Sistemas de representacion desde la Prehistoria hasta Mesopotamia

1. SISTEMAS DE
REPRESENTACIÓN
ROMA- BARROCO
Carmen Carbonell Gil

2. ROMA

3. DESARROLLO
Se desarrolló en Italia desde el año 200 antes de C., hasta el siglo
IV después de Cristo. Algunos lo consideran inferior al arte griego,
pero en realidad fue más variado, más flexible y en ciertos aspectos
se acerca más al arte moderno; así, su influencia en el arte de la
Edad Media y del Renacimiento fue notable. Los temas eran
asuntos bélicos, eróticos, leyendas heroicas, paisajes, marinas,
naturaleza muerta y el retrato.

4. ARQUITECTURA
La característica esencial de la arquitectura romana es, sobre
todo, su racionalidad y funcionalidad.
En la arquitectura románica destaca el coliseo romano:

5. ESCULTURA
Aunque la escultura romana tuvo infinidad de
representaciones, soportes y funciones, no cabe duda
que es el retrato la más sobresaliente.
Y es que el retrato romano hunde sus raíces en el arte
etrusco.
Los materiales más utilizados en el retrato romano
fueron el bronce y el mármol: Las estatuas eran a
policromas, no estaban coloreadas, salvo en un primer
momento en que los ojos sí se coloreaban, práctica
que se abandonó posteriormente para ser tallados.
Al comienzo, la escultura romana de retrato sólo
representaba la cabeza y parte del cuello.
Posteriormente, se avanza en la representación de
todo el busto, incluyendo hombros y pecho.
No obstante, también se esculpieron esculturas de
cuerpo entero.
La escultura romana del retrato nació para el
emperador y luego se adaptó a otro tipo de personajes
pudientes que pudieron costearse el trabajo de los
artistas.

6. TIPOS DE RETRATOS
Retrato togatos.
Retrato toracatos.
Retrato apoteósico.

7. ESCULTURA A DESTACAR
La estatua de 'Augusto de Prima Porta'
muestra al emperador romano en una
majestuosa pose que combina latensión y
la relajación de sus músculos. Esta escultura
fue descubierta en 1863, en Villa de Livia, Roma,
donde se cree que fue encargada por la mujer
de César Augusto tras su muerte. Sus más de
dos metros de alto suponen una de las mayores
atracciones de los museos del Vaticano.

8. PINTURA
A partir del siglo I, se observan dos corrientes
pictóricas o estilos: el estilo Neo ático, que se
preocupa por la forma humana, resaltando
asuntos de la mitología y epopeya y el estilo
Helenístico - Alejandrino, que pone de
manifiesto la preocupación por la pintura rural,
se cultivan el paisaje y las marinas.
Al iniciarse el siglo II hasta el 79 de nuestra
época (pintura en Pompeya), se observan
cuatro estilos: de incrustación, alejandrino o
arquitectónico, ornamental y fantástico.
La pobreza de los materiales arquitectónicos
utilizados en las construcciones romanas hizo
posible un desarrollo de la pintura mural.
Debemos destacar de estos primeros años de
la pintura romana aquella que podemos
denominar 'geográfica'. Este tipo de pintura
aludía a la necesidad de Roma por conocer los
nuevos lugares conquistados. Otro tipo de
pintura fue el tipo decorativo.

9. TÉCNICA
La técnica utilizada para el enlucimiento de las
paredes romanas era la técnica al fresco.
Está inspirada en la tectónica griega, es decir, la
división del muro en tres partes: Zócalo,
superestructura y zona intermedia.
La mayoría de los ejemplos de sistemas de
representación con respecto a la pintura,
proceden de las dos ciudades sepultadas por la
erupción del Vesubio: Pompeya y Herculano.
Los pintores eran artesanos con una destreza
especial.
La pintura, se ha dividido estilística y
cronológicamente la pintura romana.

10. ROMÁNICO

11. ARQUITECTURA
Se llama estilo románico en arquitectura al resultado de
la combinación razonada y armónica de elemento
constructivo y ornamentales
- Perfeccionamiento
- busca de la altura y la luz.
- El material empleado debía ser piedra. El templo debía
estar abovedado y techos altos.

12. ESCULTURA
La escultura románica no surge por generación espontánea,;
hay que buscar sus antecedentes en los ensayos
prerrománicos de los pueblos bárbaros.
La portada y el capitel son el soporte específico de la
escultura. La escultura románica tiene una función didáctica.

13. CARACTERÍSTICAS
· Anti naturalismo.
· Las figuras se deforman
intencionadamente buscando el impacto
emocional.
· Simplicidad y estilización. Geometrismo y
abstracción.
· Reúsa la representación del cuerpo
humano desnudo, todas las figuras se
cubren con vestiduras. No hay canon de
proporcionalidad, ni equilibrio entre masa y
peso.
· Las figuras son rígidas, hieráticas.
Solemnes y alargadas, para acentuar su
carácter espiritual. Técnicamente aparecen
como primitivas, con un cierto aire arcaico.
· Ausencia general de movimiento.
· Las composiciones y escenas se
yuxtaponen en un mismo plano, sin formar
grupos.
· Falta volumen, las composiciones son
planas y simétricas, con un claro predominio
de la frontalidad.
· Es una plástica que se dirige a la mente, de
una gran carga intelectual, dado
que transmite contenidos ideográficos con
una evidente afán didáctico.

14. TEMÁTICA
La temática está inspirada y determinada por la
Iglesia.

15. PINTURA
La pintura románica es un capítulo original
y breve, ya que la desaparición de los
muros continuos, las bóvedas y ábsides
lisos con la llegada del gótico pondrá fin a
esta experiencia de pintura mural. Muchas
de sus características son semejantes a las
de la escultura.
La llamada pintura mural, es decir la que
cubría los muros de los templos, se basaba
en la preparación de la pintura a base de
pigmentos coloreados diluidos en agua de
cal. Este tipo de pintura se aplicaba sobre
la superficie mural.
Una línea gruesa línea de color
negro servía
para contornear enérgicamente la silueta y
separar cada superficie cromática. El color
es puro, sin mezclas, o a lo sumo con dos
tonalidades. Son colores intensos y
brillantes: rojo, amarillo, naranja, azul.

16. La pintura tiene una finalidad didáctica ,esta pintura
es simbólica, antinatural. Las figuras carecen de profundidad.
Se disponen en posturas paralelas a manera de relleno de un
plano. Con frecuencia resaltan sobre un fondo
monocromático o sobre franjas horizontales de diferentes
colores. Al no mezclar los colores, no interviene la luz en el
modelado de los colores, lo que contribuye a aumentar la
geometrización de las figuras. En el rostro y en las manos se
aplican impactos de color para dar cierta idea de volumen.
Las composiciones son yuxtapuestas, con preferencia por las
figuras frontales y con la eliminación de cualquier forma que
rompa el plano en profundidad.Los temas proceden de la
Biblia, sobre todo del Antiguo Testamento.

18. GÓTICO

19. ARQUITECTURA
La arquitectura gótica emplea sillares de piedra
bien labrados. Sus elementos esenciales son
el arco apuntado y la bóveda de crucería. Este tipo
de bóveda permite prescindir de los muros
macizos del Románico.

20. ESCULTURA
En la escultura gótica se rompen algunos iconos del período
románico, tales como el hieratismo y la frontalidad de las figuras,
dando paso a un progresivo naturalismo. La expresividad cambia,
las figuras se hacen más humanas y reflejan sentimientos a los fines
de adecuarla a una nueva mentalidad acordes con los conceptos
filosóficos de hombre y naturaleza. Así la representación de Cristo
se hace desde una perspectiva más humana para acercarlo al
creyente; igual sucede con la Virgen María, ya no se reproduce
como un trono donde se sienta Cristo a gobernar, sino que aparece
más maternal y femenina.

21. TIPOS DE ESCULTURA GÓTICA
-La escultura monumental
-La escultura de bulto redondo

22. CARACTERÍSTICAS DE LA ESCULTURA GÓTICA:
-Naturalismo
-Humanización
-Carácter monumental
-Función didáctica
-Simbología
-Iconografía gótica

23. PINTURA
La pintura mural, que se dio tanto en las iglesias
antes del gótico, desaparece con la llegada de este
estilo. La arquitectura gótica introduce grandes
ventanales en los muros de sus construcciones, con
lo que el espacio que antes estaba destinado a las
pinturas ahora está ocupado por una vidriera. De la
misma forma, la gran altura de las bóvedas de
crucería dificulta que éstas estén pintadas.

24. Por estos motivos en Europa se aprecia un florecimiento
de la pintura sobre tabla, principalmente en
los retablos adosados a la pared. El estudio de los
retablos permite analizar la evolución de la pintura
durante todo el gótico.

25. Las figuras se humanizan y expresan sentimientos,
dejan de ser hieráticas para adoptar poses más
normales y habituales. Los cuerpos se adivinan
fácilmente debajo de los ropajes.

26. TÉCNICA
La técnica utilizada es el temple. Desde el siglo XV
se comienza a utilizar la pintura al óleo, inventada
por los pintores flamencos y que utiliza el aceite
como aglutinante.

27. FASES
En la evolución de la pintura gótica se distinguen
cuatro fases o estilos :
- Estilo gótico lineal o franco-gótico (s. XIII)
- Estilo ítalo-gótico o trecentista (s. XIV)
- Estilo flamenco o hispano (s. XV)

28. Gótico lineal Ítalo-gótico
flamenco
- Estilo flamenco

29. RENACIMIENTO QUATTROCENTO

30. ARQUITECTURA
Arquitectura quattrocento y cinquecento
La arquitectura de la Italia renacentista suele
estudiarse bajo dos categorías, el Quattrocento ó el
siglo XV y el Cinquecento ó siglo XVI.

31. ESCULTURA QUATTROCENTO
El relieve renacentista muestra preocupación por captar el
espacio y la profundidad mediante el nuevo sistema de
representación de la perspectiva: Relieve pictórico
(SCHIACCIATO).
Los materiales preferidos fueron el mármol y el bronce, por
influencia de los modelos clásicos.

32. TEMAS
Tanto en el relieve como en las
esculturas de bulto redondo, siguen
predominando los temas religiosos,
pero empiezan a desarrollarse
también los profanos: mitológicos,
históricos y alegóricos.
El motivo principal es la figura
humana. Se recuperan las tipologías
frecuentes en el Arte clásico: el
desnudo, el retrato o la estatua
ecuestre.
El cuerpo humano desnudo, ejemplo
máximo de la belleza perfecta,
siguiendo las ideas antropocéntricas,
debe ajustarse a un correcto sistema
de proporciones como en la
Antigüedad (Canon clásico),
representándose de una manera
realista, con estudio de la anatomía
y el movimiento.
.

34. El retrato tiene un gran
auge en esta época, tanto
de cuerpo entero como el
busto, de gran realismo,
expresión de la importancia
del individuo en la
sociedad.
También la estatua ecuestre
adquiere un sentido nuevo
al erigirse en lugares
públicos para exaltar las
glorias de un personaje
importante.

35. DONATELLO
Considerado por algunos teóricos como el principal
escultor de la escuela florentina quattrocentista,
Donatello (de verdadero nombre Donato di Niccolo di
Betto Bardi) ha pasado a los anales de la historia del
arte por su excepcionalidad como artífice, además
de por la maestría que destilará a la hora de conciliar
el más puro clasicismo con un dramatismo que, a
finales de su vida, se tornará cercano incluso al
feísmo.
Y si el Renacimiento lleva implícito en su origen el
reconocimiento de la importancia del hombre en el
mundo, Donatello será el escultor que lo constante,
siendo en su producción la forma de concebir la
figura humana.

36. PINTURA QUATTROCENTO
El objetivo de la nueva pintura será reproducir el mundo real tal como lo
perciben nuestros ojos; sustituyendo la “mirada interior” propia del arte
medieval, para lo cual optarán por:
Representación realista de la figura humana, los espacios y los objetos.
Utilización del dibujo (perspectiva líneal) y de la luz para representar el
volumen y el espacio tridimensional.

37. TEMÁTICA Y TÉCNICA
La temática es variada: Abundan las pinturas religiosas
(en iglesias y capillas) y cada vez más, los pintores
reciben encargos de la temática mitológica, los retratos y
las representaciones de temática histórica encargadas
por nobles y burgueses para sus villas y palacios.
En cuanto a la técnica: domina la pintura mural al fresco,
pero también existe pintura sobre tabla primero al temple
y luego al óleo por influencia flamenca.

38. RENACIMIENTO CINQUECENTO

39. ESCULTURA CINQUECENTO
La escultura del Cinquecento buscará la
grandiosidad y la monumentalidad inspiradas
directamente en las esculturas clásicas
descubiertas en Roma gracias a una ferviente
actividad arqueológica (1506. Descubrimiento del
Laooconte). Lo que supone la recuperación del
desnudo y las representaciones heroicas y
gigantescas realizadas en bronce y, sobre todo en
mármol.

41. MIGUEL ÁNGEL
Arquitecto, pintor y, ante
todo, escultor, Miguel Ángel
es el máximo exponente de
la larga lista de ingenios
individuales que el
Renacimiento italiano
alumbrará. Asimilable en sus
inicios a la corriente del
Cinquecento, en su
magnífica obra es
apreciable, casi desde los
comienzos de la misma, una
potente manifestación de los
sentimientos que derivará en
monumentales y poderosas
figuras por completo
manieristas .

42. PINTUTRA CINQUECENTO
 Durante el siglo XVI trabajan en Italia algunos de los
grandes maestros de la pintura universal. Ellos
consiguen con su arte culminar el proceso que habían
iniciado los pintores del Quattrocento respecto a la
correcta representación del cuerpo humano y el interés
por representar la profundidad a través de la
perspectiva lineal y el estudio de las luces y las
sombras. El grado de perfección y la calidad de la obra
de artistas como Leonardo, Miguel Ángel o Rafael hace
que los pintores posteriores, ante la imposibilidad de
superar sus logros, deban buscar un nuevo lenguaje
que se aleje del clasicismo; surge así el Manierismo.

44. CARACTERÍSTICAS
Cuidadas composiciones, basadas en formas
geométricas (triángulos cuadrados) o simétricas,
uso de la perspectiva de una forma más natural:
menos geométrica, buscando la profundidad a
través del uso de las luces y las sombras y los
paisajes. Representación del cuerpo humano
idealizado según los cánones clásico y especial
interés por representarlo en movimiento. Poco a
poco el color se maneja de una forma más suelta y
va ganando importancia sobre el dibujo.
Técnicas, Grandes composiciones al fresco y
también pintura al óleo sobre tela. Temas, Pintura
religiosa, temas inspirados en la antigüedad clásica
(mitología) y retratos.

46. LEONARDO DA VINCI
A pesar de la relativa toma de
conciencia y la admiración que
Leonardo despertó como científico e
inventor en los últimos años, su fama
ha descansado sobre sus creaciones
como pintor de varias obras,
autentificadas o que se le atribuyen,
y que han sido consideradas como
grandes obras maestras del
patrimonio universal.
Sus pinturas son célebres. Por un
lado, han sido copiadas e imitadas
por los estudiantes, y por otro han
sido el centro de debate y
controversia entre los especialistas.
Entre las cualidades, cabe destacar
las técnicas pictóricas innovadoras
que empleó.

47. CARACTERÍSTICAS
Sus esculturas revelan un
perfecto conocimiento de la
anatomía, lo que le permite
representar fielmente todos
los detalles del cuerpo
humano, sobre todo de
músculos, venas y
articulaciones.
Sus figuras encierran un
movimiento en potencia que
se convertirá en acto al
llegar la generación del
barroco.
Es característico de algunas
de sus esculturas la
expresión de la cara en la
que destaca mirada terrible
que sus contemporáneos
denominaron terribilitá.

48. ARQUITECTURA
La arquitectura barroca es resumen y paradigma del
espíritu de la "civilización del barroco".En ella se adoptan
las líneas curvas frente a las rectas por generar aquéllas
mayor dinamismo y expresividad.Las fachadas
adquieren la máxima importancia. Las plantas de los
templos también tienden a alejarse de las formas
clásicas.

49. ESCULTURA
Este fue un movimiento artístico que se extendió
aproximadamente entre los años 1600 y 1750. Surgió en
Italia y se difundió por muchos lugares, adquiriendo distintas
modalidades.
En términos estilísticos, el barroco prefirió el movimiento, la
grandiosidad y el dramatismo, al contrario de la serenidad y
simetría que buscaba el Renacimiento.
Pretendió dar una sensación de movimiento a través de
líneas curvas y oblicuas. Las personas o cosas eran
representadas con gran realismo, se privilegiaba el color
sobre el dibujo, el efecto del claro oscuro.
Representaban figuras mitológicas, personajes históricos, así
como santos y escenas religiosas.

51. Predominio de los temas religiosos.
Realismo.
Para extremar el realismo de las
figuras se recurre a postizos como el
empleo de pelo real, corona real, ojos
y lágrimas de cristal, etc. Se llegaron
a crear imágenes de vestir, en las que
se realizaban con minuciosidad
cabeza, manos y pies para vestirlas
con ropa real).
Empleo de la madera policromada
como material preferido.
El cliente más importante es la Iglesia
y en segundo lugar la Corte.
Las obras decoran retablos, sillerías
de coro y los famosos pasos de
Semana Santa.
Se produce la decadencia de la
escultura funeraria.

52. PINTURA
La característica principal
es su vinculación a la
realidad, que es también
consecuencia de una
evolución estilística, ya que,
cuando en los últimos años
del siglo XVI la justificación
puramente estética y el
consciente antinaturalismo
del manierismo agotan sus
cauces expresivos, los
artistas barrocos usan la
novedad formal plasmando
en sus obras aquello que el
manierismo rechazaba: la
realidad y la naturaleza.

53. DEBIDO AL INDEPENDIENTE DESARROLLO DE LAS ESCUELAS PICTÓRICAS NO
SON MUCHAS LAS NOTAS COMUNES QUE CARACTERIZAN A LA PINTURA
BARROCA; SEÑALAMOS LAS SIGUIENTES:
 Realismo. Se buscan los modelos de la naturaleza, sin
proceder a su idealización, incluso llegando al naturalismo,
la preocupación por la representación del estado psicológico,
de los sentimientos (dolor, alegría), etc. En no pocas
ocasiones la luz se pone al servicio del realismo.
 Predominio del color sobre el dibujo. En los grandes
maestros las manchas son las definidoras de las formas
(Velázquez o Rembrandt). Se pintan las cosas como se ven
en la realidad, con manchas de color y luz, perdiéndose los
detalles y con el contorno no precisado.
 Profundidad continua. En el barroco se abandona el rigor
de la perspectiva lineal, para obtener la sensación de
profundidad los procedimientos utilizados pueden ser líneas
convergentes, series de escorzos, un primer término
desmesurado, un primer término oscuro, juegos de luces,
plasmación de efectos atmosféricos

54.  Hegemonía de la luz. Se abandona el esfumato de Leonardo se
pasa a planos de luz y sombras donde las formas se dibujan con
gran precisión. El barroco es el arte de plasmar pictóricamente la
luz y en correlación, la sombra juega un papel hasta entonces
inédito, especialmente en los primeros ensayos del estilo que han
venido a denominarse Tenebrismo. En el Barroco la forma se
subordina a la luz, y en algunas ocasiones las formas pueden
desvanecerse por debilidad o intensidad del centelleo luminoso.
 Libertad en la composición, es decir composición asimétrica y
atectónica. La tendencia instintiva a colocar la figura principal en
medio y a pintar dos mitades de telas semejantes (simetría) se
pierde, de la misma manera que se desecha la malla de horizontales
y verticales del arte clásico (composición tectónica). Se prefiere
todo aquello que muestre desequilibrio o sugiera que la escena
continúa más allá de los límites del marco. Esta composición
atectónica se consigue mediante las líneas diagonales que
sustituyen a las composiciones piramidales del siglo anterior; a
veces se usan formas partidas que indiquen que no todo cabe en la
tela.

55.  Preocupación por plasmar el movimiento. La pintura barroca es
la pintura de la vida y ésta no puede representarse bajo formas
estáticas. La turbulencia se antepone a la quietud; las figuras son
inestables y los escorzos y ondulaciones se multiplican. A veces este
movimiento no existe y el exceso de quietud y austeridad se debe
relacionar con el deseo de vincular la obra con la trascendencia
religiosa.
 Técnicas. La importancia del color y el deseo de mostrarlo en toda
su brillantez hace que se abandone el temple y se generaliza el óleo
y el uso del lienzo, a veces de grandes proporciones y la pintura
sobre tabla casi se abandona. La técnica del fresco se sigue
utilizando para la pintura decorativa de las paredes.

56.  Temas. Aquí es donde la multiplicidad de escuelas provoca una
absoluta variedad en los temas.
 En cuanto a los temas religiosos abundan la representaciones de
la Virgen, como Inmaculada Concepción, la Piedad, los pasajes
evangélicos más relevantes, la caridad, los sacramentos (en
especial la penitencia y la eucaristía), series sobre la vida de los
santos y sus experiencias religiosas, la visión de la muerte.
 El desnudo es proscrito de las representaciones religiosas,
persistiendo únicamente en las alegorías y mitologías.
 La fábula pagana se cultivará en Francia y Flandes.
 Los holandeses destacarán en el retrato de grupo y el paisaje se
convierte en género independiente y dentro de él temas especiales
como, escenas realistas ( de interiores y de vida cotidiana), marinas,
batallas navales, etc.
 También se desarrolla el cuadro de arquitectura, el bodegón, los
de naturalezas muertas.

57. LAS ESCUELAS DE LA PINTURA
BARROCA EUROPEA: ITALIA. Miguel Angel Merisi, il
Caravaggio, (1573-1610)
Introdujo una profunda revolución
en la pintura italiana del XVII. Dos
son las características básicas de su
obra, el naturalismo , rechazó los
ideales clásicos; cuando pintaba una
escena de tipo religioso, introducía
en los cuadros lo vulgar, las escenas
con gente corriente, sin ningún tipo
de idealización. En segundo lugar,
el tenebrismo, para acentuar el
realismo, realza sus figuras y
escenas por los efectos de luz,
haciéndolas destacar sobre el fondo
oscuro, la luz no se difunde
suavemente, sino que surge de un
vano lateral y cae sobre las figuras,
sobre la escena, delimitando
claramente las formas iluminadas en
las que los colores son vivos e
intensos y destacan sobre las
zonas oscuras.
La llamada de San Mateo
1599-1600
Óleo sobre lienzo, 322 x 340 cm
Capilla Contarelli, San Luigi dei Francesi, Roma