Trabajo colectivo estética - F. E. Visual

Universidad de Los Andes
Facultad de Humanidades y Educación
Escuela de Educación
Asignatura: Educación Estética.
Formación Estética Visual – Trabajo
colectivo
Integrantes:
Peña, Gabriela C.I.: 20.431.680
Quintero, Hilce C.I.: 23.499.164
Quintero, Marcos C.I.: 23.302.926
Rojas, Yoendri C.I.: 23.583.516
Rondón, Angela C.I.: 21.183.527
Rivas, Katiuska C.I.: 21.182.193
Rivas, Mileidy C.I.: 22.986.115
MAYO, 2016

INDICE
Temas Pág.
Introducción 2
Formación estética visual 3
Arte en el tiempo medieval 6
Desarrollo integral 16
Tratamiento curricular, aprendizaje integral (4to grado) 20
Estética arte en la Sociología 25
Pensadores filosóficos 30
Conclusión 39
Bibliografías 40

INTRODUCCIÓN
El arte la podemos definir como, una actividad esencial del hombre porque, a través de ella
se puede comunicar, ideas, emociones, perspectiva y concepto del mundo y a su vez, es una
gran manera de mostrar lo estético de las cosas, la belleza innata de lo que nos presenta el
artista y la naturaleza en sí. El arte lo podemos encontrar desde lo plástico, en lo lingüístico,
en lo sonoro, en la expresión corporal y en las artes mixtas.
A través del arte también, se puede mostrar la cultura de algún tiempo determinado, por lo
anterior, es esencial el arte en la educación porque, no solo se aprende de historia, sino que
a través de ella se evalúa la sensibilidad estética del estudiante, sus sentimientos, sus
gustos, sus preocupaciones, sus gustos, sus puntos de vista hacia el mundo que lo rodea.
Para Schiller lo primordial era modificar la educación y para eso debían incluir la estética.
Expresaba además que la estética es la búsqueda de un hombre como individuo, un ser
armonioso y unitario es decir, a través del arte y la estética se van formando personas de
grandes espíritu, que amen, que sientan, que sueñen.
Por lo anterior, a través de este trabajo no solo se busca conocer sobre ciertos aspectos del
arte en el tiempo, que en este caso es el arte medieval sino conocer a fondo algunos
aspectos relevantes que expliquen cierto momento en la historia y como vincularlo en la
educación ya que, es en esa rama en la que nos estamos formando y así ser maestros que
incluyan la educación estética, como fuente primordial en la educación pero, tomando en
cuenta las teorías que hemos aprendido a lo largo de la carrera.

Formación estética visual
Es de comenzar desarrollando cada uno de los términos, como primer punto ¿Qué es el
arte? Y ¿Qué es visual?
El concepto de arte visual se encuentra formado por dos términos bien diferenciados, que
explicaremos a continuación: arte y visual.
Arte es una palabra que sirve para referirse a aquellas creaciones hechas por el hombre, a
través de las cuales manifiesta su visión sensible del mundo, ya sea real o imaginario. Para
ello, el artista se apoya en una serie de recursos que se encuentran a su disposición; los
mismos pueden ser plásticos, lingüísticos o sonoros. El arte nació con una función ritual o
mágica y fue mutando hasta convertirse en una cuestión estética y hasta recreativa.
El término visual proviene de un vocablo latino que se encuentra vinculado con lo
perteneciente o relativo a la visión (sentido que permite detectar e interpretar la luz y la
capacidad propia de ver que tienen los seres vivos del reino animal gracias a sus sistemas
naturales).
Podemos decir que arte visual es un término relacionado con aquellas obras que pueden
apreciarse fundamentalmente por la capacidad de la vista, como la pintura, la fotografía o
el cine (aunque éste también incluye sonido).
Las Artes Visuales son formas, expresiones de arte que se encuentran enfocadas
preeminentemente a la creación de trabajos que son visuales por naturaleza como ser, la
pintura, la fotografía, la impresión y el cine. Es decir, las artes visuales son expresiones
artísticas que se aprecian y se disfrutan eminentemente a través del sentido de la vista, por
nuestros ojos somos capaces de emocionarnos por un cuadro, con un dibujo o tal película,
entre otros.
La pintura
La pintura es el arte de la representación gráfica que utiliza pigmentos mezclados con otras
sustancias orgánicas o sintéticas. La misma emplea y requiere no solamente el
conocimiento de técnicas de pintura (óleos, acuarelas, temperas, frescos), sino también
conocimientos en materia de teoría del color (aquellas reglas básicas en cuanto a mezcla de
colores para poder llegar al efecto deseado combinando colores de luz o de pigmento.

Retrato de la Epifanía (1450)
La escultura
Es un arte de modelar, tallar y esculpir en diferentes materiales como barro, piedra, madero y otros
con el fin de, representar figuras u objetos tridimensionales. Es característico en representar
volumen, figura de personas, de animales u objetos de la naturaleza misma.
La danza Ópera de París (1865 - 1869)
La arquitectura
La arquitectura es la disciplina o arte encargado de planificar, diseñar y levantar edificios.
Desde esta perspectiva, es correcto decir que la arquitectura influye considerablemente en
la existencia humana, al dedicarse a la construcción de las viviendas y espacios donde esta
se desarrolla cotidianamente. No obstante, al catalogarla como arte, es menester señalar que
además debe considerarse que la arquitectura tiene una finalidad estética y expresiva.

Catedral Naval de kronstadt (Rusia)
La fotografía
Por su lado, la fotografía, es el proceso de capturar imágenes y luego almacenarlas en un
medio material sensible a la luz, que se basa en el principio de la cámara oscura, con el cual
se consigue proyectar una imagen captada a partir de un pequeño agujero sobre una
superficie, de modo que el tamaño de la imagen quedará reducido pero aumentará la nitidez
de la misma.
Fotografía de la Basílica menor de Mérida - Venezuela
El Cine
El Cine o Cinematografía, una de las artes visuales más populares, no es que las otras no lo
sean, pero sin dudas el cine ostenta una participación especial y considerable en la vida de
casi todos los habitantes del planeta, es la técnica que consiste en proyectar fotogramas de
forma rápida y sucesivamente para crear la impresión de movimiento.

México
La impresión
En tanto, la impresión, se trata de un proceso que se emplea para la producción de textos e
imágenes, el más típico con tinta sobre papel y utilizando una prensa. Hoy en día la
impresión se realiza como un proceso industrial a gran escala y es una etapa fundamental
en la edición de los libros.
Arte en el tiempo Medieval
Era principalmente teológica: la belleza está al
servicio de la revelación, sirve para expresar las
verdades cristianas. El arte medieval se vio influido
por la inmaterialidad de Plotino: para los autores
medievales la belleza está en la expresión, no en las
formas, es una estética subjetiva. Las figuras
artísticas pierden corporeidad, se pierde interés por
la realidad, las proporciones, la perspectiva. En
cambio, se acentúa la expresión, sobre todo en la
mirada; los personajes se simbolizan más que se representan. El arte tenía en esta época una
función social, práctica y didáctica.

Se considera como una manifestación artística que se dio durante la edad media. En
casi cinco siglos de la plena y baja Edad Media se exhibo en el arte dos estilos
claramente definidos, el románico y el gótico. Estos movimientos artísticos tienen su
nacimiento en Francia y paulatinamente se van extendiendo por todo el continente.
EI arte medieval pretendía instruir al pueblo, que era analfabeto, sobre las verdades del
cristianismo. El arte se convirtió en el principal medio de propaganda de la Iglesia. Sin
embargo, el románico no logró esta finalidad: su sentido simbólico y la forma de sus
representaciones religiosas eran muy difíciles de interpretar, pues obedecían al gusto de una
minoría: la del clero y la nobleza.
Esto sucedía, por ejemplo, con imágenes como la del capitel que se ve en la fotografía:
representa la escena denominada molino místico, que indica que el cristianismo recibió y
elaboró el contenido de las escrituras antiguas. Con el gótico, en cambio, el arte religioso
dejó de ser el lenguaje misterioso de un pequeño grupo para convertirse en un modo de
expresión comprendido casi por todos.
Arte Paleocristiano
Este periodo se inicia durante los seis primeros siglos de nuestra era y, es el núcleo de
grandes etapas culturales como lo son la Antigüedad Clásica y la Edad Media Cristiana.
Esta se inicia en Roma, en la que la religión influyo en el arte del mismo tanto, en
simbolismo de los aspectos religiosos.
Arquitectura: Entre las construcciones de más importancia están las catacumbas (galerías
subterráneas entrecruzadas, en el que se presentaba decoraciones dependiendo del difunto
de la catacumbas. Estas eran las primeras manifestaciones del arte cristiano primitivo.
Catacumbas de San Sebastián (Roma)
Las basílicas también entran en este periodo en el siglo IV, principalmente su función era
para los cultos, eran sencillas y muy amplias. Se caracteriza por poseer: un vestíbulo
llamado nártex; un patio que le seguía al vestíbulo y era de forma rectangular viéndose

rodeado de pórticos, dicho vestíbulo recibía el nombre de atrio; tres naves siendo la central
más elevada y al fondo de esta un ábside, que era un espacio semicircular en el que se
encontraba la silla del obispo y de los diversos sacerdotes.
San Sabina (Roma)
Escultura: Son las más importantes por su significado y su simbolismo, las primeras
esculturas son de figuras paganas pero de gran simbolismo cristiano. Al pasar el tiempo, se
insertan otros temas como el cordero, el pez y otra que simbolizan la representación de
Cristo. Las primeras figuras que representaron a Cristo, lo muestran joven y sin barba pero
en el siglo IV muestran a Cristo como adulto, cabe mencionar que, en esta etapa no
representaban a la Virgen.
Buen pastor de la casa de Pilatos
Pintura: De igual forma, los temas de las pinturas eran relacionados al tema de cristianismo,
representaban diversas oraciones con iconos o muy simbólicos. Cuya finalidad, era la
decoración en el cual, resaltaba el impresionismo. Los temas: Los misterios de la fe, la
representación de Cristo rodeado por los apóstoles, entre otros.

La asunción de la Virgen María
Arte Bizantino
El arte bizantino nace y se desarrolla a partir del siglo IV después de Cristo en el imperio
romano de oriente, donde florece hasta el siglo XV. De ahí, se pasa a los países del Este de
Europa.
Es un arte subordinado al poder del emperador, y cuando éste adopta la religión cristiana, al
poder de la religión también. Este arte manifiesta la presencia de tres influencias: la del
cristianismo incipiente, la del racionalismo griego y la del Islam.
Varios eventos afectan su desarrollo. Los más notables son: el movimiento iconoclasta del
siglo VIII, y en el siglo XI, la ruptura entre la iglesia de oriente y la de occidente. Este arte
produce una arquitectura monumental manifestada en sus iglesias, unos espléndidos
mosaicos e impresionantes esculturas
Se caracterizo por tener muchas imágenes religiosas, especialmente talladas sobre tabla.
Las representaciones eran sublimadas, con mucho uso del dorado, de los astros,
espiritualidad y divinidad. Se representaba mucho a María, los mártires, los santos y, por
supuesto, Cristo.
Arquitectura: Entre lo que más resalta entre la arquitectura fueron las cúpulas, el arco y la
decoraciones con mosaico. La importancia de las enormes cúpulas significaba la conexión
directa entre el cielo y la tierra. Las basílicas son las construcciones más resaltantes de la
época, las cuales poseen los elementos constructivos de la iglesia paleocristiana modificada

Basílica de Santa Sofía
Escultura: Buscan la espiritualidad y el simbolismo de una forma rígida es decir, sin
movimiento. Entre los materiales más usados esta el marfil, el esmalte, el bronce y el oro.
La Virgen Theotokos
Pintura y Mosaico: Con respecto a la pintura se realizaba con la técnica del mural, cuya
decoraciones eran en templos, principalmente en las bóvedas y cúpulas basado en temas
religiosos principalmente como tema principal la biblia, la vida de algún santo, la virgen o
de Cristo. Por otro lado, los mosaicos eran la base del mural bizantino y como la pintura
representaba escenas religiosas.
Pintura de la resurrección, juicio final (1381 - 1382)

Mosaico, Emperatriz Teodora.
Arte románico
A partir del año 1000, debido al enorme aumento de los bienes eclesiásticos los campos
europeos se llenaron de iglesias y monasterios. Estos edificios se construyeron con un
nuevo estilo, el románico, que es considerado el primer gran arte europeo.
El estilo románico fue ideado por los monjes de Cluny para propagar el cristianismo. Fue
un arte monástico.
En la Edad Media, los puestos más importantes de la Iglesia se reservaban a los nobles. El
románico, que fue un arte eclesiástico, reflejaba, por tanto, la mentalidad de los nobles
feudales. Esto quiere decir que el románico fue un arte aristocrático.
Por último, como el arte románico se desarrolló durante la etapa feudal, fue también un arte
rural, pues en aquella época la mayoría de la población vivía dispersa en el campo.
Iglesia Santa María de Eunate (España)

Características
Como el románico fue un arte cristiano, sus construcciones más características fueron las
iglesias y los monasterios. Las construcciones románicas son edificios imponentes que
reflejan el poder de la Iglesia. Se las ha llamado fortalezas de Dios, pues son grandes,
firmes y macizas como los castillos de aquella época. Otros rasgos distintivos de la
arquitectura románica fueron:
 El empleo de semicírculos en arcos y bóvedas, llamados arcos de medio punto.
 El uso de bóvedas de piedra o bóvedas de cañón, es decir, bóvedas en forma de
semicírculo, para cubrir las naves de la iglesia.
 La incorporación de torres a las fachadas.
 La construcción de muros muy gruesos y con pocas aberturas para poder sostener el
peso de las bóvedas.
Pintura: Se desarrolló entre los siglos XI y XIII, teniendo especial protagonismo en el
interior de las iglesias: su valor simbólico y narrativo se une al impacto visual del color,
que unido a la escasa iluminación del templo contribuye de manera decisiva a crear un
ambiente de recogimiento y misticismo.
 Función didáctica: representaciones iconográficas destinadas a la instrucción
religiosa de los fieles.
 Temática religiosa predominante, así como iconografía simbólica.
 Lenguaje estético: anti naturalismo (se atiende más a la función decorativa y
docente que a la plasmación de la realidad) y deformación de la realidad:
 Pintura plana, sin profundidad: ausencia de perspectiva y fondos
monocromáticos.
 Figuras planas y sin volumen: zonas de color uniforme y de tonalidades
intensas delimitándose los contornos con trazos gruesos y oscuros.
 Falta de movimiento: posiciones rígidas y extrañas.
 Esquematización de las figuras. Tendencia a la geometrización y simetría de
las formas.

Pintura mural a l’absis de Santa Maria de Taüll
Escultura: En este periodo, las esculturas se destacan en tamaños monumentales,
vinculándose a su vez a la arquitectura, para así cubrir los objetos didácticos, fachadas,
extremidades y arcos. Se caracteriza por la posición frontal, ojos grandes y abiertos, mirada
al frente y los vestidos que caen en forma vertical. Los temas que principales se basaba
en figuras del antiguo testamento (evangelios), pecados capitales.
Apóstoles, pórtico de la Gloria, Santiago de Compostela
Arte gótico
El estilo gótico se originó en Francia. Las primeras construcciones góticas se realizaron en
París y en las regiones cercanas durante el siglo XII. En el transcurso del siglo siguiente, el
gótico se difundió por toda Europa Occidental.
El gótico fue producto del renacimiento urbano y comercial de la Edad Media: con el
comercio y en las ciudades el gusto se refinó. Los burgueses ya no se conformaron con el
románico, simple y tosco, y quisieron que el arte fuese un verdadero objeto de valor.
Entonces, los burgueses financiaron un nuevo estilo de construcciones en las ciudades. De
esta manera nació el gótico, que volvió a crear obras artísticas verdaderamente bellas. El
gótico fue por lo tanto, un estilo urbano y burgués.

Arquitectura:
 El empleo de un arco apuntado, el arco ojival, en ventanas y bóvedas. Estaba
compuesto de dos arcos que se cortaban formando un ángulo.
 El uso de bóvedas de crucería, formadas por dos arcos cruzados diagonalmente. Así
el peso de la bóveda se condujo por los arcos a cuatro puntos concretos, los muros
se liberaron de su función de soporte, y se los pudo perforar para colocarles vitrales.
 La construcción de arbotantes, arcos exteriores que apuntalaban las bóvedas para
sostener mejor el edificio.
 La elevación de las naves, que le dio un aspecto muy esbelto a sus construcciones.
Edificación gótica: Catedral Notre Dame (París)
Escultura: Se inicia a mediados del siglo XII en Francia y sus últimas manifestaciones
fueron en el siglo XVI. En este periodo también existe relación con la arquitectura. Existe
la representación de santos, vírgenes, ángeles, reyes, profetas y todo aquello que represente
al tema religioso. Pero, es en este periodo donde se destacan las estatuas columnas
conservando a su vez, el arte románico.
Grupos de la Anunciación y la Visitación. Pórtico de la catedral de Reims
Pinturas y vitrales: Las pinturas se dividen en dos estilos; el gótico internacional (siglo
XIV) el cual se caracteriza por ser figuras muy estilizadas, con curvas, de detalles naturales
y con fines simbólicos. Y el segundo que es el estilo flamenco, se basaba en la técnica del

óleo y así expresar grandes detalles. Y con respecto, a los vitrales la temática principal era
religiosa, representando figuras y grandes detalles, así como gran colorido, estas se
pensaron por el pequeño espacio en las iglesias.
Pintura Internacional: La coronación de la Virgen.
Pintura flamenco: Adoración de los magos
Vidrial en la Catedral de Nuestra Señora de Friburgo (Alemania)

Desarrollo integral
Aspecto cognitivo
Hablar de cognitivismo es hablar de Jean Piaget, puesto que él
autor más resaltante en este tema. Para Piaget, el desarrollo
cognitivo es la reorganización progresiva de los procesos
mentales como resultado de la maduración mental y la
experiencia que tiene el individuo con lo que lo rodea, puesto
que a medida que un individuo interactúa con otras personas y
con el ambiente va ampliando su conocimiento, utilizando las
referencias previas para comprender lo nuevo.
1. Etapa sensomotriz:
Para comprender un poco más este proceso, Piaget en su obra “Seis Estudios de Psicología”
hace referencia que los sentidos (tacto, vista, audio, olfato y gusto) son las principales
herramientas con la seres humanos comenzamos a configurar nuestro sistema de definición
del universo desde el nacimiento.
2. Etapa preoperacional:
En relación con esto Piaget califica que hay dos tipos de
inteligencias, las cuales son inteligencia operativa que donde
el realiza actividades para ampliar sus conocimientos, y la
inteligencia figurativa que es donde el niño representa sus
aprendizajes con imágenes y representaciones mentales.
Asimilación y acomodación parte también del desarrollo
cognitivo, la asimilación es el momento en el que en
individuo relaciona lo nuevo con conocimiento previos, lo
contrasta y luego lo acomoda como nuevo, es decir, amplía
sus conocimientos. Todo esto se desarrolla en la etapa
preoperacional donde el individuo comienza a configurar su mondo de acuerdo a sus
creencias, a sus reflejos, a lo que siente y a lo que percibe, sin embargo, luego cuando
descubre que lo que lo rodea es muy amplio es donde comienza a confrontarse con las
demás personas y a interiorizar lo que se le dice
3. Etapa de operaciones concretas:
Es donde deja a un lado sus creencias y actúa acorde a lo establecido utilizando la
lógica e incorpora la razón, la observación es la técnica más utilizada para la apropiación de
conocimientos; aquí tiene la capacidad de dar conclusiones objetivas sin análisis crítico.

4. Etapa operacional formal:
En esta etapa en donde se realizan actividades utilizando la razón y la lógica, donde
puede emitir juicios y debatir utilizando un pensamiento crítico, tiene la capacidad de
analizar e interpretar de manera objetiva y abstracta.
Relación con la escuela y la formación estética:
Basándose en la teoría de Piaget y en la pedagogía liberadora, la escuela debe ser un
espacio para el debatir de ideas, el contrastar los conocimientos, los animadores
pedagógicos deben presentarle a los estudiantes los recursos para que en primer lugar
tengan una situación inicial natural con lo nuevo, en segundo plano surja la asimilación y
acomodación un con la situación genésica conceptual, seguidamente avance con la
situación vivencial funcional y situación procedimental porque la ejecuta, la trabaja le
aplica la lógica y los conocimientos para que finalice con una situación posvivencial en ser
multiplicadores del conocimiento. Otro aspecto importante dentro de lo cognitivo es que no
se trata de aprender para satisfacer a un docente, es aprender para la vida, que los
conocimientos que el estudiante tenga le sirvan para enfrentar cualquier fenómeno que se le
presente o incluso para desarrollar a futuro una indecencia económica.
Aspecto afectivo
Los seres humanos desde el momento del nacimiento hasta su
muerte van relacionándose y configurando vínculos afectivos,
parte de las experiencias que tienen en esa configuración y
desarrollo afectivo es la fase oral, anal y elíptica, en las que va
sentir afecto por el seno de la madre porque este satisface sus
necesidades de alimentarse (fase oral) y con la madre en su
totalidad (elíptica), porque le da seguridad, alimentación y cariño;
posteriormente el niño comienza a distinguir que siente rechazo
por las cosas malas y afecto por las cosas buena, M. Klein dice
que va rechazar al seno que le da menos leche y va amar al que le
da más leche, también va llegar a experimentar odio por aquello que impide su relación con
lo que ama, como puede ser con el padre cuando lo separa de su madre, lo traslada al otro
cuarto y en todo ello el niño expresa sus sentimientos.
El aprendizaje requiere de un vínculo, un afecto, deseo, motivación, algo que incite al
sujeto a estudiar, porque nosotros vamos a aprender lo que queremos, lo que realmente
llena nuestra expectativas, parte de la teoría de Sigmund Freud es que el vínculo se da entre
sujeto y objeto y el campo de la educación el sujeto es el estudiante que juega un rol activo
dentro del proceso de aprendizaje y el objeto son las herramientas o el medio que le
suministra la información desea que va causar una satisfacción y por ende un aprendizaje
positivo.

De acuerdo a lo anterior el animador pedagógico es el encargo
de conocer cuáles son los intereses y deseos de los estudiantes
para dirigir las estrategias a satisfacer esas necesidades, de igual
forma debe ser un motivador para que sientan ganas de querer
conocer lo nuevo, debe propiciar un ambiente agradable donde
los participantes se sientan alegres y cómodos, así mismo,
brindar las objetos (herramientas) con los que los sujetos
(estudiantes) van a tener un afecto porque brinda satisfacción.
Parte de los aspectos a desarrollar en la educación, es que los
estudiantes tengan ese deseo futurista basándose en eso estudiar
desde el presente para lograrlo, los animadores pedagógicos de
manera implícita son constructores de proyectos de vida en los
educando, porque de acuerdo a su pedagogía para guiar a un pensamiento complejo esta en
crear vínculos futurista.
Aspecto social
El animador pedagógico es una persona que tiene la
capacidad de desarrollar diversas interacciones en el aula
de clases, parte de eso es incentivar a la integración social,
reforzar los tejidos sociales, los valores y en especial el
respeto, fomentar una comunicación sana y educada,
comportamientos correctos. El aula de clases no solo es un
espacio para apropiarse de teorías sino también de praxis y
de valores.
El aula de clases es el compartir de experiencias, la ayuda, la colaboración y la unión, como
todo grupo diverso van a tener problemas de comunicación, de afiliación, de
compañerismo, de pertinencia, de pertenencia y es ahí donde el animador juega un papel
fundamental para orientarlos a como solventar esos conflictos, cosa que no solo les va
servir para el aula sino para la vida y de eso se
trata el desarrollo integral de los educandos.
Jean Piaget destaca que uno de los pasos
fundamentales para que el niño desarrolle su
campo cognoscitivo es el lenguaje, porque le
permite al niño comunicarse con las demás
personas, es decir, socializar para intercambiar
ideas, preguntar, descubrir y para la aprensión
de cultura, cosa a la que Fernando Savater en su
obra “El Valor del Educar” dice que los seres

humanos tenemos una segunda matriz que es la social en donde nos formamos
culturalmente. Lev Vygotsky también brinda algo muy importante de la socialización que
es la Zona de Desarrollo Próximo, es donde un estudiante aumenta su potencialidad con la
ayuda de otros, es decir, cuando un estudiante enseña algo desconocido a otro, teoría que
sustenta la Situación Posvivencial, el hecho de ser multiplicadores de conocimientos.
La Pedagogía Social se alimenta también de Jean Piaget, puesto que él no solo habla de un
desarrollo cognitivo sino también de un desarrollo social y de ahí es donde salen los
proyectos escolares donde se integran todas las áreas y se aplican en la comunidad, en la
sociedad, porque una educación no puede estar ajena de la realidad, la educación debe ser
la garantía de los avances sociales, un estudiante debe estar preparado para ser egresado
con un perfil que necesite la sociedad siempre en vista del bienestar y desarrollo.
Aspecto motriz:
Como buena educación integral se deben brindar
también las herramientas para que los educandos
tengan una capacidad física acta al igual que la motriz,
esto forma parte del hacer. Jean Piaget en sus Seis
Estudios de Psicología donde evalúa el desarrollo de
los niños dice que es importante en la temprana edad
comprobar la coordinación física y mental, entre ellas
levantarse, caminar en línea recta, alzar, saltar, gatear y
otros, para que en caso de no ser así, sea abordada
desde ese momento porque se estaría afectando el
desarrollo cognitivo del niño.
En la educación se debe desarrollar que los estudiantes
corten de manera correcta, realice figuras geométricas como
cuadrado, círculo o rectángulo, que pinte dentro sin salirse
de la raya y entre otros. El animador pedagógico debe ser un
observador y evaluador de que los educando están
cumpliendo con las aptitudes requeridas, y en caso de no ser
así, hacer los respectivos chequeos porque algo está
pasando en el niño.

Tratamiento curricular: Aprendizaje integral (4to grado)
Cuando se toma el rol de docente, éste debe cumplir
un papel fundamental en el proceso de desarrollo
intelectual, moral y social de cada uno de los
estudiantes, éste debe ser ese guía, ese “puente” de
conexión entre la aventura y el conocimiento, debe
enseñarle de manera positiva lo viable que puede
llegar a ser la escuela para la vida diaria,
aludiéndoles y haciéndole saber mediante
herramientas, métodos, técnicas y estrategias que la
escuela no es una obligación sino una superación y
que los tropiezos que se tenga nunca significaran un
error sino una experiencia intelectual. Por ello se quisiera destacar por un lado distintos
aspectos trascendentales que necesita saber un docente durante su carrera profesional
(conectado con el aprendizaje integral), y por otro lado, se señalará la gran conexión que
tiene cada área de 4to grado del Currículo Básico Nacional (CBN) con la enseñanza que
tiene éste hacia el arte y la estética (sin olvidarnos del aprendizaje integral).
En primer lugar, el docente debe evitar en gran medida
producir una enseñanza memorística, mecanicista, repetitiva
y aburrida, todo lo contrario éste debe tratar de desarrollar
un ambiente armónico, divertido, emocionante, un ambiente
donde ellos vean la escuela como un segundo hogar y no
como una prisión. Además el docente, debe permitirle a los
niños de cierta forma que aprendan sin ningún tipo de
tabúes, ni ataduras, es decir, que exista libertad de
pensamiento, imaginación y creación.
En segundo lugar, el docente debe saber planificar,
haciéndolo con características integrales, es decir
combinado varias áreas aprendizaje y utilizando en
ésta los tres tipos de contenidos: el conceptual, el
procedimental y el actitudinal.
En tercer lugar, hay que decir que el docente nunca
debe quedarse “obsoleto” es decir, siempre día a día
debe actualizarse, porque si no lo hace estaría
brindándoles a sus alumnos un conocimiento
alienado y “vago”, además el actualizarse permitiría

de cierta manera aprender nuevas estrategias de enseñanza-aprendizaje, lo cual sería
favorable tanto para los estudiantes, como para el profesor, dado que incrementaría la
motivación y el entusiasmo en el aula de clases.
En cuarto lugar, hay que acentuar también, que
el aprendizaje integral, es un aprendizaje
holístico, donde el niño nunca aprenderá las
asignaturas por separado, todo lo contrario el
docente con su experiencia, trayectoria y
saberes, deberá guiar a sus alumnos a que ellos
integren todos sus conocimientos de manera
sencilla y eficaz, ejemplo: “cuando se aprende
historia, puede aprenderse matemática también,
dado que se podría calcular el año de
nacimiento y fallecimiento de un personaje
histórico por medio de operaciones matemáticas, y al mismo tiempo también se puede
aplicar geografía, al investigar el país, ciudad y continente en que nació el personaje. Hay
que decir también, que aquí el docente respalda, abre caminos, desafíos y posibilidades y
estimula a cada uno de sus estudiantes.
En quinto lugar, el docente jamás debe menospreciar la actividad o creación que el niño/a
realice, todo lo contrario debe siempre elogiarla, dado que si no lo hace estaría
desmotivándolos y llevándolos a un posible abismo.
En sexto lugar, el profesor debe reforzar la clase (por lo menos dos veces por semana),
mediante actividades lúdicas (visitas a parques, realización de
juegos, rompecabezas, sopa de letras, poemas, entre otros), ya
que esto sería un aliciente más en su proceso de aprendizaje.
En séptimo lugar, es dejar que ellos construyan su propio
ambiente en el aula, es decir, que en cualquier evento o fecha
patria, éstos creen, piensen, imaginen dibujen, exploren y
exploten toda esa creatividad que posean escondida. Hay que
destacar, que nunca hay que descalificar ni menospreciar las
realizaciones o elaboraciones que hagan los niños, todo lo
contrario independientemente de su calidad, hay que elogiarlos
siempre.
En octavo lugar, continuamente hay que darle importancia a lo
que los niños realicen, ya que ellos mediante su fantasía e inocencia, expresan en sus
producciones el estado anímico en el cual se encuentran, recalcando, que éstos de algún
modo construyen o dan conocer su personalidad mediante las mismas.

En noveno lugar, hay que hablar un poco del currículo
oculto, ya que en cierta forma tiene algo de conexión
con el aprendizaje integral, dado que en éste el docente
debe apoyar y sugerirle consejos que le ayuden a
superar las adversidades o fortalecer los conocimientos
a cada alumno, haciéndoles saber, por un parte, que
cualquier aporte de conocimiento que haga en el aula
siempre será positivo y por otra, que en la educación no hay importan las razas, colores o
religiones, ya que todos tienen la misma capacidad de digerir cualquier tipo de
conocimiento.
Áreas de 4to grado del Currículo Básico Nacional (CBN) conectado con el arte y la
estética (sin olvidarnos del aprendizaje integral).
Ciencias Naturales
Bloque: Salud Integral
Contenido Conceptual Contenido Procedimental Contenido Actitudinal
Autoestima, pubertad y
reproducción humana.
- Autoestima. Atributos
definitorios.
- Autoconcepto.
- Autovaloración.
- Autoimagen.
- Seguridad de sí mismo.
- Autoaceptación.
- Sentido de libertad responsable.
- Reflexión y conversación acerca
de lo que se entiende por
autoestima.
- Identificación de cuáles son sus
capacidades y limitaciones, para
que acepten sus propias
características.
- Establecer relaciones entre
autoestima, comportamiento
humano y desarrollo social.
- Análisis de los atributos que
definen la autoestima.
- Internalización de que toda
persona es valiosa por el solo
hecho de ser humano.
- Reconocimiento de la
importancia del amor, la ternura y
espeto por las personas del
entorno afectivo.
-Reconocimiento de la autoestima
como factor personal que
garantiza el éxito de nuestra vida.
Lengua
Bloque: El mundo de la imaginación
- Recursos literarios: símil,
hipérbole, humanización.
- Caracterización de algunos
recursos literarios presentes en
obras leídas: símil, hipérbole,
humanización.
Matemática
Bloque: Números Romanos
Números Romanos - Identificación de los símbolos y
valores del sistema romano de
numeración.
- Escritura de números romanos
utilizando los símbolos y las reglas.

Bloque: Medidas de tiempo
Medidas de tiempo. - Identificación de las medidas de
tiempo. Segundo, minuto, hora,
semana, mes, año, quinquenio,
década, siglo, milenio…
- Diferencia de las fechas anteriores
y posteriores al nacimiento de
Cristo.
- Determinación del siglo al que
pertenece un determinado año.
Ciencias sociales
Bloque: La sociedad venezolana y su espacio geográfico.
Vestigios del pasado en el
presente.
- Identificación de construcciones
que pertenecen al pasado (iglesia,
monumentos, casas…), que aún se
mantienen en la localidad
determinando las condiciones de su
estructura física.
- Indagación sobre el origen y fecha
de las construcciones antiguas.
- Representación gráfica imaginaria
sobre el uso de las construcciones del
pasado.
- Muestra interés por conocer los
sitios importantes de su localidad.
- Valoración de las construcciones
antiguas como parte del legado
histórico.
- Valoración del patrimonio
cultural e histórico.
Estética
Bloque: El arte como medio de expresión y comunicación.
- Medios y técnicas de las artes
plásticas, musicales y escénicas.
- Utilización de medios (soportes,
pinceles, espátulas…) y técnicas
(tempera, acuarela, pastel…) para
explorar sus posibilidades expresiva.
- La forma en las artes plásticas
musicales y escénicas.
- Observación de los objetos en la
escuela y el aula para identificar su
forma, tamaño, el color y origen a fin
de diferenciar una de otras.
- Observación del ambiente para
identificar las formas naturales y las
creadas por el hombre (formas
concretas o figuras y formas
abstractas).
- Discriminación entre formas
modeladas y pintadas para diferenciar
formas bidimensionales y

tridimensionales.
- Espacio, tiempo y movimiento
en las artes.
- Observación en espacios
bidimensionales (soportes) que se
emplean en el dibujo y la pintura.
- Observación de obras
arquitectónicas de su entrono para
descubrir el espacio interno habitable
y su relación con el tiempo como
cuarta dimensión.
- Discriminación de espacios internos
y externos de construcción urbanística
(edificios, plazas, teatros, hospitales,
templos…)
- Creatividad al utilizar el espacio
bidimensional en composición
libre.
- Valoración del espacio habitable
como representación de la cuarta
dimensión. Aprecio por espacios
urbanísticos de su entorno y
ciudad.
Bloque: Cultura, ciencia, tecnología y arte
Cultura y arte - Determinación del arte como
producto creativo del hombre
- Conversación acerca de los
diferentes espacios (museo, plazas,
jardines…) que albergan y conservan
el patrimonio artístico natural e
histórico.
- Reconocimiento de la
importancia del producto creativo
como aporte cultural del hombre.
Educación física
Bloque: vida al aire libre
- Paseos -Identificación de las características y
las actividades de los paseos.
-Búsqueda de información acerca de
parques, plazas y sitios históricos y
otros ambientes naturales de la
localidad.
-Planificación de la actividad a
realizar.
-Manifestación de interés por los
beneficios que aportan los
paseos.
-Valoración y respeto a los
señalamientos viales del
contexto durante los paseos
(semáforos,“paso de
peatones”,“pasodeanimales”,...).
-Valoración de la planificación
como elemento clave para el
éxito de las aspiraciones

personales y sociales.
-Responsabilidad individual de
las tareas acordadas porel grupo.
-Interés por conocer y realizar
formas de ocupar el tiempo de
ocio en otros entornos diferentes
a los habituales
Estética arte en la Sociología
Pocos, muy pocos, sociólogos habían colocado en el centro de sus investigaciones, antes de
Bourdieu, el arte y la cultura. Más raro, todavía, es que un autor, en el sentido sartreano,
alguien que busca refundar la teoría social, elija para sus primeros textos una práctica de
valor artístico “menor” como la fotografía y una institución de nobleza cuestionada como
los museos
Su rigor sociológico se aplicó a una zona –el
gusto, las distinciones simbólicas– donde parecía
anidar las actividades menos “sociales”, más
ajenas al determinismo económico. ¿Se pueden
cuantificar los modos en que los actos creadores
participan en la sociedad y se los aprecia, o
estamos condenados a dejarlos librados a las
intuiciones del subjetivismo idealista? ¿Es posible
construir explicaciones sociológicas sobre los
comportamientos estéticos que capten su
especificidad, sin obligarla, como hizo el
mecanicismo marxista, a obedecer a leyes de
clase? Entre la ilusión idealista de autonomía y la coacción reductora del marxismo,
Bourdieu construye otro camino basado en dos nociones: homología y campo.
Ya en el postfacio al libro de Erwin Panofsky sobre la arquitectura gótica y el pensamiento
escolástico, cuya traducción al francés Bourdieu publicó en su colección de Minuit, mostró
que la arquitectura no es el “reflejo” o la “superestructura” de la escolástica medieval; entre
ambas no hay una relación de causalidad, sino de semejanza analógica. La homología
estructural permite tratar sociológicamente las obras de arte sin verlas como efecto de sus
condicionamientos.

Al mismo tiempo, la noción de campo establece un ámbito
intermedio, o un régimen de mediaciones, entre la sociedad y
los individuos. En un tiempo en que se había vuelto
inverosímil deducir del modo de producción o de la
pertenencia de clase el sentido de una obra de arte, Bourdieu
sostiene que la sociología de la creación artística o
intelectual encuentra su objeto en el campo especifico, o sea
la red de vínculos entre los agentes que hacen posible la
existencia de una novela (autor-editor-libreros-
críticoslectores) o una obra plástica (artista-galería-museo-
críticos-receptores). Cada campo de producción y
circulación de los bienes simbólicos posee una lógica propia,
dada por las interacciones específicas entre poseedores del capital cultural y recién llegado.
El campo es autónomo respecto del orden económico general, pero su autonomía es
relativa: establece un orden que condiciona a los creadores, en homología con la estructura
social, según sus estrategias de distinción y su posicionamiento en los lugares de dominio o
de subversión.
La resonancia de la obra de Bourdieu en la investigación cultural se debe a que demostró
con estudios empíricos que las prácticas artísticas no son puras ni desinteresadas, pero sin
incurrir en la sociologización clásica que remitía a los creadores y los públicos a una
instancia demasiado general (la sociedad o la clase). Examinó la producción de las obras y
de su valor en sus contextos peculiares, donde los artistas y los mediadores compiten por
apropiarse del capital simbólico. Su limitación reside en subordinar las múltiples prácticas
realizadas en el campo a un principio general de dominación social, y los muchos sentidos
de lo que se hace al hacer arte a una lucha entre legitimidad e ilegitimidad. Ya en La
sociología del arte (2002) Heinich proponía “seguir a los actores” en la diversidad de sus
interacciones y describir los desplazamientos “de la creación entre lo individual y lo
colectivo, de manera de poder reconstruir la genealogía de estas representaciones, estudiar
el modo en que se articulan con la experiencia” (Heinich, 2002: 166). En vez de una
sociología normativa, una sociología descriptiva. No desmitificar las ilusiones, sino poner
en evidencia las lógicas que permiten que los actores se orienten. El arte desafía a los
sociólogos a experimentar nuevas vías para comprender la singularidad y para reconocer
los límites de sus instrumentos.
La sociología no es entonces una disciplina o un disciplinamiento del modo correcto de
conocer, que acusa a los incompetentes, sino una “antropología de las obras” que “permite
restablecer una circulación entre universos separados, contribuir a renovar los lazos ahí
donde la gente ha dejado de hablarse, rehacer un consenso en donde sólo quedan fracciones
que se enfrentan, se critican o se ignoran” (Heinich, 2001: 66).

Se podría afirmar que, desde hace por lo
menos un siglo y medio – esto es, a partir de
las inquietudes estéticas realistas de
mediados del siglo XIX – haya ido
desarrollándose cierta dimensión
implícitamente sociológica de las prácticas
artísticas. Me refiero a aquella visión del arte
como hecho consciente de interacción crítica
y “deconstructora” con respecto a la realidad
social; o – dicho de otra forma – como lugar
material y simbólico dentro del cual desplegar un discurso público y expresar opciones
concretas sobre las representaciones de la sociedad misma, sobre sus valores, significados y
reglas poniendo en duda sus límites, presupuestos y convenciones. Cabe destacar, por
ejemplo, la importancia que, a lo largo de las últimas décadas, se ha atribuido a temas
artísticos de carácter social como la identidad, la otredad, la diferencia, el género, la etnia,
la generación, la procedencia geográfica, las minorías, las subculturas etc.
Cuanto dicho resulta muy evidente si consideramos algunas formas concretas de arte
emergente, como el street art: etiqueta que, en realidad, suena hoy en día bastante
reductiva, ya que abarca manifestaciones artísticas muy distintas entre sí que han salido
varias veces de la calle para ingresar en los lugares del mainstream del sistema del arte
contemporáneo (museos, galerías, casas de subastas, manuales de historia del arte entre
otros). Es, éste, el caso, por ejemplo, de artistas como K. Haring, J.M. Basquiat, R.
Pettibon, Banksy, Os Gêmeos etc. A propósito del arte callejero, Johannes Stahl habla de
obras que surgen del deseo de ejercer un «derecho estético sobre el espacio público».[1]
Desde esta perspectiva, pues, parece ser que un rasgo típico de nuestros tiempos sea que
lo estético y lo sociológico estén cada vez más entrelazados, tanto en la práctica de los
artistas como en las elecciones concretas de curadores, instituciones, críticos entre otros…
hasta confundirse. Parte de la producción artística actual (al igual que sus representaciones
y “presentaciones”) parece abarcar e implicar exigencias, premisas teóricas y experiencias
propias de sujetos, grupos o sub-grupos distintos y cada vez más diferenciados; cada uno
con su identidad, con sus propios intereses, con su propio imaginario, con su propia
propuesta “política” (en un sentido muy amplio del término). En fin, con su cultura y con su
contexto de referencia.
La Sociología del Arte puede ser considerada desde el punto de vista doctrinal y desde el
punto de vista histórico. Presenta unas bases positivas y una dimensión axiológica. El
aspecto social del Arte se manifiesta en la expresión creadora, por parte del artista, de un
contenido afectivo o intelectual; en la misma obra de arte, que constituye un logro personal
y, al mismo tiempo, ambiental; y en la colectividad, sobre la que produce un Impacto. Las
formas artísticas aparecen como el resultado de varios factores sociales. Aunque el Arte

goza de una relativa autónoma, son innegables sus implicaciones sociales. Los valores
artísticos apuntan a algo objetivo y real, pero su objetividad depende de la emoción y del
juicio provocado en el grupo social, lo cual hace necesaria una ((conciencia colectiva)) para
su estimación. La dimensión social de la obra artística constituye un valor cuya estabilidad
depende de la universalidad de la estimación estética. La relatividad del Arte y de la
Estética queda así aminorada por tener ambos su fundamentación en la belleza objetiva, que
este metafísicamente más allá del hecho artístico y de las emociones artísticas individuales
o colectivas. Cabe de este modo considerar, mediante una posición a socrática)), que el
valor estético tiene el ca- rácter de una relación, sin negar por ello la objetividad de la
belleza.
La principal contribución consiste en señalar la importancia de la relación arte-sociedad
como problema estético. El arte es reconocido como vínculo de la sociedad.
En la estética sociológica pasa a primer plano considerar y explorar el arte como
fenómeno social.
Los dos puntos de vista más adaptados de la estética sociológica son:
1. La teleológica trata de determinar los fines sociales del arte y su objeto dentro
de la sociedad.
2. El otro punto de vista investiga los orígenes sociales del arte. El punto de
partida es que las realizaciones artísticas están predeterminadas. El desarrollo
de sus dotes y la manera de plasmarlo, depende del ambiente, del estado general
del espíritu y las costumbres; a la vez que del clima, de los productos culturales
de la raza. Aunque bien es cierto que, esta teoría del medio ambiente es incapaz
de explicar lo irracional y vivo en las creaciones de cada época.
Desde la perspectiva sociológica del arte, son innumerables los temas que trata y ello
da cuenta de su amplio horizonte disciplinar. Entre estos temas están:
 El mecenazgo y el coleccionismo.
 El mercado del arte.
 Las instituciones y situación social del artista.
 La estructura sociocultural del público y de sus gustos.
 Las relaciones del arte y las diversas plataformas del poder.

 Las manifestaciones efímeras del arte.
 La transmisión de las formas a través de los géneros menores de expresión
visual.
 El estudio de los medios de comunicación visual de
masas.
Autores relevantes
Hippolyte-Adolphe Taine: Su Filosofía del arte (1865-1869),
aplicó al arte un determinismo basado en la raza, el contexto y
la época (race, milieu,moment). Para Taine, la estética –la
«ciencia del arte»–, opera como cualquier otra disciplina
científica, según parámetros racionales y empíricos.
Jean Marie Guyau: En Los problemas de la estética
contemporánea (1884) y El arte desde el punto de vista
sociológico (1888), planteó una visión evolucionista del
arte, afirmando que el arte está en la vida, y que evoluciona
como ésta; y al igual que la vida del ser humano está
organizada socialmente, el arte debe ser reflejo de la
sociedad.
La estética sociológica tuvo una gran vinculación con
el realismo pictórico y con movimientos políticos de izquierdas, especialmente
el socialismo utópico: autores como Henri de Saint-Simon, Charles Fourier y Pierre
Joseph Proudhon defendieron la función social del arte, que contribuye al desarrollo de
la sociedad, aunando belleza y utilidad en un conjunto armónico.
Por otro lado, en el Reino Unido, la obra de teóricos como John Ruskin y William
Morris aportó una visión funcionalista del arte: en Las piedras de Venecia (1851-1856)
Ruskin denunció la destrucción de la belleza y la vulgarización del arte llevada a cabo
por la sociedad industrial, así como la degradación de la clase obrera, defendiendo la
función social del arte. En El arte del pueblo (1879) pidió cambios radicales en la
economía y la sociedad, reclamando un arte «hecho por el pueblo y para el pueblo».

Por su parte, Morris defendía un arte funcional, práctico, que satisfaga necesidades
materiales y no sólo espirituales. En Escritos estéticos (1882-1884) y Los fines del
arte (1887) defendió un concepto de arte utilitario pero alejado de sistemas de
producción excesivamente tecnificados.
La obra de Ruskin y Morris coincidió con la época victoriana, donde el arte,
principalmente subvencionado por la nueva clase emergente, la burguesía, cobró un
nuevo valor relacionado con la ostentación, con el reflejo del estatus social, lo que
implicaba un factor comercial que provocó la mercantilización del arte en el siglo XX y
el auge de las galerías de arte, que se convertirían a su vez en centros difusores de
nuevas tendencias.
Pero sin duda, el autor más notable es Pierre Francastel (1900-1970). En sus obras
lleva a cabo un análisis del medio (es decir, del entorno cultural y social) en el cual
crece y trabaja el artista y hacia el destino que tiene el mensaje encerrado en la obra.
 Sus obras más conocidas:
 Pintura y sociedad (1951).
 Arte y Técnica (1956).
 La realidad figurativa (1965).
 La figura y el lugar (1967).
 Sociología del arte (1970)
Su principal aportación es reconocer la estructura del intangible lenguaje imaginario
que emerge del entramado cultural y que se constituye en lengua visual que circula
por la imaginación colectiva y es capaz de concretarse en cada uno de los objetos
artísticos que le sirven de soporte. A su vez, la dimensión sociológica de este
lenguaje estriba en el hecho de que no se construye sobre un vacío especulativo,
sino a partir del complejo conjunto de materiales culturales que le anteceden y a los
que va a incorporarse, una vez consolidado, con la capacidad de dejar su impronta
sobre la imagen colectiva del mundo.
Pensadores filosóficos
Immanuel Kant (1742 – 1804)
Este filósofo nació en Königsberg en Prusia, Hijo de un modesto guarnicionero, fue
educado en el pietismo. En 1740 ingresó en la Universidad de Königsberg como estudiante
de teología y fue alumno de Martin Knutzen, quien lo introdujo en la filosofía racionalista
de Leibniz y Wolff, y le imbuyó así mismo el interés por la ciencia natural, en particular,
por la mecánica de Newton.

Pasó quince años ejerciendo como profesor en la
universidad y dando conferencias. Aunque estas
conferencias y escritos durante este periodo le dieron
reputación como filósofo original, no fue catedrático de la
universidad hasta 1770, cuando se le
designó profesor de lógica y metafísica.
Durante más de cuarenta años, se dedicó por entero a
la actividad docente, a la investigación filosófica y a la
redacción de sus obras, que marcaron un hito muy
importante en el desarrollo de la historia de la filosofía.
Fue un profesor querido por sus alumnos, a los que sabía
estimular en sus deseos de saber y conocer más.
Sus enseñanzas religiosas se basaban más en el racionalismo que en la revelación divina, y
le crearon problemas con el gobierno de Prusia. En 1792 Federico Guillermo II, le prohibió
impartir clases o escribir sobre asuntos religiosos. Acató la orden durante cinco años, hasta
la muerte del rey, y entonces se sintió liberado de su obligación. En 1798, ya retirado de la
docencia universitaria, publicó un epítome donde se contenía una expresión de sus ideas de
materia religiosa.
Es considerado uno de los filósofos más importantes de la modernidad y es un gran
representante del idealismo alemán. Considerando el arte como una forma de satisfacción
del ser. Entre sus obras algunas son: Historia natural general y teoría del cielo (1755),
Observaciones acerca del sentimiento de lo hermoso y lo sublime (1764), Crítica de la
facultad de juzgar (1790), entre otras.
La estética Kantiana es romántica y deriva de teoría de Rousseau, el arte como transcurrir
de la experiencia. Este enfoque se baso en la critica pero, en la crítica del gusto por eso no
denomino su teoría como aporte en la estética, porque él consideraba que el hombre podía
percibir la belleza de forma autónoma, y que la principal belleza innata era la naturaleza.
Kant expone que lo importante de la calificación de la belleza no depende del fin que
propone el artista sino más bien la primera sensación o sentimiento que presente el
espectador.
Lo anterior se debe, a que el arte no tiene una concepción, simplemente espontaneidad del
artista. El juicio estético para Kant no jugaba un papel importante porque, consideraba el
arte una forma libre de expresión. La definición exacta que da Kant de la belleza, es todo
aquello que agrade a los ojos y sea sublime para así poder satisfacer o causar dolor al que
observa.

Friedrich Hegel (1770 – 1831)
Fue un filósofo alemán, representante del idealismo. Se
baso por las obras de Platón, Aristóteles, Descartes,
Spinoza, Kant y Rousseau. Es considerado la máxima
representación del idealismo y del pensamiento
universal del S. XIX. Cursó estudios de los clásicos
griegos y latinos en el gymnasium de Stuttgart. Su padre
deseaba que se convirtiera en pastor protestante, por lo
que ingresó en el seminario de la Universidad de
Tubinga en 1788 donde se hizo amigo del
poeta Friedrich Hölderlin y del filósofo Friedrich
Wilhelm Joseph von Schelling.
Considerado como el último de los grandes metafísicos,
Hegel realizó contribuciones fundamentales en una gran variedad de campos de la reflexión
humana, que abarcan la filosofía de la historia, la estética y la ética social. En cuanto a la
historia, sus dos categorías explicativas claves son la razón y la libertad Entre sus obras
están: Fenomenología del espíritu (1807), Constitución de Alemania (1802), entre otras.
La filosofía del arte hegeliana representa un momento esencial de la reflexión estética en el
horizonte filosófico moderno. Tomaba como consideración que la aspiración del hombre no
debía ser centrada en una próxima vida, sino más bien en la manera de mejorar las
condiciones en la vida terrenal, esto se debe por ser formado bajo una doctrina del
cristianismo.
La estética de Hegel se basaba en un espíritu absoluto es decir, de la auto-
conciencia humana, tomando en cuenta lo sublime y lo bello. Es decir, desde un mundo
fenoménico y espiritual. Veía el arte como la forma más exacta de conocer la verdad del
espíritu. Por otro lado, la estética hegeliana, concierne en las artes particulares como lo son:
la arquitectura, escultura, música y pintura.
Federico Schiller (1759-1805)
Fue un escritor prolífico, pues junto a los trabajos
filosóficos, escribió historia, poesía e incluso una novela.
Fue hijo de un cirujano militar, estudió medicina y derecho
en la Escuela Militar de Stuttgart, en lugar de teología, tal
como era su deseo. Sin tener en cuenta las prohibiciones de
la disciplina militar, empezó a interesarse por la literatura
protorromántica del «Sturm und Drang» y, en 1781, estrenó
su primera pieza teatral, Los bandidos, drama antiautoritario

que le supuso la deposición del cargo de cirujano mayor y la prohibición de escribir obras
que pudieran atentar contra el orden social.
Entre sus obras más importantes fueron; Cartas sobre la educación estética
del hombre (1963), y la antología titulada Escritos sobre estética (1991). Además, también
fue un defensor del romanticismo, la Naturaleza y las ideas de libertad y rebeldía ante lo
establecido. Dedicó los últimos años de su vida al teatro, el género en el que más refulgió
su talento. En 1804 vio la luz la más popular de sus obras, Guillermo Tell, en la cual el
amor y la glorificación de la libertad, ideal constante en el escritor, se manifiestan de la
forma más armoniosa y eficaz.
Shiller más que dar aportes desde la rama de la filosofía con respecto a la estética, da
pequeñas reflexiones sobre la importancia de la estética y el arte en la educación.
Palabras claves para este filósofo era la libertad y dignidad. Estética como búsqueda de un
hombre como individuo, un ser armonioso y unitario. Para Schiller lo primordial era
modificar la educación y para eso debían incluir la estética. Por otro lado, menciona que el
juego es una de las fuentes más cerca de la libertad porque, a través del juego se encuentra
la sensibilidad humana y que para tener arte hay que ser sensible.
Además, nos dice que con la educación estética además de presentar una formación
intelectual, se aprende a sentir, pensar, a ser sensible y a ser receptivos. Por otro lado,
define el arte como una forma de expresión de la cultura donde, está situado el artista, por
eso a través de ella se pueden conocer acontecimientos de tiempos determinados.
Arthur Schopenhauer
Nació el 22 de febrero de 1788 en Danzig,
actualmente Polonia (Alemania), y muere el
21 de septiembre de 1860. (72años) en Reino de
Prusia.
Fue un Filósofo alemán. Hijo de un rico
comerciante y su madre era escritora. Cursó
estudios en las universidades de Gotinga, Berlín,
y Jena.
En 1809, cuando comenzó en la universidad de
Gotinga como estudiante de medicina, emprendió
un estudio de Platón y Kant, con lecturas
complementarias de las obras de Aristóteles y Spinoza.

En la primera mitad del siglo XIX, el filósofo alemán Arthur Shopenhauer, en su principal
obra “El mundo como voluntad y representación” plantea que el mundo es la
representación del sujeto, con esto, existe una inseparabilidad entre el sujeto y el objeto.
Piensa que el mundo es una fuerza ciega, la “voluntad”, que se manifiesta en las fuerzas
naturales, y del individuo como voluntad de vivir. Explora la función del arte en el mundo y
menciona que cuanto más cercanas son las ideas a sus formas arquetípicas (Eidos
platónico), mayor es la posibilidad de la contemplación pura en el arte. Expone una
jerarquía de las artes, “La arquitectura es inferior. Es la objetivación de la voluntad como
un oscuro inconsciente y mecánico impulso de la materia, que sin embargo manifiesta en su
interior la lucha o conflicto... La música es de un orden superior, está más allá de la
jerarquía. Expresa directamente la objetivación de la voluntad. Sin mediaciones. Libera y
objetiva a la voluntad”.
La realidad auténtica corresponde a un principio que Schopenhauer denominó voluntad, de
la cual el mundo como representación es su manifestación; el sistema se completa con una
ética y una estética. Cuando el individuo, enfrentado al mundo como representación, se
pregunta por lo que se encuentra tras las apariencias, obtiene la respuesta como resultado de
su experiencia interna, en lo que se conoce como voluntad; pero la irracionalidad de ésta, su
condición de afán de vida perpetuamente insatisfecho, produce una insatisfacción que la
conciencia sólo puede suprimir a través de una serie de fases que conducen a la negación
consciente de la voluntad de vivir.
La influencia de Kant en el sistema es clara: el mundo fenoménico corresponde a la
representación, mientras que la voluntad constituye la verdadera naturaleza del nóumeno,
según Schopenhauer, pues la esencia de éste es descubierta por el hombre dentro de sí
mismo como impulso irracional, vital.
La música puede expresar en su esencialidad y su carácter a la voluntad, Explica
Schopenhauer que: “la música puede ser comparada con una lengua universal, cuya
cualidad y elocuencia supera con mucho a todos los idiomas en la tierra.
Finalmente nos dice Schopenhauer que:“Una física y metafísica
sin ética, corresponde a una armonía sin melodía”, esto significa
que , puesto que el ethos es el carácter dentro de la armonía, o en
otras palabras, el ethos es el carácter de una comunidad, de un
pueblo, la ética es entonces el reconocimiento de este carácter en
determinada comunidad. La música es la puerta por donde se
muestra el carácter, por donde oscila el carácter, de lo metafísico
a lo físico. “La música es un ejercicio de metafísica inconsciente,
en la cual el espíritu no sabe que hace filosofía.

Punto de vista del arte
La descripción pesimista que
Schopenhauer hace del mundo, sus
reflexiones acerca de la vacuidad y
carencia de valor de la vida, su
explicación de los fines y objetivos
que los seres humanos persiguen y
su exposición de la manera en que
tienden a justificar sus actividades,
lo mismo a sus propios ojos que a los ojos de los demás, todo esto prepara el camino a su
teoría del arte y del lugar de la conciencia estética en el mundo de la experiencia. La
posición que le asignó fue de hecho de la mayor importancia. Schopenhauer estaba muy
lejos de creer que el arte jugaba un papel meramente ornamental en la vida de la mente; no
pensaba que fuera simplemente una especie de producto de lujo de las sociedades
civilizadas que no poseyera autentico interés intelectual ni fuera digno de serio análisis
filosófico.
Arte y realidad
Schopenhauer derivó su concepción del arte como conocimiento de las ideas de Platón,
aunque no de la teoría estética peculiar de Platón. Platón, en su opinión se había dado
cuenta perfectamente de que el mundo de la experiencia sensorial ordinaria no tiene más
que un ser relativo; en cuanto a ello la visión platónica del conocimiento empírico de cada
día se asemejaba a su propia concepción de ese conocimiento, en cuanto abarca al mundo
considerado como una multiplicidad de cosas particulares ordenadas bajo las formas de
espacio, tiempo y causalidad. Y esto no es todo. Schopenhauer señala que la teoría
platónica implica sostener que el tipo de conocimiento en cuestión no constituye
conocimiento del mundo como realmente es en su naturaleza mas intima; Platón habla, en
contraposición, del verdadero conocimiento que tiene como objeto el mundo de las ideales
eternas que son los inmutables arquetipos permanentes, las cosas de la experiencia
ordinaria constituyen meras sombras flotantes de ellas. Y este aspecto de lo que Platón dice
aunque inadecuado en su formulación,
puede ser reformulado de modo que
armonice con las teorías propias de
Schopenhauer.
La estética propuesta por Schopenhauer no
es la del romanticismo, como se acostumbra
afirmar, a pesar de ser producto de esa
época; su reflexión anuncia, más bien, una
teoría estética propia del expresionismo. El

origen de esta pretensión se encuentra, principalmente, en sus escritos sobre filosofía de la
música. El autor pensaba que la música era la más alta y pura de las artes porque está
definida por el mundo de las representaciones y será una manifestación directa de la
representación. Conmueve, por supuesto, pero no porta consigo ningún elemento
identificable del mundo fenoménico. De esta manera —y si extendemos esta teoría—, no
puede haber un arte figurativo: el arte será manifestación de un mundo informe, abstracto,
manejado por el instinto irracional; no podemos estar hablando de romanticismo, a pesar de
que es él el padre natural de las vanguardias artísticas del siglo XX. El expresionismo, así
como todo el arte abstracto posterior, prescindirá de la anécdota y de lo visible para
dirigirse a universos no aprehensibles directamente por el espectador.
Friedrich Nietzsche
Nació el 15 de octubre de 1844 en Rocken, Alemania y
murió el 25 de agosto de 1900. fue
un filósofo, poeta, músico y filólogo alemán,
considerado uno de los pensadores contemporáneos
más influyentes del siglo XIX.
Realizó una crítica exhaustiva de la cultura,
la religión y la filosofía occidental, mediante la
genealogía de los conceptos que las integran, basada en
el análisis de las actitudes morales (positivas y
negativas) hacia la vida.1 Este trabajo afectó
profundamente a generaciones posteriores
de teólogos, antropólogos, filósofos, sociólogos, psicól
ogos, politólogos, historiadores, poetas,novelistas y dramaturgos.
Meditó sobre las consecuencias del triunfo del secularismo de la Ilustración, expresada en
su observación «Dios ha muerto», de una manera que determinó la agenda de muchos de
los intelectuales más célebres después de su muerte.
Si bien hay quienes sostienen que la característica definitoria de Nietzsche no es tanto la
temática que trataba sino el estilo y la sutileza con que lo hacía, fue un autor que introdujo,
como ningún otro, una cosmovisión que ha reorganizado el pensamiento del siglo XX, en
autores tales como Martin Heidegger, Michel Foucault, Jacques Derrida, Gilles
Deleuze, Gianni Vattimo o Michel Onfray, entre otros.
Nietzsche recibió amplio reconocimiento durante la segunda mitad del siglo XX como una
figura significativa en la filosofía moderna. Su influencia fue particularmente notoria en los
filósofos existencialistas, críticos, fenomenológicos, postestructuralistasy posmodernos, y
en la sociología de Max Weber. Es considerado uno de los tres «maestros de la sospecha»
(según la conocida expresión de Paul Ricoeur), junto a Karl Marx y Sigmund Freud.

Según Nietzsche la civilización occidental es
socrático-platónica-cristiana. Está asentada sobre
la metafísica socrático-platónica y sobre el
cristianismo y la moral que éste engendra.
Si algo caracteriza, por tanto, a la civilización
(tradición) occidental es que ha trastocado la
vida, es hostil a ella, la odia.
La crítica de Nietzsche a la tradición occidental se dirige fundamentalmente en tres frentes:
1. La crítica a la metafísica socrático-platónica: La metafísica tradicional se asienta sobre
un error: considerar que los valores de las cosas no están en ellas (en la vida) sino en un
mundo ultraterreno de esencias.
2. La crítica al cristianismo: El otro gran pilar de la civilización occidental es la afirmación
de la existencia de Dios. Y ésta se ha concretado en Occidente en el cristianismo. Nietzsche
piensa que el concepto de Dios ha sido hasta ahora la objeción mayor contra la existencia.
Con Dios se declara la guerra a la vida, a la naturaleza y a la voluntad de vivir. Dios es la
fórmula de toda calumnia contra este mundo y de toda mentira respecto al más allá.
3. La crítica a la moral occidental: El fruto más granado de la metafísica socrático-platónica
y del cristianismo es lo que Nietzsche denominará la moral de los esclavos. La moral de los
esclavos es la moral del rebaño, la negadora de la vida. Hay que transmutar la moral y los
valores que defiende para que nazca un nuevo tipo de hombre. Hace falta ir más allá del
bien y del mal. Crear unos nuevos valores y una nueva moral en la que la vida sea el valor
fundamental.
Tres son las ideas de su propuesta. Ideas íntimamente relacionadas entre sí y que no pueden
entenderse aisladamente; aunque a la hora de explicarlas tengamos que separarlas:
1. La voluntad de poder: El nihilismo (activo) nos lleva a patentizar la auténtica realidad del
mundo y de la vida. El devenir constante, la afirmación de la vida. A esto llama Nietzsche
voluntad de poder. Es, al fin y al cabo, la expresión de la instintividad de la vida; la vuelta a
las actitudes dionisíacas. Instintividad que se expresa en el fondo del individuo como
superación continúa de sí mismo y que se manifiesta en cada una de sus máscaras como
egoísmo, como voluntad de ser señor.
2. El eterno retorno: Si la vida, que es puramente material, terrestre, se reduce a voluntad de
poder, y ésta no es más que la primacía del instinto, se comprende que todo se mida en
clave de placer y que las ansias de inmortalidad que tiene todo ser humano en su interior, y
que Nietzsche percibía con angustiosa exigencia, se vislumbren también en el placer.

3. El superhombre: Nietzsche reclama una realidad guiada por un hombre "irracional":
voluntad de poder. Un hombre en el que se hayan superado todos los errores de Occidente.
Un hombre sin Dios. Un hombre que asuma la vida en toda su fuerza. Un hombre que ame
la vida, que sea pura instintividad. Por eso este nuevo modelo humano está más allá del
hombre occidental y sólo será posible cuando la civilización que está por venir se haga real.

CONCLUSIÓN
Conocer la historia de un cierto momento, es muy importante. Porque gracias a la historia
conocemos todo aquello, que nos rodea por ejemplo, las iglesias el por qué su estructura,
sus esculturas, imágenes, y también conocer lo que pensaban los filósofos en ese tiempo,
todo eso nos dio a conocer que el arte y todo aquello, que nos rodea habla un determinado
momento de la historia, de lo que pensaba la sociedad del mundo, de lo que realizaban
porque, a través de pinturas, esculturas, entre otras artes visuales, cuentan momentos de la
historia.
Gracias, al arte podemos vincular diversas áreas del currículo que maneja las escuela,
porque con solo conocer e investigar, libremente podemos realizar una actividades de
campo, para conocer de la historia y poder conocer puntos de vista de los estudiantes.
Con respecto al trabajo, pudimos visualizar más de cerca que el arte habla, expresa, cuenta,
ciertos sentimientos, creencias, conceptos que tenían en la sociedad medieval. Además que,
la formación estética visual está sumamente vinculada con este arte, porque en la edad
medieval, solo se trabaja en arte con pinturas, esculturas, arquitectura, vídriales, entre otros
y que todos esos son apreciados a través del ojo humano.

Referencias electrónicas
 Definición de arte visual - Qué es, Significado y Concepto http://definicion.de/arte-
visual/#ixzz48fr8gs1U
 Definición de arte visual - Qué es, Significado y Concepto http://definicion.de/arte-
visual/#ixzz48fqk7TeW
 http://www.definicionabc.com/general/artes-visuales.php
 http://www.definicionabc.com/general/arquitectura.php
 http://www.profesorenlinea.cl/artes/bizantinoarte1.htm
 https://es.wikipedia.org/wiki/Arte_rom%C3%A1nico
 https://www.emaze.com/@ACRCLFLR/Arte-romanico
 http://deconceptos.com/arte/arte-gotico
 http://www.ieslamadraza.com/elena/websociales/ARTE/gotico/gotico.html
 http://es.paperblog.com/mx/el-arte-bizantino-ii-499597/
 http://www.taringa.net/post/imagenes/15721905/Arte-bizantino.html
 http://www.ehowenespanol.com/historia-del-arte-medieval-primitivo-
sobre_321743/
 http://blogfilosofia.ucv.es/articulos-filosoficos/estetica-sociologica-por-pedro-
zapater-garcia/
 http://nestorgarciacanclini.net/index.php/estetica-y-antropologia/76-articulo-el-arte-
como-laboratorio-de-la-sociologia-y-a-la-inversa
 https://nicolamariani.wordpress.com/2010/01/11/sociologia-del-arte-y-arte-
sociologico/
 www.raco.cat/index.php/convivium/article/viewFile/76151/98958
 http://www.ugr.es/~inveliteraria/PDF/Kant.pdf
 http://vereda.ula.ve/historia_arte/?page_id=759
 https://viruzbader.wordpress.com/2010/12/13/la-estetica-de-kant/
 http://www.webdianoia.com/moderna/kant/kant_bio.htm
 http://serbal.pntic.mec.es/~cmunoz11/guerrero68.pdf
 http://vereda.ula.ve/historia_arte/?page_id=775
 http://serbal.pntic.mec.es/~cmunoz11/guerrero68.pdf
 file:///C:/Users/dra%20maribel/Downloads/393-1258-1-PB.pdf
 http://www.biografiasyvidas.com/biografia/s/schiller.htm
 http://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/1170/Immanuel%20Kant
Currículo Básico Nacional (4to grado)
 http://www.enlaescuelademabel.com/curriculo-basico-nacional/curriculo-basico-nacional-
contenidos-competencias-e-indicadores-4%C2%B0-grado.php

Referencias bibliográficas
 Linares A. (2007). Desarrollo Cognitivo: las teorías de Piaget y Vygotsky.
Recuperado de
http://www.paidopsiquiatria.cat/files/teorias_desarrollo_cognitivo.pdf
 García S. (2003). Origen del vínculo: Freud y Pichón. Recuperado de
http://procesogrupal.overblog.com/origen-del-vinculo.-freud-y-pichon-riviere
 Cibeles L. (2007). Jean Piaget y su influencia en la pedagogía. Recuperado de
http://moodle2.unid.edu.mx/dts_cursos_mdl/lic/ED/PD/AM/04/Jean_Piaget.pdf
 Educacion.laguia2000.com. (2012). Aprendizaje holístico | La Guía de
Educación. Tomado en Mayo de 2016 de:
http://educacion.laguia2000.com/aprendizaje/aprendizaje-holistico
 Fb06.uni-mainz.de. (2016). Aprender idiomas, naturalmente. Tomado en Mayo
de 2016 de: http://www.fb06.uni-
mainz.de/user/kiraly/sprachen_natuerlich/espanol/el-aprendizaje-integral.html
 Eumed.net. (2016). aprendizaje que promueve el desarrollo integral del alumno.
Tomado en Mayo de 2016 de: http://www.eumed.net/tesis-
doctorales/2010/jirg/aprendizaje%20que%20promueve%20el%20desarrollo%20
integral%20del%20alumno.htm
 Bibliografías y vidas, la biblioteca bibliográfica en línea, publicado en 2004,
tomado de: http://www.biografiasyvidas.com/biografia/s/schopenhauer.htm
 Comunidad de Madrid, consejería de educación, I.E.S Dionisio Aguado.
Tomado de:
http://www.iesdionisioaguado.org/joomla/index.php?option=com_content&view
=article&id=1508:resumen-de-la-filosofia-de-nietzsche&Itemid=27
 Equipo de buscabiografias.com, publicado en 1999, tomado
de:http://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/1219/Friedrich%20Nie
tzsche
 Equipo de buscabiografias.com, publicado en 1999, tomado de:
http://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/1275/Arthur%20Schopen
hauer
 Josué Peñaloza, Schopenhauer, tomado de: http://shopenhauer.blogspot.com/

Trabajo colectivo estética - F. E. Visual

Recomendados

Recomendados

Más contenido relacionado

La actualidad más candente

La actualidad más candente (20)

Similar a Trabajo colectivo estética - F. E. Visual

Similar a Trabajo colectivo estética - F. E. Visual (20)

Último

Último (20)

Trabajo colectivo estética - F. E. Visual