T5 el arte gótico

ÍNDICE
1. LOCALIZACIÓN Y EVOLUCIÓN ARTÍSTICA
2. REFERENTES HISTÓRICOS
3. ARQUITECTURA
3.1. CARACTERÍSTICAS GENERALES
3.2. PRINCIPALES ESCUELAS Y OBRAS
4. ESCULTURA
4.1. CARACTERÍSTICAS GENERALES
4.2. PRINCIPALES OBRAS
5. PINTURA
5.1. CARACTERÍSTICAS GENERALES Y PRINCIPALES
ESCUELAS Y OBRAS

1. LOCALIZACIÓN Y EVOLUCIÓN
ARTÍSTICA

 El arte gótico nació en el norte de Francia, en concreto en la “Isla de
Francia” (París y sus alrededores) y desde allí se extendió por la Europa
occidental.
 Su gran medio de expresión fue la arquitectura y las vidrieras.
 No supuso una ruptura con el románico, sino un largo camino de
experimentación en las construcciones religiosas hasta culminar en la
catedral de Chartres, primera construcción plenamente gótica.

 A lo largo del siglo XIII ese nuevo estilo se fue extendiendo por Europa y las
catedrales se convirtieron en el orgullo de las ciudades.
 Como ya veremos, el gótico fue un estilo urbano que desplazó al estilo
románico (modelo impuesto por monjes y señores feudales desde sus
monasterios y castillos).
 Y con el auge de las ciudades y las nuevas necesidades, la arquitectura fue
ampliando su variedad tipológica: si en la Alta Edad Media (época feudal) las
iglesias y los monasterios se convirtieron en el principal tipo de edificación,
durante la Baja Edad Media (época del renacer urbano) las catedrales
fueron importantes, pero también aparecieron nuevos modelos
arquitectónicos como los palacios, las casas consistoriales, las lonjas,…

 Hay que recordar que el término “gótico” fue introducido a mediados del
siglo XVI por los artistas renacentistas como un término peyorativo para
referirse a un tipo de arquitectura medieval que condenaban y atacaban por
parecerles “bárbara” e inferior (pensaban, erróneamente, que era un arte
inventado por las tribus godas que habían causado la destrucción y el olvido
de la cultura clásica).
 Esta idea de superioridad del Renacimiento estuvo vigente durante siglos y
no fue hasta el siglo XIX cuando empezó a reivindicarse la importancia de
este estilo. Fue entonces cuando el “estilo gótico” pasó a hacer referencia a
las expresiones artísticas de toda una época (la Baja Edad Media).

 Aunque en líneas generales el arte gótico quedó fijado entre mediados del
siglo XII y las primeras décadas del siglo XIV, la gran variedad de escuelas
hace difícil establecer una evolución general para todos: así por ejemplo,
mientras en España los modelos góticos llegaron hasta principios del siglo
XVI, en Italia a principios del siglo XV el gótico fue sustituido por un modelo
artístico diferente (el Renacimiento).
 En todo caso, los historiadores suelen dividir la evolución cronológica del
arte gótico (especialmente en la arquitectura) en tres períodos:
 El período inicial (segunda mitad siglo XII – principios siglo XIII):
partiendo de modelos románicos se va observando la evolución hacia la
configuración de las nuevas formas góticas.
 El gótico pleno (siglos XIII – XIV): el nuevo lenguaje artístico está ya
establecido y se extiende por Europa.
 El gótico flamígero o gótico final (siglo XV – XVI): se pierde la
armonía formal de la etapa anterior y se va imponiendo la exuberancia
ornamental.

 A finales del siglo XI y a lo largo del siglo XII la Europa occidental
experimentó un importante crecimiento: aumentaron los rendimientos
agrarios (la rotación trienal sustituyó a la rotación bienal), se produjo el
consecuente crecimiento demográfico,…
 Todo esto facilitó que, poco a poco, la sociedad europea fuera entrando en
una fase de evolución económica, política y cultural que se vio reflejada
principalmente en el desarrollo de los burgos (LAS CIUDADES).
 Los centros urbanos empezaron a convertirse en núcleos vitales repoblados
y enriquecidos por el florecimiento del artesanado y del comercio, dando
lugar a la aparición de un nuevo grupo social, LA BURGUESÍA.
 Este nuevo grupo social, que vivía en las ciudades y de actividades no
relacionadas con la agricultura, dinamizó la economía y poco a poco facilitó
que la cultura, hasta entonces controlada por los monasterios rurales, fuera
pasando a manos de las órdenes mendicantes de las ciudades (órdenes
religiosas que vivían de la caridad y que se crearon para escapar del lujo y
riquezas en que habían caído muchos monasterios benedictinos).

 Esta reforma buscando la vuelta a la tradición monástica inicial de pobreza y
estudio la inició en el siglo XII la Orden del Císter.
 La reforma cisterciense llevó a la creación en las ciudades de nuevas
órdenes (destacaron los franciscanos y los dominicos), que fueron creando
escuelas y universidades y que acabaron convirtiendo a las ciudades en el
nuevo foco cultural y de enseñanza en Europa.
 De esta manera, si el arte románico fue la expresión artística de la Alta Edad
Media, una Europa rural y con una organización feudal, poco a poco fue
apareciendo un nuevo estilo, el gótico, que se convirtió en la expresión
artística que caracterizó a la Baja Edad Media, una Europa caracterizada por
el renacer urbano y por la aparición de un nuevo grupo social, la burguesía,
que se convirtió en el dinamizador de la vida urbana de las ciudades.
 Fue un proceso lento, de ensayo y experimentación, que acabó en la
aparición de un nuevo lenguaje artístico sobre las bases del anterior.
 Así, el estilo gótico pleno lo encontramos ya en el siglo XIII.

 La gran crisis de mediados del siglo XIV (hambrunas, guerras y
especialmente la Peste Negra de 1348) produjo un descalabro demográfico
y económico en las ciudades.
 Este hecho afectó a la visión que se tenía de la vida y en el arte afectó
especialmente a las artes plásticas (escultura y pintura).
 La vivencia religiosa más espiritual fue sustituyéndose por una vivencia más
humana y sentimental: en escultura y en pintura ese cambió quedó
plasmado en el mayor naturalismo de las figuras (nueva concepción del
cuerpo humano como algo bello y que merece ser representado en toda su
belleza) y en la ampliación de las temáticas.
 Igualmente, la crisis del siglo XIV llevó a la aparición de una nueva corriente
de pensamiento, EL HUMANISMO, que dio lugar a una visión del mundo
basada, ante todo, en la experiencia individual del ser humano y en la
reflexión crítica (dos de los pilares fundamentales sobre los cuales se edificó
la época renacentista).

3. ARQUITECTURA
3.1. CARACTERÍSTICAS
GENERALES

 El arte gótico tuvo en la arquitectura su principal expresión artística.
 Las catedrales fueron, sin duda alguna, las construcciones más
importantes (se convirtieron en el motivo principal de orgullo para las
ciudades que las tenían).
 Pero la arquitectura civil también tuvo mucha importancia en este período,
principalmente a partir del siglo XIV.
 En general, el gótico civil siguió la misma evolución estilística que el
religioso, pero complicando cada vez más los arcos y las bóvedas y las
ornamentaciones y prefiriendo la horizontalidad de los edificios (las
catedrales se caracterizaron por la búsqueda de la verticalidad).

 Respecto a la planta de las catedrales, señalar que es muy similar a la
de las iglesias románicas y estas son sus principales características:
 se divide en tres o cinco naves longitudinales (la nave central, más
alta y más ancha que las naves laterales).
 toma la forma de cruz latina gracias al TRANSEPTO (una o varias
naves que cruzan perpendicularmente el cuerpo longitudinal). La
diferencia con el románico es que el transepto apenas queda
marcado.

 La fachada suele estar enmarcada por dos grandes torres (forma
en H).
 No suelen tener NÁRTEX de entrada (elemento románico que va
desapareciendo).
 el espacio interior (nave central y laterales) se articula en TRAMOS,
marcados por los arcos y la bóvedas.
 la cabecera del edificio (la parte más importante del templo, pues
allí se celebra la liturgia) está formada por el TRANSEPTO (como
ya se ha comentado, apenas marcado en planta), el PRESBITERIO
(donde se situaban el coro y el altar) y el ÁBSIDE.
 el punto en que se cruzan la nave central del eje longitudinal y el
transepto se denomina CRUCERO (suele estar cubierto por una
torre o CIMBORRIO, rematado con una aguja).

 el ábside es la parte
de planta semicircular
que cierra el edificio:
suele tener
DEAMBULATORIO o
GIROLA (corredor que
prolonga las naves
laterales y rodea el
presbiterio; en ocasiones
girola doble).
 el ábside suele estar
rematado de capillas
radiales o ABSIDIOLAS
(ábsides secundarios
adosados al
deambulatorio).

 Respecto al alzado hay que señalar que la nueva espiritualidad religiosa y
las innovaciones técnicas y constructivas permitieron levantar edificios más
altos y más luminosos (en el gótico, el sentido ascensional de las formas y
la intensa luminosidad del interior de los edificios trataron de recrear el
espacio ideal para acercarse a un Dios más humano).
 Todo ello llevó a unos edificios caracterizados por:
 el principal elemento sustentante son los PILARES (suelen ser
cruciformes y con columnas adosadas).
 los pilares sostienen ARCOS APUNTADOS u OJIVALES, que dan
origen a la gran innovación técnica del gótico, la BÓVEDA DE
CRUCERÍA (utilizada por primera vez en la catedral románica de
Durham).

 la BÓVEDA DE CRUCERÍA es el resultado del cruce entre arcos
apuntados que forman el esqueleto de nervios; el espacio entre los
nervios se rellena con material ligero de relleno. La clave de la bóveda
es la dovela central que la cierra (en el arte islámico ya se utilizaba este
tipo de bóveda, la bóveda califal, pero los nervios no se cruzaban en el
centro).

 las tensiones de la bóveda de crucería son contrarrestadas :
 en el interior por PILARES: los nervios de la bóveda suelen
prolongarse en BAQUETONES o COLUMNILLAS ADOSADAS a lo
largo de los fustes de los pilares hasta el suelo.
 en el exterior con ARBOTANTES y CONTRAFUERTES (los
arbotantes es un elemento estructural exterior que a modo de
tirantes recoge la presión en el arranque de la bóveda y la transmite
a un contrafuerte, que está adosado al muro de una nave lateral).

 Por tanto, los muros ya no soportan totalmente la cubierta, de manera
que en sus paredes se pueden abrir grandes ventanales (decorados
con VIDRIERAS y TRACERÍAS CALADAS) que potencian la
luminosidad interior.
 El muro también se aligera en el alzado interior de los edificios (con
arcadas, triforio y claristorio) y en las fachadas (con un gran ventanal
circular vidriado: el ROSETÓN).
 Como se acaba de decir, la organización del alzado interior de las
catedrales góticas sigue su precedente románico: arcadas en un primer
nivel; en un segundo nivel, sobre las naves laterales, el TRIFORIO
(pasadizo con arquerías que sustituye a la tribuna románica); y en un
tercer nivel el CLARISTORIO (cuerpo de ventanales).
 Por último, toda una serie de elementos decorativos en el exterior con el
objetivo de realzar y acentuar la altura de la construcción: AGUJAS,
CHAPITELES (remate piramidal), PINÁCULOS (remates cónicos),
GABLETE (remate en forma triangular que suele situarse encima de las
puertas de las fachadas).

 Ya se ha comentado que el gótico nació en Francia y que desde allí se
extendió por Europa occidental.
 Las características que se han comentado son típicas de los edificios
franceses; en la mayoría de los diversos territorios donde se realizó este
nuevo estilo se siguieron más o menos fielmente los elementos analizados.
 Pero se puede hablar de ciertas particularidades regionales y diferenciar así
entre el gótico francés, el gótico inglés, el gótico de la Corona de Castilla, el
gótico de la Corona de Aragón, el gótico italiano (éste será el más particular
de todos los estilos góticos que se realizarán en Europa),...

3.2. PRINCIPALES ESCUELAS
Y OBRAS

 Los primeros edificios del gótico francés, también llamado “gótico
septentrional” aparecieron en la segunda mitad del siglo XII.
 Los edificios franceses se caracterizaron por la importancia de la verticalidad
y de la iluminación interior.
 Los principales construcciones son del siglo XIII.
 Fue un estilo que se expandió bastante fielmente por Inglaterra y por la
Corona de Castilla.
 La evolución a partir de la segunda mitad del siglo XIII en Francia fue la de
buscar cada vez mayor altura y mayor luminosidad de las catedrales (los
muros se redujeron ostensiblemente dando paso a las vidrieras): se conoce
como el “gótico radiante”.
 Ya a partir del siglo XV se tendió a complicar la tracería, las bóvedas y la
ornamentación dando lugar a lo que se conoce como el “gótico flamígero”.

Catedral de Nôtre-Dame de París.
 1163 – 1225.
 Pierre de Montreuil y
Jean de Chelles (por
encargo del obispo
Maurice de Sully).
 5 naves.
 Doble girola.
 Transepto no queda
marcado en planta.
 Doble girola.
 Destacan los poderosos arbotantes y los contrafuertes.
 El crucero cubierto con una aguja (para resaltar la verticalidad).

 La fachada subraya los valores
horizontales mediante una división
proporcionada en diferentes sectores
rectangulares. Dos bandas
interrumpen enérgicamente la
verticalidad: la galería de los reyes
sobre el portal y una galería de
columnas en la base de las torres,
que parece proseguir la tradición
románica de las galerías ciegas.
 Se intenta equilibrar la verticalidad de
las dos torres, que se corresponden
con las dobles naves laterales del
templo, con la horizontalidad de las
dos bandas señaladas.

Catedral de Nôtre-Dame de Chartres.
 1191 – 1220.
 Maestro de Chartres.
 Reconstruida sobre
un edificio románico
anterior del que sólo
queda la fachada
occidental).
 Tres naves.
 Doble girola.
 Con dos chapiteles
diferentes en las
torres de la fachada.

Catedral de Reims.
 1211 – 1311.
 Autor desconocido.
 Culminación del gótico pleno
francés.
 Tres naves.
 Transepto de tres naves.
 Gran cabecera.
 Tracería calada en los ventanales.

Sainte-Chapelle de París.
 1241 – 1248
 Ejemplo de “gótico radiante”.
 Dos plantas: la inferior de tres
naves a penas perceptibles en
planta; la superior de una sola
planta.
 La planta superior es un prodigio
de luminosidad (el muro
prácticamente desaparece y las
vidrieras lo envuelven todo.
 El rosetón es flamígero.
 Sus dimensiones reducidas no
hacen necesarios los arbotantes.

 Las catedrales inglesas siguen algunas de las características de las
edificaciones francesas: arcos de medio punto, bóvedas de crucería,
fachadas en H con dos grandes torres, gran altura de la nave central
respecto a las laterales,…
 Pero también tendrán particularidades regionales:
 doble transepto.
 la cabecera suele ser cuadrada.
 poca elevación de los edificios.
 se resalta la horizontalidad.
 no utiliza arbotantes (suficiente con los muros y los contrafuertes).
 los nervios de las bóvedas se multiplican (más intención estética que
estructural).

Catedral de Lincoln.
 1185 – 1311.
 Se reducen los portales y se
destaca la altura de la nave central.
 Alineamiento regular de elementos
idénticos.
 Profusión de arquerías.
 Doble transepto.
 Multiplicación de
nervios en las bóvedas.

Abadía de Westminster.
 Siglos XIII – XIV.
 La más fiel al modelo francés en
toda Inglaterra.
 Tracería calada en las ventanas.
 Portada en H.

EL GÓTICO EN LA PENÍNSULA
IBÉRICA

 En la época en que se desarrolló el arte gótico, la Península Ibérica estaba
dividida en cinco reinos: la Corona de Castilla, la Corona de Aragón, el reino
de Navarra, el reino de Portugal y el reino nazarí de Granada.
 El arte gótico tuvo especial desarrollo en las Coronas de Castilla y Aragón.
 En la Corona de Castilla la influencia francesa del “gótico septentrional” fue
clara, de hecho sus construcciones presentan las mismas características :
buscan la verticalidad (la consiguieron con la utilización del arco apuntado y
la bóveda de crucería) y el simbolismo lumínico (se abrieron grandes
ventanales con vidrieras).
 En la Corona de Aragón la influencia también fue francesa, pero de las
construcciones del sur de Francia, del llamado “gótico meridional” que tenía
algunas particularidades: se potencia la línea horizontal antes que la
verticalidad, se prefiere la nave única o naves al mismo nivel (planta-salón),
se abren capillas interiores en los contrafuertes, baquetones con capitel
único, pilares/columnas octogonales, se reducen los elementos decorativos
como pináculos o gabletes,…

 El siglo XIII fue la etapa clásica del gótico castellano, donde se construyeron
las catedrales más representativas.
 En la Corona de Aragón las principales construcciones, tanto religiosas
como civiles, se realizaron durante el siglo XIV.
 El siglo XV fue un período prolífico en construcciones de estilo gótico,
especialmente de edificios religiosos en la Corona de Castilla (siguiendo el
“gótico flamígero”) y de edificios civiles en la Corona de Aragón.
 Incluso en las primeras décadas del siglo XVI, en la Corona de Castilla se
siguió construyendo según los modelos góticos.

Catedral de Tarragona.
 Finales siglo XII – siglo XIII.
 Gótico inicial (de las primeras
en la península).
 Se pensó realizar siguiendo el
estilo románico, pero se acabó
siguiendo el estilo gótico.
 Construcción horizontal, con
remate triangular sin ninguna
relación con el interior.

 Tres naves.
 Bóvedas de crucería de estilo
gótico.
 Pocos ventanales (escasa
iluminación interior).

Catedral de Cuenca.
 Siglo XII.
 Gótico inicial.
 Planta de cruz latina.
 Transepto de nave única.

Catedral de Burgos.
 1221 – 1260.
 Maestro de las Huelgas
y maestro Enrique.
 Clara influencia francesa, aunque
falta de altura y alzado más cerrado
(menos ventanales y más muro).
 Planta de cruz latina (sobresale el
transepto de nave única).
 Tres naves.
 Presbiterio profundo de tres tramos.
 Con girola.
 Ábside rodeado de cinco capillas poligonales.

 Dos fases constructivas: el edificio
es del siglo XIII; los chapiteles de las
torres se construyeron el siglo XV.
 La fachada sigue el modelo francés
con tres cuerpos (las puertas de la
fachada, reformadas en el siglo XVIII
con un insípido neoclásico).
 En el interior, triforio sin apertura al
exterior y claristorio con pequeños
ventanales (reducen luminosidad).

Catedral de Toledo.
 Se inicia el 1226 y se acaba a finales del siglo XV.
 Varios autores.
 Elementos estructurales
góticos, pero a diferencia
de los modelos franceses,
no busca la verticalidad.
 Cinco naves en escalón.
 Doble girola.
 Grandes ventanales (gran
luminosidad).

Catedral de León.
 1255 – 1302.
 Maestro Enrique y maestro Juan Pérez.
 Mejor ejemplo del gótico francés en la
Península (la planta se inspira de la
catedral de Reims y la fachada de la
catedral de Chartres).
 Tres naves.
 Transepto apenas marcado en planta,
también de tres naves.
 Gran cabecera: presbiterio de dos naves,
con girola y con cinco capillas radiales de
forma trapezoidal,

 Gran altura de la nave central.
 Arcos ojivales, triforio y claristorio.
 Bóvedas de crucería.
 Pilares y baquetones.
 Vidrieras.

Catedral de Barcelona.
 Siglos XIV – XV.
 Varios autores.
 Tres naves de la
misma altura.
 Transepto no
marcado en planta.
 Con girola.
 Se abren capillas
en el interior de
los contrafuertes.
 Grandes pilares con baquetones de capitel único.

Catedral de Girona.
 Se inició en el siglo XIV.
 Varios autores.
 Nave única.
 23 m. de acho.
 Pequeño triforio.
 Se abren capillas en el
ábside y en el interior de
los contrafuertes.

Catedral de Santa María de Palma de Mallorca.
 Se inició a mediados del siglo XIV.
 Varios autores.
 Segunda catedral gótica
más alta de Europa (pero
no se nota por su gran
anchura).
 Tres naves.
 Sin transepto.
 Cabecera rectangular (con
un gran rosetón).
 Columnas octogonales.
 Doble hilera de arbotantes.

Iglesia de Santa María del Mar (Barcelona).
 Siglo XIV.
 Berenguer de Montagut y
Ramón Despuig.
 Tres naves de la misma
altura (planta-salón).
 Sin transepto.
 Austeridad decorativa
(prácticamente sin
decoración escultórica).
 En el exterior se resalta
la horizontalidad con dos
líneas de imposta.
 No hay arbotantes.

Catedral de Valencia.
 Se inició en el siglo XIV.
 Varios autores.
 Tres naves.
 Varios estilos (se inició con el estilo
románico y posteriormente al gótico
hay añadidos renacentistas, barrocos
y neoclásicos).
 Crucero cubierto con
un cimborrio octogonal.
 El campanario (el Miquelet) se
inició a finales del siglo XIV.

Catedral de Sevilla.
 Siglo XV.
 Varios autores.
 Cinco naves (las laterales
van reduciendo su
tamaño de manera
progresiva).
 Cabecera recta con
capillas cuadradas.
 Destaca por su
horizontalidad.
 Balcón sobre las
arcadas del interior.
 Complicación de los nervios de las bóvedas (“gótico flamígero”) .

Catedral Nueva de Salamanca.
 Principios siglo XVI.
 Juan Gil de Hontañón
y Antonio Egas.
 Planta rectangular
dividida en tres naves.
 Transepto no marcado
en planta.
 Cabecera plana.
 En el interior, grandes
pilares.
 En el exterior arbotantes
exagerados.
 Bóvedas estrelladas.

Castillo de Bellver.
 Siglo XIV.
 Pere Salvà (por orden de
Jaume II).
 De Planta circular.
 Patio de armas circular con
doble arquería (inferior con
arcos de medio punto y
superior con arcos apuntados).
 En Palma de Mallorca.

Torres de Serrano.
 Finales siglo XIV.
 Pere Balaguer.
 Una de las antiguas
puertas de la muralla
que rodeaba la
ciudad.
 En Valencia.

Palau de la Generalitat de Barcelona.
 Siglo XV.
 Pere Balaguer.
 Patio interior con
arcos ojivales.
 La fachada es posterior (de
estilo renacentista).

Lonja de Valencia.
 Finales siglo XV.
 Varios autores.
 Destacan las columnas
helicoidales.
 A la lonja (gótica),
se le añadió el
“Consulado del
mar” (renacentista).
 Función: para las
transacciones comerciales.

 En la Península Itálica, las influencias clásicas impidieron aceptar el gótico
en toda su pureza. De hecho, el estilo gótico sólo abarcó los siglos XIII y
XIV.
 Tanto la arquitectura religiosa como la arquitectura civil presentan muchas
peculiaridades (estilo muy particular dentro del conjunto del gótico europeo).
 Respecto a las edificaciones religiosas, las principales características son:
 marcada tendencia al uso de elementos clásicos grecorromanos.
 siguiendo la línea del románico italiano, los edificios se decoran sobre
todo con pintura (motivos geométricos en el exterior).
 rosetón enmarcado en una moldura cuadrada.
 en general, son construcciones horizontales, no buscan la verticalidad.
 carecen de girola en el interior y de arbotantes en el exterior.
 se inspiran en la planta basilical aunque mantienen la cruz latina.

 Respecto a las edificaciones civiles, destacaron sobre todo los palacios
urbanos, que también mantuvieron las influencias de los modelos clásicos.
 Dentro de los palacios urbanos italianos de esta época, hay que destacar
dos tipologías regionales:
 El palacio veneciano: abierto, sin defensa, en pleno centro urbano.
 El palacio toscano: con aspecto de fortaleza, con pocas ventanas,
muros con almenas y una gran torre (que despega del suelo y rompe
con la horizontalidad del resto del conjunto al que acompaña).

Basílica de Asís.
 Primera mitad siglo XIII.
 Templo franciscano.
 Una planta.
 Cruz latina.
 Austeridad exterior.
 Se resalta la horizontalidad.
 El interior se decora con
pintura.

Santa María Novella.
 Finales siglo XIII.
 Tres naves.
 Planta basilical (transepto a penas marcado).
 Cabecera con absidiolas
cuadradas.
 Decoración con pintura.
 Dovelas de los arcos
policromados.
 Fachada renacentista (Alberti).
 En Florencia.

Iglesia della Santa Croce.
 Arnolfo di Cambio.
 Tres naves.
 Se decora con pintura.
 Decoración y formas geométricas.
 Cubierta interior plana.
 En las naves laterales arcos
perpiaños
 En Florencia.

Catedral de Siena.
 Siglo XIV.
 Varios autores.
 Mármoles de colores.
 Elementos clásicos: arcos
de medio punto.
 Gabletes.
 Rosetón enmarcado.
 Decoración en pintura.

Catedral de Orvieto.
 Siglo XIV.
 Varios autores.
 Mármoles de colores.
 Tres naves.
 Elementos clásicos (arcos de
medio punto, galería de arcos).
 Gabletes.
 Rosetón enmarcado.
 Decoración (esculturas y pinturas)

Catedral de Santa María de las Flores (Florencia).
 Finales siglo XIII – siglo XIV.
 Mármoles de
colores.
 Tres naves.
 La cúpula es posterior
(la realizará
Brunelleschi y se
convertirá en la
primera obra del
Renacimiento y en
modelo a seguir).

Catedral de Milán.
 Varios autores.
 Mármol.
 Único edificio italiano
que seguirá el modelo
francés.
 Dimensiones enormes.
 Cinco naves longitudinales
y tres en el transepto.
 Crucero cubierto con aguja.
 Pináculos para resaltar la
verticalidad.

Palazzo del Comune de Siena.
 Siglo XIV.
 Palacio tipo toscano.

Palacio Vecchio o de la Señoría.
 Siglo XIV.
 Palacio tipo toscano.
 En Florencia.

Ca’ d’Oro.
 Siglo XV.
 Palacio tipo
veneciano.
 En Venecia.

Palacio Ducal.
 Siglo XV.
 Mármol.
 Palacio tipo
veneciano.
 En Venecia.

4. ESCULTURA
GENERALES

 La escultura gótica fue liberándose poco a poco de la férrea sujeción y
subordinación al espacio arquitectónico que había caracterizado a la
escultura románica.
 De todas maneras, se mantuvo estrechamente ligada a la decoración de los
edificios religiosos:
 siguiendo la tradición del románico, la escultura gótica se convirtió en el
principal elemento de ornamentación de las fachadas.
 aunque en el interior de los templos, la decoración escultórica se redujo
a los púlpitos (plataformas elevadas dentro de la iglesias desde donde
se predica) y a los retablos (estructura arquitectónica, pictórica y
escultórica que se sitúa detrás del altar en las iglesias).
 Las figuras fueron desarrollando, de manera paulatina, un marcado sentido
narrativo en la composición y en las figuras.

 La evolución de la escultura gótica se puede resumir de la siguiente manera:
 desde finales del siglo XII se fue observando en algunas fachadas una
mayor búsqueda de la belleza física y la serenidad.
 a lo largo del siglo XIII y XIV las figuras fueron ganando en naturalidad
y expresividad: se remarcaban los rasgos sentimentales y las figuras
eran más realistas.
 ya en el siglo XV se buscaba expresar sentimientos y despertar la
emoción del espectador.

 Desde el punto de vista formal, la escultura gótica se caracterizó por:
 la humanización de las figuras (se busca la captación de la belleza
física y de los sentimientos; se representa lo que de humano tiene la
divinidad).
 la estilización y redondeo de las figuras (se van desligando del marco
arquitectónico que les rodea).
 la elegancia de los movimientos.
 la captación de un cierto naturalismo en los gestos y en la expresión de
los rostros.
 una preocupación por la volumetría de los ropajes y los cuerpos.
 el uso de la policromía.

 Las figuras de las arquivoltas, las jambas y el parteluz comenzaron a
situarse sobre MÉNSULAS y cubiertas con DOSELETE (pequeña
estructura abovedada).
 Como ya se ha comentado, la escultura gótica siguió decorando los templos
religiosos, especialmente en las fachadas.
 I al igual que en las fachadas románicas, se situó en lugares concretos: los
tímpanos, las arquivoltas, las jambas, el dintel y el parteluz (o mainel) se
poblaron de estatuas que representaban temas religiosos (con cierta
intencionalidad didáctica).

 En la decoración escultórica de las fachadas, las temáticas más recurrentes
fueron el Juicio Final y la Virgen María, junto con la representación de
santos, profetas y ángeles.
 Con el mayor naturalismo de las figuras, la escultura gótica fue
independizándose del marco arquitectónico: ya en el siglo XIII esculturas
exentas (estatuas-columna) decoraban las jambas y el parteluz de las
portadas catedralicias; ese proceso se acentuó en el siglo XIV; y ya en el
siglo XV la escultura se hizo totalmente autónoma, apareciendo nuevas
tipologías:
 las imágenes de devoción exentas (de bulto redondo): en el proceso de
autonomía del marco arquitectónico destacó el escultor CLAUS
SLUTER.
 los sepulcros.
 los retablos (estructura arquitectónica, pictórica y escultórica que se
sitúa detrás del altar en las iglesias).

 Estas nuevas tipologías escultóricas utilizaban materiales muy diversos
(madera, piedra, alabastro) y solían tener elementos policromados y
dorados.
 En los sepulcros (que podían ser de posturas diversas: sedentes, yacentes,
orantes,…) se observa una fuerte preocupación por el realismo e interés por
la individualización de los rostros.
 Ese creciente realismo e interés por la individualización de los rostros, más
el interés por reflejar sentimientos, caracterizó también el desarrollo de las
figuras devotas del siglo XV.
 En los retablos se ve claramente la sobreabundancia de elementos
decorativos (elemento característico del último período del arte gótico).

 Al igual que la arquitectura, los modelos escultóricos del gótico nacieron en
Francia (siglos XII y XIII) y desde allí se extendieron por Europa occidental.
 El modelo francés fue ampliamente imitado en el resto de países europeos,
excepto en Italia.
 En este país, el trabajo escultórico, tradicionalmente desligado de la
arquitectura, exhibió un rico lenguaje expresivo en obras exentas, en
púlpitos de mármol (plataformas elevadas dentro de la iglesias desde donde
se predica) y en puertas de bronce, que muestran un estilo más inspirado en
la antigüedad clásica y con ciertas influencias bizantinas.
 La singularidad de la escultura gótica italiana tuvo en NICOLA PISANO y
GIOVANNI PISANO, padre e hijo respectivamente, sus mejores
representantes. También cabe citar a ANDREA PISANO (éste, que no era
pariente de los anteriores, realizó nuevos planteamientos que se consideran
la antesala del Renacimiento florentino del siglo XV).

Pórtico Real de la catedral de Nôtre-Dame de Chartres.
 Finales s. XII – principios s. XIII.
 Destacan la estatuas-columnas de las jambas (individualización rostros, …).

Portada central de la catedral de Nôtre-Dame de París.
 Hacia el 1220 – 1230.
 Iconografía: EL JUICIO FINAL.
 Tímpano dividido en tres
registros: en la parte superior
Cristo y dos ángeles; en el
siguiente se representa el
pesaje de la almas por parte
de San Miguel; en el registro
inferior se representan
resucitados.
 Figuras sobre ménsulas y
cubiertas con doselete.
 Figuras de las dovelas
colocadas de forma concéntrica.

Jambas de la catedral de Reims (La Anunciación y la Visitación).
 Entre 1230 – 1260.
 El grupo de la Anunciación:
la Virgen y el “Ángel sonriente”.
 El grupo de la Visitación:
María e Isabel.
 Figuras exentas.
 Ya se muestra relación
entre las figuras.
 Trata de mostrar sentimientos.
 Riqueza de los pliegues.

 El Pórtico de la Gloria (Catedral de Santiago de Compostela).
 Finales siglo XII.
 Maestro Mateo y su taller.
 Mármol y granito.
 En el tímpano, el Pantocrátor.
 En el parteluz, el apóstol.
 Los 24 ancianos del Apocalipsis en
las arquivoltas (figuras en sentido
radial).
 En las jambas, profetas y apóstoles.
 Es una obra románica, pero el naturalismo de las figuras (tratamiento
individualizado), la riqueza de los pliegues, la relación entre las figuras ya
anuncia el estilo gótico.

Pórtico de El Sarmental en la catedral de Burgos.
 Hacia el 1240.
 Autores de origen francés
desconocidos (encargo del
obispo Mauricio).
 En la fachada sur.
 Iconografía: EL JUICIO FINAL
(el PANTOCRÁTOR).
 Aparecen el Tetramorfos y la
representación de los cuatro
evangelistas como escribanos
sentados en sus atriles.
 La figura de Cristo (jerarquizada) aún muestra la frontalidad y rigidez
románicas, pero el resto de figuras ya están humanizadas y son más
naturalistas (plenamente góticas).

 En el dintel los 12 apóstoles
(cubiertos con un doselete corrido).
 En el parteluz la figura del
obispo Mauricio.
 En los laterales un zócalo con dos
galerías de arcos ciegos (en el
superior personajes bíblicos, hechos
posteriormente).
 Las figuras exentas se adaptan al
marco arquitectónico.
 Las figuras de las dovelas dispuestas
de manera concéntrica (sobre
ménsulas y cubiertas con doselete).
 Las figuras se relacionan entre ellas.

Pórtico de la catedral de León.
 Segunda mitad siglo XIII.
 Iconografía: EL JUICIO FINAL.
 Tímpano dividido en tres
registros horizontales.
 Destaca la figura del parteluz:
LA VIRGEN BLANCA.
 Muestra una Virgen más
humanizada, un niño más
vivaracho, riqueza de los
pliegues, en definitiva, un
modelo más naturalista y
más próximo al hombre.

Medallón de San Jorge.
 Siglo XV.
 Pere Johan.
 Piedra.
 En el Palau de la
Generalitat de
Barcelona.

Púlpito del Babtisterio de Pisa.
 Nicola Pisano.
 Planta hexagonal.
 En el friso superior se
muestran escenas
religiosas (la Adoración
de los Reyes Magos, el
nacimiento de Jesús,
etc.).
 Las columnas, que
recuerdan el orden
corintio, se agrupan
alternativamente, sobre el suelo y sobre la grupa de leones.
 Encima corren arcos trilobulados.

Púlpito del Babtisterio de Siena.
 Nicola Pisano.
 Planta octogonal.
muestran escenas
de los Evangelios.
 Las columnas, que recuerdan
el orden corintio, se agrupan
alternativamente, sobre el
suelo y sobre la grupa de
leones.
 Encima corren arcos
trilobulados.

Púlpito de la Iglesia de San Andrés.
 Principios siglo XIV.
 Giovanni Pisano.
 Planta hexagonal.
muestran escenas
de los Evangelios.
 En Pistoia (Italia).

Púlpito del Duomo de Pisa.
 Varias columnas sostienen la
obra (unas descansan sobre
los lomos de leones, otras van
al suelo.
 Algunas columnas son
sustituidas por figuras de
mujer (a manera de cariátides).
 En el friso, figuras alargadas
enmarcan y diferencian
escenas.

Puertas del Babtisterio de Florencia.
 Siglo XIV.
 Andrea Pisano.
 Composiciones sencillas.
 Fondos planos.
 Riqueza de pliegues.
 Decoración dorada.

Figuras del sepulcro de Felipe el atrevido.
 Claus Sluter.
 Las figuras de la parte inferior se
desvinculan del espacio arquitectónico.

El pozo de Moisés.
 Claus Sluter.

Figuras de la fachada de la Cartuja de Champmol.
 Claus Sluter.
 La figura de la Virgen
está en el parteluz.
 En los laterales las
figuras son retratos
de los donantes.
 San Juan y Santa Catalina
presentando a los donantes.
 Las figuras no tienen
ninguna relación con
el espacio
arquitectónico.

Virgen con el Niño.
 Mármol.
 Talla.
 En la Capilla Scrovegni
(Padua).

 Marfil.
 Talla.
 En la catedral de Pisa.

 Segunda mitad siglo XIV.
 Alabastro.
 Talla.
 Policromado.
 En Barcelona.

San Carlomagno.
 Mitad siglo XIV.
 Jaume Cascalls.
 Alabastro.
 Talla.
 Policromado.
 En Barcelona.

La Virgen blanca de Toledo.
 Segunda mitad siglo XIV.
 Alabastro.
 Talla.
 Policromado en dorado.

El doncel de Sigüenza.
 Se atribuye a Sebastián
de Almonacid.
 La estatua (YACENTE)
es en alabastro.
 Talla.
 Policromado.
 Se encuentra en una hornacina
o nicho (arco de medio punto).
 Martín Vázquez de Arce aparece
leyendo un libro pero con vestimenta
militar (cruz de Santiago).

Sepulcro del Infante don Alfonso.
 Gil de Siloé.
 La estatua (ORANTE)
es en alabastro.
 Talla.
 Se encuentra en una hornacina
o nicho (arco conopial).
 Alfonso de Castilla era el
hermano de Isabel la
Católica.
 En la Iglesia de la Cartuja de
Miraflores (Burgos).

Sepulcro de Juan II e Isabel de Portugal.
 Gil de Siloé.
 Estatuas (SEDENTES)
es en alabastro.
 Talla.
 Forma de estrella de 8 puntas.
 Eran los padres de
Isabel la Católica.

Sepulcro de Felipe Pot.
 Atribuida a Antoine
Le Moiturier.
 Estatua sedente sobre.
una losa (piedra caliza).
 A tamaño real.
 Talla.
 La losa se apoya en 8
dolientes (tallados en
piedra negra).
 En el museo del Louvre.

Retablo Mayor de la Cartuja de Miraflores.
 Gil de Siloé.
 Madera.
 Talla.
 Policromado y dorado.
 Dividido en una única calle
y dos cuerpos o pisos.
 Cristo crucificado con tres
clavos (típico del gótico).

Retablo de San Pedro.
 Siglo XV.
 Pere Oller.
 Madera.
 Talla.
 Policromado y dorado.
 Dividido en tres calles y tres
cuerpos.
 Dedicado a San Pedro y a
la Virgen.
 En el deambulatorio de
la catedral de Vic.

5. PINTURA
GENERALES Y PRINCIPALES
ESCUELAS Y OBRAS

 Durante el período del gótico, la sustitución de la superficie mural de las
catedrales por amplias vidrieras supuso una enorme reducción del espacio
destinado a las pinturas.
 Ello provocó el abandono progresivo de la pintura mural al fresco (la única
excepción fue Italia) y la generalización de la pintura de vidrieras y sobre
todo la pintura sobre tabla (retablos).
 La pintura sobre tabla se realizó en dípticos (dos tablas), trípticos (tres
tablas) y polípticos (varias tablas).
 A partir del siglo XIV, se impuso el retablo rígido, formado por múltiples
tablas distribuidas en cuerpos horizontales y calles verticales encajados en
un marco y apoyados sobre otro cuerpo inferior.
 Paralelamente, también adquirió gran difusión la miniatura: inicialmente se
realizaba exclusivamente en los monasterios, pero poco a poco y a raíz de la
gran demanda de textos ilustrados de las escuelas catedralicias y de las
universidades, se produjo en talleres especializados ubicados en las
ciudades.

 Los temas tratados por la pintura gótica fueron básicamente religiosos, con
una especial preferencia por las representaciones de las vidas de Jesús y
María y por los episodios sobre la vida de los santos.
 Ya en el siglo XV se empezaron a tratar temas profanos, como por ejemplo
el retrato.
 Formalmente la pintura gótica se caracterizó, en líneas generales, por:
 la plasmación de unas proporciones naturales.
 la gran expresividad de las figuras y sus rostros.
 empezar a utilizar la luz para el modelado de los cuerpos.
 enmarcar las escenas en arquitecturas y paisajes (aún no buscando la
tercera dimensión, sino más bien para huir del atemporal fondo dorado
de las pinturas bizantinas o plano de las pinturas románicas).

 En cuanto a la técnica, en la mayor parte de Europa durante los siglos XIII y
XIV la más utilizada fue la TÉCNICA AL TEMPLE (los pigmentos se
aglutinan con clara de huevo).
 En Italia, como se siguieron realizando pinturas murales, la más utilizada
durante ese período fue LA TÉCNICA AL FRESCO (los pigmentos se
aglutinan con agua).
 A principios del siglo XV en Flandes se inventó una técnica innovadora que
acabaría generalizándose por todo el continente: LA TÉCNICA AL ÓLEO
(los pigmentos se aglutinan con aceite).

 Por último, hay que señalar que dentro de la pintura gótica se pueden
distinguir cuatro estilos, marcados no sólo por la evolución cronológica sino
también por la geográfica:
 El gótico lineal o franco-gótico (finales siglo XII – hasta bien
entrado el siglo XIV).
 El estilo italo-gótico (finales siglo XII – hasta bien entrado el siglo
XIV).
 El gótico internacional (finales siglo XIV – principios siglo XV).
 La escuela flamenca (a partir primer cuarto siglo XV).

GÓTICO LINEAL O
FRANCO-GÓTICO

 Desde finales del siglo XII hasta bien entrado el siglo XIV.
 Nació en Francia y desde allí se expandió por gran parte de Europa.
 Formalmente se caracterizó por:
 un predominio acusado de la línea sobre el color.
 un vivo cromatismo.
 el naturalismo y la expresividad de las figuras.
 En este estilo se ubican las vidrieras y la miniaturas.

Miniaturas del salterio de Ingeborg.
 Principios siglo XIII.
 Varios autores.
 Destinado a la reina
de Francia (esposa de
Felipe Augusto).
 En la parte superior se
representa el
Embalsamamiento de
Cristo y en la parte
inferior las tres Marías
al pie del Sepulcro.
 En el Museo Condé
en Chantilly (Francia).

Miniaturas de la cántigas de Alfonso X el Sabio.
 Varios autores.
 Cancionero religioso
medieval (galaico -
portugués).
 Obra decorada con multitud
de miniaturas.
 La importancia de la figura
humana es total.
 Las arquitecturas sirven para enmarcar las escenas (no buscan la tercera
dimensión).

Vidrieras de la catedral de Chartres.
 Principios siglo XIII.
 Varios autores.
 Gran colorido (predominan
los rojos y los azules).
 Los vidrios de colores se
pegaban unos a otros con
plomo.
 Invitaban al creyente que
entraba en la catedral a
imaginarse la magnificencia
del Paraíso.

Vidrieras de la Sainte Chapelle de París.
 Siglo XIII.

 Desde finales del siglo XII hasta bien entrado el siglo XIV.
 Se desarrolló en Italia, paralelamente al estilo lineal.
 una mezcla de influencias bizantinas (simetría, hieratismo) con
un cierto naturalismo.
 un predominio de colores claros.
 un predominio de la línea curva y sinuosa.
 la búsqueda de volumen en las figuras.
 voluntad comunicativa a través del gesto y las miradas.
 Combinar los fondos dorados con arquitecturas y paisajes.
 realizar los primeros ejercicios de perspectiva (GIOTTO).

 Dos fueron los principales centros artísticos:
 La escuela Siena (con clara influencia bizantina).
 DUCCIO DI BUONINSEGNA.
 SIMONE MARTINI.
 La escuela de Florencia (rompe con la influencia bizantina).
 CIMABUE.
 GIOTTO (considerado el iniciador de la pintura moderna).

La Madonna Rucellai.
 Duccio di
Buoninsegna.
 Témpera (pintura al
temple pero más densa
que la acuarela) y oro
sobre tabla.
 Simetría y
hieratismo.
 Fondos dorados.
 En la Galería Ufizzi de
Florencia (Italia).

La Maestà.
 Duccio di
Buoninsegna.
 Pintura al temple
sobre madera.
 Simetría y
hieratismo.
 Yuxtaposición de
las figuras.
 Fondos dorados.
 En el Museo de la Ópera del Duomo de Siena (Italia).

Las bodas de Caná.
 Principios siglo XIV
 Duccio di Buoninsegna.
 Pintura al temple sobre
madera.
 Composición y colorido
de influencia bizantina.
 Importancia de la línea.

La Crucifixión.
 Duccio di Buoninsegna.
madera.
 Fondo dorado.
 Rico modelado.
 Armonía del color.
 En el Museo de la Ópera
del Duomo de Siena (Italia).

Anunciación.
 Simone Martini.
tabla.
 Fondo dorado.
 Arquitectura para
enmarcar la escena.
 En la Galería de los
Ufizzi, en Florencia (Italia).

La Maestà.
 Simone Martini.
 Pintura al fresco.
 Fondo dorado.
 Rico modelado.
 En el Museo Cívico
del Palazzo Pubblico
de Siena (Italia).

El “honorable Capitán de la Guerra “ Guidoriccio da Flogiano.
 Simone Martini.
 Se huye de fondo
dorado.
 Paisaje plano.
 Palacio Comunal de
Siena (Italia).

San Martín da su manto a un pobre.
 Simone Martini.
 Se huye del fondo dorado.
 Paisaje plano (paisaje y
arquitectura no buscan
la profundidad).
 En la iglesia de San
Francisco de Asís (Italia).

Maestà de la Iglesia Santa Trinità de Florencia.
 Cimabue.
 Pintura al temple sobre madera.
 Parte central de un tríptico.
 Composición sencilla.
 Simetría.
 Cierto carácter bizantino.
 En la Galería Ufizzi de Florencia.

Maestà de la basílica de San Francisco de Asís.
 Cimabue.
 Mantiene formas
bizantinas.
 Huye del fondo
dorado.
sobre madera.

Madonna de Ognissanti.
 GIOTTO di Bondone
(1267 – 1337).
 Mantiene formas bizantinas.
 Trono más conseguido.
 Tonalidades suaves.
 Volumen de los personajes.
 En la Galería Ufizzi de Florencia.

Maestà de la basílica de San Francisco de Asís.
(1267 – 1337).
madera.
 Cristo de tres clavos (típico del
gótico).
 En la Iglesia de San Francesco
de Rímini.

Crucifijo.
(1267 – 1337).
madera (con dorados).
 Contrasta el rojo de la sangre
con el color azulado (¿cielo?).
 Cristo de tres clavos.
 En la Iglesia de Santa María
Novella de Florencia.

Tríptico Stephaneschi.
(1267 – 1337).
sobre madera.
 Tríptico pintado por las dos caras
 Siguen el mismo modelo: en una
con San Pedro al centro, en la otra
Dios al centro y los martirios de San
Pedro y San Pablo a los lados.
 Museo Vaticano.

La renuncia a los bienes.
 Finales siglo XIII – principios siglo XIV.
(1267 – 1337).
 Las ropas buscan ya
el volumen de los
cuerpos.
 Se huye de los modelos
bizantinos.
 La arquitectura ya no
se hace sólo con la
intención de enmarcar
la escena.
 En Basílica de San Francisco de Asís.

Un hombre sencillo rinde homenaje a San Francisco en la plaza del
Mercado de Asís.
 Finales siglo XIII – principios siglo XIV.
(1267 – 1337).
 Las ropas buscan ya el volumen
de los cuerpos.
 Se huye de los modelos bizantinos.
 La arquitectura ya no se hace sólo
con la intención de enmarcar
la escena.
 En Basílica de San Francisco
de Asís.

DECORACIÓN DE LA CAPILLA SCROVEGNI (EN PADUA).
(1267 – 1337).
 Las ropas buscan ya el volumen de los cuerpos.
 Se huye de los modelos bizantinos.
 La arquitectura ya no se hace sólo con la intención de enmarcar la escena
sino que busca la profundidad.
 Se representan los principales episodios de la vida de Cristo dividida en
cuatro grandes ciclos: antes de la Natividad (vida de San Joaquín y Santa
Ana y vida de la Virgen); el nacimiento y la infancia de Jesús; la vida pública
y los milagros; y la pasión, muerte y resurrección.

Nacimiento de la Virgen María.

Adoración de los Reyes Magos.

Presentación de Cristo en el Templo.

 Se desarrolló desde finales del siglo XIV hasta principios del siglo XV.
 Se desarrolló en el ambiente de las cortes centroeuropeas.
 Significó un equilibrio entre la estilización propia del gótico lineal y el
naturalismo desarrollado por los pintores italianos.
 la estilización de las figuras.
 la tendencia a las líneas curvas.
 la intensidad cromática.
 la introducción de detalles simbólicos.
 La mezcla de fondos dorados con ambientaciones paisajísticas.
 Algunos autores destacados fueron: los hermanos LIMBURG,
GENTILE DA FABRIANO o BERNAT MARTORELL.

Las muy ricas horas del Duque de Berry.
 Hacia 1415.
 Los hermanos LIMBURG.
 Miniaturas.
 Museo Condé, en Chantilly (Francia).

Estigmas de San Francisco.
 Hacia el 1420.
 Gentile da Fabriano.

La Virgen de la humildad.
 Hacia el 1420.

La Adoración de los Reyes.
 Hacia el 1423.
madera.
 Es un retablo.
 Detallista.
 Formas y colores
elegantes.
 Ambientaciones
paisajistas.

Desposorios de la Virgen.
 Hacia el 1425.
 Robert Campin
(maestro de Flemalle).
 Pintura al óleo
sobre tabla.
 En el museo del
Prado.

Santa Bárbara.
 1438.
 Robert Campin
(maestro de Flemalle).
sobre tabla.
 La técnica tan minuciosa nos
recuerda las características
de la escuela flamenca.
 En el museo del Prado.

San Jorge matando al dragón.
 Principios siglo XV.
 Bernat Martorell.
sobre tabla.

El retablo de la transfiguración.
 Principios siglo XV.
 Bernat Martorell.
sobre tabla.
 En la catedral de
Barcelona.

GÓTICO FLAMENCO
(ESCUELA FLAMENCA)

 Se desarrolló a partir del primer cuarto del siglo XV.
 Se desarrolló en Flandes y en los Países Bajos.
 La escuela flamenca hizo una aportación decisiva para el posterior
desarrollo de la pintura: la TÉCNICA AL ÓLEO (los aglutinantes de los
colores son el aceite; permite una mayor minuciosidad, un mayor efectismo
y los retoques).
 El soporte de las pinturas aún era SOBRE TABLA (el lienzo aparecerá en la
pintura veneciana del siglo XVI).
 En algunos aspectos, la Escuela flamenca se asemejó a la pintura del
Renacimiento italiano (gusto por el paisaje, búsqueda de la perspectiva,…)
pero en otros aspectos aún se enmarca dentro de la pintura gótica
(minuciosidad, detallismo, luminosidad,…).

 usar la técnica del óleo sobre tabla.
 la minuciosidad y el detallismo.
 la brillantez de los colores (predominio del rojo, el verde y el
azul).
 la representación fidedigna de la realidad (en personas y
objetos).
 la ausencia generalizada del movimiento.
 el uso de un fuerte simbolismo.
 la representación de la línea del horizonte alta.
 una temática variada: temática religiosa y temática profana
(PAISAJES y RETRATOS).

 El artista más importante de los llamados “primitivos flamencos” es
JAN VAN EYCK, considerado el iniciador de la Escuela Flamenca.
 Otros artistas flamencos a destacar son:
 Roger Van der Weyden.
 Hans Memling.
 Patimir.
 EL BOSCO.
 La pintura flamenca inspiró a muchos pintores de la segunda mitad del siglo
XV. A destacar los de la Península Ibérica:
 Bartolomé Bermejo.
 Lluís Dalmau.

Políptico de San Bavón de Gante.
 1432.
 Jan van Eyck.
sobre tabla.
 En la catedral
de San Bavón
(Bélgica).

El hombre con tocado azul.
 1430.
 Jan van Eyck.
 Pintura al óleo sobre tabla.
 En el museo Nacional de
Arte de Bucarest(Rumanía).

Retrato de Margarete van Eyck.
 1439.
 Jan van Eyck.
 En el museo Groeninge
de Brujas (Bélgica).

Hombre con turbante rojo.
 1433.
 Jan van Eyck.
 En el National Gallery de
Londres (Anglaterra).

Giovanni di Nicolao Arnolfini.
 1438.
 Jan van Eyck.
 En el museo Nacional
de Berlín (Alemania).

El matrimonio Arnolfini.
 1434.
 Jan van Eyck.
 Simbolismo (el perro
representa la fidelidad).
 En el National Gallery de
Londres (Anglaterra).

Virgen del Canciller Rolin.
 1435.
 Jan van Eyck.
 Figura del donante.
 En el Louvre de París.

Virgen del canónigo Van der Paele.
 1436.
 Jan van Eyck.
sobre tabla.
 En el Museo
Groeninge de
Brujas (Bélgica).

El Descendimiento.
 Entre 1435 y1440.
 Roger Van der
Weyden.
sobre tabla.
 En el Museo
del Prado.

Los desposorios místicos de Santa Catalina.
 Último cuarto
siglo XV.
 Hans Memling.
sobre tabla.
 En el Museo de
Memling de
Brujas (Bélgica).

El paso de la laguna Estigia.
 Principios siglo XVI.
 Patinir.
sobre tabla.
 En este autor el
paisaje es el
tema central de
su obra (el resto
es secundario).
 El personaje es
Caronte.
 En el Museo
del Prado.

Tríptico de “El jardín de las Delicias”.
 Principio siglo XV.
 El Bosco.
sobre tabla.
 El más original de todos
los pintores flamencos.
 Pintó temas entre lo real
y lo onírico (mucha
influencia en la pintura
surrealista del siglo XX).
 En el Museo
del Prado.

Santo Domingo de Silos.
 Hacia el 1475.
 Bartolomé Bermejo.
sobre tabla.
 En el Museo
del Prado.

Virgen del canónigo Desplà.
 1490.
 Bartolomé Bermejo.
sobre tabla.
 En la catedral de
Barcelona.

La Virgen de los Consejeros.
 1445.
 Lluís Dalmau.
sobre tabla.
 En el Museo
Nacional de Arte
de Cataluña.

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