Esculturas para la EBAU (MURCIA) FUA II

1. ESCULTURA EBAU
Fundamentos del Arte II
Mara Mira

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VENUS VICTRIX. Paulina Bonaparte
(NEOCLASICISNISMO)
Autor: Antonio Canova (1757-1822)
Año: 1805- 1808
Ubicación: Galería Borghese (Roma)
Técnica: Mármol blanco esculpido.
Género: Retrato de Paulina Bonarte.
Estilo: Neoclasicismo.

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Venus Victrix es una escultura de mármol de Antonio Canova, retrato mitologizado de Paulina
Bonaparte como diosa Venus, concretamente en su advocación como Venus Victrix ("Venus
victoriosa").
La figura, de tamaño natural, aparece casi desnuda, con un ligero ropaje que le cubre las caderas,
el pubis y la parte superior de las piernas. Su postura es peculiar: La cabeza apoyada en la mano
derecha, y el cuerpo recostado de lado sobre dos almohadas y un colchón que se adaptan a un
diván (agrippina o chaise longue) de estilo imperio que pretende imitar el mobiliario romano.
Sostiene en la mano izquierda una manzana (la manzana de Discordia que fue el premio de la
diosa, vencedora en el juicio de Paris).
El artista utilizó un único bloque de mármol de Carrara.1 La base, adornada como un catafalco,
contuvo inicialmente un mecanismo que permitía rotar la escultura para que fuera vista desde todos
los ángulos sin que el espectador tuviera que desplazarse. El que la observación se hiciera
frecuentemente con luz de velas se ha puesto como causa de que la superficie esté encerada, lo
que añadía lustre al fino pulimento del mármol.
Antonio Canova fue un escultor y pintor italiano, máximo exponente del neoclasicismo escultórico.
Su estilo estuvo inspirado en los estudios sobre Grecia y Roma y sus obras fueron compradas por
sus contemporáneos como la mejor reproducción de la antigüedad. Es considerado por muchos
como el mejor escultor europeo desde Bernini.
Se enmarca dentro del Neoclasicismo, un movimiento que surgió a mediados del S. XVIII como
reacción al decorativismo excesivo del rococó. La escultura neoclásica está inspirada en la
antigua tradición greco-romana, adoptando los principios del orden, claridad, austeridad, equilibrio
y propósito. Los materiales preferidos fueron el mármol y el bronce, exactamente los que se
usaban en la antigüedad.

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EL PENSADOR (IMRESIONISMO)
Autor: Auguste Rodin (1757-1822)
Año: 1881- 1882
Ubicación: Museo Rodín (Paris)
Técnica: Bronce fundido.
Género: Figuración humana de
Forma escultórica: bulto redondo.
Estilo: Impresionismo

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Escultura en bronce fundido ideada para formar parte de las Puertas del Inferno, encargada a
Rodin por el gobierno francés realizada entre 1880 y 1917, con la colaboración de la escultora
Camille Claudel. La obra está inspirada en escenas de obras literarias de Dante, Boudelaire y
Ovidio. Concretamente El Pensador comenzó siendo un homenaje a Dante y se iba a llamar El
Poeta, pero al final Rodin decidió por darle un nombre que abarcara más. Representa un cuerpo
torturado y al mismo tiempo un hombre de espíritu libre decidido a trascender más que por la
poesía por la fuerza de sus reflexiones.
La obra, tiene el toque majestuoso de las obras de Miguel Ángel (muy admirado por Rodín) pero
con un acabado no academicista, ni pulido. La piel palpita luces y sombras por sus recovecos y sus
músculos tensos. La obra formaba parte de todo un conjunto (Las puertas del Infierno) de 185
figurasa más y separada y llevada a tamaño monumental a partir de 1888. En la actualidad hay
unas treinta esculturas de El pensador repartidas por todo el mundo dado que es un fundido en
bronce extraído de un modelo original realizado en escayola y pasado a la cera perdida para llegar
a la fundición en bronce.
El Pensador se enmarca dentro del Impresionismo un movimiento que se desarrolló a partir de la
segunda mitad del S. XIX, basándose principalmente en captar la luz, el instante, y el movimiento
para dar profundidad. Es un fundido en bronce proceso en el que se produce una escultura a partir
de los moldes y piezas genuinos de un artista.
Auguste Rodin fue un escultor francés considerado el padre de la escultura moderna al romper con
el canon académico que imperaba en el S. XIX, Rodin adaptó el impresionismo a la escultura
combinando superficies pulidas y superficies sin acabar, rugosas y texturizadas, creando
expresivos efectos de luces y sombras.

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ESTATUA DEL TENIENTE JACINTO RUIZ (REALISMO)
Autor: Mariano Benlliure (1862-1947)
Año: 1891
Ubicación: Plaza del Rey (Madrid)
Técnica: Estatua: Bronce fundido. Peana: Mármol, piedra caliza, bronce.
Género: Escultura pública conmemorativa
Forma escultórica: bulto redondo.
Estilo: Realismo decimonónico.

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Se trata de una estatua erigida en homenaje al teniente Jacinto Ruiz y Mendoza, uno de los líderes
de la resistencia durante el levantamiento del 2 de mayo de 1808 contra los franceses. En esta
representación e en marcha del teniente vemos como alienta a sus tropas, listo para la batalla y
espada en mano.
La obra se completa con un pedestal compuesto por una escalinata de mármol negro, un macizo
de mármol rojo y un pedestal propiamente dicho de mármol gris sobre el que está situada la
estatua de bronce fundido. El bronce fundido se adapta muy bien al realismo de esta pieza ya que
se produce una escultura a partir de los moldes y piezas genuinos del escultor realizados en
escayola. De la escayola se pasan a cera y finalmente esta cera será fundida en la función y
quedará el bronce.
Esta escultura pública, que se creó a petición del Ejército español, fue relizada con las premisas
del Realismo decimonónico en el que se representa, de la manera más natural posible, al modelo.
Su autor el escultor, Mariano Benlliure, se caracteriza crear con un sentido narrativo minucio, con
grand predominancia del moviento si perder nunca de vista el mayor realismo. Estos logros
hicieron que amasara una gran fortuna haciendo retratos, monumentos conmemorativos (como
este) y funerarios. También fundió muchas tauromaquias (homenajes a toros y toreros) tanto en
España como en hispanoamérica.

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CONTRUCCION VACIA (ESCUELA DE ESCULTURA
VASCA- CONSTRUCTIVISMO)
Autor: Jorge Oteiza (1908-2003)
Año: 1957
Ubicación: Paseo Nuevo. Bahía de la Concha (San Sebastián)
Técnica: Acero corten
Género: Escultura pública
Forma escultórica: bulto redondo.
Estilo: Escuela de Escultura Vasca. Constructivismo

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Ubicada en pleno Paseo Nuevo, de San Sebastián se sitúa esta monumental obra de Jorge Oreiza
que, no obstante recrea otra. Esta obra parte de la colección con la que el escultor vasco ganó la
Medalla de Oro en la Bienal de Sao Paulo de 1957. Este hito la convierte en un referente del arte
contemporáneo. Lo que vemos en San Sebastína es una reproducción, a escala monumental (6 M)
de una escultura pertenenciente a una serie de once realizadas por Oteiza. Esta se instaló en 2002
en el Paseo Nuevo de San Debastián y resulta en extermo caraterística al estar formada por planos
verticales y horizontales que se articulan entre sí formando un espacio vacio, tal cual su título.
La trayectoria artística y personal de Oteiza estuvo siempre envuelta en un halo mítico debido a su
carácter visionario y turbulento, y sobre todo por el hecho de que, en 1959, Oteiza anunciara su
abandono de la escultura; una noticia asombrosa si consideramos que en esos momentos se
encontraba en el cenit de su carrera artística, con la reciente concesión del Primer Premio de
Escultura de la Bienal de Sao Paulo en 1957.
Oteiza, desde sus primeros momentos, había declarado que el objetivo final del arte no es la obra, la
pintura o la escultura, sino, más bien, la elaboración del propio artista como una persona educada
desde el arte y dispuesta para actuar directamente en la sociedad. Como último apunte recordar que
Oteiza es muy querido en el Pais Vasco por ser el creador de gran parte de las esculturas del
Monasterio de Aranzazu.

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PEINE DEL VIENTO (ESCUELA DE ESCULTURA VASCA)
Autor: Eduardo Chillida (1924-2002)
Año: 1976
Ubicación: Paseo de Ondarreta (San Sebastián)
Técnica: Acero corten incrustado en roca
Género: Escultura pública. Land Art
Forma escultórica: Bulto redondo. Land Art.
Estilo: Escuela de escultura Vasca.

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Situado al final de la playa de Ondarreta, en el extremo oeste de San Sebastián y a los pies del
monte Igeldo, el Peine del Viento es una de las obras más conocidas de escultor Eduardo
Chillida. Fue instalada en este lugar en 1977, en colaboración con el arquitecto Luis Peña
Ganchegui, encargado de diseñar el entorno.
Se trata de un conjunto escultórico formado por terrazas de granito de color rosa y tres piezas de
acero aferradas a las rocas que resisten a los continuos embates del mar. Es uno de los lugares
más frecuentados por los visitantes y lugareños, un espacio mágico desde el cual se puede
contemplar el mar en todo su esplendor, y, en especial, durante los días de temporal, cuando las
olas embisten con toda su furia contra las rocas del acantilado.
Las tres piezas fueron diseñadas de manera similar pero son diferentes. Están dedicadas a Picasso,
Salvador Allende y Pablo Neruda.
Además, a través de un sistema de tubos, el aire impulsado por las olas sale a la superficie por unos
orificios emitiendo un sonido muy peculiar. Los días de gran oleaje, el espectáculo es aún más
impresionante, pues ese sonido va acompañado de agua pulverizada.
Chillida fue portero de fútbol en la Real Sociedad, pero a causa de una lesión tuvo que dejarlo. A
los diecinueve años inició los estudios de Arquitectura aunque los abandonará por la escultura. El
fútbol perdió un portero pero el arte ganó un gran escultor, dibujante y grabador : se considera el
sucesor de Julio González y Picasso. Sus primeras obras fueron figurativas y las manos y sus
hueco ocuparon unlugar predominante pero poco a poco evolucionó a formas abstractas pero
orgánicas.

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EL GRAN PROFETA (CUBISMO)
Autor: Pablo Gargallo (1924-2002)
Año: 1933
Ubicación: Museo Pablo Gargallo, Zaragoza y Museo Reina Sofía, Madrid, España
Técnica: Bronce fundido
Género: Escultura alegórica
Forma escultórica: bulto redondo.
Estilo: Cubismo

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Gran profeta es la escultura más monumental realizada por Gargallo, y una de las más
emblemáticas de su producción y de la escultura española de la primera mitad del siglo XX. De ella
se conservan un total de siete (7) ejemplares fundidos en bronce y distribuidos por diversos museos
y colecciones del mundo.
La escultura muestra a un hombre con la espalda cubierta de piel de cordero. Su expresión es de
fuerza, incluso agresiva, grita para que le escuchen y le sigan. Con un brazo levantado amenazante
y con el otro sujeta un cayado de pastor.
Esta pieza, perteneciente a la trayectoria final del escultor, posee una exultante energía rítmica.
Precisamente, para Gargallo, desde el punto de vista formal, el descubrimiento del ritmo interno de
la escultura constituyó uno de los mayores logros artísticos. Gran profeta integra el vacío como
elemento plástico fundamental, dentro de un lenguaje de volúmenes y líneas curvas.
Gargallo está considerado uno de los pioneros de la escultura contemporánea. Incorporó a la
práctica escultórica el metal, un material hasta entonces considerado secundario, e indagó en sus
múltiples posibilidades expresivas. El antecedente más cercano se encuentra en el arte modernista
en hierro, que conoció perfectamente en la Barcelona de finales del siglo XIX. Su estancia en París
entre 1909 y 1915, y su estrecha amistad con Picasso, sumaron a sus investigaciones la
descomposición formal procedente del cubismo, iniciando así su estilo más característico.

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EL PAJARO (ABSTRACION ORGANICA)
Autor: Constantin Brancusi (1876-1957)
Año: 1924/49
Ubicación: MOMA . (Nueva York)
Técnica: Bronce fundido y pulido
Género: Abstracción Orgánica
Forma escultórica: bulto redondo.
Estilo: Abstracción Orgánica.

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Es pieza la decimoquinta de una serie de variantes de bronce o mármol que realizó el rumano
Brancusi. El primero de la serie es un pájaro poco estilizado y todavía reconocible que se irá
estilizando más y más a medida que la secuencia progresa.
Este tema relacionado con el vuelo de los pájaros fue objeto de su interés a partir de 1910 y tiene
como referente tradiciones rumanas concretamente las Maiastras , especie de aves con poderes
mágicos capaces de predecir el futuro o de curar a los ciegos. Algo a tenr en cuenta ya que la
obra de Brancusi estuvo ligada al recuerdo de vivencias y tradiciones de su cultura rumana.
Este “ Pájaro en el espacio” es la primera de las versiones que hizo con este nombre. El material
es el bronce con la técnica de la fundición y posteriormente muy pulimentado y patinado en dorado
hasta dotarle de una textura extremadamente lisa. La sensación táctil es fría y la sensación de
masa es de poco peso y liviano. Al contemplarla vemos una forma muy estilizada y aerodinámica
com una llama, apoyada en una peana.
Brancusi es un escultor fundamental de la escultura moderna. En su estilo enocntramos elementos
primitivos, cubistas, abstractos, era un genio de la talla directa y buscó en el interior de los
materiales para sacar formas simples y estilizadas. Liberó a la escultura del realismo académico y
preparó el terreno para los escultores abstractos del siglo XX. Sus obras de formas puras, libres de
cualquier accesorio, anticipaban el minimalismo posterior.

16. FUA II MARAMIRA
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EL PAJARO (ABSTRACION ORGANICA/FIGURACION
POSTPICASSIANA)
Autor: Henry Moore (1898-1986)
Año: 1924/49
Ubicación: Tate Moder Gallery (Londres)
Técnica: Talla en piedra
Género: Abstracción Orgánica
Forma escultórica: bulto redondo.
Estilo: Abstracción Orgánica/Figuración Postpicassiana.

17. FUA II MARAMIRA
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El escultor inglés Henry Moore es uno de los grandes artistas de la plástica durante el siglo
XX, y una de sus obras más emblemáticas es esta enorme Figura yacente (89 x 132 x 73
cm) que realizó en 1938 tallándola sobre piedra Hornton verde,
En origen la obra fue un encargó para que permaneciera a la intemperie en la proximidades de
la colinas de Sussex, al sur de Inglaterra, por lo que para su autor era muy importante que la
obra se integrara estéticamente en el paisaje que le había de rodear. De ahí la elección del tipo
de piedra en la que labró la figura, porque Henry Moore solía recurrir a materiales propios de la
zona donde iba a ubicarse sus esculturas, y en este caso la piedra Hornton, procedía de una
cantera próxima a Banbury, en Oxfordshire.
Para sus grandes obras en muchas ocasiones partía de pequeños guijarros encontrados por
azar para ir ideando la obra definitiva a un formato mucho mayor. Sus preferidas solían ser
piedras arrastradas y bañadas por las aguas del mar, en la que era habitual que hubiera alguna
oquedad o agujero. Por ejemplo, en el caso de esta escultura vemos que la talla es a base de
suaves curvas similares a las de la erosión marina y en el centro hay un agujero que también
imita a esas formas naturales. Entre 1926 y 1983, Henry Moore realizó gran cantidad de figuras
de mujeres reclinadas. Muchas fueron hechas por encargo para decorar espacios públicos y
otras se encuentran en el interior de museos.
Henry Moore es un artista a veces abstracto y en ocasiones figurativo. De hecho, la figura
humana siempre está presente en su concepción artística. Y también suele recurrir a las formas
bastante sencillas. Es el espectador quién de alguna forma las completa al observar sus obras.
Si rodeamos la escultura somos nosotros los que vamos descifrando esas formas y vamos
componiendo esa figura humana, sus miembros y su postura. Todo ello a partir de los elementos
básicos del cuerpo que únicamente son plasmados desde la visión en un ángulo concreto. Si
bien cada elemento se concibe a partir de ángulos de visión distintos.

18. FUA II MARAMIRA
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MURAL PALACIO CONGRESOS MADRID (SURREALISMO
ABSTRACTO)
Autor: Joan Miró (1893-1983)
Año: 1980
Ubicación: Palacio Congresos y Exposiciones de Madrid
Técnica: azulejos cerámicos. Ceramista: Josep Llorens y Artigas.
Género: Friso decorativo
Forma escultórica: relieve cerámico sobre edificio.
Estilo: Surrealismo Abstracto

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Fue diseñado por Joan Miró y realizado por el ceramista Artigas, para decorar la fachada del Palacio
de Congresos de Madrid. Se trata de un mural de grandes dimensiones cuyo boceto original se
encuentra en el museo Reina Sofía. Miró utilizó colores muy vivos para esta obra con el propósito
de contrastar el gris del edificio.
En 1944 empezó a colaborar con su amigo de la adolescencia Josep Llorens i Artigas en la
producción de cerámicas, investigando en la composición de las pastas, tierras, esmaltes y colores;
la forma de las cerámicas populares representó para él, una fuente de inspiración; en estas primeras
cerámicas poca diferencia hay con las pinturas y litografías de la misma época. En el año 1947
residió durante ocho meses en Nueva York donde realizó un mural en pintura de 3 x 10 metros
destinado al restaurante del Cincinnati Terrace Hilton Hotel. Aquel fue el detonante que le llevó a
crear más murales.
En 1956, se trasladó a vivir a Mallorca y fue entonces cuando recibió el encargo de realizar dos
murales cerámicos para la sede de la Unesco ubicado en París, de 3 x 15 metros y 3 x 7,5 metros,
que fueron inaugurados en 1958. Estos murales de la UNESCO, fueron el prototipo para veinte (20)
que le siguieron el último de ellos este que se inauguró en 1980 en el Palacio de Congresos de
Madrid.
Joan Miró fue el máximo representante del Surrealismo Abastracto Sus cuadros están llenos de
colores puros y tintas planas. Rechaza la perspectiva, el claroscuro y el acabado minucioso. Sus
imágenes están compuestas por unos pocos trazos simples. No trata de expresar ninguna idea
mediante los símbolos en su obra, sino que estos deben de bastarse a sí mismos y son extraídos de
lo irracional. La guerra civil española y mundial lo alejaron de su periodo surrealista.

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