El documento describe el papel de la mujer en el arte a principios del siglo XX, enfocándose en la pintora Tamara de Lempicka y la diseñadora Coco Chanel. Lempicka fue la pintora más emblemática del estilo Art Decó en los años 1920-1930, mientras que Chanel revolucionó la moda femenina de la época con sus diseños que promovían la libertad y emancipación de la mujer. El documento también proporciona contexto histórico sobre el movimiento Art Decó y la época de los "Felices Años 20" tras la

1.
EBAU
TEMA
6.
FUNDAMENTOS
DEL
ARTE
II.
EL
PAPEL
DE
LA
MUJER
EN
EL
ARTE
DE
PRINCIPIOS
DEL
XX:
LA
PINTURA
DE
TAMARA
DE
LEMPICKA
Y
LA
REVOLUCIÓN
EN
EL
TRAJE
FEMENINO
DE
COCO
CHANEL

2. Fundamentos
del
Arte
II
Profesora
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
2
EBAU
TEMA
6.
EL
PAPEL
DE
LA
MUJER
EN
EL
ARTE
DE
PRINCIPIOS
DEL
XX:
LA
PINTORA
DE
TAMARA
DE
LEMPICKA
Y
LA
REVOLUCIÓN
EN
EL
TRAJE
FEMENINO
DE
COCO
CHANEL
1.Introducción.
El
Papel
de
la
Mujer
en
el
Arte
de
Principios
del
Siglo
XX
Durante
siglos
el
papel
de
la
mujer
en
el
mundo
del
arte
ha
estado
relegado
a
mero
objeto
representado,
icono
sexual
o
musa
artística.
Esta
visión
estereotipada
de
ella
más
como
objeto
que
como
sujeto
del
arte
debe
ser
superada
huyendo
de
una
visión
androcéntrica
del
arte.
A
lo
largo
de
la
materia
de
Fundamentos
I
y
II
hemos
ido
destacando
la
labor
desempeñada,
por
méritos
propios,
de
mujeres
artistas
a
través
de
distintas
épocas
y
estilos:
entre
otras,
la
ilustradora
de
Beatos
mozárabes
Eude
o
Ende;
la
renacentista
Sofonisba
Anguissola;
las
pintoras
barrocas
Artemisia
Gentileschi
y
Clara
Peeters;
la
rococó
francesa
Marie-­‐Louise-­‐Elisabeth
Vigée-­‐Lebrun
en
el
siglo
XVIII
o
las
impresionistas
Mary
Cassatt
y
Berthe
Morisot
en
el
XIX.
Afortunadamente,
desde
los
inicios
del
siglo
XX,
cada
vez
con
mayor
intensidad
y
no
con
pocas
dificultades,
las
diseñadoras
y
artistas
lograron
formar
parte
de
los
movimientos
de
vanguardia
como
el
Dadaísmo1
,
Surrealismo2
,
la
Bauhaus,3
el
Orfismo4
o
el
Constructivismo
ruso5
.
En
paralelo
a
las
vanguardias
anteriormente
citadas,
en
el
Art
Déco
–estilo
suntuoso
de
los
años
20
y
30-­‐
Tamara
de
Lempicka
será
su
pintora
más
emblemática
del
mismo
modo
que
en
esa
época,
la
diseñadora
francesa
Coco
Chanel
será
el
baluarte
de
una
moda
revolucionaria
que
contribuirá
en
cierta
medida
a
la
emancipación
y
liberación
de
la
mujer.
2.
Los
Felices
Años
20.
El
Art
Déco
Tras
la
Primera
Guerra
Mundial
(1914-­‐18),
uno
de
los
conflictos
más
mortíferos
de
la
historia,
se
inicia
una
etapa
que
ha
sido
denominado
como
los
felices
o
locos
años
veinte
-­‐
roaring
twenties
en
inglés-­‐.
Fue
la
época
del
jazz,
del
cine,
del
Charlestón
y
de
una
desenfrenada
alegría
de
vivir
en
una
época
de
expansión
económica,
optimismo
hacia
el
futuro
y
auge
del
consumo.
Con
el
término
Art
Déco
denominamos
a
un
movimiento
artístico
complejo
y
contradictorio
que
se
desarrolla,
en
sentido
estricto
en
los
años
20
pero,
en
sentido
general,
desde
aproximadamente
1910
hasta
1939.
Hoy
por
hoy,
todavía
está
a
debate
la
definición
exacta
y
el
alcance
de
esta
corriente
cultural.
Su
nombre
es
un
apócope
del
término
francés
décoratif
alusión
a
la
Exposition
Internationale
des
Arts
Décoratifs
et
Industriels
Modernes,
celebrada
en
Paris
en
1925,
donde
se
presentó
por
primera
vez
este
estilo.
Fue
una
muestra
de
diseño
de
interiores,
objetos
decorativos,
cerámica,
muebles,
lámparas,
esculturas,
piezas
textiles,
moda,
etc.
Participaron
casi
todos
los
países
europeos,
con
la
excepción
de
Alemania,
entonces
el
país
que
había
perdido
la
guerra.
1
Hanna
Höch.
2
Leonora
Carrington,
Remedios
Varo,
Maruja
Mallo,
la
fotógrafa
Dora
Maar
y
la
diseñadora
de
moda
Elsa
Schiaparelli.
3
Marianne
Brandt,
Gunta
Stölz,
Lucia
Moholy,
etc.
4
Sonia
Delaunay.
5
Tal
es
el
caso
de
Barbara
Stepanova,
esposa
por
lo
demás
de
Rodchenko.

3. 3
3
El
vocablo
déco
surgió
en
torno
a
los
años
1965-­‐1966
en
Inglaterra
e
Italia,
coincidiendo
plenamente
con
el
revival
retro
de
este
estilo.
El
Art
Déco
fue
el
primer
y
último
estilo
suntuoso
del
siglo
XX.
Surgió
en
Francia,
concretamente
en
París
y
su
difusión
ha
sido
amplísima
por
todo
el
mundo:
Estados
Unidos,
Italia,
España,
Inglaterra,
la
India,
Australia,
Japón,
etc.
Tuvo
una
expansión
global
pero
sin
ningún
corpus
teórico
o
manifiesto
que
lo
sustentara.
Lo
complejo
de
este
movimiento
y
su
carácter
incierto
propició
que
más
que
de
Art
Déco
podemos
hablar
de
art
Décos
–en
plural-­‐
dada
la
variedad
de
soluciones
formales
que
vamos
a
encontrar
en
esta
corriente
artística.
Fue
fundamentalmente
un
estilo
arquitectónico
y
de
artes
decorativas,
un
capítulo
altamente
fértil
en
la
historia
de
las
artes
aplicadas.
Preconizaba
la
idea
de
arte
total
y
que
este
estilo
impregnara
toda
la
vida
cotidiana
(desde
la
moda,
hasta
el
mobiliario,
pasando
por
el
diseño
industrial,
joyas
o
artes
gráficas).
Produjeron
desde
objetos
de
lujo
hasta
diseños
industriales.
La
intención
era
crear
obras
modernas
y
elegantes
que
simbolizaran
riqueza
y
sofisticación.
Fue
básicamente
un
movimiento
artístico
“de
moda”,
con
la
voluntad
intencionada
de
crear
estilo.
Ha
sido
un
estilo
muy
menospreciado
y
minusvalorado
durante
décadas
por
los
artistas
de
vanguardia
y
los
críticos
de
arte
por
su
carácter
fuertemente
esteticista.
Y
es
que
los
artistas
déco
buscaban
sin
reparos
la
belleza,
la
excelencia,
utilizando
materiales
costosos6
.
Fue
considerado
como
un
estilo
frívolo,
nostálgico,
sentimental,
e
incluso
anticuado
y
kitsch.
De
hecho,
en
los
libros
canónicos
de
historia
del
arte
moderno
no
solía
aparecer.
Una
copiosa
bibliografía
y
exposiciones
internacionales
sobre
el
tema
–celebradas
en
París,
Londres
o
Madrid
por
poner
solo
tres
ejemplos-­‐
han
hecho
que
paulatinamente
se
vaya
reivindicando
este
movimiento.
Hoy
se
piensa
que
el
Art
Déco
es,
a
la
vez,
una
alternativa
y
una
síntesis
de
las
primeras
vanguardias7
.
Particularmente
el
cubismo
y
el
futurismo
italiano
están
en
la
base
de
muchas
de
sus
propuestas.
6
El
Movimiento
Moderno,
y
en
especial
Le
Corbusier,
fueron
los
principales
antagonistas
de
este
movimiento,
puesto
que
en
su
opinión,
solo
atendían
a
clientes
selectos
con
sus
piezas
únicas
o
de
edición
limitada.
7
Cfs.
el
ciclo
de
Conferencias
de
la
Fundación
March
llamado
“Universo
Déco”
en
el
que
intervinieron
Estrella
de
Diego
http://www.march.es/conferencias/anteriores/voz.aspx?p1=100372
y
Román
Gubern
http://www.march.es/conferencias/anteriores/voz.aspx?p1=100370

4. Fundamentos
del
Arte
II
Profesora
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
4
El
surgimiento
del
Art
Déco
coincide
con
la
época
de
la
Belle
époque,
es
decir,
los
llamados
felices
años
20
aunque
sabemos
que
se
extiende
también
durante
los
años
30.
Aunque
este
estilo
pasó
de
moda
durante
la
Segunda
Guerra
Mundial,
durante
los
años
60
hubo
un
renovado
interés
por
el
diseño
Art
Déco
(se
le
denominó
Retro).
No
se
entiende
el
Art
Déco
sin
tener
en
cuenta
a
su
predecesor,
el
Modernismo
o
Art
Nouveau.
Cronológica
y
estilísticamente,
es
evidente
que
hay
una
cierta
continuidad
y
evolución
de
un
estilo
al
otro.
El
Modernismo
está
finiquitado
hacia
1910,
fecha
aproximada
en
la
que
se
va
forjando
el
Déco.
Ambos
comparten
muchos
puntos
en
común:
*Son
estilos
esteticistas,
que
preconizan
como
valor
supremo
la
belleza.
Buscan
embellecer
la
vida
cotidiana.
En
cierto
sentido
son
herederos
del
Romanticismo
y
del
Movimiento
Arts
&
Crafts.
El
contrapunto
al
Art
Déco
sería
la
Bauhaus,
escuela
artística
alemana
que
huye
de
la
ornamentación
y
del
esteticismo,
intentando
crear
formas
limpias
y
geométricas
vinculándolas
con
la
producción
industrial.
*Desean
que
su
estilo
abarque
las
Bellas
Artes
y
las
Artes
Decorativas
y
el
Diseño
por
igual.
Es
la
búsqueda
del
arte
total
o
Gesamtkunstwerk.
Se
podría
decir
que
en
ambos,
las
artes
aplicadas
son
las
artes
mayores.
Aun
así,
no
son
estilos
compactos
y
homogéneos.
Presentan
variantes
según
los
países,
artistas,
etc.
*Ambos
movimientos
pretenden
ser
reflejo
de
la
modernidad
de
su
época.
Recordemos
que
el
lema
de
la
vertiente
modernista
vienesa,
la
Secesión,
señalaba:
“a
cada
época
su
arte,
a
cada
arte,
la
libertad”.
*El
Modernismo
pretendía
ser
el
arte
de
la
burguesía
triunfante.
El
Art
Déco
contaba
entre
sus
comitentes
con
elites
adineradas.
Paulatinamente,
los
diseños
exclusivos
de
uno
y
otro
se
imitarían,
popularizarían
y
difundirían
entre
todas
las
clases
sociales.
Así
por
ejemplo,
el
estilo
Déco
lo
podemos
encontrar
en
hoteles,
restaurantes,
transatlánticos,
cines,
teatros
y
gasolineras.

5. 5
5
*La
fortuna
crítica
de
estos
movimientos
ha
sido
particularmente
negativa,
por
parte
sobre
todo
de
los
artistas
de
vanguardia.
En
general,
ambos
estilos
son
hoy
en
día
apreciados,
especialmente
el
Modernismo
*No
reniegan
de
la
ornamentación.
Para
ninguno
de
estos
dos
movimientos
el
ornamento
es
“delito”,
como
sí
afirmaría
Adolf
Loos
en
su
célebre
ensayo8
,
pionero
del
racionalismo
arquitectónico
y
del
Movimiento
Moderno.
Si
en
el
Modernismo
primaba
la
decoración
de
carácter
floral
y
los
sinuosos
arabescos
–como
el
célebre
golpe
de
látigo
de
Víctor
Horta-­‐
en
el
Déco
prefieren
los
motivos
ornamentales
geométricos
y
depurados,
de
formas
simples
y
claras,
estilizadas
y
simétricas.
En
esa
pasión
por
lo
geométrico
está
presente
la
huella
cubista
así
como
la
fascinación
por
la
velocidad
y
las
máquinas
de
raíz
futurista.
Los
temas
omnipresentes
en
el
estilo
déco
son
las
diagonales,
las
líneas
en
zigzag,
las
líneas
rectas,
círculos,
cuadrados,
ciervos,
galgos,
gacelas,
las
fuentes,
olas,
espirales,
estrellas,
palmas,
rayos
de
sol,
y
por
supuesto,
la
temática
femenina
–vestida
o
desnuda-­‐.
Si
en
el
Modernismo
encontrábamos
mujeres
de
silueta
reloj
de
arena
con
pelo
largo
y
ondulado
–como
vemos
en
Alphonse
Mucha-­‐
en
el
Art
Déco
en
cambio,
aparecen
muchachas
andróginas,
con
silueta
cilíndrica
y
pelo
corto
a
lo
garçonne.
En
ambos
estilos
está
presente
el
influjo
oriental.
*Las
influencias
perceptibles
en
el
Art
Déco
son
muy
variadas.
Aparte
del
arte
de
vanguardia
hay
que
destacar:
la
naturaleza,
el
arte
egipcio,
aborigen,
africano,
maya
y
azteca,
los
ballets
rusos
de
Diáguilev...
A
estos
elementos
hay
que
añadir,
a
partir
de
1925,
el
creciente
impacto
de
las
máquinas,
que
se
plasmaban
repetidas
o
solapadas
y
en
los
años
treinta
se
impusieron
formas
derivadas
del
diseño
aerodinámico.
La
línea
recta
se
convirtió
en
una
fuente
de
belleza.
*El
Art
Déco
difiere
del
Art
Nouveau
que
enfatizaban
el
carácter
único
y
la
originalidad
artesanal
de
formas
orgánicas.
Con
el
tiempo
los
objetos
art
déco
se
difundieron
masivamente
gracias
a
su
producción
industrial.
3.
La
pintora
déco
Tamara
de
Lempicka
(1898-­‐1980)
Si
hay
una
pintora
que
podemos
considerar
como
epítome
del
Art
Déco,
ésa
es
sin
duda
María
Górska,
más
conocida
como
Tamara
DE
LEMPICKA.
Transgresora,
independiente
y
moderna,
es
la
pintora
del
estilo
Art
Déco
por
antonomasia,
un
compendio
del
espíritu
de
esa
época.
Nació
en
el
seno
de
una
familia
adinerada
en
Varsovia
(Polonia)
en
1898
que,
a
la
sazón,
era
una
ciudad
perteneciente
al
Imperio
ruso.
Su
padre
abandonó
a
la
familia
cuando
era
pequeña
y
será
criada
por
una
abuela
y
su
tía.
Estudió
en
Suiza.
Vivió
en
San
Petersburgo
(Rusia)
y
allí
se
casó
muy
joven
con
un
abogado
ruso,
Tadeusz
Lempicka,
de
quien
tomaría
el
apellido.
Desde
niña
sintió
fascinación
por
el
arte
y
el
lujo.
Le
encantaban
las
joyas,
particularmente
las
esmeraldas,
los
diamantes
y
los
rubíes.
Artista
cosmopolita
y
viajera,
vivió
en
Polonia,
Rusia,
Francia,
Estados
Unidos
y
Méjico.
En
Méjico
pasó
sus
últimos
años
y
allí
murió
en
1980.
8
Ornamento
y
delito,
1910.

6. Fundamentos
del
Arte
II
Profesora
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
6
Cuando
estalló
la
revolución
bolchevique
en
1917
huyó
con
su
marido
a
París
donde
viviría
una
vida
mundana,
de
fiestas
y
excesos,
pero
donde
también
se
convertiría
en
la
retratista
de
las
celebridades
de
la
época.
En
1926
se
divorció
de
su
primer
marido.
Viajó
en
numerosas
ocasiones
a
Italia
y
allí
fue
amiga
del
decadente
esteta
italiano,
el
escritor
Gabrielle
D´Annunzio.
A
pesar
de
su
aparente
vida
glamurosa,
sufrió
intensas
depresiones
que
no
le
daban
tregua.
Esta
fascinante
artista,
que
tuvo
una
vida
de
película,
fue
adorada
y
despreciada
a
partes
iguales,
pues
para
algunos
vanguardistas
“bienpensantes”
representaba
el
paradigma
de
lo
kitsch
o
un
personaje
esteticista
de
otra
época.
Recordemos
que
la
vanguardia
“seria”
consideraba
que
el
Déco
era
una
reminiscencia
del
arte
del
siglo
XIX,
como
algo
anticuado
aunque,
en
verdad,
fuera
todo
lo
contrario.
Ella
y
su
arte
eran
considerados
como
la
esencia
de
la
frivolidad.
Su
pasión
por
la
belleza
y
el
lujo
no
casaban
con
los
artistas
de
vanguardia
comme
il
faut.
Aunque
no
la
faltó
trabajo
como
retratista
de
las
elites
aristocráticas9
,
en
el
mundo
del
arte
siempre
fue
una
especie
de
outsider,
no
siendo
aceptada
en
general,
ni
por
su
colegas
pintores
ni
por
los
críticos
de
arte.
Su
objetivo
como
pintora
no
era
copiar
la
realidad
sino
crear
un
nuevo
estilo,
brillante
y
de
colores
luminosos
donde
predomine
la
elegancia
de
las
figuras
representadas.
Y
es
que
Lempicka
se
especializó
en
retratos
de
mujeres
déco,
con
fondos
arquitectónicos
de
rascacielos
de
ese
estilo,
muy
abundantes
en
sus
cuadros.
En
sus
obras
retrata
el
nuevo
paradigma
de
la
mujer
de
los
años
20
y
30,
mujeres
que
pretenden
ser
emancipadas,
que
fuman,
conducen
su
propio
coche,
adoptan
una
indumentaria
un
tanto
andrógina,
con
cabello
Bob
o
a
lo
garçon,
que
hacen
deporte,
viajan
y
disfrutan
de
la
vida...
Muchos
retratos
de
líneas
netas
y
pulidas
son
desnudos
y
en
ocasiones,
muestra
abiertamente
escenas
de
homosexualidad
femenina.
Los
cuerpos
que
pinta
suelen
ser
muy
escultóricos,
con
formas
rotundas,
como
si
fueran
estatuas
clásicas
pero
sin
estar
basadas
en
las
proporciones
perfectas
del
canon
griego.
Las
miradas
de
los
retratados
suelen
ser
melancólicas,
tristes
o
pensativas.
Consideraba
que
se
autorretrataba
en
todas
sus
obras.
Sus
referentes
estéticos
son
muy
variados:
oscilan
entre
la
pintura
italiana
del
Renacimiento
–en
especial
adoraba
la
obra
de
Bronzino-­‐,
las
conexiones
con
las
odaliscas
rotundas10
del
neoclásico
francés
Jean-­‐Auguste-­‐
Dominique
INGRES
–deliberadas
o
no-­‐,
y
sobre
todo
el
influjo
del
Cubismo.
Las
líneas
depuradas,
facetadas
y
geométricas
que
dominan
su
obra
también
nos
remiten
a
PICASSO11
,
y
no
solo
al
cubista,
sino
también
al
más
“clásico”
de
la
“vuelta
al
orden”
de
los
años
20.
Entre
sus
profesores
en
París
destacan
André
Derain
y
el
neocubista
André
LOTHE
(1885-­‐1962).
Sin
duda
Lothe
es
el
que
más
profundamente
marcó
su
obra
pictórica
y
de
él
asimiló
un
cubismo
“blando”.
Según
Alain
Blondel,
Lempicka
consiguió
un
proceso
de
síntesis
sorprendente
y
único
en
sus
retratos
entre
el
arte
renacentista
y
el
neocubista.
Asimismo,
hay
ciertas
concomitancias
entre
Lempicka
con
los
pintores
alemanes
de
la
Nueva
Objetividad,
en
particular
con
Christian
SCHAD.
Los
retratos
de
Schad
como
el
del
aristócrata
Graf
St-­‐Genois
d'Anneaucourt,
epitomizan
el
glamour
decadente
de
la
época
de
la
República
de
Weimar
(1919-­‐1933).
Sus
pinturas
parecen
imágenes
de
revistas
de
moda.
Concede
mucha
importancia
a
la
pose,
la
vestimenta,
incluso
el
maquillaje.
Incluso
ella
misma
posaba
como
si
fuera
una
estrella
de
cine,
siempre
sofisticada,
siempre
9
Retrató
a
escritores,
actores,
artistas,
científicos,
industriales
y
muchos
nobles
de
Europa
del
Este
exiliados
en
París.
Fue
la
pintora
de
la
alta
sociedad
de
su
tiempo.
10
Véase
por
ejemplo,
Baños
turcos
(1862)
de
Ingres.
11
Véase
la
pintura
Dos
desnudos
(1905)
de
Picasso.

7. 7
7
elegante
y
a
la
última.
De
hecho
la
llegaron
a
comparar
con
la
mítica
Greta
Garbo
con
la
que
guardaba
un
cierto
parecido.
Su
etapa
dorada
como
pintora
coincide
plenamente
con
el
período
déco,
fundamentalmente
en
la
década
de
los
años
25
al
35.
Se
casó
dos
veces
–la
segunda
en
1934-­‐
y
tuvo
una
hija
Kizette,
a
la
que
retrató
con
frecuencia
en
cuadros
que
están
entre
lo
mejor
de
su
producción.
En
los
años
40
se
estableció
en
Estados
Unidos
con
su
segundo
y
millonario
marido
e
inició
allí
una
etapa
abstracta
intentando
formar
parte
de
la
pintura
americana
con
escaso
éxito.
Las
celebridades
hollywoodenses
adoran
los
cuadros
de
Tamara
de
Lempicka.
Es
frecuente
que
el
estilo
déco
o
neodéco
decora
muchas
de
sus
mansiones.
Por
eso
no
es
extraño
que
la
actual
y
principal
coleccionista
de
las
obras
de
Lempicka
sea
Madonna
y
también,
aunque
en
menor
medida,
el
actor
Jack
Nicholson
y
la
cantante
Barbra
Streisand.
Entre
sus
pinturas
podemos
destacar:
la
Duquesa
de
la
Salle
(1925)
es
un
retrato
maravilloso
que
muestra
a
una
mujer
andrógina,
que
viste
un
tuxedo
de
corte
masculino.
Las
referencias
arquitectónicas
no
faltan
en
el
fondo
del
cuadro.
En
La
bella
Rafaela,
de
1927,
se
han
observado
reminiscencias
del
tenebrismo
de
Caravaggio
con
su
énfasis
en
el
juego
entre
luces
y
sombras.
Pero
en
esta
obra
el
foco
se
ha
centrado
en
el
cuerpo
escultural
de
la
mujer
representada.
Su
Autorretrato
en
un
Bugatti
verde
(1929)
es
su
cuadro
posiblemente
más
conocido.
En
ella
se
representa
como
una
mujer
moderna
y
distinguida,
llevando
guantes
y
un
sombrero
muy
ajustado
tipo
cloche.
Aparece
conduciendo
un
coche
deportivo
Bugatti–que
nunca
tuvo-­‐
sugiriendo
la
idea
de
velocidad
y
las
máquinas
temas
que
fascinaban
a
los
artistas
de
vanguardia,
en
especial
a
los
vinculados
con
el
futurismo
italiano.
Capta,
como
en
una
fotografía,
un
momento
exacto.
Esta
pintura
fue
un
encargo
para
la
portada
de
una
publicación
alemana
llamada
Die
Dame
especializada
en
promover
la
imagen
de
una
mujer
moderna.
Por
eso
es
una
obra
que
está
a
caballo
entre
las
bellas
artes
y
el
diseño
gráfico
y
de
moda.
El
maquillaje
también
es
muy
déco.
La
música
(1929)
es
una
bella
alegoría
sobre
este
arte.
Es
representada
como
una
elegante
mujer
de
pelo
oscuro,
absorbida
en
su
interpretación
musical.
Recordemos
que
las
referencias
a
la
música
fueron
muy
habituales
en
la
pintura
cubista
a
inicios
del
siglo
XX.
El
más
ávido
coleccionista
de
las
obras
de
Tamara
de
Lempicka
fue
el
doctor
Boucard
al
que
retrató
con
apariencia
de
espía
de
película
en
1929.
De
hecho,
durante
la
Segunda
Guerra
Mundial
tangencialmente
se
vio
envuelto
en
actividades
de
espionaje.
Su
yate
fue
utilizado
por
la
Resistencia
francesa
para
transportar
municiones
y
andando
el
tiempo
lo
adquirió
el
magnate
griego
Aristóteles
Onassis.
En
este
cuadro,
el
famoso
bacteriólogo
aparece
con
los
simbólicos
tubo
de
ensayo
y
microscopio
para
que
no
nos
quede
duda
de
su
filiación
laboral.
Como
ganó
mucho
dinero
con
sus
investigaciones
médicas
pudo
adquirir
retratos
de
Lempicka.
Este
retrato
nos
transmite
una
imagen
muy
glamurosa
del
doctor,
muy
lejana
al
trabajo
real
de
un
científico.
Esta
pintora
también
retrató
a
la
esposa
e
hija
de
Boucard.

8. Fundamentos
del
Arte
II
Profesora
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
8
4.
Coco
Chanel12
y
la
revolución
del
traje
femenino
Durante
los
locos
años
20
coincidente
con
el
auge
del
Art
Déco
asistimos
a
la
aparición
de
un
nuevo
paradigma
de
mujer:
las
flappers.
Son
mujeres
modernas,
sofisticadas
y
glamurosas,
hasta
cierto
punto
liberadas,
que
trabajan,
conducen,
fuman
y
llevan
el
pelo
con
el
corte
Bob
o
a
lo
garçonne.
También
hacen
deporte
y
viajan.
Les
apasionan
el
cine
y
el
jazz,
así
como
los
automóviles
y
todo
lo
que
suponga
un
avance
en
la
modernidad.
Suelen
manifestarse
contra
los
convencionalismos
sociales.
Lucen
siluetas
andróginas,
cilíndricas
o
tubulares,
que
son
precisamente
la
antítesis
de
la
silueta
reloj
de
arena
del
Modernismo,
que
enfatizaba
la
cintura
finísima
con
opresores
corsés.
Llamaron
la
atención
de
eminentes
escritores
como
por
ejemplo
Evelyn
Waugh
o
F.
Scott
Fitzgerald.
12
Documentación
sobre
Coco
Chanel
extraída
de
la
conferencia
de
Joana
Bonet
en
la
Fundación
March
http://www.march.es/conferencias/detalle.aspx?p5=100010&l=1
y
de
http://www.rtve.es/alacarta/videos/flash-­‐moda-­‐monograficos/flash-­‐moda-­‐
monograficos-­‐chanel-­‐casa-­‐leyenda/3664257/
yhttp://imladyrebel.com/2015/10/entrevista-­‐sobre-­‐chanel-­‐inmaculada-­‐urrea/

9. 9
9
Coco
CHANEL
refleja
en
sus
diseños
la
nueva
realidad
de
la
mujer
de
esa
época,
favoreciendo
su
emancipación
a
través
de
una
moda.13
La
escalera
de
caracol
es
una
metáfora
que
podría
resumir
la
vida
de
Coco
CHANEL:
su
ascensión
social,
cultural
y
económica,
su
relación
con
el
éxito
y
la
fama,
y
al
mismo
tiempo
su
soledad,
sus
altibajos
amorosos
y
su
coraza
con
la
que
se
protegía
del
mundo.
Por
otro
lado,
la
escalera
de
su
Maison
de
París
en
su
vida
era
su
lugar
emblemático
ya
que
le
encantaba
observar
desde
ella
a
las
modelos,
dando
los
últimos
retoques
a
sus
diseños
antes
de
ser
mostrados
en
los
desfiles.
Gabrielle
Bonheur
“Coco”
Chanel
nació
el
19
de
agosto
de
1883
en
Saumur
(Francia)
y
murió
en
París
un
domingo,
el
10
de
enero
de
1971,
precisamente
el
único
día
de
la
semana
que
no
trabajaba.
Tuvo
una
vida
de
novela
o
de
película,
llena
de
luces
y
sombras,
de
golpes
maestros
y
genialidades.
Como
Tamara
de
Lempicka,
era
una
gran
fabuladora
sobre
sus
vivencias,
marcadas
por
diversos
traumas
–como
el
abandono
de
su
padre-­‐
o
la
muerte
en
accidente
de
tráfico
del
que
fuera
su
gran
amor,
el
británico
rico
y
cultivado
Arthur
Edward
“Boy”
Capel14
.
A
los
12
años
se
queda
huérfana
de
madre
e
ingresa
con
sus
dos
hermanas
en
la
Abadía
de
Aubazine
para
ser
educada
por
las
monjas
ya
que
su
padre
no
se
hizo
cargo
de
ella.
En
ese
monasterio-­‐orfanato
aprendió
a
coser
y
se
quedó
fascinada
con
el
arte
sacro,
en
particular
las
vidrieras
de
la
iglesia,
futura
fuente
de
inspiración
para
su
logotipo.
Desde
muy
joven
trabajó
como
dependienta
de
una
mercería
y
como
corista
por
las
noches.
Muy
solicitada
por
los
oficiales,
se
enamoró
de
uno
de
ellos,
un
jinete
de
buena
familia,
gracias
al
cual
se
inicia
como
sombrerera
en
París.
En
1910,
con
tan
solo
27
años,
abrió
su
propia
casa
de
modas
en
el
21
de
la
Rue
Cambon
parisina,
y
dos
años
más
tarde,
en
Deauville
y
Biarritz,
estalló
su
fama.
Chanel
no
fue
una
diseñadora
más.
Fue
una
creadora
de
vanguardia
que
revolucionó
la
moda
propiciando
la
formación
de
un
nuevo
paradigma
de
mujer:
moderna,
elegante,
sofisticada
y
libre,
ajena
a
corsés
e
imposiciones.
Favoreció
así,
la
emancipación
de
la
mujer
a
través
de
la
indumentaria.
Es
la
innovadora
que
fulmina
la
moda
13
Otros
grandes
diseñadores
de
la
época
que
muestran
la
riqueza
de
tendencias
de
aquellos
años
déco
fueron
Patou,
Lanvin,
Poiret,
Madeleine
Vionnet,
Sonia
Delaunay,
etc.
14
Capel
financió
la
creación
de
sus
primeros
tiendas
de
moda.

10. Fundamentos
del
Arte
II
Profesora
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
10
decimonónica
con
sus
diseños
de
inspiración
masculina,
un
tanto
andróginos
en
sus
inicios,
pero
de
una
gran
feminidad
al
mismo
tiempo.
Fomentó
el
corte
de
pelo
Bob.
Aun
así,
recordemos
que
fue
su
rival,
el
diseñador
Paul
POIRET
(1879-­‐1944),
apodado
“el
Magnífico”,
uno
de
los
primeros
modistas
en
eliminar
el
corsé15
de
la
vestimenta
femenina,
aunque
su
creación
de
una
silueta
tubular
era
bastante
incómoda
para
andar.
Y
conviene
recordar
que
el
artista
multifacético
granadino
Mariano
FORTUNY
(1871-­‐1949)
revolucionó
el
mundo
de
la
moda
a
inicios
del
siglo
XX
con
sus
fascinantes
diseños
–sin
corsé
y
pegados
al
cuerpo-­‐
de
inspiración
griega
como
el
vestido
Delphos,
creado
en
la
temprana
fecha
de
¡1907!
anterior
a
Chanel
y
en
paralelo
a
Poiret.
Las
actrices
y
aristócratas
más
modernas
no
dudaron
en
llevar
este
vestido
del
que
incluso,
hoy
en
día
se
siguen
haciendo
versiones.
Chanel,
en
sintonía
con
su
época,
transformó
la
silueta
femenina
de
una
manera
revolucionaria:
acortó
la
falda,
eliminó
el
corsé,
liberó
la
cintura,
favoreció
la
libertad
de
movimientos.
Esta
nueva
silueta
sencilla
que
tiene
mucho
que
ver
con
el
sobrio
funcionalismo
arquitectónico
de
su
tiempo,
lo
plasmó
en
su
diseño
más
icónico
y
revolucionario:
la
Petite
Robe
Noir
(PRN)
o
Little
Black
Dress
(LBD),
un
vestido
negro
de
cóctel
que
creó
en
1926.
Se
hizo
tan
famoso
que
lo
denominaron
con
el
“modelo
Ford
T
de
Chanel”.
Chanel
fue
de
las
primeras
diseñadores
en
valorar
el
negro16
como
el
color
epítome
de
la
elegancia.
Hasta
entonces
era
un
color
de
luto
y
el
color
de
la
servidumbre.
In
1912–13,
la
actriz
Suzanne
Orlandi
fue
una
de
las
primeras
mujeres
en
llevar
este
vestido
hecho
de
terciopelo.
Sea
como
fuere,
el
LBD
es
un
diseño
clásico,
atemporal.
Supuso
en
cierta
medida
la
democratización
de
la
moda
porque
este
atuendo
podía
ser
fácilmente
imitado.
El
largo
de
la
falda
tenía
que
ser
justo
por
debajo
de
la
rodilla,
lo
que
se
conoce
como
“el
largo
Chanel”.
Le
horrorizaban
las
minifaldas
y
que
los
hombres
y
mujeres
vistieran
igual.
Le
encantaban
los
pantalones
y
los
tejidos
de
punto.
Interpretó
de
una
forma
nueva
la
feminidad,
convencida
de
que
la
independencia
proporciona
el
poder.
Chanel
también
puso
de
moda
broncearse
la
piel.
Para
ella
el
aroma
era
tan
importante
como
la
indumentaria
por
eso
se
dedicará
también
a
crear
perfumes.
Asimismo,
fue
la
primera
modista
diseñadora
de
joyas
con
diamantes.
La
revista
Time
la
eligió
como
una
de
las
100
figuras
más
influyentes
del
siglo
XX.
Chanel
se
codeó
con
lo
más
granado
de
la
intelectualidad
y
los
artistas
de
la
época.
Fue
amiga
de
la
mítica
Misia
Sert
y
también
de
su
marido,
el
pintor
español
José
María
Sert;
viajaba
con
el
cineasta
Visconti;
también
trató
a
15
Galicismo.
En
francés:
corset.
16
Por
lo
demás,
recordemos
que
ya
en
el
Renacimiento
el
color
negro
se
puso
de
moda
en
las
cortes
europeas
como
sinónimo
de
elegancia.

11. 11
11
Picasso
y
Dalí;
defendió
a
muerte
a
Diáguilev
–le
costeó
su
entierro
en
Venecia-­‐
y
apoyó
sin
ambages
al
músico
Igor
Stravinsky
costeando
sus
colaboraciones
con
los
Ballets
Rusos
para
que
él
tuviera
trabajo.
También
ayudó
con
frecuencia
a
Jean
Cocteau,
especialmente
para
que
abandonara
sus
adicciones.
Fue
una
apasionada
de
la
literatura
como
se
pudo
comprobar
en
la
exposición
Coco
Chanel,
la
donna
che
legge
en
Venecia17
.
En
los
años
treinta
empezó
a
diseñar
para
Hollywood:
Marlene
Dietrich,
Greta
Garbo,
Gloria
Swanson…
La
escritora
Colette
escribió
su
vida.
Al
estallar
la
II
Guerra
Mundial
cerró
su
casa
de
modas
y
se
convirtió
en
sospechosa
colaboracionista
de
los
nazis
por
sus
amistades
con
un
oficial
alemán.
Después
de
pasar
un
tiempo
en
Suiza,
en
los
años
cincuenta
reapareció
en
el
mundo
de
la
alta
costura
con
gran
éxito.
Sus
diseños
más
emblemáticos,
aparte
del
LBD,
son:
*Las
camelias.
*Los
zapatos
bicolores.
*El
bolso
2.55.
*El
sastre
(traje
en
dos
piezas)
Chanel
en
tweed.
Para
este
traje
de
chaqueta
se
inspiró
en
el
uniforme
de
su
orfanato.
*El
perfume
Chanel
nº
5.
*Los
collares
de
perlas.
*El
rouge
Chanel.
Hecha
a
sí
misma,
fue
la
personificación
de
la
elegancia
y
luchó
en
igualdad
de
circunstancias
que
los
hombres.
Creó
un
gran
emporio
que
llegó
a
tener
más
de
3500
empleados
y
que
abarcaba
la
moda,
la
joyería
y
el
maquillaje.
Coco
Chanel
fue
una
diseñadora
que
creó
un
estilo
que
sería
imitado
por
las
mujeres
de
distintas
clases
sociales.
Controvertida,
exigente
y
difícil,
trabajadora
incansable,
siempre
creando
e
innovando,
su
temperamento
y
su
talante
dejaron
un
legado
que
hoy
sigue
estando
vigente.
Chanel
es
la
marca
de
más
éxito
de
todos
los
tiempos.
17
http://www.elespanol.com/estilo/planes/20161024/165483845_0.html

12. Fundamentos
del
Arte
II
Profesora
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
12
BAREMACIÓN
EBAU
TEMA
(PARTE
TEÓRICA)
FUENTES
DE
IMÁGENES
Y
DOCUMENTACIÓN
Blog
de
Redondus:
https://sites.google.com/site/fundamentosdelarteii/home
www.artehistoria.com
http://www.march.es/conferencias/
http://www.theartstory.org/movement-­‐art-­‐deco.htm
http://www.vam.ac.uk/content/articles/a/study-­‐guide-­‐art-­‐deco/
http://www.thefader.com/2011/04/08/reheater-­‐the-­‐fantastic-­‐lives-­‐of-­‐sonia-­‐delaunay/
http://pinterest.com/hidartist/coco-­‐chanel-­‐and-­‐art-­‐deco-­‐designs/
http://www.art-­‐deco-­‐style.com/art-­‐deco-­‐fashion.html
http://imladyrebel.com/2015/10/entrevista-­‐sobre-­‐chanel-­‐inmaculada-­‐urrea/
h
ttp://www.vogue.fr/communaute/wiki-­‐de-­‐la-­‐mode/articles/coco-­‐chanel-­‐le-­‐chic-­‐tout-­‐simplement/20593
http://www.portaildelamode.com/histoire-­‐mode-­‐chanel/
http://www.ipyme.org/publicaciones/firmaslujo.pdf
http://www.harteconhache.com/2014/07/el-­‐ballet-­‐le-­‐train-­‐bleu-­‐vacaciones-­‐en.html
http://www.delempicka.org
http://culture.pl/en/artist/tamara-­‐lempicka-­‐tamara-­‐de-­‐lempicka
http://artpower-­‐ana.blogspot.com.es/2013/10/1925-­‐cuando-­‐el-­‐art-­‐deco-­‐sedujo-­‐al-­‐mundo.html
http://artpower-­‐ana.blogspot.com.es/2013/02/cine-­‐y-­‐moda-­‐el-­‐art-­‐deco-­‐i.html
http://artpower-­‐ana.blogspot.com.es/2015/04/el-­‐gusto-­‐moderno-­‐art-­‐deco-­‐en-­‐paris-­‐1910.html
http://artpower-­‐ana.blogspot.com.es/2013/04/la-­‐nueva-­‐version-­‐del-­‐gran-­‐gatsby-­‐cine.html
http://artpower-­‐ana.blogspot.com.es/2017/01/tamara-­‐de-­‐lempicka-­‐icono-­‐del-­‐art-­‐deco.html