelli, “La prophétie des grenouilles” de Jacques-Remy
Girerd.
EU -
ROPA

DIFUSIÓN CULTURAL
En el Reino Unido, la productora Aardman Animations,
dedicada principalmente a la animación con plastilina, se
hizo popular a ambos lados del Atlántico con sus
cortometrajes : “La Saga de Wallace y Gromit”, de Nick
Park, y se lanzó a la producción de largometrajes con
“Evasión” en la granja del mismo director.
REINO
UNIDO

DIFUSIÓN CULTURAL
Nuevas generaciones de animadores de los países del Este,
han mantenido viva su tradición en cortometrajes, entre
los que se destacan: los rusos Garri Bardin, Aleksandr
Petrov y Konstantin Bronzit; los checos Aurel Klimt y Jan
Werich Svankmajer, con su largometraje “Fimfárum”, el
polaco Piotr Dumala, los letones Priit Pärn y Priit Tender y
la Escuela Checa de Animación, con Jiří Trnka a la cabeza.

DIFUSIÓN CULTURAL
Dante Quinterno fue el productor y director del primer
dibujo animado a color de la Argentina, con su prestigioso
cortometraje del personaje “Patoruzú”, titulado "Upa en
Apuros" en 1942. Manuel García Ferré está considerado
como el mayor exponente de todos los tiempos en la
animación Argentina.
AR -
GENTINA

En Argentina el programa de televisión “Caloi en su tinta”,
presentado por el dibujante Carlos Loiseau, se ha
mantenido en pantalla durante más de diez años.
Juan Pablo Zaramella, es considerado el más importante
ilustrador argentino contemporáneo. Su última producción
"Luminaris", ganó más de 200 premios internacionales
como Annecy 2011, y fue preseleccionado al Oscar en la
categoría Mejor Corto Animado.
DIFUSIÓN CULTURAL

DIFUSIÓN CULTURAL
Colombia tiene una historia de la animación que se
remonta hasta 1938. Aunque surgió como iniciativas
artísticas aisladas, el trabajo de Fernando Laverde quien
realizó los largometrajes “La pobre viejecita”, “Cristóbal
Colón” y “Martín Fierro”, así como la obra de animación
experimental del artista Carlos Santa “El pasajero de la
noche”, abrieron el terreno para los creadores
interesados en este arte.
CO -
LOMBIA

DIFUSIÓN CULTURAL
En 1960 fueron creados en Cuba los Estudios de Animación
del ICAIC, institución que hasta la fecha ha creado
innumerables series, cortometrajes y largometrajes. Entre
ellos el laureado “Vampiros en La Habana”, del director
Juan Padrón.
CU -
BA

El 24 de enero de 1897, Gabriel Veyre llevó el primer
cinematógrafo a La Habana desde México. La primera
presentación se llevó a cabo en el Paseo del Prado N. 126,
al lado del Teatro Tacón, hoy llamado el Gran Teatro de La
Habana.
Cuatro cortometrajes fueron mostrados: "Partida de
cartas", "El tren", "El regador y el muchacho" y "El
sombrero cómico". Las entradas costaron 50 centavos, 20
para niños y militares.
DIFUSIÓN CULTURAL
Gabriel Veyre, en 1896 viajó con Claude Ferdinand Bon
Bernard a Latinoamérica, mostrando los primeros filmes
realizados por los hermanos Lumière y para explotar el
cinematógrafo.

DIFUSIÓN CULTURAL
Poco después, Veyre protagonizó el primer filme producido
en la isla, llamado "Simulacro de incendio", un documental
sobre los bomberos de La Habana. En Cuba, películas como
“Mambí" y "Libertadores o guerrilleros" (1914), de Enrique
Díaz Quesada con el apoyo del General Mario García
Menocal se destacan. Díaz Quesada adaptó a película una
obra española del novelista Joaquín Dicenta en 1910, una
tendencia de la época, que adaptaba obras literarias a
películas, como también imitaciones a Charles Chaplin,
comedias francesas y aventuras de vaqueros.
Mambí.

El período de producción de películas mudas se extendió
hasta 1937, cuando la primera película completa de ficción
se produjo.
DIFUSIÓN CULTURAL
Mambí, película dirigida por Santiago Ríos y Teodoro Ríos.

DIFUSIÓN CULTURAL
Antes de la Revolución cubana de 1959 el total de películas
filmadas fue de aproximadamente 80 películas completas.
Se destacaron, La Virgen de la Caridad protagonizada por
Miguel Santos y Romance del Palmar por Ramón Peón.
CINE PRE -
REVOLUCIONARIO

DIFUSIÓN CULTURAL
En los primeros días de 1959, el gobierno de Fidel Castro
creó un departamento cinematográfico dentro de la
Dirección de Cultura del Ejército Rebelde, la cual produjo
documental como "Esta tierra nuestra" de Tomás Gutiérrez
Alea, y "La Vivienda" de Julio García Espinosa.
CINE POST -
REVOLUCIÓN
“Muerte de un burócrata”, de Tomás Gutiérrez Alea

Éste departamento fue el antecesor de lo que se
convertiría en el ICAIC (Instituto Cubano del Arte y la
Industria Cinematográficos), fundado en marzo de 1959,
como resultado de la primera ley de cultura.
DIFUSIÓN CULTURAL
Muchos actores cubanos también hicieron presencia en
México y Argentina. Músicos como Ernesto Lecuona, Bola
de Nieve o Rita Montaner también actuaron o
participaron en la banda sonora de películas de
diferentes países.

DIFUSIÓN CULTURAL
La película más notable de la última década del siglo XX
fue Fresa y Chocolate (1993) por Tomás Gutiérrez Alea y
Juan Carlos Tabío. Primera película cubana nominada a
los Premios Óscar.
Al período comprendido entre 1959 y 1969, muchos
críticos cinematográficos lo bautizaron como la época de
oro del cine cubano, generalmente por la producción de
Lucía (1969) por Humberto Solás y Memorias del
subdesarrollo (1968) por Tomás Gutiérrez Alea. Éstos dos
directores son por lo general catalogados como los dos
mejores directores que ha tenido Cuba.

Esta época de inicios de cine revolucionario también se
destacó por una fuerte censura a jóvenes realizadores que
su único delito era el de mostrar un cine documental
experimental o espontáneo, como el "free cinema", siendo
el caso más escandaloso el documental realizado por
Orlando Jiménez Leal y Sabá Cabrera Infante.
DIFUSIÓN CULTURAL
El cubano Humberto Solás, tuvo el privilegio de dirigir
“Lucía” (1968), la película paradigmática de la
revolución cubana de 1959. Es un trabajo monumental
dividido en tres partes que corresponden cada una de
ellas, a etapas históricas de la nación caribeña.

DIFUSIÓN CULTURAL
La animación mexicana, en sus comienzos, intentó con
varias producciones siendo la mayoría cortometrajes
realizados por personas que tenían la inquietud y el deseo
de involucrarse en ese ámbito artístico poco explotado en
el país. Cabe mencionar los trabajos de Alfonso Vergara
Andrade y algunas de sus obras como “Paco Perico en
premier” de 1935 y “Los cinco cabritos y el lobo” de 1937
cortometrajes realizados en ava films, estudio que él
mismo fundó.
MÉ -
XICO
“Los cinco cabritos y el lobo”, 1937

DIFUSIÓN CULTURAL
En la década de 1970 y principios de los años 1980 se
surgieron una serie de largometrajes de animación
mexicano: “Los tres reyes magos” (1974), “Los
supersabios” (1977), “Roy del espacio” (1983), “Katy la
oruga” (1984), una coproducción México-española, “Las
aventuras de Oliver Twist” (1987), adaptación animada de
la novela de Charles Dickens realizada por Fernando Ruiz.
Las aventuras de Oliver Twist (1987), Charles
Dickens. Adaptación animada realizada por
Fernando Ruiz.
Los tres reyes magos ,1974.
Katy la oruga,1984.

DIFUSIÓN CULTURAL
Realizar películas con contenido artístico se transformó
para los círculos culturales europeos, latinoamericanos o
asiáticos en una especie de estandarte cultural, para
oponerse a la cultura de los Estados Unidos.
Esta línea divisoria, marcada en las décadas de 1980 y
1990, se fue disolviendo entrado el siglo XXI, porque las
nuevas posibilidades de los efectos especiales por
computadora y el cine digital permitieron disminuir los
costos de las películas comerciales.
CINE
ARTE

El cine arte nunca desapareció por completo de Estados
Unidos, como lo prueba David Lynch en “Terciopelo azul”, el
cual, para muchas de sus producciones debió recurrir a
capitales europeos.
DIFUSIÓN CULTURAL

DIFUSIÓN CULTURAL
Movimiento fílmico vanguardista iniciado en 1995 por los
directores daneses Lars von Trier y Thomas Vinterberg,
quienes crearon la "Manifestación del Dogma 95" y el
"Voto de Castidad". Esos fueron reglas para hacer cine
establecido en valores tradicionales de historia, actuación
y tema, y excluyendo el uso de elaborados efectos
especiales o tecnología.
DOGMA
95
La celebración, (1998), primera película del movimiento Dogma
95. Es una película danesa, escrita y dirigida por Thomas
Vinterberg, sobre las turbias relaciones entre los miembros de
una familia. Las películas realizadas con vocación de cine arte
tendían a buscar reconocimiento en Cannes, Berlín, o Venecia.

DIFUSIÓN CULTURAL
Para cierto sector de la crítica, el cine ingresó hacia la
década de 1980 en el postmodernismo. De ahí que se
hablara del agotamiento de las vanguardias, de la
imposición del concepto de simultaneidad por sobre el de
continuidad, del reciclaje de viejos materiales.
CINE Y
POSTMODERNIDAD
El postmodernismo surge del desencanto por las ideas del modernismo
y es el movimiento de la tolerancia y la diversidad. Precisamente por
ello, es la conjunción de movimientos que tienen en común el rechazo a
“la razón”, negando la posibilidad de un conocimiento total y objetivo.
Para el postmodernismo la única verdad posible es la subjetividad.

Los cineastas ingleses y americanos fueron los primeros
en rodar las primeras películas postmodernas.
En esta nueva era, después de los turbadores años setenta,
y con la violencia y contenidos conservadores en la
pantalla, la seducción a través de la imagen, los ritmos del
montaje y la violencia del color se anuncian como
distintivos de una nueva relación entre el cine y su público.
La alquimia entre ingleses y americanos ha aportado al
postmodernismo su fino sentido del humor y una poderosa
imaginación visual.
DIFUSIÓN CULTURAL
El Padrino II

DIFUSIÓN CULTURAL
Elementos y características del lenguaje cinematográfico a
partir de los años 70 se encuentran desde el periodo mudo.
Por ejemplo, la ruptura intencionada de la suspensión de
incredulidad fue una de las características más notables de
los hermanos Marx, por ejemplo con sus continuas
alusiones al espectador hablando a la cámara. La película
muda italiana “Maciste”, de 1915, un espectador llama a
Maciste y éste sale de la pantalla, recurso que
posteriormente utilizaría Woody Allen en “La rosa púrpura
de El Cairo”.
El cine postmoderno, partiendo del primario
postmodernismo de Fry o Lyotard y de claras raíces fílmicas
en la Nouvelle vague francesa, busca explorar y excitar
emociones, temas, situaciones, caracteres, yendo más allá
de las convenciones del retrato convencional de personaje y
la lógica en la estructura en el tiempo y espacio narrativo.

DIFUSIÓN CULTURAL
El Cinema Novo fue un movimiento de la historia del cine de
Brasil al que pertenecieron una serie de directores de
cine brasileños de los años cincuenta y sesenta del siglo
XX comprometidos con su tiempo.
CINEMA
NOVO

DIFUSIÓN CULTURAL
Su lema era una cámara en la mano y una idea en la
cabeza, y en él había influido tanto el Neorrealismo
italiano como la Nouvelle Vague francesa. Los miembros
del Cinema Novo fueron Glauber Rocha, Nelson Pereyra
Dos Santos, Carlos Diegues y Joaquim Pedro de Andrade.
Ciudad de Dios, basada en hechos reales. Trata del incremento del crimen
organizado en los suburbios de Río de Janeiro, desde finales de los años sesenta
hasta el comienzo de los ochenta, cuando el tráfico de drogas y la violencia
impusieron su ley en las favelas.

Más tarde se unieron directores como Walter Lima Júnior
o Ruy Guerra. Su cine trataba la realidad social del país, su
pasado histórico, y la pobreza, tanto en las grandes urbes
como en el desolado Nordeste brasileño.
Su influencia llega hasta el cine brasileño más reciente, y
es palpable en películas como Central do Brasil, de Walter
Salles (1998) o Ciudad de Dios, de Fernando Meirelles
(2002).
DIFUSIÓN CULTURAL

DIFUSIÓN CULTURAL
Estos dos artes tienen como objetivo contar historias, y
uno de sus elementos básicos ha sido la palabra. El
lenguaje cinematográfico se desarrolló ante el reto de
narrar con claridad una historia en un tiempo determinado,
sintetizando en una hora de proyección, cientos de páginas
que constituyen un guión.
CINE Y
LITERATURA
Los Miserables, de Víctor Hugo

DIFUSIÓN CULTURAL
A través de los años, el cine ha realizado grandes obras
de la literatura, han evidenciado la difícil tarea de
representar para la pantalla, las imágenes literarias; esto
sin duda, ha resultado en aciertos y decepciones, sin
embargo, resulta primordial reconocer, que si bien son
dos medios distintos, esto no los hace incompatibles, sino
complementarios.
Crimen y Castigo de
Fedor Dostoievski
El Retrato de Dorian Gray de Oscar Wilde
Los Tres Mosqueteros
de Alejandro Dumas
La Guerra y la paz de León Tolstoi

DIFUSIÓN CULTURAL
La literatura, en todo el último siglo, va recibiendo del
cine diferentes modos de mirar, una concepción narrativa
distinta, que acomoda en los autores literarios, en
ocasiones, su mirada y su estilo.
El Mercader de Venecia por William Shakespeare

DIFUSIÓN CULTURAL
La literatura, la fotografía, la pintura, la escultura, la
arquitectura, la música, la danza, la luz, el color, se han
unido de tal modo que el cine abraza a las artes en los
múltiples y complejos procesos experimentales de la
creación. A finales del siglo XIX, el cine en sus
presentaciones se manifestó a través de las pinturas de
los clásicos. El cine, en la búsqueda de la plástica y la
estética, reprodujo pinturas para los filmes inspirados en
la vida o en las composiciones pictóricas de los grandes
maestros del arte.
LAS ARTES EN EL CINE
EL CINE EN LAS ARTES
La cinematografía es considerada “el séptimo arte”,
sus antecesores son la arquitectura, escultura,
pintura, música, literatura y danza. Cabe mencionar
que Rioccito Canudo, en 1991, fue el primero en definir
al cine como el séptimo arte.
Y

DIFUSIÓN CULTURAL
En el siglo XX, los directores de cine se inspiraron en los
artistas, tanto para comprender las obras representadas
y crear ambientes para mostrar sus vidas reviviendo sus
formas de expresión. Varios directores y fotógrafos
cinematográficos fueron pintores, tal es el caso de John
Houston en “El Molino Rojo”, (1952), y artistas que
colaboraron con sus diseños y dibujos como Salvador
Dalí en “Destino”.
En 1946 Salvador Dalí conoció a Walt Disney y juntos comenzaron a trabajar en
una preciosa y bella película de dibujos animados, donde se muestra el fantástico
y habitual surrealismo, del más reconocible estilo Dalí. John Hench fue por aquel
entonces el director del proyecto. Es una bella historia de amor que cuenta la
desdicha que siente Cronos por una mujer mortal. Disney lo definió como “una
sencilla historia de amor, donde el chico encuentra a la chica”.

El cine, por otra parte, «ha contribuido a re-encuadrar la
pintura moderna», según José Luis Borau. Según Borau, las
aportaciones principales del cine a la pintura han sido, la
luz, el encuadre y el movimiento.
DIFUSIÓN CULTURAL

DIFUSIÓN CULTURAL
Fue en 1946 cuando Walt Disney encargó a Salvador Dalí,
junto al animador John Hench, la realización de un
cortometraje del que sólo llegaron a rodarse veinte
segundos de prueba que no cuajaron.
Pero muchos años después y partiendo de los bocetos e
instrucciones del genio catalán, Roy Disney y Baker
Bloodwort consiguieron obtener este corto de seis minutos
que vio la luz en 2003.
Steven Spielberg

DIFUSIÓN CULTURAL
Alexander Korda reflejó en Rembrandt la gloria y la miseria
de un pintor genial enmarcado en una época donde la
superficialidad y las apariencias eran lo único que
contaban. Se recrea una ambientación de Ámsterdam en la
edad dorada del mercantilismo como marco para la
presentación de personajes de todos los estratos sociales.
Al igual que las obras de Rembrandt, Korda maneja la
iluminación y las sombras, en las escenas, al que
representa en la oscuridad, la muerte de su esposa y a la
que ilumina la fulgurante presencia de Gertie, a la luz de
una vela.
REMBRANDT
DE ALEXANDER KORDA (1936)

DIFUSIÓN CULTURAL
El color de la película, Moulin Rouge, está inspirado en el
de los pintores impresionistas franceses, como en el caso
de Toulouse – Lautrec.
Los temas importantes en la vida de Lautrec, son
manejados por medio de flash-backs, como su traumática
infancia, su deformidad, el apego a su madre y el rechazo
que produce la relación con la bailarina de La Goulue
MOULIN ROUGE
DE JOHN HUSTON (1952
Zsa Zsa Gabor en Moulin Rouge (John Huston,
1952)

DIFUSIÓN CULTURAL
Dirigida por Vincente Minnelli e impregnada con colores del
mar, el campo y el cielo de Van Gogh, El Loco del Pelo Rojo
capta el éxtasis del arte y la agonía de la vida de un
hombre.
EL LOCO DEL PELO ROJ0
DE VINCENTE MINNELLI (1956)
Kirk Douglas y Anthony Quinn en "El loco del pelo rojo”

DIFUSIÓN CULTURAL
Tras el éxito de Moulin Rouge (1952), de John Huston, sobre
la vida del pintor impresionista Toulouse Lautrec, MGM
compró los derechos cinematográficos de la obra de Irving
Stone para rodar la vida de Vincent Van Gogh.
Para no caer en los errores de otras películas sobre
pintores, fotografiaron los cuadros originales en placas de
gran tamaño y se proyectaban por debajo de unas mesas
con el tablero traslúcido, daban pincelada a pincelada, con
gran minuciosidad.
Autorretrato de Van Gogh

DIFUSIÓN CULTURAL
Es una película biográfica sobre la mísera existencia de
uno de los más famosos pintores del siglo XX: Modigliani,
obligado a vivir en la más absoluta miseria malvendiendo
sus cuadros para sobrevivir de mala manera y hundirse
cada vez más en el alcohol.
LOS AMANTES DE MONTPARNASSE
DE JACQUES BECKER (1958)

DIFUSIÓN CULTURAL
Su vida amorosa oscila entre el amor de una joven pura e
ingenua que ama sin límites al artista y el de una rica y
poco escrupulosa escritora americana que sólo busca en
él la aventura, aunque ayuda al pintor más de una vez
cuando entra en una de sus crisis.
La Belle Romaine, de Amadeo Modigliani.

DIFUSIÓN CULTURAL
El realizador Carol Reed firma uno de los grandes clásicos
del cine histórico.
El papa Julio II y Miguel Ángel, viven entre el tormento y el
éxtasis, una de las peleas artísticas más sonadas de la
historia. Basado en la biografía que escribió Irving Stone, y
en textos de Vasari y de Giovanni Papini sobre el gran
artista florentino Miguel Ángel Buonarrotti, presenta
realista y eficazmente el conflicto, representado
magníficamente por Charlton Heston y Rex Harrison, cuyas
fuertes personalidades les llevaban a entrar en continuo
conflicto.
EL TORMENTO Y EL ÉXTASIS
DE CAROL REED (1965)
Esta extraordinaria producción, calificada como una de las mejores películas de su
época, es una soberbia dramatización del conflicto detrás de una de las máximas
obras de arte de la humanidad.

Aunque ni libro ni película tratan demasiado el contexto
histórico de la Europa de aquella época, ambos son
imprescindibles.
Las escenas que muestran a Miguel Ángel sufriendo en lo
alto del andamio, con la pintura goteándole sobre la cara,
es un momento de enorme emotividad para los amantes del
arte, al igual que los trabajos en «estarcido», ese dibujo
agujereado para poder traspasarlo con carbón sobre el
yeso de la pared.
DIFUSIÓN CULTURAL

DIFUSIÓN CULTURAL
Andrei Rublev, pintor de iconos ruso del s. XV, sirve a
Tarkovski como reflexión sobre la creación artística y la
labor social del artista frente al poder.
Nos muestra un mundo brutal, violento, de religiosidad
cuestionada; un mundo, en Rusia, donde príncipes
hermanos luchaban por un trono y el pueblo se mataba a sí
mismo en guerra tras guerra.
ANDREI RUBLEV
DE ANDREI TARKOVSKY (1966)

DIFUSIÓN CULTURAL
Se divide en tres partes de la supuesta pasión según
Andrei y cada uno de estos a su vez se dividen en
episodios de la vida del pintor de iconos y de interiores de
iglesias y catedrales bizantinas rusas. El monje pintor
acude junto con sus compañeros a Moscú para pintar los
frescos de la catedral de la Asunción del Kremlin.
Fuera del aislamiento de su celda, pronto comenzará a
percatarse de las torturas, crímenes y matanzas que
tienen aterrorizado al pueblo ruso.
En el epílogo, con música coral, se ven una serie
de planos en que van mostrando diversas partes
de iconos costumbristas, historiados hasta llegar
con planos medios a mostrarnos la gran Trinidad
de Rublev, culmen de su arte.

Quebranta su fe y se sumerge en el silencio, frustración
que le lleva a dejar de pintar. Sólo al encontrarse con un
niño constructor de campanas entenderá que dejó que su
dolor personal y su soledad se antepusieran a su deber
creador como artista.
Así regresó a los pinceles y, mediante sus iconos, sus
imágenes sagradas, se acercó a un Dios que nunca se
muestra plenamente.
DIFUSIÓN CULTURAL
Andrei Tarkovsky es probablemente el director ruso más reconocido por su
arte. Aunque Tarkovsky sólo ha dirigido siete largometrajes, sus historias y
visión cinematográfica han trascendido los años y las mentes de gente
respetable como Ingmar Bergman.

DIFUSIÓN CULTURAL
FRIDA:NATURALEZA VIVA
DE PAUL LEDUC (1984)
De las películas que se han realizado sobre Frida Kahlo, esta
es la primera, rodada completamente en México, con
escasos diálogos y largas secuencias que, desde el reducido
espacio de la habitación en la que está confinada en su
lecho, ahonda en el interior de la artista a través de sus
recuerdos y sueños y profundiza en la creación de su obra
artística.

DIFUSIÓN CULTURAL
Es un retrato magistral de la pintora ,de su vida
apasionada, de sus amores con Diego Rivera, de su
relación con Trotsky, su militancia, su fiebre creadora,
sus altibajos sentimentales y su profunda soledad.
Leduc, supo dar a sus fotogramas el aire cercano y el
color que caracteriza la pintura de Frida.
Frida Khalo, en su estudio

DIFUSIÓN CULTURAL
La película viaja por la vida y obra de Camille Claudel,
hermana de Paul Claudel, precoz e inteligente escultora,
amante de las artes en el sentido más amplio y rico, y
compañera durante más de 10 años del también escultor,
Auguste Rodin.
LA PASIÓN DE CAMILLE CLAUDEL
DE BRUNO NUYTTEN (1988)

DIFUSIÓN CULTURAL
Camille sintió desde muy niña gran pasión por el arte y en
especial por la escultura a la que dedicó gran parte de su
vida. La película está basada en el libro de Reine-Marie
Paris, nieta del hermano de Camille, el poeta y diplomático
Paul Claudel.
El Vals

El escultor Auguste Rodin fue su maestro y Camille se
convirtió en su inspiración, su musa, y con el que inició una
tormentosa relación protagonizada por las numerosas
crisis y rupturas. La escultora tuvo una vida agitada
sentimentalmente y lo reflejó en su obra, una vida en la que
también echaba un pulso a su propia libertad en una
sociedad que no se ajustaba a sus ideas.
En sus últimos días vivió como una mendiga y finalmente
fue internada en un psiquiátrico por sus problemas
mentales.
DIFUSIÓN CULTURAL
Isabelle Adjani, interpretando el papel de Camille.

DIFUSIÓN CULTURAL
GOYA EN BURDEOS
DE CARLOS SAURA (1999)
La historia sucede en la segunda mitad del Siglo XVIII y
comienzos del XIX. Goya fue testigo de intrigas políticas y
románticas en los últimos años de la invasión napoleónica
en España. El exilio en Burdeos y el comienzo de sus pinturas
oscuras y macabras, en sus postreros años de su vida, son
el comienzo del film con un Goya sordo e interpretado por
Rabal.
Goya interpretado por Rabal.

Los recuerdos de su juventud y los flashbacks en su
narración hacia su hija Rosario, muestran al joven artista
en los laberintos de la corte. Principalmente sus recuerdos
refieren a su persecución de Cayetana, la Duquesa de Alba.
Recordará al Goya joven y ambicioso que lucha por subir
los resbaladizos peldaños de la corte de Carlos IV, donde
vivirá el reconocimiento y la fortuna, las intrigas de palacio
y el juego de la seducción y la mentira.
DIFUSIÓN CULTURAL
Saturno devorando a un hijo A los 82 años, exiliado en Burdeos junto a
Leocadia Zorrilla de Weiss, la última de sus
amantes, Francisco de Goya, reconstruye para
su hija Rosario los acontecimientos que
marcaron su vida, una vida en la que se suceden
convulsiones políticas, pasiones emponzoñadas y
el éxtasis de la fama.

DIFUSIÓN CULTURAL
Es la recreación de la vida de los amantes y artistas
contemporáneos Jackson Pollock y Lee Krasner (de la
escena artística de Nueva York), que escapan al campo
para contraer matrimonio y, muy pronto, Pollock comienza
a crear el arte que lo convirtió en el primer pintor del
modernismo dentro de los Estados Unidos.
POLLOCK, LA VIDA DE UN CREADOR
DE ED HARRIS (2000)

DIFUSIÓN CULTURAL
En la década de los cuarenta, ya estaban en el centro de la
escena artística de Nueva York. Paralelamente, la vida de los
dos pintores tuvo sus altibajos, mientras que Krasner deja a
un lado su trabajo para impulsar la carrera de Pollock, él
comienza a revelarse emocionalmente, pues los tormentos
que marcaron la vida del artista continuaron persiguiéndole.
Mientras lucha contra su falta de confianza en sí mismo, en
una batalla entre la necesidad de expresarse y el deseo de
silencio, Pollock comienza a recorrer una espiral hacia
abajo que lo llevará a destruir los fundamentos de su
matrimonio y su carrera.
Escena de Jackson Pollock en su estudio

En agosto de 1949, la revista Life publica el siguiente titular:
«Jackson Pollock: ¿el mejor pintor vivo de los EE.UU.?» El
artículo incluía fotografías de Pollock en su famosa pose:
chaqueta negra y vaqueros azules, brazos cruzados sobre
el pecho y uno de sus lienzos detrás de él. Conocido por
entonces en el círculo artístico de Nueva York, Pollock se
convirtió a partir de entonces en una de las primeras
estrellas del arte en EE.UU., y su estilo radical de pintura
consiguió cambiar el rumbo del arte moderno.
DIFUSIÓN CULTURAL
Escena de Jackson Pollock en su estudio

DIFUSIÓN CULTURAL
LA JOVEN DE LA PERLA
DE PETER WEBBER (2003)
Esta película es la adaptación de la novela de Tracy
Chevalier, que a su vez se basa en un cuadro de Johannes
Veermer. No es el cuadro, sino la chica que lo inspira la que
lleva el peso de la historia a mediados del siglo XVII.

La película muestra su gran desafío al transportar la
atmósfera y el misterio que inundan los lienzos del pintor al
celuloide, así como robar la mirada de la actriz que
encarna a la modelo del cuadro como lo hiciera el que la
retratara con sus pinceles.
DIFUSIÓN CULTURAL
La relación entre el pintor y la reprimida muchacha va ganando en intensidad al ir
ella descubriendo su pasión por la pintura y él encontrar la inspiración tan
perseguida.

DIFUSIÓN CULTURAL
Corre el año 1566. Creta ha sido ocupada por los
venecianos. Tras huir de la isla a causa de una matanza de
sublevados cretenses,el pintor Domenicos Theotocopoulos
«El Greco» llega a Venecia siguiendo a su amante,
Francesca da Rimi hija del gobernador veneciano en Creta.
Allí encontrará trabajo en el estudio de Tiziano, donde
pronto destacará sobre el resto de artistas y será
descubierto por un cazatalentos del gobierno de Felipe II.
También en Venecia trabará amistad con Niño de Guevara,
un sacerdote español, con el que mantendrá una extraña
relación.
EL GRECO
DE IANNIS SMARAGDIS (2007)

DIFUSIÓN CULTURAL
En Madrid se enamora de Jerónima de las Cuevas, hija de
un noble militar, con quien convive y con quien tiene un
hijo. Se establecen en Toledo, donde el pintor conoce un
éxito fulgurante, codeándose con las más altas esferas
políticas y religiosas.
Juan Diego Botto, interpretando al Greco

Sintiendo una profunda repulsión de los actos cometidos
por la Santa Inquisición, El Greco, fiel a sus principios, no
duda en tomar partido en contra de ella, ganándose la
animadversión del propio Niño de Guevara. En esa misma
ciudad se reencuentra, años después, con su amigo
Guevara, ahora convertido en Gran Inquisidor.
DIFUSIÓN CULTURAL
Domenicos Theotokopoulos interpretado por Nick Ashdon, junto al inquisidor Niño de
Guevara interpretado por Diego Botto.
Después de ayudar a liberar a algunas de sus víctimas y de pintar un retrato del
Inquisidor donde lo muestra como un ser despreciable y cruel, El Greco será
juzgado por herejía. La clave de su liberación o de su condena está en manos de su
mayor enemigo: Niño de Guevara.

DIFUSIÓN CULTURAL
FUENTES
Breu, Ramon. "La historia a través del cine: 10
La transición del cine al mundo sonoro (1927-1928)
Wikipedia

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