El Ayuntamiento trae a ArsMálaga una muestra de la colección de la Fundación Godia.

1. Área de Cultura
EL AYUNTAMIENTO TRAE A ARSMÁLAGA UNA
MUESTRA DE LAS PIEZAS MÁS IMPORTANTES DE
LA COLECCIÓN DE LA FUNDACIÓN GODIA, QUE
SALEN POR PRIMERA VEZ DE BARCELONA
Berruguete, Zurbarán, el Círculo de El Bosco, Rusiñol, Picasso, Joaquim
Sunyer, Miquel Barceló y Jaume Plensa son algunos de los artistas que podrán
verse en el Palacio Episcopal, desde el martes 11 de julio el 17 de septiembre
Las obras están dispuestas de manera cronológica para facilitar la
interpretación de la evolución del arte desde el Románico hasta nuestros días
11/07/2017.- Hoy se ha presentado en las salas de ArsMálaga-Palacio
Episcopal, la exposición “La esencia de la Belleza”, que reúne algunas de las
piezas más importantes de los fondos de la Fundación Godia. Es la primera vez
que salen de Barcelona obras maestras de su colección medieval y del
Renacimiento, junto a obras fundamentales del arte moderno contemporáneo.
La muestra ha sido presentada hoy por el alcalde de la ciudad, Francisco de la
Torre, junto con la concejala de Cultura, Gemma del Corral; la comisaria de la
exposición, Mercé Obón, y el director del ArsMálaga, Miguel Ángel Gamero. La
inauguración de la muestra será esta tarde, a las 20:00 horas, y al acto asistirá
la hija de Francisco Godia y presidenta de la Fundación que lleva su nombre,
Liliana Godia.
La exposición “La esencia de la belleza” reúne por primera vez la selección
más completa de todas las áreas de la colección Godia a partir de las obras
maestras de los fondos medievales, del Renacimiento, del Barroco y del siglo
XX que nunca antes habían viajado fuera de la sede de la Fundación. Son 50
obras fundamentales que, además de su especial interés individual, revelan el
desarrollo del arte a lo largo de casi mil años: desde el siglo XII al siglo XXI.
Las obras, dispuestas de manera cronológica, facilitan la interpretación de la
evolución del arte desde el Románico hasta nuestros días, como explican
desde la propia Fundación Godia. Pedro Berruguete, Francisco de Zurbarán, el
Círculo de El Bosco, Santiago Rusiñol, Pablo Picasso, Joaquim Sunyer, Miquel
Barceló y Jaume Plensa son solo algunos de los artistas que podrán verse en
el Palacio Episcopal, desde el martes 11 de julio hasta el 17 de septiembre.
Asimismo, la muestra brinda la oportunidad de conocer cómo eran las
colecciones históricas de principios del siglo XX, qué intereses artísticos les
daban forma, a la vez que nos deja entrever la personalidad de su fundador.
El inicio de esta colección hay que buscarlo en Francisco Godia Sales
(Barcelona, 1921-1990), empresario, piloto de carreras y un destacado
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2. coleccionista que, en menos de una década, reunió piezas únicas del
Románico y del Gótico, cerámicas de los talleres hispánicos de los siglos XIV al
XIX y pintura de los siglos XIX y XX que acabaron constituyendo una de las
colecciones privadas más importantes de nuestro país. La fundación que lleva
su nombre fue creada en 1998 por su hija, Liliana Godia, que al recibir el
legado de su padre, quiso rendirle así homenaje. Durante más de quince años,
la Fundación ha mostrado la colección de manera permanente en la ciudad de
Barcelona y, en la actualidad, se concentra en su proyección nacional e
internacional. Con ello continúa con su misión de promover la investigación de
sus fondos artísticos y el estudio y difusión de la labor del coleccionismo
privado en la protección del patrimonio.
La colección del Renacimiento
La colección está formada principalmente por obras de los talleres hispánicos
pero también cuenta con algunas piezas destacadas del final del Gótico y los
albores del Renacimiento de los obradores de Malinas (Flandes) y de las
Escuelas del Norte.
El arte en época de los Reyes Católicos respondía a este gusto de raíz
flamenca. Los encargos de los principales focos artísticos demandaban esta
estética y, en muchos casos, contrataban directamente artistas llegados de
esas tierras. Es el caso de Alejo de Vahía del cual conserva en la colección la
extraordinaria Piedad. Una obra fundamental para entender el Gótico final en
Castilla.
El Rey Mago de Felipe Bigarny encarna los nuevos tiempos. Este artista de
origen borgoñón, tras instalarse en 1498 en Burgos, acaparó importantes
encargos y colaboró con los principales escultores: Diego de Siloé o Alonso
Berruguete. La razón de su éxito fue introducir las novedades del Renacimiento
sin generar rupturas con el estilo consolidado del final del Gótico.
En pintura destacan la tabla de Juan de Borgoña, cuya producción artística y
en particular sus obras para la catedral de Toledo, son determinantes a la hora
de valorar la introducción del Renacimiento en la Península. Otra obra
singular es el San Cristóbal del Círculo de El Bosco que recoge la impronta de
este célebre artista. Y, de manera sobresaliente, la Sagrada Familia de Pedro
Berruguete, obra maestra que aúna lo mejor de la tradición flamenca con el
esplendor del Renacimiento italiano.
El Barroco en una obra singular
El San José con el Niño de Francisco de Zurbarán es un modelo
representativo de uno los géneros por excelencia del período Barroco: la
pintura religiosa. En la última etapa de su vida, Zurbarán se trasladó cerca de
la corte madrileña, lo cual motivó un cambio de estilo en sus obras que se
tornaron más suaves de forma y colorido.
Por otra parte, la gran devoción popular hacia San José propició el nacimiento
de este tema iconográfico en el arte adaptando las fórmulas compositivas de
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3. la Virgen con el Niño. Además, la figura de San José ya no se representa
como un anciano, sino como un joven para reforzar la idea de paternidad. En
la pintura de la colección Zurbarán le otorgó rasgos similares a los de la
representación tradicional de Jesucristo.
Un modelo de colección: la burguesía y el Modernismo
A principios del siglo XX, ya de manera natural la intensa vida cultural formaba
parte de la sociedad civil ilustrada a la cual se sumó la pujante burguesía. Esta
nueva clase social, enriquecida por el crecimiento industrial y comercial, creó
importantes colecciones que recogían el testimonio de la generación anterior.
No obstante, aportaban una novedad ya que adquirían también obras de su
tiempo, ya que se vivía un nuevo despuntar del panorama artístico que
miraba hacia las novedades del París del 1900.
En el hipódromo sintetiza dos de las facetas más significativas de Ramon
Casas: su maestría como retratista, que le consagró como el artista más
solicitado por la burguesía, y su pintura más renovadora. A diferencia del
tradicional retrato burgués en interiores lujosos, lo realizó à plein air en una
inteligente combinación de clasicismo y modernidad, sin obviar los indicativos
de estatus social de la pareja.
La escena, que ocurre en un día soleado en las carreras de caballos del
hipódromo de Barcelona, está captada desde un punto de vista elevado y con
un encuadre audaz que denota la influencia de la fotografía. Al igual que la
manera realista de representar personajes de forma fragmentaria o
circulando de espaldas al espectador. El motivo de esta reunión, donde los
señores van vestidos de etiqueta y las señoras lucen los vestidos de verano
recién traídos de París, no es sólo seguir el acontecimiento sino que retrata
una cita clave en la vida social y de negocios de la burguesía catalana.
Modernismo y modernidad
Una manera directa que nos hace entender el panorama artístico del paso de
siglo consiste en ubicar a modo de espejo, de manera que se reflejen unas
en otras, las dos realidades artísticas que coexistían en la primera mitad del
siglo XX. Son dos mundos en paralelo y, por lo tanto, no se tocan de manera
que el espacio físico real que los separa simboliza también la distancia
conceptual que había entre ellos.
De un lado se encuentran las obras de los artistas que adoptaron la
Modernidad con toda su carga significativa y que desarrollaron su carrera
artística fuera de España, especialmente en París, ciudad que concentraba
toda la novedad. Y frente a ellas las obras del Modernismo coleccionadas por
la burguesía que, aunque formalmente estaban alejadas del estilo
decimonónico, no llegaban a implicar una ruptura absoluta con la tradición
anterior.
La pintura de paisaje era uno de los géneros más apreciados. Son ejemplos
significativos La cantera de Montjuïc de Santiago Rusiñol, una obra cargada
del realismo social a la manera de Gustave Courbet o la poética
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4. composición de Joaquim Mir. El Retrato de Berthe Vallier, esposa del artista
Laureà Barrau, personifica la esencia de la mujer modernista de delicada
belleza, de mirada fresca y soñadora con un cierto aire melancólico.
Una nueva generación de artistas
La ciudad de París fue el punto de referencia artístico para los artistas del
paso de siglo XX. Ramon Casas y Santiago Rusiñol fueron de los primeros
en viajar a la capital de Francia en busca de la modernidad. Los cuadros que
realizaban en sus estancias se exhibían en las principales galerías de
Barcelona, como la Sala Parés, y mostraban aquello que anhelaban los
artistas más jóvenes: obras técnicamente más libres, sin anécdota
historicista ampulosa y en un escenario natural sin artificio.
Esta nueva generación de artistas como Isidre Nonell, Ricard Canals o Joaquim
Mir, decepcionados por el tipo de enseñanza conservadora que se impartía en
la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, prefirieron practicar la pintura de
paisaje à plein air a seguir los modelos academicistas. Su realidad social era
diferente respecto a Casas y Rusiñol, por este motivo su aproximación a la
representación humana fue a través de sus referentes más inmediatos, como
es el caso de Gimeno que retrata a su esposa y a su hija en la intimidad del
hogar. O Nonell que, sin embargo, centró su interés en los marginados como
las gitanas pintadas con colores oscuros y replegadas sobre sí mismas.
Barcelona-París
Miquel Utrillo, Rusiñol y Casas echaban a faltar un lugar en Barcelona como los
cafés de Montmartre. Así, fundaron en 1897 Els Quatre Gats, una taberna
situada en un edificio de estilo neogótico del arquitecto Puig i Cadafalch que
regentó el excéntrico Pere Romeu. Pronto se convirtió en el punto de
encuentro de los artistas modernistas antes citados y de la generación más
joven como Opisso, Nonell, Canals, Mir, Gosé, Hugué, Casagemas o Picasso.
Fue un lugar donde algunos de ellos incluso tuvieron la oportunidad de
exponer por primera vez, como Picasso.
En este apartado se muestra una obra que pone de manifiesto la vertiente
satírica de algunas obras de este período del joven Picasso. Se trata del
Retrato de Pere Romeu ataviado con su característico sombrero bohemio al
cual le ha añadido un escudo en el pecho al estilo de un caballero medieval
de aire soñador.
Modernidad: Picasso frente a Picasso
Los coleccionistas burgueses no se mostraron interesados por el arte de
vanguardia de artistas como Picasso, José de Togores o Joaquín Torres-
García, que tuvieron que hacer su andadura en el contexto internacional.
Todas estas obras, a pesar de estar realizadas en fechas idénticas a las
obras de gusto burgués, no formaron parte en su día de colecciones
españolas. Han llegado algunas décadas después.
El Retrato de muchacha de Picasso es el testimonio del nuevo camino
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5. emprendido sin marcha atrás. Son pocos los años que lo separan del Retrato
de Pere Romeu sin embargo el concepto, la intención y el lenguaje plástico
lo sitúan en una dimensión lejana. La muchacha deja de ser un retrato para
convertirse en un símbolo, y como tal, sus rasgos son universales. El
marco temporal también se desencuadra: remite a un pasado de acento
tribal y al mismo tiempo enfoca hacia un futuro que desembocará, ahora lo
sabemos, en el Cubismo.
Al igual, la Mujer recostada de Togores o Rosa en el taller del artista de
Hugué van más allá del interés por el retrato y se centran en lo puramente
arquitectónico de la construcción de los volúmenes. O los niños en la arena
de Pere Pruna que, desprovistos de cualquier rasgo individualizador en sus
rostros, son el resultado de la búsqueda de la esencia.
Arte moderno y contemporáneo internacional
El coleccionista es el agente activo que con sus gustos y con sus decisiones
traza el camino de una colección. A partir de los años 90 se hace perceptible
la huella de Liliana Godia al llevar la colección hasta el presente e incorporar
obras de artistas de arte moderno de vanguardia y de arte contemporáneo,
tanto españoles como internacionales. Cierran la exposición dos de nuestros
artistas más internacionales, Miquel Barceló y Jaume Plensa.
Barceló reelabora un tema universal de la Historia del Arte como es el
bodegón. Lejos de la representación clásica en la cual el virtuosismo en la
representación de los elementos es la prioridad, aquí es la propia materia la
que hace acto de presencia de manera abrupta y se convierte en el
elemento.
La obra de Jaume Plensa refleja su personal interpretación del retrato como
binomio entre la parte humana y la parte inmaterial. Un concepto que
también aplica en la escultura monumental y que le ha aportado una gran
proyección internacional.
El cromatismo y la actitud meditativa enlazaría con la obra de Zhang Huan,
uno de los artistas chinos contemporáneos más reconocidos, ya que está
compuesta a partir de las cenizas recogidas de los altares de templos
budistas de su país con la intención de integrar de manera simbólica los
deseos y súplicas de la población.
Si bien una lectura estética evidencia el contraste entre el blanco y negro de
las obras que cierran la exposición respecto a los colores vivos de las
tallas románicas del inicio, la intención simbólica de todas ellas es similar y
remite a lo sagrado. Obras creadas con casi 1000 años de diferencia
que más que estar en el extremo opuesto de una recta formarían puntos de
un círculo que puede tocarse.
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6. emprendido sin marcha atrás. Son pocos los años que lo separan del Retrato
de Pere Romeu sin embargo el concepto, la intención y el lenguaje plástico
lo sitúan en una dimensión lejana. La muchacha deja de ser un retrato para
convertirse en un símbolo, y como tal, sus rasgos son universales. El
marco temporal también se desencuadra: remite a un pasado de acento
tribal y al mismo tiempo enfoca hacia un futuro que desembocará, ahora lo
sabemos, en el Cubismo.
Al igual, la Mujer recostada de Togores o Rosa en el taller del artista de
Hugué van más allá del interés por el retrato y se centran en lo puramente
arquitectónico de la construcción de los volúmenes. O los niños en la arena
de Pere Pruna que, desprovistos de cualquier rasgo individualizador en sus
rostros, son el resultado de la búsqueda de la esencia.
Arte moderno y contemporáneo internacional
El coleccionista es el agente activo que con sus gustos y con sus decisiones
traza el camino de una colección. A partir de los años 90 se hace perceptible
la huella de Liliana Godia al llevar la colección hasta el presente e incorporar
obras de artistas de arte moderno de vanguardia y de arte contemporáneo,
tanto españoles como internacionales. Cierran la exposición dos de nuestros
artistas más internacionales, Miquel Barceló y Jaume Plensa.
Barceló reelabora un tema universal de la Historia del Arte como es el
bodegón. Lejos de la representación clásica en la cual el virtuosismo en la
representación de los elementos es la prioridad, aquí es la propia materia la
que hace acto de presencia de manera abrupta y se convierte en el
elemento.
La obra de Jaume Plensa refleja su personal interpretación del retrato como
binomio entre la parte humana y la parte inmaterial. Un concepto que
también aplica en la escultura monumental y que le ha aportado una gran
proyección internacional.
El cromatismo y la actitud meditativa enlazaría con la obra de Zhang Huan,
uno de los artistas chinos contemporáneos más reconocidos, ya que está
compuesta a partir de las cenizas recogidas de los altares de templos
budistas de su país con la intención de integrar de manera simbólica los
deseos y súplicas de la población.
Si bien una lectura estética evidencia el contraste entre el blanco y negro de
las obras que cierran la exposición respecto a los colores vivos de las
tallas románicas del inicio, la intención simbólica de todas ellas es similar y
remite a lo sagrado. Obras creadas con casi 1000 años de diferencia
que más que estar en el extremo opuesto de una recta formarían puntos de
un círculo que puede tocarse.
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