1. Hª ARTE 2º BACH
RENACIMIENTO
QUATTROCENTO ITALIANO
SIGLO XV
La reformulación del lenguaje clásico.
Brunelleschi, Donatello y Masaccio como
creadores de un nuevo lenguaje con
ingredientes clásicos y humanistas en
arquitectura, escultura y pintura
EVA P. L.M.
www.aulasabertas.blogspot.com

2.  El renacimiento es un movimiento artístico y cultural que
surge en Italia y nos sitúa al comienzo de la Edad
moderna.
 El término alude al “renacer” y a la “recuperación” de la
cultura clásica greco-latina que trae consigo un cambio
de mentalidad y un nuevo ideal humanístico.
 No supone una ruptura con la Edad Media, al
contrario, se trata de una continuación o “culminación” de
los deseos de renovación de ésta (arte Carolingio y
Otoñano). Y tampoco afecta a todos los sectores de la
sociedad, más bien a una minoría culta.
 Generalmente se divide en tres etapas: Quattrocento
(siglo XIV), Cinquecento (primer tercio del siglo XVI) y
manierismo (a partir de 1520/30). En Europa las tres

3.  El QUATTROCENTO tiene su origen, a principios del
siglo XV, en las ciudades estado del norte y centro de
la península itálica.
 Por un lado la prosperidad económica de estas
ciudades estado (burguesía enriquecida por la banca y el
comercio) y el ambiente cultural favorece la aparición de
grandes mecenas y de una nueva mentalidad sin
prejuicios éticos ni religiosos, donde nuevos valores
como la fama y la gloria se imponen al ascetismo
medieval. El punto de partida que ostenta el poder
económico y cultural es Florencia.
 Y por otro lado Italia es receptáculo de la antigüedad
clásica: está próxima a los monumentos, a los modelos
romanos reutilizados y a los nuevos hallazgos y
descubrimientos (el tratado De Architectura de Vitrubio

4.  Una serie de características van a condicionar el nuevo movimiento artístico: el
humanismo, el nuevo mecenazgo laico, la nueva consideración social del artista y un
nuevo lenguaje artístico.
 El Humanismo, movimiento estético y filosófico motor del Renacimiento, trae consigo:
nuevos deseos de resucitar los valores los valores y la cultura clásica
(antropocentrismo, revisión de la filosofía griega: neoplatonismo: intento de conciliar el
mundo clásico con el cristianismo), una actitud crítica ante política y religión y el
cultivo intelectual del hombre. Academias, universidades y bibliotecas facilitan su
difusión.
 El nuevo mecenazgo laico: los poderosos gobernantes de las pequeñas
repúblicas, como los Medici en Florencia, los Montefeltro en Urbino o los Sforza en
Milán; utiliza el arte como exaltación del poder y del prestigio personal (el donante
participa en la escena) (del mismo modo que en el siglo siguiente monarcas y papado
lo van a utilizar como medio propagandístico). Ello propicia la demanda y recuperación
de nuevos géneros pictóricos como el retrato y el paisaje, de tipologías escultóricas
como la ecuestre (Gattamelata) y arquitectónicas como la Villa.
 La consideración social del artista mejora notablemente. El artista comienza a ser
valorado y a trabajar con mayor libertad, desvinculándose del gremio. Tratados de arte
y academias de formación evidencian el carácter intelectual que adquiere la profesión:
el artista es un “ideador” y también se retrata en la obra.
 El nuevo lenguaje, que toma como punto de partida teórico los modelos clásicos de
la antigüedad (asume lo antiguo y lo pagano y lo funde con lo cristiano), explora el
hombre y la naturaleza aplicando un concepto de belleza basado en el número
(estudio de las proporciones y de la sección áurea) y representa una realidad

5.  “Non pode falarse dunha obra
ben realizada se non existe
unha relación de
proporción, regulada como a
que está no corpo dun home
ben formado”. Vitrubio S. I
a.C.
Lorenzo O Magnífico (1449-1492). Neto de Cosme
O Vello.
Intelectual, alumno de humanistas, mecenas e
diplomático. Amigo de Boticelli.
Fundou a biblioteca Laurencinana e a escola do
xardín de San Marcos, antecedente da Academia
para formar ós artistas.

6. ARQUITECTURA
 http://www.youtube.com/watch?v=9eJTm2ZdCVg
&feature=related
 http://www.slideshare.net/piluchi/bachiller-el-arte-
del-quattrocento
 http://www.slideshare.net/sennumero/a-
arquitectura-renacentista-o-quattrocento
 http://www.slideshare.net/sergisanchiz/02-
renacimiento-arquitectura-del-quattrocentoppt

9.  En lo que respecta a la ARQUITECTURA las principales
aportaciones del Quattrocento se deben a Brunelleschi: primer
planteamiento perspectivo del espacio en la cúpula de Santa Mª Fiori
(Florencia); y a Alberti: primer tratado de arquitectura del renacimiento
(De re Aedificatoria).
 En ambos se aprecian las características generales de la
arquitectura del renacimiento:
1) Experimentación con la perspectiva y la proporción (SªMª Novella de
Alberti)
2) Gusto por formas simples y regulares (círculo, cuadrado, esfera),
3) Equilibrio entre las línea horizontal y la vertical
4) Utilización de modelos y elementos clásicos: plan central y
basilical, espacios abovedados y cupulados, superposición de
órdenes, fachadas con arcos triunfales, arcos de medio punto, órdenes
columnarios y módulo constructivo (San Lorenzo y Capilla Pazzi de

10.  Tanto en el Quattrocento como en el Cinquecento van a destacar
dos tipologías arquitectónicas de carácter civil: el palacio: el
modelo de más seguido en el XV será el palacio Medici Ricardi
de Michelozzo y en el XVI el palacio Farnesio de Sangallo y
Miguel Angel; y la villa, residencia de campo, que integra la
arquitectura con el paisaje: Michelozzo fija el modelo en la Villa
Carreggi inspirándose en Pilinio, que en el siglo XVI enriquece
Palladio (Villa Capra, “la Rotonda”).
 Otra de las aportaciones del renacimiento es la recuperación del
urbanismo: según A.E.J. Morris (Historia de la forma urbana) la
ciudad medieval se transforma y racionaliza a través de: la
regeneración de zonas mediante la creación de nuevos espacios
públicos (plaza de Pienza o de Urbino), la reestructuración
mediante la apertura de nuevas calles principales (Roma), la
expansión con la anexión de vastos barrios nuevos (ensanche de
Ferrara) y el trazado de nuevos emplazamientos; a los que se
suman los proyectos centralizados y regulares vinculados a
propuestas utópicas (“Sforzinda” de Filarete).

11. Santa María dei Fiori

12. Nombre: Cúpula de
Santa María del Fiore
(Catedral de Florencia).
Arquitecto:
Brunelleschi, Filippo
(1377-1446).
Cronología: 1418-1446
Localización : Florencia
Estilo: Renacimiento
(Quattrocento)
Cúpula de media
naranja.
Materiales:
Ladrillo, piedra, mármol.
Dimensiones: 114 ms –
altura- Comentario
y 41 ms-
diámetro-

13.  Arquitectura religiosa
 Está considerada como la primera gran obra arquitectónica del Renacimiento.
Símbolo de la nueva arquitectura.
 Cuando en 1418 se convocó el concurso para adjudicar las obras, ya se habían
prefijado los pilares y el tambor octogonal.
 Brunelleschi se hizo con la ejecución del proyecto más ambicioso de su tiempo, la
finalización de la Catedral de Florencia.
 Construida sobre el cimborrio de la catedral gótica, debía de cubrir un diámetro
similar al del Panteón de Roma (42 metros).
 Presenta un aspecto singularmente esbelto gracias a su perfil ojival (apuntado) que
Brunelleschi consigue gracias a la curvatura de los ocho nervios de mármol blanco
de 4 metros de espesor que ascienden hasta la cúspide donde se unen dando paso a
una estilizada linterna.
 La cúpula, de 8 caras recubiertas con tejas rojas, se eleva sobre un tambor
octogonal de piedra revestida con mármol (blanco, verde y rosado) con una gran
ventana circular en cada uno de los ocho lados.

14.  Se construyó sin utilizar cimbras (armazones de madera) ni andamios
desde el suelo. Para hacerla más ligera (y evitar su hundimiento) la
concibió como una doble cúpula (una interior semiesférica y otra
exterior, apuntada) con un espacio vacío entre las dos.
 Rematada por una linterna inspirada en los templos circulares de la
Roma Imperial. Diseñada como el remate indispensable a una cúpula
apuntada, es una especie de punto de fuga de la perspectiva de la
catedral.
 Las dimensiones de esta cúpula la convierten en la construcción más
relevante del Quattrocento italiano.
 La obra en sí misma simboliza la importancia de Florencia como
núcleo fundamental del arte renacentista durante el siglo XV y
principal ciudad de la época, tratando de hacer visible el paralelismo
entre la ciudad toscana y la brillante Roma de la época clásica.
 Al mismo tiempo, el hecho de que corone el templo catedralicio la
constituye en símbolo visible de la fortaleza de la Iglesia cristiana en la

15. Basílica de San Lorenzo

16.  TÍTULO: Basílica de
San Lorenzo.
 AUTOR: Filippo
Brunelleschi (1377-
1446).
 FECHA: 1421-1429
 LOCALIZACIÓN: Flore
ncia, Italia.
 ESTILO: Arquitectura
renacentista del
Quattrocento.

17.  Materiales: Ladrillo, piedra, mármol.
 Tipología: Arquitectura religiosa
 Fue un encargo de Cosme de Medicis y es un ejemplo del
mecenazgo que en el origen de gran parte de las obras
renacentistas. En ella desaparecen ya las formas medievales y tanto
los elementos constructivos como los decorativos están tomados del
arte clásico.
 Brunelleschi, tomando como modelo las basílicas cristianas, la
traza de tres naves. El espacio se ordena en base a una planta
longitudinal, donde los distintos elementos arquitectónicos y la
luminosidad logran una visión de perspectiva (la concibió como un
conjunto de bloques independientes, en el que los mayores son
múltiplos de los más pequeños).
 Templo con planta de cruz latina de tres naves, con la nave central
más alta y ancha.
 La separación de las naves se establece mediante columnas de
orden compuesto y sobre ellas un entablamento completo en el que
descarga cada arco de medio punto, consiguiendo mayor altura de

18.  La cubierta de la nave central es adintelada y se decora con grandes
casetones al gusto romano, mientras que las naves laterales son
abovedadas y se cubren con concatenación de bóvedas vaídas.
 En el crucero: cúpula como cerramiento.
 Tiene amplios ventanales en la parte alta de la nave central y óculos en
las laterales
 Armonía, perspectiva y simetría
 Elementos clásicos: Columna Corintia /Arcos de medio punto
 Cubierta plana
 Luminosidad
Destacan fundamentalmente dos aspectos:
 Horizontalidad: empleando elementos arquitectónicos que refuerzan la
sensación de horizontalidad, como los entablamentos, la cubierta plana de la
nave central, etc.
 Armonía: buscó la armonía empleando criterios geométricos. Por
ejemplo, establece formas cúbicas ya que la altura de las columnas es

19. Palacio Pitti
• AUTOR: Filippo
Brunelleschi
• FECHA: 1440
• LOCALIZACIÓN: Fl
orencia, Italia.
• ESTILO: Arquitectur
a renacentista del
Quattrocento
Italiano.

20.  Es una obra del 1440 aunque fue ampliado considerablemente en el siglo XVI.
 Promotor: banquero Luca Buonacorso Pitti.
 Fue comprado por la familia Médicis en 1549 como residencia oficial de los
Grandes Duques de la Toscana.
 El Palacio Pitti se convirtió en el prototipo o modelo de palacio renacentista al
integrar el palacio en la arquitectura urbana.
 Construido en piedra, de planta cuadrangular en torno a un patio central.
 Prescinde de la torre defensiva de las casas florentinas medievales (desaparece
el aspecto miltar) lo que le dan mayor carácter urbano, sin embargo toma de la
arquitectura romana el fuerte paramento almohadillado con el que recubre
toda la fachada.
 La mampostería almohadillada de la piedra reforzada por la repetición de vanos y
arcadas dan al edificio una apariencia severa y dura, que recuerda a un
acueducto del Imperio romano (arte all'antica). Este diseño original ha superado
el paso del tiempo, pues la fórmula de su fachada se mantuvo durante las
sucesivas ampliaciones del palacio, extendiéndose su influencia en numerosas
imitaciones durante su época y en las recreaciones del siglo XVIII.
 Estilo sobrio y armónico, en el que se integran elementos clásicos de orden
dórico, jónico y corintio, otorgando a la piedra un papel fundamental.
 Esta fachada con cierto aspecto de fortaleza, tuvo gran influencia posterior.
 Sucesivas ampliaciones dotarán al palacio del aspecto actual, que le convierten
en una de los edificios más impresionantes de Florencia, con su fachada de más

22.  Dentro de las ARTES PLÁSTICAS a lo largo de Quattrocento se
pueden distinguir dos corrientes: la narrativa y la científica.
 La CORRIENTE “NARRATIVA” O “ARCAÍSTA”, en la que perviven
soluciones del gótico internacional, presta mayor preocupación por
el tema que por los recursos técnicos (utilizados sólo para apoyar la
narración). Su máximo representante en pintura es Fra Angélico
(Anunciación, Juicio Final) y en escultura Luca Della Robbia.
 La CORRIENTE “CIENTÍFICA” O “RENOVADORA” investiga y aplica
recursos técnicos (escorzos, claro-oscuro, volumen y perspectiva)
en detrimento del tema. Las primeras experiencias iniciadas en
escultura por Ghiberti (puerta del baptisterio de S. Mª de
Florencia, 1425) culminan con Donatello (David, Gattamelata). En
pintura continúan la línea iniciada por Masaccio (“Tributo”, capilla
Brancacci en Florencia): Paolo Ucello, Piero Della Francesca y Andrea
Magtena.
 A finales del Quattrocento estas dos corrientes tienden a fusionarse en
pintores como Botticelli (carácter neoplatónico-alegórico de la

24. ESCULTURA
 Se pierde la integración escultura-arquitectura que venia existiendo y
desaparece en buena parte la función que antes tenía la escultura de decorar
y completar los edificios.
 Materiales; se utilizan piedra, madera, terracota, bronce,… logrando con ellos
gran perfección técnica.
 Hay un gran interés por las texturas de las superficies, con acabados muy
pulidos y tersos y en ocasiones muy expresivo.
 La luz ilumina de forma homogénea y el color no suele aparecer.
 Se domina el volumen aunque existe un marco ilusorio de referencia y un
punto de vista preferencial hasta el manierismo.
 El relieve tiene carácter pictórico y se ajusta a las leyes de la perspectiva
lineal consiguiendo efectos de profundidad.

25.  Los esquemas compositivos son simples y geométricos, basados en la
clara articulación y equilibrio.
 El movimiento se aprecia en el contrapuesto y en la tensión del
movimiento en potencia, hasta la llegada del manierismo que utilizará
las posiciones inestables.
 La expresión es figurativa, naturalista e idealizada, con interés por la
belleza formal basada en las proporciones y en la armonía. Se domina
la representación del cuerpo humano y proliferan los tratados sobre las
proporciones.
 Se acentúa el naturalismo, la búsqueda de la representación de la
realidad, el interés por el hombre, por su anatomía , así como un
perfeccionamiento de los conocimientos y medios técnicos.
 Los temas son el hombre y la naturaleza con un contenido religioso o
profano ( histórico, alegórico-mitológico) y se multiplican los retratos de
todo tipo.

27. La producción de Donatello
Donatello (1386-1466) se formó en el taller de Ghiberti y viajó a Roma para estudiar la
escultura antigua.
 Consiguió representar la figura humana en diferentes estados: la dulzura infantil en sus
cantonas, la belleza y plenitud de la juventud en el San Jorge o la senectud en El profeta
Habacuc.
 En su producción utilizó el mármol, el bronce e incluso la madera.
 En las primeras obras florentinas, la estilización, torsión y equilibrio aún recordaban al
Gótico, pero la postura y la fuerza expresiva anunciaban el cambio, como sucede en la
figura de San Jorge,
 Ya hacia 1425 se establece la etapa de madurez. Se observa entonces un mayor
movimiento e idealización en sus obras.
 En sus obras de bulto redondo sobresale, en este PERIODO DE MADUREZ, el David en
bronce. Es uno de los primeros casos desde la Antigüedad, en que se presenta al
personaje desnudo en tamaño natural. El personaje da sensación de inestabilidad por un
movimiento en la cadera que recuerda a la curva praxiteliana, y destacan el fuerte
contraste entre su belleza y juventud, y la gigantesca y tosca cabeza de Goliat.
 En 1443 se trasladó a Padua, donde ejecutó la Estatua ecuestre de Gattamelata, en
bronce, Gattamelata era un condotiero (jefe militar), por lo que supuso la recuperación de
la escultura ecuestre romana como exaltación del poder, con gran influencia en las
épocas posteriores.

29. David
Donatello
1446
Quatrocentto
italiano.
En palabras de Vasari: "es una figura tan natural y
de una belleza tal que resulta increíble para los
artistas que no haya sido moldeada sobre un
modelo viviente“.

30.  Escultura exenta realizada en bronce pulido.
 Tema bíblico del enfrentamiento entre el joven David y
el gigante soldado filisteo Goliat justo en el momento
posterior a dicho enfrentamiento, cuando éste se ha
saldado con la victoria en favor del joven. Éste aparece
representado totalmente desnudo, a excepción de un
sombrero toscano coronado con hojas de laurel y unas
botas altas, portando con la mano derecha la espada
con la que acaba de degollar a Goliat, cuya cabeza
pisa con la pierna izquierda.
 Donatello vuelve la mirada a la escultura clásica
griega y el profeta bíblico aparece representado como
si de un Dios olímpico se tratara. El cuerpo de David
aparece representado como el de un joven adolescente
de anatomía blanda apenas desarrollada y adopta la
postura clásica del contraposto apoyando el peso del
cuerpo sobre la pierna derecha, cuya cadera sobresale
recreando la curva praxiteliana. La perfección
anatómica, en la que el modelado muscular es muy
suave, difuminado, casi femenino, parece
tomado, también, de Praxíteles.
 El rostro imberbe del joven David expresa serenidad y

31.  El David de Donatello, supuso la vuelta al desnudo como tema tras casi mil años
de ausencia de éste de la historia del arte occidental.
 El tema bíblico del enfrentamiento del profeta David con Goliat se convierte en
una simple excusa para representar el desnudo como hicieran los escultores
clásicos. Así David aparece como si de Apolo se tratara y la influencia de
Praxiteles es clara tanto en la pose de la escultura como en el modelado del
cuerpo, de ambigua sexualidad.
 Hay quien ha visto en el encargo de este tema por parte de los Médicis a
Donatello una alusión al enfrentamiento entre la ciudad de
Florencia, representada por el joven David tocado con el petaso o sombrero
característico de los campesinos florentinos, y el ducado de Milán, representado
por la cabeza decapitada de Goliat.
 Más allá de la explicación política del tema representado, el tema de David, de
gran proliferación en el Renacimiento y, con posterioridad, en el
Barroco, simbolizaba el triunfo de Cristo sobre la muerte y el pecado. (Sin
embargo, algunos críticos han cuestionado la identificación del tema con David y
consideran que se trata del dios pagano Mercurio con la cabeza del gigante
Argos).

33. http://vodpod.com/watch/5003615-
condottiero-gattamelata
Ubicación:
Plaza del
Santo, Padua.
Estilo artístico:
Arte del
Quatrocento
(Renacimiento)
italiano
1447 -1453
Técnica:Bronce
Dimensiones:
340 x 390 cm

34.  Monumento ecuestre al condottiero Gattamelata (Plaza del Santo en
Padua).
 Es una de las primeras y más importantes estatuas ecuestres de todo el
Renacimiento.
 Es la primera estatua en honor de un guerrero de todo el mundo
moderno.
 Es una escultura de bulto redondo realizada en bronce, apoya sobre un
zócalo de base.
 Se erigió en honor del condottiero de la república véneta Erasmo de
Narni.
 Inspirada en la escultura romana, concretamente en la escultura
ecuestre de Marco Aurelio
 El retrato del personaje, heredado del realismo romano, deja traslucir
la psicología del representado, que muestra una expresión de su alta y
difícil misión en defensa de la ciudad a la que sirve.
 Se trata probablemente de la primera estatua ecuestre de grandes
dimensiones fundida desde la antigüedad y es una de las primeras obras
escultóricas de la época moderna que están desvinculadas de una
integración arquitectónica : la obra se propone como forma autónoma que
se relaciona en el espacio sólo con su propio volumen, sin otros límites.

35.  El guerrero se mueve lentamente en la plaza, en una marcha de
conquista, unido al caballo que avanza firmemente. La serenidad de todo
el conjunto deja claro que ha salido exitoso de la batalla: Gattamelata
avanza con la cabeza descubierta y conduce al caballo sin violencia pero
con autoridad, remarcada ésta por la posición del bastón de mando.
 Está realizado para glorificar al personaje representado y resaltar la
virtudes del militar.
 El rostro es el de un hombre avanzado en años. No se trata en este caso
de una representación realista de las auténticas facciones del
condottiero, sino más bien de una madurez conquistada con los
años, atravesada de una lucha cotidiana e infinita. Al héroe joven y
físicamente perfecto de la Antigüedad Clásica, le sustituye entonces la
consciencia del hombre racional: el héroe moderno, representado en su
ser simplemente hombre.
 También se puede ver la alegoría de un Tirano. Lleva al caballo (que es el
pueblo) con mano dura y rienda corta, espoleándolo con grandes
espuelas, y sobre la pata delantera del caballo se encuentra una esfera
que representa al mundo a sus pies... Es preferible que el pueblo le tema

36. PINTURA
 En el Trecento, Giotto había realizado avances trascendentales en la
pintura que se acercaban a los conceptos del mundo clásico y que se
desarrollaron en el Quattrocento.
Los cambios en la temática, los soportes y las técnicas
 La pintura del Quattrocento continuó siendo en buena parte de carácter
religioso, pero se introdujeron con fuerza temas de la mitología
clásica, que contribuyeron a desarrollar la representación del
desnudo humano.
 En cuanto a los soportes, la mayoría de la producción sigue
utilizando, al igual que en el Gótico, pintura sobre tabla. Sin
embargo, con el paso del tiempo se empezó a usar el lienzo en
Venecia, y más tarde en toda Italia.
 En lo relativo a las técnicas pictóricas, durante la primera mitad del
siglo xv se mantuvo la pintura al temple. Ya en la segunda mitad del
siglo se introdujo desde Flandes el óleo, que permitía pinturas mucho
más luminosas. Para la pintura mural se siguió empleando la técnica

37. Un nuevo sistema de representación: la perspectiva
 La transformación sustancial se produjo con el uso de la
perspectiva lineal. Esta revolucionó el concepto de la pintura al
permitir la representación en una superficie plana de la apariencia
de profundidad, esto es, tres dimensiones donde solo hay dos.
 Su empleo consiste en plantear en la pintura una serie de líneas de
fuga que convergen en un único punto de fuga. Esas líneas
forman una pirámide imaginaria que puede ser cortada en distintos
planos. En esos planos, los objetos representados reducen su
tamaño proporcionalmente al acercarse al vértice de la
pirámide, dando la sensación de profundidad.
 El descubrimiento de la perspectiva y su primera formulación se
deben a Brunelleschi y Alberti, que en su Tratado de la pintura
plasmó la teoría.
 Los pintores también hicieron importantes avances en la utilización
de la luz, con la que conseguían mostrar el volumen de los objetos
o seres representados y que se apreciaran los planos de
profundidad.

39. Masaccio
 Prescinde totalmente del goticismo.
 Inicia la corriente “científica” o “renovadora” en pintura:
investiga y aplica recursos técnicos (escorzos, claro-
oscuro, volumen y perspectiva) en detrimento del tema.
 Carácter escultórico de las figuras: formas
robustas, monumentales, llenas de dramatismo. Reencarna la
monumentalidad de Giotto pero las figuras se funden mejor con
el ambiente.
- Fondos muy trabajados: se abandona lo anecdótico.
- Difumina los contornos y crea efectos de luz y sombra para
aumentar la sensación de profundidad.
- Modela las figuras mediante los juegos de luz y sombra.
 En pintura continúan la línea iniciada por Masaccio Paolo
Ucello, Piero Della Francesca y Andrea Magtena.

40. Tributo de la moneda
Frescos de la capilla Brancaci, iglesia del Carmine, Florencia
Masaccio
Quattrocento italiano, escuela pictórica florentina de la primera mitad del
siglo XV (corriente científica o renovadora)
1428

41. Esta obra pertenece al conjunto pictórico que adorna la capilla de la familia
Brancacci en la florentina iglesia del Carmine.
Dicho conjunto está organizado en torno a un retablo gótico y, está constituido
por varios frescos.
El tema de todo el ciclo de frescos en su conjunto es la salvación de la
Humanidad operada por Jesucristo a través de Pedro y de su iglesia. Los
frescos dedicados al Pecado original (realizados por Masolino de época
gótica) y la Expulsión del Paraíso (de Masaccio del Renacimiento) serán así
un precedente a las historias de Pedro.

42.  El Tributo se sitúa a la izquierda del retablo.
 Representa uno de los episodios de la vida de
Cristo narrado por San Mateo, en el que se
cuenta el milagro producido cuando el
recaudador de impuestos exigió a Jesús el pago
del impuesto de la alcabala. Episodio evangélico
en el que Cristo, dogmatiza que "hay que dar al
César lo que es del César", y por ello manda a
Pedro que cumpla con esta obligación, primero
recogiendo el óbolo que hay que pagar de la
boca de un pez (de ahí el milagro) y después
pagándole al recaudador.  Milagro en
segundo plano
 Masaccio narra en el mismo fresco las tres
escenas del milagro, sintetizadas en una sola
representación.
1) En el centro vemos a Cristo rodeado por sus
discípulos y al recaudador de impuestos (es la
figura de espaldas), cuando Jesús ordena a
Pedro pescar el pez y extraerle la moneda.
2) A la izquierda, se observa el milagro
propiamente dicho, pues vemos a Pedro
arrodillado extrayéndola junto a un río pintado

43.  Nuevo lenguaje: no se trata de exaltar el milagro en sí, como hubiera
sido normal en el arte medieval, sino sobre todo de destacar una
actitud, una postura ética, en este caso la de Cristo, que manda pagar el
impuesto y cumplir así con las obligaciones cívicas de una manera
ejemplarizante.
 Las diferentes escenas aparecen unidas mediante los gestos, Cristo
señala el lugar donde Pedro hará el milagro, mientras el recaudador y las
miradas de los apóstoles señalan al otro lado.
 Fondos muy trabajados: se abandona lo anecdótico  Toda la
composición aparece enmarcada en un fondo de montañas
esquemáticas con algunos árboles. Los apóstoles y el recaudador
forman un círculo alrededor de Cristo. El recaudador cierra el grupo de
espaldas, dando movimiento a la escena.
 Figuras monumentales, escultóricas, envueltas en túnicas  sensación
de volumen
 Difumina los contornos y crea efectos de luz y sombra para aumentar
la sensación de profundidad.
 Dominio de la perspectiva y del espacio  crea vacíos entre la
figuración que nos dirigen la vista hacia el fondo y alejan el paisaje, usa
colores cálidos en las figuras del primer plano y apagaos en el fondo

44. «Ya fui antes lo que vosotros sois; y lo que soy ahora
lo seréis vosotros mañana» («Io fu già quel che voi
sete: e quel chi son voi ancor sarete»