Arte, renacimiento, pintura, escultura, arquitectura, sección áurea

1. Bloque 8. El
Renacimiento

2. El renacimiento. Estilo de la cultura europea.
Expansión del renacimiento desde Italia al
resto de Europa. Florencia (los Medici) y Roma (el papado
1. Valorar la importancia histórica del estilo
Renacimiento y su trascendencia posterior.
1.1. Analiza el origen del Renacimiento
en Italia.

3. Renacimiento italiano se inició en un
época de grandes cambios culturales,
en los siglos XV y XVI, se produjo en
Italia un formidable movimiento
artístico y de grandes logros que
supero al de otros países. La palabra
Renacimiento (Rinascimento en
italiano) tiene un significado explícito,
que representa el renovado interés del
período en la cultura de la antigüedad
clásica, luego de lo que allí mismo se
etiquetó como la “edad oscura”. Estos
cambios, aunque significativos,
estuvieron concentrados en las clases
altas, y para la gran mayoría de la
población la vida cambió poco en
relación a la Edad Media.

4. Características generales.
• Características del contexto histórico:
• Aparición de las monarquías autoritarias.
• Descubrimientos geográficos y ampliación del mundo conocido.
• Conflictos religiosos: intento de conciliar fe y razón.
• Entra en conflicto el poder terrenal del Papado
• Desarrollo de la burguesía comercial. Mecenazgo
• Acumulación de riquezas, reaparición de la banca
• Florecimiento urbano en el norte y centro de Italia.
• Recuperación de los valores grecolatinos: diferenciación entre fe religiosa
y saber. Antropocentrismo, Orden y armonía. Alfabetización. Mitología.
• Humanismo como nueva doctrina filosófica contraria a la escolástica
medieval.

5. Características generales.
• Introducción histórica.
– Predominio de Florencia como foco de irradiación de tendencias
artísticas. Los Medici como principal familia de la ciudad.
– El humanismo va a llevar al tratado a la manera romana, se van a escribir
tratados sobre todos los temas, se va a teorizar sobre política (“El
Principe” de Nicola de Maquiavelli), matemáticas, astronomía, anatomía.
– La religión también va sufrir la influencia del humanismo, los escritos de
Erasmo de Rotterdam sobre la Fe y la iglesia o, más tarde, Lutero y el
Protestantismo.
– El hombre será la medida de todas las cosas, todo se humaniza pero sin
perder la perspectiva de que el hombre es una creación divina, su más
alta creación.
– La proporción y la armonía serán uno de los pilares fundamentales del
pensamiento renacentista, no debe haber estridencias, todo debe ser
natural, ordenado, simétrico.

6. AVANCES CIENTÍFICOS
Los avances científicos
de los siglos XV y XVI
Ciencia utilitaria y funcional
preocupada por las necesidades cotidianas
MEDICINA
Paracelso: defiende la
aplicación de los productos químicos
en medicina.
Vesalio: realiza estudios
anatómicos
ASTRONOMÍA
Copernico: teoría
heliocéntrica
INVENTOS:
imprenta, brújula,
artillería, portulanos, nuevos
sistemas contables, etc
Descubrimientos geográficos,
difusión de las nuevas ideas,
aparición de estados
modernos poderosos…

7. Etapas: Trecento, Quattrocento, Cinquecento.
Arquitectura del renacimiento. Tipología y
edificios principales.
2. Identificar las claves técnicas de la arquitectura renacentista y su relación con la cultura romana.
2.1. Comenta la importancia de la cultura
romana en el arte del Renacimiento.

8. 2.1 Comenta la importancia de la cultura romana en el arte del Renacimiento
Renacimiento: supone la recuperación del arte clásico.
- Búsqueda de la inspiración en la Antigüedad clásica (Grecia y Roma): formas
simples, armonía de proporciones, uso de elementos arquitectónicos del mundo
clásico (frontones, columnas, cúpula, arco de medio punto, etc.), uso del desnudo en
pintura y escultura.
- Dominio de la perspectiva: dando una sensación más real al representarse la
profundidad, a través de la utilización de formas geométricas, de estudios
matemáticos y de la luz.
- El hombre como centro: retorno a la medida humana (equilibrio entre planta y
altura, prevalencia de lo horizontal sobre lo vertical, edificios adaptados a la medida
humanas y a sus necesidades, ...) y representaciones humanas en escultura y pintura.
- Observación e imitación de la naturaleza: imitación de la realidad
(investigación sobre el espacio, perspectiva, luz …), pero de forma idealizada,
buscando la belleza y la perfección técnica.
- Cambio en los temas: en arquitectura, junto a las iglesias, se construyen
palacios, ayuntamientos, universidades, hospitales y plazas públicas. Pintores y
escultores no sólo realizan obras religiosas, también retratos y escenas mitológicas.
- Importancia de los mecenas para el apoyo y desarrollo del arte. Valoración

9. Periodos
• Fases: (Trecento S XIV en Italia
se inicia el renacimiento en
Pintura con Giotto)
• Quattrocento, S. XV
• Cinquecento, S. XVI
• Clasicismo (hasta 1525)
• Manierismo (desde 1525 a
1590) El hombre de Vitruvio dibujo de
Leonardo refleja a la perfección
la idea del hombre como medida
de todas las cosas.

10. EL RENACIMIENTO EN ITALIA
ARQUITECTURA

11. Arquitectura.
• Características generales.
– Ruptura con el gótico.
– No a los arcos apuntados.
– No a la verticalidad, proporción en las dimensiones.
– No al exceso de decoración, por lo menos al principio, la decoración debe ser la misma
estructura del edificio.
– No a la luz tamizada ni con efectos, no a la vidriera, luz limpia pura.
– Vuelta al clasicismo.
– El renacimiento es ante todo una vuelta al clasicismo, a los valores de la antigüedad
grecorromana aunque no imitando sino recreando, releyendo.
– Se retoman los órdenes clásicos y su alternancia en la las fachadas al estilo romano (toscano,
jónico, corintio).
– Arcos de medio punto, cúpulas sobre pechinas o tambores.
– Proporción, armonía y simetría entre los elementos del edificio. Perspectiva y proporción
numérica: modulo, conmodulatio.

12. Arquitectura.
• Características generales.
– Planta.
– Plantas basilicales aunque se idealizará la planta centralizada ya de cruz griega, ya cuadrada ya circular.
– Plantas de palacios con patio central.
– Alzado.
– Elementos sustentantes.
• Columnas de orden clásico de fustes generalmente lisos.
• Pilares.
• Muros. El muro vuelve a tomar la función sustentante que había perdido en el gótico francés.
– Elementos sustentados.
• Cúpulas de media esfera sustentadas sobre pechinas o sobre tambores.
• Bóvedas vaídas.
• Bóvedas de cañón.
• Bóvedas de crucería.
• Adinteladas, artesonados.
– Elementos de descarga.
• Arcos de medio punto.

13. Arquitectura.
• Características generales.
– Materiales.
– Piedra.
• Mármol, usado en placas al estilo romano, pocos edificios estarán
construidos completamente de mármol.
• Caliza, areniscas, granitos, dependiendo de la zona.
– Barro cocido.
• Ladrillos, disimulados bajo el mármol.
• Tejas, cubiertas exteriores.
– Madera.
• Vigas, artesonados, cerchas…

14. Arquitectura.
• Características generales.
– Decoración.
– Exterior. (Fachadas).
• En un principio, según los puristas como Alberti, se intentará reducir la
decoración dejándola en los elementos estructurales y la belleza matemática de
la construcción, el renacimiento es un arte intelectual con vocación de tal.
• Mármoles de colores. Florencia.
• Esculturas.
• Terracottas esmaltadas. Della Robbia.
• En los palacios se implanta el sistema de tres niveles creado por Michellozo.
– Interior.
• La misma teoría que en los exteriores, la luz pura y la proporción del edificio.
• Esculturas, coros, altares y capillas.
• Frescos. La pintura al fresco será el elemento decorativo fundamental de los
edificios renacentistas.

15. Capilla Pazzi.
Arco de medio punto.
Orden corintio.
Simetría
Cúpula sobre pechinas
Terracottas
Colores claros parano producir
estridencias cromáticas.

16. Santa Maria Novella.
Mármoles en la fachada
Arcos de medio punto
Aletones.
Frontón clásico.

17. Bóveda vaída.
La bóveda vaída se va a utlizar mucho
desde el primer renacimiento.
Hospital de los Inocentes. Florencia.

18. Ejemplo de palacios, el palacio Medici-Ricardi
y el Rucellai.
Módulo

19. Arquitectura Periodos.
• Periodos.
– Cuattrocento. Renacimiento Florentino. S. XV
– Brunelleschi. Impulsor del primer renacimiento, su cúpula de Santa
Maria di Fiori se considera la primera obra renacentista.
– Alberti. Gran teórico aunque sus obras no son tan conocidas.
– Michellozo. Creador de la planta y el alzado del palacio renacentista.
– Cinquecento. Renacimiento Romano-florentino. XVI.
– Bramante. Cúpulas y manejo del volumen.
– Miguel Ángel Buonarroti. Volumen y proporción.
– Paladio. Volumen, repetición del modulo.

20. Arquitectura.
• Brunelleschi. 1377-1446.
– Considerado pro su cúpula de Santa Maria de las Flores como el primer
arquitecto renacentista.
– Gran conocimiento matemático que le permitió levantar la cúpula pero
también crear obras de una perfecta proporción numérica, conmodulatio.
– En su interés por respeta las proporciones y medidas va a crear el dado
brunelleschiano, fragmento de entablamento que se coloca sobre la columna
para evitar que su longitud fuera mayor al doble del intercolumnio.
– En los interiores se decantará por una luz diáfana, pura, ayudado por el uso
de la pietra serena para las columnas y los arcos.
– Obras:
– Cúpula de Santa Maria de las Flores.
• Doble cúpula esquifada sobre un tambor de 46 metros de diámetro.
• La cúpula exterior se sustenta con la interior que por así decirlo cuelga de ésta.
• La linterna evita que las fuerzas externas hagan que la cúpula literalmente estalle.
• Recuperación de la cúpula como sistema de cubrición.

21. CLAVES DEL ESTILO “INNOVADOR” DE F. BRUNELLESCHI

22. Haga clic para modificar el estilo de texto del patrón
Segundo nivel
● Tercer nivel
● Cuarto nivel
● Quinto nivel
BRUNELLESCHI
Cúpula de la catedral de
Santa María de las Flores de
Florencia

23. Cuando Arnolfo di Cambio construyó Santa
Maria de las flores en el siglo XIII pensó en
construir una gran cúpula sobre el crucero
pero sus conocimientos técnicos no estaban
a la altura, hasta 1419 no se empezó la
cúpula que culminaría la que se suponía iba
a ser la mayor catedral de la cristiandad.
Tambor.
Linterna
Exterior
Interior

24. BRUNELLESCHI
Cúpula de la catedral de Santa
María de las Flores de Florencia
Elevada sobre un tambor octogonal,
a la manera de los cimborrios góticos, de
dimensiones colosales y una ingeniosa
solución técnica, dos cúpulas unidas, una
interior semiesférica y otra exterior
apuntada, que contrarresta los empujes
de la primera.
Utiliza ladrillos huecos (menor peso).
Con linterna y cimbra de madera.
Ideó una nueva maquinaria para su
construcción.
Decoración exterior a base de
galerías de arcos de medio punto,
hornacinas aveneradas y los
entablamentos clásicos.

25. Haga clic para modificar el estilo de texto del patrón
Segundo nivel
● Tercer nivel
● Cuarto nivel
● Quinto nivel

27. ELEMENTOS EXTERIORES DE LA CÚPULA
Cúpula de Santa María de las Flores,
Florencia. F. Brunelleschi.
linterna
nervio
casquete
exterior
tambor
octogonal
óculo
plemento
pechinal

28. linterna
casquete
exterior casquete
interior
nervios
principales
nervios
secundarios
anillos
de tracción
tambor
octogonal
óculo
la cúpula: sección y axonometría.
Cúpula de perfil apuntado
que cabalga sobre un tambor
octogonal de 8 paños
42 m. de diámetro exterior
Haga clic para modificar el estilo de texto del patrón
Segundo nivel
● Tercer nivel
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● Quinto nivel

29. Arquitectura.
– Basílica de San Lorenzo. 1421.
– Recuperación del modelo paleocristiano de basílica.
– Aplicación de las nuevas concepciones humanistas y matemáticas del
renacimiento.
– Aparición del dado brunelleschiano.
– Hospital de los Inocentes.
– Alternancia de colores blanco/pietra serena.
– No logra crear una nueva tipología de hospital.
– Palazzo Pitti.
– Atribuido a Brunelleschi aunque realizado ya a mediados del siglo XVI lo
que demuestra la desmesura de sus proporciones.

30. BRUNELLESCHI
Basílica del Espíritu Santo
Elegantes proporciones, utiliza
un trozo de entablamento
interpuesto entre el capitel y el
arranque del arco. Elementos
clásicos: columnas corintias, arcos
de medio punto, techumbre de
casetones en el centro y de cañón
en los laterales, frontones
decorados con temas vegetales
romanos … Planta basilical.

32. Iglesia de San
Lorenzo

33. Haga clic para modificar el estilo de texto del patrón
Segundo nivel
● Tercer nivel
● Cuarto nivel
● Quinto nivel
BRUNELLESCHI
Hospital de los
Inocentes

34. BRUNELLESCHI
Palacio Pitti
Modelo de palacio
renacentista del
Quattrocento:
Horizontalidad,
proporciones matemáticas,
almohadillado de bloques,
pierden su carácter de
fortaleza para integrarse en
el urbanismo de la ciudad,
parteluz en las ventanas,
frontones y arcos de medio
punto, solidez …

35. Palazzo Pitti. Atribuido a Brunelleschi en planos ya que fue realizado casi 100 años después de
su muerte.

36. INNOVACIONES DE BRUNELLESCHI
• La idea renacentista de belleza y perfección se
basa en un racionalismo orientado
matemáticamente, de forma que la Teoría de la
Proporción intenta llevar a un denominador
común el canon de proporciones del cuerpo
humano y las leyes matemáticas de las formas
geométricas básicas, como la circunferencia y
el cuadrado, y expresarlas en reglas de
proporción de validez universal. Debían reflejar
la armonía del Universo.
• El arquitecto vuelve a utilizar, de forma
sistemática, el arco de medio punto. Sostenido
por elegantes columnas de orden clásico y
formando galerías o logias, su repetición
rítmica contribuye a subrayar la claridad
racional de los edificios renacentistas.
• La simetría y regularidad de los elementos
constructivos y la unidad de conjunto, se
materializan en las líneas de perspectiva que
guían la mirada del observador y otorgan al
espacio amplitud y profundidad
• La columna fundamentalmente, tanto por su
función constructiva (sustentante), como
decorativa, bien aislada, formando arquerías o
combinada con pilares.
• Se emplea el repertorio de los cinco órdenes
clásicos. La columna es esencial dado que el
estudio de sus proporciones es uno de los
fundamentos del clasicismo, y sirve como
pauta para determinar toda la proporción del
edificio. Este carácter rector de la columna es el
fundamento esencial de la belleza
arquitectónica en la concepción renacentista. Se
utilizan todos los órdenes romanos, desde el
rústico al compuesto, enriquecido el corintio,
que es el más utilizado.

37. Alberti
• Autores
– Alberti. 1404-1472.
– Humanista completo, matemático, arquitecto, arqueólogo, poeta….
– Gran tratadista más que arquitecto, “De re aedificatoria” acabada en 1460.
– Preocupado sobre todo en temas de perspectiva y recuperación de las formas
clásicas.
– Obras:
• Palacio Rucellai.
– Modelo de palacio renacentista mejorando el planteamiento de Michellozo.
– Alternancia de órdenes, toscano, jónico y corintio.
– Banco corrido en el zócalo que está realizado imitando el opus reticulatum
romano.

38. Palazzo Rucellai, modelo de palacio
renacentista que será repetido por toda
la ciudad.

39. LEÓN BAUTISTA ALBERTI (1406-1472)
• Escribió un tratado seminal en la
arquitectura De Re Aedificatoria, basado
en el libro De Architectura del escritor
romano clásico Vitruvio
• Sistematiza el lenguaje arquitectónico y
contribuye a su difusión. Es el gran teórico
de la arquitectura renacentista. Sus
edificios denotan una clara inclinación al
clasicismo, especialmente en las
fachadas, en las que las columnas, las
arcadas, los capiteles y los frontones con
tímpano nos remiten directamente a los
arcos de triunfo y a los templos
grecorromanos.
• Busca un tipo de templo que aúne la
utilización de los elementos clásicos y las
necesidades derivadas del culto y la liturgia
cristiana. Era preciso compaginar la
grandiosidad de los edificios clásicos y el
carácter aéreo de la arquitectura gótica;
pues si la primera imponía por su solidez, la
segunda se distinguía por la luminosidad de
sus interiores. Si los arquitectos góticos
lograron, o buscaron, desmaterializar el
cuerpo del edificio y borrar los límites
espaciales, el arquitecto renacentista se
inspirará en las formas geométricas básicas,
que ya se encontraban en los edificios
clásicos. El círculo y el cuadrado, el cubo y la
esfera, el cilindro, son las formas más
adecuadas, gracias a su perfecta regularidad
y racionalidad. La dinámica lineal y
ascendente del gótico será desplazada por
la lógica claridad del clasicismo.

40. Arquitectura
– Obras.
– Santa Maria Novella.
• Iglesia gótica fachada renacentista aunque la parte inferior sigue
siendo gótica.
• Incorporación de elementos clásicos como los pilastras, los arcos de
medio punto y los aletones para que sirvan de transición entre el
cuerpo inferior y el superior.
– San Andrés de Mantua. 1472
• Considerada la primera construcción monumental del renacimiento
clásico.
• Planta de cruz latina
• Fachada en forma de arco del triunfo de gran profundidad.

41. ALBERTI
Santa María Novella
Módulo cuadrado, unión
de dos cuerpos por volutas.
Arquitectura basada en las
relaciones matemáticas.
Decoración en mármol.
Elementos clásicos: frontón,
arco de medio punto,
columnas …

42. Haga clic para modificar el estilo de texto del patrón
Segundo nivel
● Tercer nivel
● Cuarto nivel
● Quinto nivel
ALBERTI
Santa María Novella
Florencia

43. Alberti San Andrés de Mantua

44. El concepto de PÓRTICO
MONUMENTAL de los arcos
de triunfo romanos, inspiró a
Alberti para diseñar la fachada
de esta iglesia, rematada por un
frontón triangular en lugar del
ático clásico.

46. CINQUECENTO
SIGLO XVI
LA ROMA DE LOS PAPAS

47. BRAMANTE.
SAN PEDRO DE
ROMA
MIGUEL ÁNGEL.
SAN PEDRO DE ROMA

48. Haga clic para modificar el estilo de texto del patrón
Segundo nivel
● Tercer nivel
● Cuarto nivel
● Quinto nivel
MIGUEL
ÁNGEL
Cúpula de la
Basílica de San
Pedro
Elementos
decorativos clásicos
usados de forma
personal. Enorme cúpula
de media naranja sobre
tambor, ventanas entre
pares de columnas
coronada por frontones
curvos y rectos, linterna.

50. BRAMANTE
San Prieto in
Montorio
Templete donde los
elementos clásicos
(columnas dóricas, pilastras
adosadas, triglifos y
metopas) se mezclan con
otros renacentistas, como
la balaustrada y la airosa
cúpula, así como el
medallón decorativo.

51. PALLADIO
Villa Capra o La
Rotonda en Vicenza
Planta cuadrada, con
cuatro pórticos iguales
que miran a los cuatro
puntos cardinales,
estatismo y dinamismo,
unión con la naturaleza.
Orden dórico,
frontones

52. Vignola; IL GESÚ

54. Vignola; IL GESÚ

55. Características de la
Arquitectura
Renacentista
Periodos Edificios destacados
Vuelta al clasicismo.
● El renacimiento es ante todo
una vuelta al clasicismo.
● Se retoman los órdenes
clásicos y su alternancia en la
las fachadas al estilo romano
(toscano, jónico, corintio).
● Arcos de medio punto, cúpulas
sobre pechinas o tambores.
● Proporción, armonía y simetría
entre los elementos del
edificio. Perspectiva y
proporción numérica: modulo,
conmodulatio
Periodos.
Cuattrocento. Renacimiento
Florentino. S. XV
● Brunelleschi. Impulsor del
primer renacimiento, su cúpula
de Santa Maria di Fiori se
considera la primera obra
renacentista.
● Alberti. Gran teórico.
● Michellozo. Creador de la
planta y el alzado del palacio
renacentista
Brunelleschi
Basílica de San Lorenzo. 1421.
Hospital de los Inocentes.
● .Palazzo Pitti
● Cúpula de Santa María de las
Flores
● Alberti:
● Santa María Novella
● Palacio Rucellai
● San Andrés de Mantua
● Michelozzo: Palacio Médici
Riccardi
Planta.
● Plantas basilicales aya de cruz
griega, ya cuadrada ya
circular.Plantas de palacios con
patio central.
Alzado.
● Elementos sustentantes.Columnas
de orden clásico de fustes
generalmente lisos.Pilares.Muros. El
muro vuelve a tomar la función
sustentante que había perdido en el
gótico francés.
● Elementos sustentados.
● Cúpulas de media esfera
sustentadas sobre pechinas o
sobre tambores.
Cinquecento. Renacimiento
Romano-florentino. XVI.
● Bramante. Cúpulas y manejo
del volumen.
● Miguel Ángel Buonarroti.
Volumen y proporción.
● Paladio. Volumen, repetición
del modulo.
Vignola: crea el modelo de iglesia
jesuítica
Bramante San Pietro in Montorio
Miguel Ángel Cúpula de San Pedro
Palladio: La Rotonda en Vicenza
Vignola : Il Gesu

56. 3. Reconocer la proporción áurea en algún
elemento de estilo renacimiento: arquitectura, mobiliario, etc.
3.1. Analiza la relación de los elementos
arquitectónicos aplicando la proporción
áurea.

57. 3.1 Analiza la relación de los elementos
arquitectónicos aplicando la proporción áurea.
Definición sección áurea Métodos de trazado Ejemplos arquitectónicos del
renacimiento que destacan
por su uso de la sección áurea
la sección áurea
representada con la letra
griega PHI o FI Φ =
1,61803…
La sección áurea es la
división armónica de una
segmento en media y
extrema razón. Es decir,
que el segmento menor es
al segmento mayor, como
este es a la totalidad. De
esta manera se establece
una relación de tamaños
con la misma
proporcionalidad entre el
todo dividido en mayor y
menor.
División de un segmento
Construcción rectángulo
áureo
Ejemplos:
Brunellechi: Capilla Pazzi
San Lorenzo
Alberti: San Andrés de
Mantua
Santa María Novella

58. Divina proporción
. Desde los tiempos antiguos el perfeccionamiento de la arquitectura depende
del establecimiento de interrelaciones armónicas dentro de un mismo edificio,
las obras que consideramos maestras presentan una cadena de proporciones
afines entre ellas. De entre los diversos sistemas proporcionales hay uno que ha
jugado un papel muy destacado la sección áurea: 1/1.618. Al encontrarse este
numero proporcional entre las formas animales y vegetales nos acerca a la
naturaleza…
La proporción es lo que puede purificar la arquitectura con la armonía
matemática del pasado y reconciliarla con la naturaleza.

59. Divina proporciónUn número nada fácil de imaginar que convive con la humanidad porque aparece en la
naturaleza y desde la época griega hasta nuestros días en el arte y el diseño. Es el llamado
número de oro (representado habitualmente con la letra griega PHI o FI Φ = 1,61803…
o también sección áurea, proporción áurea o razón áurea.
tiene infinitas cifras decimales y no es periódico (sus cifras decimales no se repiten
periódicamente). A estos números se les llama irracionales.

60. Divina proporción
La sección áurea es la división armónica de una segmento en media y extrema razón. Es decir,
que el segmento menor es al segmento mayor, como este es a la totalidad. De esta manera se
establece una relación de tamaños con la misma proporcionalidad entre el todo dividido en
mayor y menor. Esta proporción o forma de seleccionar proporcionalmente una línea se llama
proporción áurea.
para lograr un efecto estético agradable y que puede llegar a ser muy eficaz.
Haciendo una recta de la dimensión que deseemos. Fijémonos bien en ella , después,
dividámosla en dos partes desiguales mediante un pequeño trazo, de tal manera que los dos
segmentos sean equilibrados y proporcionalmente agradables. Tras esto midámoslas, podremos
comprobar que la menor es aproximadamente un 62% de la mayor y que ésta es un 62% de la
recta completa.

61. Sección Áurea de un segmento
1-Tenemos el segmento AB y lo queremos
dividir en dos partes que mantengan entre
si la proporción áurea
2- hallamos su mitad utilizando la
mediatriz, en el extremo b del segmento
levantamos otro segmento que forme
ángulo recto y que mida exactamente la
mitad que AB
3- dibujamos la hipotenusa uniendo los
dos puntos extremos de los dos
segmentos.
4-de la longitud total de la hipotenusa
restamos la longitud del cateto menor
5-la longitud restante la llevamos sobre el
cateto mayor que es el segmento AB
6- El segmento queda dividido en dos
segmentos de distinto tamaño que
guardan la proporción aurea

62. Divina proporción
El rectángulo áureo
Dibujamos un cuadrado y marcamos el punto medio de uno de sus lados. Lo unimos con uno de
los vértices del lado opuesto y llevamos esa distancia sobre el lado inicial, de esta manera
obtenemos el lado mayor del rectángulo.

63. Rectángulo áureo
Para construir un rectángulo
áureo a partir de una
dimensión dada
2-Dibujamos un cuadrado con
ella.
3- hallamos la mitad de la
base
4-unimos el punto medio con
uno de los vértices del lado
opuesto.
5-prolongamos la base del
cuadrado y llevamos desde
ese punto medio la medida
exacta de la recta que lo uní
con el vértice
6- nos dará como resultado la
medida del lado mayor del
rectángulo.
Lo completamos

64. Divina proporción
La estrella pentagonal o pentágono estrellado era, según la tradición, el símbolo de los
seguidores de Pitágoras. Los pitagóricos pensaban que el mundo estaba configurado según un
orden numérico, donde sólo tenían cabida los números fraccionarios. La casualidad hizo que en
su propio símbolo se encontrara un número raro: el numero de oro.
Por ejemplo, la relación entre la diagonal del pentágono y su lado es el número de oro.
También podemos comprobar que los segmentos QN, NP y QP están en proporción áurea.

65. Divina proporción
TRIÁNGULO ÁUREO
el triángulo isósceles de ángulos 36º, 72º y 72º Este triángulo isósceles se conoce con el nombre
de triángulo áureo.

66. Divina proporción en la Arquitectura
ARQUITECTURA DEL
QUATTROCENTO.- En Italia, la
presencia de los restos
arquitectónicos romanos hizo que
nunca se perdiera del todo la
herencia clásica. Aunque los
mejores ejemplos (el Coliseo, el
Panteón…, que por cierto se
conservarán y se excavarán) se
encontraban en Roma, fue en
Florencia donde surgió una serie de
intelectuales neoplatónicos
(Marsilio Ficino, que estableció la
igualdad verdad = belleza = Dios)
que sentaron las bases de la nueva
arquitectura (Lucca Paccioli en de
divina proportione estudia el
número áureo –1/1,61–

67. Divina proporción en la Arquitectura
Alberti. Fachada de Santa María
Novella (esquema en sección
áurea)

68. Número de oro en Brunelleschi
– Capilla Pazzi.
– Pequeña capilla en el claustro de la iglesia de la Santa Croce.
– Desarrollo de toda la teoría de la conmodulatio.
• El edificio consta de tres núcleos: el pórtico, el espacio central y la
capilla del testero. Las dos cúpulas menores son el módulo, la mayor es
el doble luego su diámetro es 4 veces el módulo.
• Las bóvedas de cañón de la sala central tienen una unidad por lo cual las
del pórtico tienen dos más uno doble del vano de acceso lo que nos da 6
que es la longitud del lado mayor de la sala central.
• El efecto donde se juegan con los números, 1, 2, 3, 4 y 6, se refuerza con
el uso interno de la pietra serena y el enlucido de los muros.

69. Planta y alzado de la capilla Pazzi.
Las proporciones de esta pequeña
capilla realizada por Brunelleschi al final
de su vida demuestran su dominio y
gusto por las matemáticas, la
proporción aurea se recupera como
arte a la medida del ser humano.

70. Fachada y cúpula del pórtico de la capilla
Pazzi.

71. Bunelleschi, Basílica de San Lorenzo

72. Alberti. San Andrés de Mantua

73. 4 Escultura: Donatello.
Identificar las principales obras de los artistas del Renacimiento italiano.
4.1. Identifica los cambios en la escultura desde el Gótico hasta el
Renacimiento.
4.2. Identifica las esculturas, y trabajos en volumen, más
emblemáticas del renacimiento.
.

74. 4.1 Cambios en la escultura desde
el Gótico hasta el Renacimiento.
• Se independiza de la arquitectura (bulto redondo), pasa a ser un
arte mayor.
• Mayor uso de materiales nobles: mármol y bronce.
• Búsqueda de la belleza y la proporción siguiendo las ideas
neoplatónicas.
• Importancia del cuerpo humano (antropocentrismo)
• Perfecto tratamiento anatómico, pero es un naturalismo
idealizado. Recupera las proporciones del mundo clásico Temas:
los retratos, la escultura ecuestre y aparece el desnudo.
• Representación del espacio, estudio de la perspectiva, con
líneas de fuga, y combinación de alto, medio y bajo relieve. La
incorporación del entorno de la obra

75. • El cuerpo humano representó la Belleza absoluta
• contrapposto fue utilizado constantemente desde
Donatello a Miguel Ángel.
• los relieves se realizaron con las reglas de
la perspectiva y se mostraban a los personajes con
expresiones de dramatismo
• Un papel fundamental fue la figura del mecenas,
representados por la iglesia y personajes de la
nobleza que obtenían con su mecenazgo prestigio
social y propaganda política
• Reapareció con el Renacimiento la glíptica greco-
romana. Trabajo con piedras semipreciosas con
latalla en camafeo

76. Materiales
• La escultura del Renacimiento se sirvió de toda
clase de materiales, principalmente del mármol,
bronce y madera
• El bronce compitió con el mármol
principalmente en monumentos funerarios,
fuentes y pequeñas esculturas para decoración
de interiores
• La madera fue utilizada mayormente en países
como Alemania y España, donde la gran riqueza
forestal y el trabajo tradicional de la madera
policromada estaba muy arraigado
• La terracota fue empleada como material más
pobre y por lo tanto más económico

77. Técnica
• A partir del Renacimiento se empleó el taladro manual o
trépano para eliminar la piedra hasta una cierta profundidad
• Para las obras en bronce se necesitaba la realización de la obra
previamente en arcilla o en cera para su posterior fundición
• La talla en madera, se podía realizar también en talla directa sobre
el bloque de madera con la ejecución de un boceto pequeño para
su guía o con el modelo previo en yeso o arcilla, y también pasarlo
por puntos como en el mármol

78. Técnica: talla
Talla Directa: :
Empleada desde la antigüedad consiste en obtener la pieza desde el loque labrándola, partiéndola
desde varios frentes. En egipto se dibujaba en cada cara del bloque el perfil, y despues se esculpía.
(como las vistas en diédrico) El método es recuperada por Donatello.
Miguel Ángel tenía un método especial de talla directa en el que abordaba la pieza desde una des sus
caras lo que le permitía modificar la composición de la escultura
Sacado de Puntos empleado por Bernini en elBarroco de forma que sus ayudantes pudieran pasar al
marmol los modelos que el realizaba en mármol, debido a la gran cantidad de encargos que recibía Talla en madera: gubias, cincel
Talla en piedra: gradina, cincel, cortafríos,
trépano
Pantógrafo
Sacado de puntos
compás

80. 4.2. Identifica las esculturas, y trabajos en volumen, más emblemáticas del
renacimiento
técnicas y materiales Autores obras
A partir del Renacimiento se
empleó el taladro manual o
trépano para eliminar la
piedra hasta una cierta
profundidad
Para las obras en bronce se
necesitaba la realización de la
obra previamente en arcilla o
en cera para su
posterior fundición
La talla en madera, se podía
realizar también en talla
directa sobre el bloque de
madera con la ejecución de un
boceto pequeño para su guía o
con el modelo previo en yeso
o arcilla, y también pasarlo por
puntos como en el mármol
Trecento
Andrea Pisano
Relieves de las puertas de la
Catedral de Florencia
Quatrocento
Ghiberti
Donatello
Verrochio
Luca de la Robia (terracotas)
Pollaiuollo (bronces)
Los niños Rómulo y Remo de la loba
Relieves de las puertas de la
Catedral de Florencia
El David de Donatello
San Jorge
El Condotiero, la Magdalena
David de Verrochio
Monumento ecuestre
Bartolome Corleoni
Cinquecento
Benvenuto Celini
Juan de Bolonia
Miguel Ángel (Bloque 9)
Perseo y Medusa
Rapto de las Sabinas, Mercurio
Volador. Retrato ecuestre de
Felipe III

81. Tipos de esculturas
• Bulto Redondo: El Renacimiento adoptó
los elementos básicos que había
descrito Vitrubio
La composición de la figura humana se
basó en la búsqueda de la perfección en
la anatomía, sobre la que muchos artistas
de esta época adquirieron verdaderos
conocimientos con la práctica de
disecciones para su estudio

82. • Relieve: En el relieve se utilizaron la arquitectura y las
recién adquiridas leyes de la perspectiva para
componer los fondos de las representaciones, como
en la célebre puerta del Paraíso de Ghiberti o en los
relieves con la técnica de stiacciato para el altar de
San Antonio en Padua realizados por Donatello.

91. Andrea y Luca de la Robia Terracotas
Cerámica vidriada, en blanco y azul

96. 5- Pintura: de la representación jerárquica
medieval a la visión realista: Piero de la
Francesca, Giotto di Bondone, Masaccio
Canon renacentista: Sandro Boticelli.
5.1. Identifica los cambios en la pintura desde el
Gótico hasta el Renacimiento.
5.2. Reconoce las principales pinturas del
Renacimiento y su autor.

97. Pintura

98. 5.1. Identifica los cambios en la pintura desde el Gótico hasta el
Renacimiento
• Hay una serie de características que distinguen la pintura renacentista de su inmediata antecesora, la pintura medieval gótica:
• Evocación de lo antiguo, cuya belleza idealizada pretendían tomar como ejemplo.
• Observación viva de la naturaleza. Los cuadros se sitúan en paisajes naturales que se intentan recrear con fidelidad, o en marcos
arquitectónicos, en los que columnas, frontones, palacios y templos sirven de excusa a alardes de perspectiva.
• La figura humana se convierte en centro y medida de todas las cosas. El estudio de la anatomía, incluso la realización de autopsias, ayuda a los
artistas a comprender la realidad del cuerpo humano y sus mecanismos de movimiento, de manera que lo representan de forma más realista
pero normalmente, idealizada
• Dominio de la perspectiva, y de las técnicas compositivas
• Los efectos de luces y sombras como el claroscuro o la grisalla. De ahí técnicas nuevas como el esfumado (efecto brumoso, técnica en la que
destacó Leonardo da Vinci).
• Continúan realizándose decoraciones murales al temple y al fresco.
• Se extiende el uso del lienzo, que es más económico que la tabla. Los grandes retablos, en que cada cuadro es parte de un tema más amplio,
pierde presencia, en favor del cuadro único, bien como tabla de altar, bien como lienzo.
• Se adopta de manera casi exclusiva la pintura al óleo. Es principalmente en Venecia donde, por influencia flamenca, se introduce el uso del óleo.
• Si en la Edad Media la pintura fue de manera casi exclusiva religiosa, en el Renacimiento se introducen nuevos temas, como los mitológicos,
alegorías y temas históricos. Se cultiva con extraordinario vigor el retrato con maestros como Tiziano o Antonio Moro.
• En esta época empiezan, tímidamente, otros géneros considerados menores, como el paisaje o el bodegón, entendidos en el Renacimiento
como un elemento subordinado frente a la historia, algo accesorio.

99. 5.2. Reconoce las principales pinturas del Renacimiento y su autor.
técnicas y Autores obras
Fresco: pintura
mural
Aglutinante es la cal.
Se pinta sobre el
revoco de la pared
aún húmedo
Temple sobre tabla:
El aglutinante es el
huevo solo o aceite
o resinas
Óleo:
El aglutinante es el
aceite de linaza o
nueces
Trecento
Giotto della Bondone
Frescos de la vida de San Francisco en Asis
Quatrocento
Escuela Florentina:
Massacio
Fra Angélico
Paolo Ucello
Piero de la Franchesca
Botticelli
Escuela de Padua
Mantegna
Escuela de Perugia
El Perugino
Fresco de Santa Mª Novella
Anunciación , frescos de San Marcos , Florecia
Cuadros de batallas, San Jorge y el Dragón.
Bautismo de Cristo, federico de Montefelto
Primavera, Nacimiento de Venus
Tránsito de la Virgen, Cristo yacente
Desposorios de la Virgen
Cinquecento
Leonardo da Vinci
Rafael
Miguel Ángel (Bloque 9)
La Gioconda
La sagrada Cena
Santa Ana la Virgen y el niño
La Escuela de Atenas, La Fornarina, Retrato de Baltasar de
Castiglione
Escuela Veneciana
Tiziano
Veronés
Tintoreto
Venus y Adonis, Venus y Marte, Retratos de Carlos V
Moisés rescatado de las aguas
El Lavatorio

100. Giotto di Bondone
1267-1337, considerándose este autor del Trecento uno de los iniciadores de
movimiento renacentista en Italia, su obra tuvo una influencia determinante en los
movimientos pictóricos posteriores.

110. La Anunciación de Fra Angélico en el Museo del

115. Piero de la Franchesca

129. Nacimiento de Venus Botticelli

130. 5- Pintura: Leonardo y Rafael
5.3. Analiza la vida y obra de Leonardo da Vinci.
5.4. Explica la obra de Rafael Sanzio,
especialmente "La escuela de Atenas" y los retratos
de "La Fornarina" y de "Baltasar de Castiglione".

149. La Fornarina retrata aquí a la amante legendaria de Rafael, que también se encuentra en el cuadro conocido como La Donna velata, conservado
en Florencia en el Palazzo Pitti. La mujer fue identificada durante el siglo XIX con la fornarina (panadera) Margherita Luti, hija del panadero
Francesco Luti da Siena.Sin embargo, es probable que el verdadero sentido de la obra aún esté por aclarar. La mujer es representada con un
sombrero de estilo oriental y los pechos desnudos. Hace el gesto de cubrir su pecho izquierdo, o volverlo con su mano, y está iluminada por una
fuerte luz artificial que viene del exterior. Su brazo izquierdo tiene una estrecha banda que lleva la firma del artista.

150. El Pintor Neoclásico Ingres:
realiza varias versiones
diferentes del tema la Rafael y
la Fornarina 1814…
El nacimiento del mito de la
Relación del Artista con la
modelo: objetualización de la
mujer en el arte que surge en
Plinio el Viejo con Alejandro
Magno que regala su
concubina al Pintor

152. 5- Pintura: El colorido veneciano: Tiziano, Tintoretto.
Veronés
5.1. Compara la evolución de la pintura del primer Renacimiento hasta el
colorido veneciano.
5.2. Analiza las vestimentas reflejadas en los cuadros del Veronés.
5.3. Describe con detalle el cuadro "El lavatorio" de Jacopo Robusti
"Tintoretto" y la aplicación técnica de la perspectiva cónica.

154. 5.1 Compara la evolución del color desde el primer
renacimiento hasta la escuela Veneciana
Giotto, Fra Angélico Tiziano Corregio
Características de la pintura veneciana frente a la del primer renacimiento:
-Predominio del color, intensidad y calidez de los tonos .
-Bordes suaves, pérdida de la definición en el contorno.
-Importancia del paisaje y los detalles anecdóticos.
-Arte sensual, interés por los desnudos, gradaciones de color, y textura en la piel y los
trajes.
-Incremento del interés por la perspectiva y la complejidad de las composiciones

166. Fue copiado por Rubens del original que Tiziano (h.1485 - 1576) había hecho para
Felipe II y que se encontraba en Madrid en 1628, cuando su segunda visita a
España. A diferencia de otras copias de Tiziano, Rubens es muy fiel al original, hoy
en el Isabella Stewart Gardner Museum de Boston.

172. El artista representa el episodio antedicho con Cristo y san Pedro en un extremo de la composición. La mayor parte del lienzo está
ocupado por la estancia donde se desarrolla la Última Cena, con la mesa y los discípulos en torno a ella. En el centro destaca un perro,
y detrás los apóstoles descalzándose o en diversas posturas y escorzos. En un segundo plano se estaría relatando un milagro de San
Marcos narrado por Jacobo de la Vorágine en su Leyenda dorada. El extremo de la izquierda está dominado por otro apóstol que se
está desatando el calzado, cuya esculturalidad se asemeja a las poderosas anatomías de Miguel Ángel.
La composición parece descentrada, con el episodio principal desplazado a un lado del cuadro. Esto se explica por el emplazamiento
original del cuadro, en la pared derecha de una estancia alargada; los creyentes verían más cerca precisamente la parte donde estaba
Jesús. Además, la mesa está orientada hacia esa zona, de modo que vista la obra desde la derecha, el escorzo de la mesa acentúa el
efecto de perspectiva. A ello también contribuye el pavimento de losas con formas geométricas.
En el fondo de este lado izquierdo se ven arquitecturas clásicas de una ciudad que recuerda a Venecia, con una barquichuela entre
canales, en azules y blancos bañados por una luz fría, lo que da un aire un tanto irreal. Los elementos arquitectónicos están inspirados
en ilustraciones de Sebastiano Serlio.

173. 5.3. Describe con detalle el cuadro "El lavatorio" de Jacopo Robusti "Tintoretto" y la
aplicación técnica de la perspectiva cónica.

174. Ilustración de sebastiano Serlio de su Tratado de Arquitectura

180. A pesar del número limitado de los colores que utilizaba, El Veronés muestra en sus pinturas habilidad suprema cuando reproduce la textura
y los pliegues de las telas utilizadas en la vestimenta de sus personajes. Destacando en la reproducción y sugerencia del brillo y textura de los
ropajes. Prefiere los tonos fríos y claros: gris, plata, azules y amarillos.
Amigo de Palladio y otros grandes arquitectos de la época, enmarca sus escenas en amplios escenarios arquitectónicos, rasgo que lo hace
precursor de la pintura decorativa barroca. Su tratamiento del color se anticipa a la pintura francesa del siglo XIX.
Su temática es predominantemente religiosa, pero representa las escenas bíblicas al modo de las grandes fiestas venecianas, reflejando la
alegría de vivir y el esplendor de la República de los dogos. Los trajes son fastuosos y el ambiente, suntuoso, poblado de multitud de
personajes en grandilocuentes ambientaciones. Estos alardes creativos chocaban frontalmente con la fidelidad histórica de los hechos
bíblicos, lo que motivó las fricciones entre el artista y la Iglesia.
En cuanto a su técnica, usa un empaste ligero, lo que permite innumerables transparencias. Le interesa la perfección del dibujo.
Veronés influyó en pintores posteriores, como Rubens, Tiépolo y otros pintores del barrocos. Este pintor y Rubens son los grandes maestros
del pasado que admiraba el pintor romántico Eugène Delacroix

181. 6-Pintura al óleo. Técnica.
6.1. Describe la técnica de la pintura al óleo sobre lienzo y la
relaciona con la pintura anterior sobre tabla.
6.2. Debate acerca de las características de la pintura al temple
y al óleo.

182. Óleo
Tema 13

183. DESCRIPCIÓN DE LA TÉCNICA, MODO DE EMPLEO, UTILES Y
SOPORTES
Técnica polícroma, húmeda, grasa.
El aglutinante que da nombre a la técnica es el aceite: se usa fundamentalmente de linaza, aunque
también se utiliza el aceite de nuez y el de adormideras.
Para acelerar su secado este aceite de linaza es cocido y aclarado al sol.
El uso del óleo se conoce desde la antigüedad y estaba ya extendido entre los artistas de la Edad Media
sobre todo combinándolo con la pintura al temple o al fresco. Con esta mezcla retocaban las obras
realizadas en yeso y conseguían así un secado más rápido. Muchos siguieron los consejos y experiencias
escritos en el Tratado del monje Teófilo que ya se conoce y se menciona en el año 1100.
Esta pintura obtenida con la mezcla de óleos ofrecía muchas ventajas al pintor, entre otras, el poder
realizar su obra lentamente y sin prisas de acabado (lo contrario de lo que ocurría en la pintura al
temple, o al fresco), el poder retocar la obra día a día, variar la composición, los colores, etc.
La tradición sostiene que fueron los hermanos Van Eyck los que inventaron la pintura al óleo. Esta
afirmación, falsa, se basa en que, efectivamente fueron ellos, sobre todo Jan, los que explotaron las
innumerables posibilidades de esta técnica, infrautilizada hasta entonces.

184. Temple Oleo
Tipo de técnica Magra si no se le añaden
resinas o aceites.
Grasa si se realiza la
emulsión con esos
productos
grasa
Aglutinante Huevo, puede llevar ojos
aglutinantes añadidos
Aceite de linaza o de nueces.
Espesado al sol
Disolventes Agua, Esencia de
trementina si es grasa
Esencia de trementina, Aguarrás
Tiempo de secado Rápido un día Una semana o varias, en función de la
cantidad de pintura que lleva la
pincelada
Grosor pincelada No permite grosor, la
pintura es delicada se
puede cuartear
Desde finas veladuras hasta gruesos
empastes
soporte Pergamino, tabla
La pintura es mas rígida
Tabla o tela, la pintura es mas plástica
y no sufre con ligeros cambios físicos
del soporte
6.1. Describe la técnica de la pintura al óleo sobre lienzo y la relaciona con la pintura
anterior sobre tabla

185. EL FONDO: COLOR DE LA PREPARACIÓN
Preparación del soporte: Es necesario imprimar el soporte sea madera o tela se pueden utilizar distintos aparejos: las modernas:
al gesso, las antiguas: a la creta, a la media creta, el aparejo español a la gacha.
Se puede introducir color en la preparación como lo hacían los pintores que utilizaban la técnica del claroscuro:

186. EL FONDO: COLOR DE LA PREPARACIÓN

187. EL FONDO: COLOR DE LA PREPARACIÓN

188. EL FONDO: COLOR DE LA PREPARACIÓN

189. TÉCNICA: MEZCLAR COLORES SOBRE LA PALETA

190. LA TÉCNICA: FUNDIR COLORES SOBRE EL LIENZO

191. TÉCNICA: FUNDIR COLORES SOBRE EL LIENZO

192. TÉCNICA: SUPERPONER COLORES: VELADURAS, ESFUMADO, COLORES ADYACENTES

194. Veladura: consiste en superponer una capa de color transparente sobre una base de otro color,
utilizado disolventes y barnices para aumentar las transparencia del color. Muy utilizada por los pintores
desde el renacimiento podemos destacar a Rubens

195. TÉCNICA: IMPASTO La palabra "empaste" es el italiano significa "masa" o "mezcla", el verbo
"impastare" se traduce también como "amasar", o "pegar"
El empaste se utiliza cuando la pintura se coloca en un área del soporte (o el lienzo) muy gruesa, son visibles
los trazos de pincel o espátula,. La pintura también puede mezclarse directamente en el lienzo. Una vez seco,
empaste proporciona textura, la pintura parece estar saliendo de la tela. Ej Goya, Rembrant, Auerbach,
Saura

196. Esfumado: El esfumato (del italiano sfumato) es un efecto vaporoso que se obtiene por la superposición de varias capas de pintura
extremadamente delicadas, proporcionando a la composición unos contornos imprecisos, así como un aspecto de vaguedad y lejanía. Se utiliza
para dar una impresión de profundidad en los cuadros del renacimiento. Este efecto hace que los tonos se difuminen hasta valores más oscuros
como en la Mona Lisa y en el San Juan Bautista. La invención de esta técnica, así como su nombre sfumato, se deben a Leonardo da Vinci.

197. TÉCNICA: PINTAR ALLA PRIMA
Pintar en una sesión sin repintes directamente del natural, con pincelada
suelta y expresiva, es muy utilizada por pintores de paisaje ejemplo
Sargent, Sorolla

198. ÚTILES
1.La paleta: En general, las paletas utilizadas para la pintura al óleo son de
nogal o manzano. Los acuarelistas utilizan paletas de porcelana o metal; los
pintores de miniaturas, paletas de marfil; algunos pintores flamencos tenían
paletas de cristal. En la actualidad son muy comunes las de material sintético
blancas y de aluminio lacadas en blanco mate.
2. Pinceles: Generalmente, los pinceles redondos se usan para perfiles,
fundidos y aplicaciones de color en pequeñas extensiones; los de pelo corto
sirven para las capas gruesas y firmes, mientras que los de pelo largo sirven
para extender el color. Los pinceles planos , muy utilizados, tienen una
práctica más general, sirviendo, puestos de lado, para realizar perfiles. Y los
pinceles cuadrados son muy apreciados para manipular pinturas muy
cremosas.
3.La espátula Es un instrumento de metal a modo de pequeña pala aplanada,
semi-rígida o flexible, y de mango con distintos fines:
-para manipular los colores en la paleta, como rasqueta (para quitar las
impurezas de la tela o descargarla de color), para alisar la capa pictórica o
para pintar. Muchos pintores desde el siglo XIX han preferido la espátula al
pincel para distribuir y trabajar el color sobre la tela.
4. Otros instrumentos: Las manos, los tubos de pintura que vierten
directamente el color, trozos de tela para el "frottage" …. Aunque también se
utilizan para pintar la pistola y los aerosoles, su uso más generalizado es para
barnizar.
5. Caballete; de estudio o portátil “de campo” permite mantener el cuadro en
posición vertical a la altura que desee el pintor.
6. Aceiteras: recipientes para mantener sujetos a la paleta el disolvente:
esencia de trementina o aguarrás , el barniz y el secativo.
7 La grasera para recoger el aceite sucio y filtrarlo

199. SOPORTES
Los soportes o los materiales sobre los que se
aplica la pintura al óleo pueden ser diversos.
Las maderas más empleadas como soporte
son la tabla maciza (pino, caoba...),
contrachapado de madera, el aglomerado
(DM) de madera...
Las telas o lienzos son tejidos de hilos
cruzados perpendicularmente, formando la
trama y la urdimbre. Las más usadas en la
pintura son las telas de lino, algodón,
cáñamo y yute, en especial las dos primeras.
La tela puede adquirirse ya preparada y
montada sobre bastidor, pero también
puede comprarse por metros y después ser
montada.
Cornelius Gijsbrecht, Reverso de una pintura enmarcada (1670-1672)

200. Desarrollo de la técnica al óleo en artistas a lo largo de la historia
Antes se creía que la pintura al óleo había sido inventada por el pintor flamenco Jan van Eyck a principios del siglo XV, pero hoy se sabe que ya
existía con anterioridad.
1-Van Eyck investigó esta técnica dentro de los convencionalismos lineales del temple, haciendo un dibujo detallado en una tabla cubierta de yeso y
aplicando sucesivas capas de veladuras de óleo transparentes.
2-En Italia, el pintor siciliano Antonello da Messina popularizó esta técnica, de la que se aprovecharon los pintores del renacimiento. Rafael,
Leonardo
3-Los venecianos dieron el siguiente paso de pintar sobre lienzo, con el que se conseguía una superficie mucho más grande y permitía además
enrollarlo para facilitar el transporte. Desarrollaron un estilo más libre basado en una pintura subyacente, monocroma y tosca, realizada al temple y
añadiendo veladuras oleosas. Tiziano, Tintoreto, Veronés
4-Los pintores holandeses como Rembrandt y Frans Hals y el pintor español Diego Velázquez hicieron ensayos con la aplicación de empastes.
5-Toda la obra se llevaba a cabo en el taller. Los avances de la química proporcionaron nuevos y brillantes pigmentos en el siglo XIX. Ingres, Goya
6-La invención de los tubos plegables, que venían a sustituir a las bolsitas de tripa de carnero donde se guardaban los pigmentos hasta entonces,
permitió a los pintores trabajar al aire libre copiando directamente de la naturaleza. Los aditivos químicos, que mantenían la pintura fresca, hicieron
posible que se hiciera un mayor uso de los empastes.
Sorolla, Sargent
7-Los impresionistas franceses aplicaban, directamente sobre el lienzo, una gran cantidad de pequeñas pinceladas de colores brillantes. Seurat,
Monet
8-Con el desarrollo de la pintura no figurativa en el siglo XX, los pintores han experimentado con nuevas técnicas, aumentando las texturas con
arena, ceniza o escayola, manchando los lienzos y trabajando con pinturas comerciales y con aerosoles; también han combinado la pintura con
fotografías y material impreso para formar collages. La versatilidad de la pintura al óleo ha hecho de ella el mejor medio de expresión para el artista
del siglo XX: Saura, Dubuffet, Pollock, Rothko, Raughchemberg