1. Curicó
Diseño Gráfico
Cultura II
Profesora Mª Verónica Palma V.
Guía de estudio Antidiseño
(1960- 1990 aprox)
Temario:
1. Antidiseño
1.1 Descripción
2. Archigram
2.1 Contexto
2.1 Descripciòn
3. Superstudio
3.1 Contexto
3.2 Descripción
4. Archizoom Asociati
4.1 Descripción
5. Memphis
5.1 Contexto
5.2 Descripción
6. Estética kitsh
1. Antidiseño
El Antidiseño (también llamado Diseño radical o Contradiseño) fue una corriente arquitectónica
desarrollada entre los años 1960 y 1970 en Europa, representado principalmente por el grupo
inglés Archigram y los italianos Archizoom y Superstudio.
1.1 Descripción
En contra de los preceptos racionales que defendía el movimiento moderno se situó el
antidiseño, una tendencia que pretendía validar la expresión creativa individual a través del
diseño. Opuesto al racionalismo y a la primacía del diseño sobre la función social y cultural de
la arquitectura, el antidiseño puso énfasis en el estudio de las necesidades de los individuos
por sobre cualquier otra consideración.
En la década de los 60, el antidiseño se convirtió en una fuerza de vanguardia. En ese periodo
se formaron varios grupos de diseño radical. Así en Italia se formaron Archizoom, Superstudio,
Gruppo Strum y 9999. Todos consideraban que la modernidad había dejado de estar en
sintonía con la vanguardia. Había dejado de ser una fuerza cultural impulsora y estaba
sometida a los intereses industriales y, lo peor, a los diseños consumistas.
Radicalmente crítico con la tecnología avanzada y el consumismo ya establecido en la
sociedad, el movimiento del antidiseño defendía el diseño de evasión. Con sus provocadoras
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superestructuras intentaba demostrar lo absurdo del racionalismo llevado al límite. La creación
en 1974 de la Global Tools, una escuela de antiarquitectura y diseño, que buscaba nuevas
técnicas no industriales para potenciar la creación individual, marcó el final de la primera etapa
del antidiseño.
El pionero dentro de esta tendencia fue el grupo inglés Archigram (1961-1974), formado por
Peter Cook, Warren Chalk, Ron Herron, Dennis Crompton, Michael Webb y David Greene. El
nombre es una contracción de los términos ingleses Architecture y Telegram, y quería expresar
la idea de que enviaban un nuevo mensaje al anquilosado mundo arquitectónico. Inspirados en
la visión innovadora de arquitectos como Bruno Taut, Antonio Sant'Elia y Richard Buckminster
Fuller, así como diversas obras teóricas como Teoría y diseño en la primera era de la máquina,
de Reyner Banham (1960), este grupo creó una nueva perspectiva para la arquitectura del
futuro, marcada por el reciclaje y la portabilidad, así como el predominio de la tecnología. Sus
proyectos eran comercialmente inviables, por lo que quedaron en bocetos, planos y maquetas,
aunque influyeron poderosamente en las nuevas generaciones de arquitectos.
Los grupos italianos Archizoom y Superstudio surgieron en Florencia en 1966. Archizoom debía
su nombre a un explícito homenaje a Archigram, y estaba compuesto por Andrea Branzi,
Gilberto Corretti, Paolo Deganello y Massimo Morozzi. Superstudio estaba formado por Adolfo
Natalini, Piero Frasinelli y Cristiano Toraldo di Francia. Inspirados en el Art Nouveau, el art
déco, el pop-art y el arte kitsch, realizaron una serie de diseños de tono irreverente que
cuestionaban la funcionalidad y buen gusto del diseño anterior (como la Silla Mies, de 1969).
También concibieron proyectos de ciudades utópicas del futuro, donde la tecnología liberaría al
ser humano del trabajo manual.
Los tres grupos se disolvieron a mediados de los años 1970, aunque dejaron una clara
impronta en los siguientes movimientos arquitectónicos: el high-tech recobró su pasión por la
tecnología, y la arquitectura posmoderna continuó con su aversión al proyecto moderno
racionalista. Su idea dinámica de los ambientes urbanos influyó igualmente en la obra de Rem
Koolhaas, y su concepción de regeneración urbana fue retomada por los grupos West 8
(surgido en 1987) y Muf (nacido en 1993).
1.- Archigram
1.1 Contexto
Era un tiempo de cambios radicales en el mundo. John F. Kennedy fue elegido
presidente de los Estados Unidos en 1960. Las teorías filosóficas y antropológicas de Michel
Foucault, Roland Barthes y Claude Lévi-Strauss estaban siendo asimiladas por los libres
pensadores; así como las películas de Jean-Luc Godard, Federico Fellini y François Truffaut en
el cine. También fue un momento de grandes avances tecnológicos, cuando el cosmonauta
soviético Yuri Gagarin se convierte en el primer hombre en el espacio y el primer satélite
meteorológico se lanzó de Cabo Cañaveral. La fotocopiadora fue inventada, el láser y la píldora
anticonceptiva.
1.2 Descripción
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Archigram (término que combina la palabra ARCHItecture y
TeleGRAM) fue un grupo de jóvenes arquitectos de vanguardia
creado en la década de 1960 —principalmente en la Asociación
de Arquitectura de Londres-.
Este provocativo grupo se autoerige como
principal agitador de la arquitectura de su
tiempo y se mantendrá activo hasta 1974
poniendo como fundamento de sus planteamientos la cultura pop, la
aceptación del modelo consumista, el antidiseño, antiheroico y de
vocación futurista se inspiran en la tecnología con el fin de crear una
nueva realidad que fuese expresada solamente a través de proyectos
hipotéticos.
Los principales miembros del grupo fueron: Peter Cook, Warren Chalk,
Ron Herron, Dennis Crompton, Michael Webb y David Greene.
En el panfleto Archigram I publicado en 1961 exhibieron sus ideas. Proponían una arquitectura
profundamente tecnológica, realizada
con nuevos materiales enteramente
industriales, e indicativa de un modo de
vida despreocupado y utópico. Peter
Crook emitió una afirmación que puede
dar idea del temperamento del grupo:
“Los envases de comida congelada
son más importantes que Palladio”.
En efecto, en base a la creación de
módulos
de
plástico
y
metal
intercambiables, las estructuras inflables
o colgantes de Archigram permitirían la
libertad de acoplar elementos de
(fig. 2).
distintos tamaños. Su diseño más
consecuente (e irrealizable) fue la
archiconocida Ciudad Andante (Walking
City) en 1964 de Ron Herron (fig. 2).
Encargados de realizar una infraestructura ligera, con tecnología de punta, enfocado hacia
la tecnología de supervivencia, medios desechables, cápsulas espaciales y con la
imaginería del consumo masivo. Sus obras ofrecían visiones seductoras de una glamorosa
era futura de las máquinas; sin embargo, los temas sociales y ambientales fueron dejados de
lado. Sus propuestas se representaba en el lenguaje gráfico de los comics y del pop art,
realizaron propuestas de viviendas cápsulas, ciudades enchufables (plug-in-city), y ciudades
móviles con una morfología que surgía de la parafernalia tecnológica evocada en los
expresivos
dibujos,
llenos
de
tubos,
cables
y
patas
telescópicas.
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Las obras de Archigram basaban su sesgo futurista en la
obra del arquitecto italiano Antonio Sant'Elia y Richard
Buckminster Fuller fue también una importante fuente de
inspiración. Los trabajos de
Archigram sirvieron, a su vez,
como fuentes de inspiración de
trabajos posteriores como el
Centro Georges Pompidou (fig. 3),
hecho en [1971] por Renzo Piano
y Richard Rogers así como la obra
de Gianfranco Franchini y Future
fig. 3
Systems.
Sus miembros crearon la revista
ARCHIGRAM y organizaron exposiciones en el “Institute of
Contemporary Arts” de Londres para dar a conocer sus ideas y sus
proyectos, de los cuales
muy
pocos
fueron
realizados y la mayoría quedó en el papel.
Archigram se sirvió del lenguaje del cómic y del
collage para difundir sus propuestas: ciudades de
horizontes quebrados y coloristas, calles con
cadillacs, zepelines, y grandes anuncios de
colores. El mundo de Archigram fue algo así como
una enorme tienda de chucherías futurista. Se
trataba, evidentemente, de uno de los
innumerables golpes que la sobria arquitectura
moderna (Bauhaus, Mies Van der Rohe) habría
de sufrir en la segunda mitad del siglo XX para
que finalmente madurara el estilo posmodernista y
todas sus ramificaciones actuales.
Es por eso que el lenguaje de Archigram tiene sentido precisamente en su imposibilidad. Es una
arquitectura soñada, y en tanto que promisoria de algo inherente al inconsciente común (cierta
utopía consumista desprovista de sustrato crítico) tiene claros precedentes en la imaginería de la
música pop, en el cómic y en el cine de ciencia-ficción.
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fig.4
The Walking City – Ron Herron
Living Pod – David Greene
Warren Chalk, David
Greene
Suitaloon – Michael Webb
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2. El Superstudio
"El diseño como invención-el diseño como evasión"
2.1 Contexto
En la época de los 60 el diseño en Italia se encontraba en crisis, el modernismo comenzaba a
perder fuerza abandonando la innovación por un formalismo vacío que busca solo el marketing y
la producción, siendo la arquitectura la más afectada, puesto que, no existía un plan regulador
del uso del espacio o la seguridad para las construcciones. Es bajo este ambiente de caos que
movimiento como el anti diseño que cuestiona el "buen diseño" y lo puramente funcional de este,
y el diseño radical que procura el cambio de la actitud de las personas para así modelar el
ambiente que los rodea, generando diseños que respondan a las necesidades del momento
comienzan a influenciar la forma de abordar el diseño y el pensamiento frente a este de lo
jóvenes arquitectos de la época y es bajo estas bases que varios grupos de diseño italiano se
forman, Archizoom, Superstudio, Grupo Strum y 9999 fueron algunos de los grupos de diseño
radical que rechazaban la característica racional del movimiento moderno y la vida moderna en
si, donde el diseño era sometido a los intereses industriales siendo principalmente comercial y
consumista. Es por esto que la corriente buscaba un diseño de "evasión" tomando al surrealismo
como ejemplo de creatividad, el cual se inspiraba en las investigaciones de Sigmund Freud, y
que André Breton define en el Manifiesto del Surrealismo 1924, como "El dictado del
pensamiento, libre de todo control de la razón y toda preocupación estética o moral".
Entre el antidiseño y el diseño radical existe una leve diferencia, siendo el segundo mucho más
fuerte en la parte ideológica y preocupado de cómo la política y lo cultural afectan al diseño.
El sacco (Piero Gatti, Cesare Paolini, 1969) se considera como un diseño típico de este
movimiento, puesto que su forma (como las actuales "peras") permite al usuario adoptar
cualquier tipo de posición de descanso otorgándole una amplia libertad de uso al objeto, y se
puede observar cómo el pensamiento del anti-design prevalece frente a otro factores como la
calidad del asiento o la ergonomía del mismo.
2.2 Superstudio
El Superstudio fue un grupo arquitectónico italiano desarrollado entre los años 1966 y 1978.
Las inquietudes de Adolfo Natalini (nacido en 1941) y Cristiano Toraldo di Francia (nacido en
1941), compañeros de la Universidad de Florencia los estimula a fundar el mismo año de su
graduación en 1966 el grupo de antidiseño Superstudio, lugar de experimento y de vanguardia,
más tarde se les unirían Alessandro y Roberto Magris y Piero Frassinelli. El objetivo de esta
agrupación era la investigación teórica del urbanismo y el diseño de sistemas, describiendo
su obra con el lema "el diseño como invención- el diseño como evasión". El grupo busca con sus
obras, escapar de la vida cotidiana estipulando que todo objeto tiene además de una función
práctica una contemplativa ignorando al racionalismo que regía al diseño hasta el momento y
generando un quiebre para los diseños del futuro.
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El Superstudio al cuestionar el racionalismo busca generar en la ciudad un estado de igualdad
sin jerarquías sociales, sus ambiciosos proyectos de superestructuras como Il Monumento
Continuo apuntaban a un mundo menos consumista, dando a sus diseños una característica
menos funcional y más simbólica, el diseño de
ambientes básicos y neutrales para habitar sin
la necesidad de objetos y por lo tanto el
consumismo, recalcan su pensamiento utópico
de una igualdad social que nace a partir de la
forma en que se construye la ciudad. Si bien el
grupo
no
construye
sus
proyectos
arquitectónicos los revela al público a través de
provocativos fotomontajes, películas, muebles y
exhibiciones. En un comienzo en 1966 sus
diseños eran objetos fantásticos para la
producción en madera, acero, vidrio, ladrillo y
plástico, como la lámpara de mesa Gherpe,
luego comenzaron a trabajar en objetos más
funcionales como sillas, mesas siempre con un
diseño neutral manteniendo su postura crítica
frente a la cultura consumista. En 1969 la obra
critica Il Monumento continuo a través de
collages representaba el mundo cubierto por
una mega estructura que pasaba por sobre la
cuidad, como una extensa grilla que cubre sin
discriminación lo urbano y lo rural, la idea era
mostrar exageradamente como la globalización
comenzaba a unir al mundo mostrando que
esta mega estructura lo cubriría todo y
habitaríamos en un ambiente de igualdad
donde la cultura local seria absorbida en una
gran y única cultura global, una serie de
fotomontajes mostraban familias y personas en
su diario vivir sobre la grilla metálica que cubre
totalmente el paisaje volviendo a la tierra en un estado neutral, igual para todos.
Superstudio realiza una campaña de anti diseño con ideas
que se oponían totalmente al arte pop y a sus excesos por lo
que en 1970 presenta una línea de mobiliario de oficina
llamada Quaderna para Zanotta, el diseño de la mesa
cuaderna era muy geométrica en su forma y su estructura la
cubre una lamina plástica con un estampado de grilla en
blanco y negro lo que permitía que filas de estas mesas
dieran la apariencia de continuar hacia el infinito,
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además esta grilla buscaba un aspecto neutral que
seguía representando la idea anti consumista del grupo,
Quaderna, además de ser un diseño critico no dejaba de
ser un diseño funcional y práctico por lo que Zonatta la
sigue produciendo hasta el día de hoy.
En resumen lo que Superstudio trataba de comunicar a
través de sus diseños era que en la forma en que el
diseño global se estaba construyendo, como la
planificación de esta y las construcciones se estaban
haciendo, lo mejor era crear un ambiente que pudiera
unificar a todas las culturas, era necesario generar
espacios para habitar que fuesen funcionales y libres de
colores y de expresión individual, como la grilla que cubre la ciudad del Monumento Continuo.
Una frase de Torelado dice "es el diseñador quien debe reevaluar su rol dentro de la
pesadilla que a ayudado a crear” esta frase expresa el impacto cultural que genera el diseño y
la responsabilidad del diseñador sobre lo que crea y como esto afecta la forma en que las
personas vivirán y los ambientes que se generan en consecuencia, esta responsabilidad que se
le atribuye al diseñador se debería tomar muy en cuenta ya que el cómo se diseñe y para qué
se diseño un objeto provocarán inevitablemente un impacto en sus usuarios y depende de
nosotros que ese impacto sea positivo, por lo que la frase de Torelaldo es un lema que no se
debería olvidar, no sólo como un pensamiento correctivo de lo que ya se ha diseñado sino que
también preventivo de lo que se va a diseñar .
Inspirados en el Art Nouveau, el Art Déco, el Pop Art
y el arte Kitsch, realizaron una serie de diseños de
tono irreverente que cuestionaban la funcionalidad y
buen gusto del diseño anterior. También concibieron
proyectos de ciudades utópicas del futuro, donde la
tecnología liberaría al ser humano del trabajo manual.
En 1972 Superstudio participa junto a otros grupos de
diseño italiano de la exhibición Italia: nuevo paisaje
domestico en el Museo de Arte Moderno en Nueva
York, donde se expusieron diseños de la época que
representaban en el diseño radical y el anti diseño, seis
años después de esta exhibición el grupo se disuelve
pero los fotomontajes y dibujos de Superstudio
actualmente forman parte de la colección permanente
en el Pompidou Center en París y en el MOMA de
Nueva York.
Proyecto de ciudad futurista. Super Studio 1970.
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3. Archizoom Associati
“Desde la ola pop a la superficie neutra”
El grupo Archizoom, fundado en
Florencia en 1966 y disuelto en 1974, es
uno de los máximos exponentes de la
arquitectura radical en Italia. De hecho, el
nombre del grupo rinde homenaje al
grupo inglés Archigram, la única
influencia que reivindica junto con la de
los austriacos Walter Pichler y Hans
Hollein. La onomatopeya «zoom», con su
connotación de velocidad, remite al
universo ficcional y popular del cómic y el
arte pop inaugurado por los miembros de
Archigram..
Estaba compuesto por los arquitectos
Andrea Branzi, Gilberto Corretti, Paolo
Deganello y Massimo Morozzi, y los
diseñadores Dario Bartolini y Lucia
Bartolini.
Archizoom (Andrea Branzi, Massimo Morozzi, Gilberto,
Corretti, Pablo Deganello, Morozzi Lucía, Dario Bartolini),
1970-72 ciudad NoStop
Archizoom participa en exposiciones como Superarchitettura
[Superarquitectura] (1966), las ediciones XIV y XV de la Trienal de
Milán (1968 y 1973) y la
exposición Italy: The New
Domestic Landscape [Italia:
El
nuevo
paisaje
doméstico], organizada por
Emilio Ambasz en el MoMA
de Nueva York (1972). Por
último, los miembros de
Archizoom formaban
parte del grupo que
en 1973 fundó Global
Tools, una contraescuela
de
arquitectura y diseño
que
defendía
el
desarrollo libre y la
creatividad individual
Archizoom Associati "No-stop City", internal
landscapes, 1970
Archizoom Associati "Presagio di
rose" dream bed, 1967
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Archizoom Associati Ciudad _Future
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Archizoom Ciudad Associati_Future
ARCHIZOOM ASSOCIATI SAFARI SOFA, 1967
Archizoom Associati_Ame silla
Associati_Andrea Archizoom Branzi
Archizoom Associati_Mies
chair_Poltronava
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4. Memphis
4.1 Contexto
A mediados de los años sesenta, se produce una crisis al diseño. La crítica por el funcionalismo
se agudiza principalmente en la arquitectura y el urbanismo, donde algunos de estos principios
fueron mal aplicados. En esta época, tanto en estudios como en artículos (Alexander
Mitscherlich, Theodor W. Adorno, Heide Berndt, Alfred Lorenzer, Klaus Horn y Gorsen), se critica
al funcionalismo por crear entornos construidos en serie, llegando a ser caracterizados de
opresores y violadores de la psique humana. Abraham Moles en su Carta Magna del
funcionalismo (1968) plantea que éste debía concebirse de forma aún más rígida, al ver estas
críticas como amenazas de una sociedad opulenta. De esta crisis surgiría el pluralismo en el uso
de teorías y metodologías para diseñar y, por ende la actual búsqueda de nuevas y variadas
orientaciones.
Las economías habían superado la devastación de la segunda guerra mundial. Surgen en esa
época nuevos consumidores orientados a la búsqueda de diversión. La estética del pop que
privilegiaba lo desechable y lo temporal conduce a un cambio en los diseñadores, muchos de los
cuales se rinden a modas pasajeras y al mercado.
A finales de los 70‟ y principios de los 80‟, el diseñador toma conciencia de su profesión.
Mientras los arquitectos discutían la validez de un estilo, los diseñadores pensaban en la crisis
del petróleo, el costo de los plásticos y el interés de la sociedad por el medioambiente. El diseño
se independiza de la arquitectura y retoma su función social y su relación con la industria. Este
hecho se verifica por primera vez en la exposición del grupo Memphis organizada en Milán en
1981. La primera muestra de diseño de muebles y accesorios que no contaba con el apoyo de la
arquitectura. El impacto que tuvo esta muestra a nivel internacional en los diseñadores dio
origen al Nuevo Diseño. Este movimiento no se orientó a las exigencias de la producción en
serie, ni a la satisfacción de las necesidades humanas sino, más bien, a la expresión del espíritu
de la época. Diseñaron muebles individuales y
creativos, piezas únicas que se fabrican en series
limitadas, casi artesanalmente, orientadas a un alto
sector adquisitivo. La línea de separación entre el
arte y el diseño desapareció, llegando a exponer
muchos de estos objetos en galerías como si
fuesen obras de arte. El lema “la forma sigue a la
función” fue reemplazado por “la forma sigue a la
diversión”, ahora todo era posible.
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4.2 Descripción
El
Grupo
Memphis
fue
un
movimiento de arquitectura y diseño
industrial muy influenciador de los
años 1980s.
El grupo fue fundado por Ettore
Sottsass en diciembre de 1980, y se
resolvió que los integrantes se
reunirían otra vez con sus diseños
en febrero de 1981 El resultado fue
un debut altamente aclamado en el
"Salone del Mobile" (En español,
Salón del Mueble) de Milán, la feria
de mobiliario más prestigiosa del
mundo.
El grupo, que contó eventualmente
con Michele de Lucchi, Matteo Thun, Javier Mariscal, Marco Zanini, Aldo Cibic, Andrea Branzi,
Barbara Radice, Martine Bedin, George J. Sowden y Nathalie du Pasquier, se disolvió en 1988.
El movimiento era una reacción contra los diseños "caja negra" post-Bauhaus de los 1970s y
tenía un sentido del humor del que carecían los diseños negros, pulidos y aburridos de esa
época. Una época de minimalismo, en la que los productos tales como máquinas de escribir,
edificios, cámaras, vehículos lucían todos parecidos y carecían de personalidad e individualismo.
En cambio, Memphis ofreció piezas brillantes, coloridas e
impactantes. Los colores que usaban contrastaban con los
negros oscuros y marrones del mobiliario Europeo. La
palabra Buen Gusto no se asociaba normalmente con los
productos de Memphis. Esto hacía sugerir que el diseño
de Memphis era muy.superficial, aunque el grupo intentó
desarrollar una nueva y creativa aproximación al diseño.
Los miembros de la original de 1981
colectiva en el Tawaraya Memphis boxeo
pozo anillo-cum-conversación.
Diseñador: Masanori Umeda.
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El 11 de diciembre de 1980, Ettore Sottsass organizó una reunión con algunos diseñadores
famosos, para formar un grupo de diseño colaborativo. Se llamó Memphis después de que la
canción de Bob Dylan, "Stuck Inside of Mobile with the Memphis Blues Again" sonara
repetidamente durante esa tarde.
El grupo Memphis fue un movimiento de arquitectura
y diseño industrial que surgió en 1980; su creador fue
Ettore Sottsass y su debut se dio en el Salón del
mueble de Milán, la feria de mobiliario con más
prestigio a nivel mundial.
Es un movimiento que iba en contra de los diseños
post-Bauhaus de los años 70, y tenían un sentido del
humor implantado en sus objetos. Se crean muchas
piezas brillantes, coloridas e impactantes, pero no
siempre eran
consideradas
de buen gusto.
Su inspiración
viene
Ettore Sottsass, estantería “Calton” (Memphis),
1981
principalmente
del Art Decò y
el Pop Art y los conceptos planteados en este grupo iban
en total oposición con el "buen diseño" de Alemania. La
obra de Memphis recibía una serie de influencias muy
eclécticas, y con sus motivos atrevidos y formas
estrafalarias, se burlaba de la noción de "buen gusto".
El grupo Memphis, integrado por diseñadores italianos
militantes del diseño radical, la vanguardia y de otros equipos de diseño como Studio Alchimia,
produjeron monumentales y vistosos diseños "neopop" que causaron gran sensación a nivel
mundial desde 1981.
Memphis contribuyó durante los años ochenta a la comprensión del Posmodernismo como estilo
internacional, puesto que los diseños posmodernos abrazaban el pluralismo cultural de la
sociedad global contemporánea y utilizaban un lenguaje simbólico concebido para trascender
fronteras.
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5. Estética Kitsh
La palabra kitsch se origina del término alemán yidis etwas verkitschen.
Define al arte que es considerado como una copia inferior de
un estilo existente. También se utiliza el término kitsch en un
sentido más libre para referirse a cualquier arte que es
pretencioso, pasado de moda o de muy mal gusto, cursi.
Aunque su etimología es incierta, está ampliamente difundido
que la palabra se originó en el arte de Múnich entre los años
1860 y 1870. El término era usado para describir los dibujos y
bocetos baratos o fácilmente comercializables.
Otra palabra alemana kitsch está asociada al verbo kitschen,
que significaba „barrer mugre de la calle‟. El kitsch apelaba a
un gusto vulgar de la nueva y adinerada burguesía de Múnich
que pensaba, como
muchos nuevos
ricos, que podían
alcanzar el status que envidiaban a la clase tradicional
de las élites culturales copiando las características
más evidentes de sus hábitos culturales.
Michael Jackson and Bubbles,1988
de Jeff Koons
Balloon Flower Magenta and Blue
De Jeff Koons
Lo kitsch empezó a ser definido como un objeto
estético empobrecido con mala manufactura,
significando más la identificación del consumidor con
un nuevo status social y menos con una respuesta
estética genuina. Lo kitsch era considerado
estéticamente empobrecido y moralmente dudoso. El
sacrificio de una vida estética convertida en
pantomima, usualmente, aunque no siempre, con el
interés de señalar un status social.
Puppy, 1997 a las afueras del museo Guggenheim en Bilbao,
España.
De Jeff Koons
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Tal vez un ejemplo clásico de ello es la arquitectura y el arte decorativo desarrollado en el área
de Los Ángeles en California durante las décadas 10 al 30 del siglo XX, cuando la zona vivió un
gran desarrollo económico debido a la agricultura y el éxito de la industria cinematográfica de
Hollywood, lo que creó una generación de gente emigrada de Europa recién adinerada que
intentaron recrear el estilo de los nobles europeos. Esto dio pie a la creación de mansiones en
las que se mezclaban caóticamente estilos como el barroco, florentino, gótico y el rústico usado
en las misiones de la misma California. Este estilo fue llamado Californiano; en la decoración se
crearon piezas estrambóticas, como chimeneas de más de tres metros de altura, falsos escudos
nobiliarios, tapetes de oso, espejos gigantescos con marcos de falsa madera tallada estofada
realizados en plástico o cuadros idílicos de falsos antepasados que decoraban sus paredes. Se
llegó al exceso de comprar antiguos castillos europeos que eran trasladados piedra por piedra a
los Estados Unidos o bien comprar títulos nobiliarios en subasta.
Kitsch japonés: el gato Maneki - neko
Theodor Adorno percibía esto en términos de
lo que él llamaba la industria cultural, donde
el arte es controlado y planeado por las
necesidades del mercado y es dado a un
pueblo pasivo que lo acepta. Lo que es
comercializado es un arte que no cambia y
que es formalmente incoherente, pero que
sirve para dar a la audiencia ocio y algo que
mirar. El arte - para Adorno - debe ser
subjetivo, cambiante y orientado contra la
opresiva estructura del poder. Él clamaba que
el kitsch es parodia de la catarsis, y también
parodia de la conciencia estética.
Diseño de portada de disco. Inspirado en el "Kitsch"
17. Curicó
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Se denomina así a objetos caracterizados por
supuesta inautenticidad estética y su formalismo
efectista, que persigue una gran aceptación comercial.
El kitsch, como categoría artística, funciona dentro del
contexto aristocrático y enjuiciador que determina un
“buen” y un “mal” arte... cuanto más productos kitsch
hayan, más brillará la apreciación de la autenticidad del
arte, como sello de garantía del mismo.
De este modo, se establece que el kitsch no es algo
simplemente alejado del arte, sino su antítesis: este
estilo posee las características extrínsecas de aquél,
pero funciona como su negación.
La esencia del kitsch, para los moralistas del arte,
consiste en la sustitución de la categoría ética con la
categoría estética: el artista o realizador se impone
generar no “un buen trabajo”, sino un trabajo
“agradable”, dado que lo que más importa es el efecto.
El kitsch, según el concepto común que se tiene del
“Hecho en China” Bruna Truffa
mismo, no pretende ni pide nada más a los
espectadores que su dinero, ni siquiera su tiempo (tiempo aplicado a la reflexión de la obra, por
ejemplo).
Aunque, aún hoy en día, todavía a la producción de kitsch se le mira en menos,
considerándosele una forma de mentira artística, cabe resaltar que los intelectuales se
encuentran en un proceso de re valoración de este estilo, preguntándose si existe efectivamente
una diferencia real entre arte y kitsch; esto a raíz de, por ejemplo, la constatación de paralelos
tales como que las vanguardias funcionan imitando los procesos del arte, y el kitsch imitando sus
efectos, y de que el kitsch sería la otra cara de la moneda artística: en una sociedad en la que el
único lenguaje estético que reciben las masas está modulado „en clave kitsch‟, se debe
reflexionar profundamente sobre su reivindicación. De este modo, el “arte” y el “kitsch”
comienzan a olvidarse como dos polos opuestos y antagónicos.
