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Arquitectura y obras del Renacimiento italiano XIV-XVI
- 1. Instituto universitario Santiago Mariño Extensión Porlamar-Arquitectura Historia de la arquitectura II Sección: 1-A Bachiller : Salazar Nayari C.I 26.082.962 Porlamar .22-06-2017 Arq.Prof : Elsa de la Purificación
- 2. o Renacimiento en Italia XIV_XVI Características • Recuperación de la cultura clásica (griega y romana) • Nueva concepción del hombre (antropocentrismo) • Ansia de renovación relacionada con las estructuras de la iglesia • Se busca la belleza en la proporción • Surgen los humanistas, que se dedican a los distintos ámbitos culturales • Surgen los tratadistas • Estamos en la era de la imprenta Características del arte • Concepto de sociedad nueva • Aparece la figura del mecenas (patrocinador) • Surge el concepto de artista: Giorgio Vassani es el primero en recopilar la vida de los artistas. Elementos Arquitectónicos • Arco de medio punto • Bóveda de cañón, hecha con casetón o con aproximación de hiladas • Cúpula decorada con casetones • Retorna el frontón griego • Vuelven las pilastras y columnas (dórico, jónico, corintio) • Preocupación por la simetría Edificios religiosos - Plantas: • Cruz latina • Basilical • Centralizada (por la simetría)
- 3. Elementos decorativos • Grutescos: composición decorativa a base de elementos animales, vegetales y humanos entrelazados, originando conjuntos de figuras fantásticos. • Medallones: decoración en relieve y en círculo. • Guirnaldas: es una corona abierta por un extremo, fabricada con flores, ramas u hojas.. En los templos romanos aparecen decorando el espacio que hay entre los cuernos de un bucráneo. • Putti o Amorcillos: angelitos rechonchos con alitas. Grutescos Medallones Guirnaldas Putti o Amorcillos
- 4. OBRAS ARQUITECTONICAS Arquitecto: Andrea Palladio Construcción: año de inicio 1566 Ubicación: Vicenza en Italia Villa Capra
- 5. Presenta una planta simétrica , en su centro un circulo al cual se le superpone un cuadrado y una cruz. Cada una de las cuatro fachadas presenta un volumen avanzado con una galería a la que se accede mediante amplias escalinatas externas. Cúpula baja, central, con óculo que aporta luz cenital predominan formas geométricas puras. Posee decoraciones de bustos de diosas. En los cuatro lados posee un pórtico hexástilo de orden jónico, coronados con frontón triangular, acceso al primer piso por escalinatas frontales en cada pórtico como los templos romanos. Planta baja concebida como pódium, sobre el que va la planta noble.
- 6. Basílica san pedro del Vaticano ( Cúpula ) Frontón: circular y sobrebajado Pilastre: corintio Guirnaldas Cúpula con una altura de 136,7 metros y un diámetro de 42,5 metros Arquitecto: Michelangelo Buonarroti Ubicación: Ciudad del Vaticano, Plaza San Pedro, Roma Construcción: 1558 y 1561 Planta en cruz griega Entradas de luz, ventilación y nervios Ubicación de la cúpula Linterna Tambor
- 7. Templete de San Pietro in Montorio Linterna , cruz y esfera Tambor con nichos Balaustrada Columnas dóricas, fuste liso y sin decoración en capitel. Escalinata de podio corto Cúpula semiesférica nervada Entablamento dórico (metopa y triglifo) Muro circular articulado mediante vanos adintelados simples y coronados de semicirculares conchas veneras Muro circular organizado entorno a cuatro puertas. Entre cada dos puertas un vano central y dos nichos separados por pilastras Arquitecto: Donato di Pascuccio d'Antonio (Bramante) Ubicación: convento franciscano homónimo en Roma, actual Academia de España en Roma Construcción: 1502 - 1510 Planta circular períptera (16 columnas dóricas)
- 8. Catedral de Santa María del Fiore (Cúpula) tragaluz Nervios decorativos Tambor octogonalÓculo Linterna Cúpula Nervios principales Arquitecto: Filippo Brunelleschi Ubicación: Italia Construcción: 1420_1436 Nervios secundarios Anillos de tracción Casquete exterior Anillo de refuerzo Cascaron interno
- 9. Obras de arte El nacimiento de Venus Temple sobre lienzo. 285,5 x 184 cms. Museo de los Uffizi (Florencia). 1484 Autor: Sandro Botticelli Armonía representación de tierra, mar y aire), reforzada por los ritmos ondulados del dibujo. Esquema compositivo piramidal, característico del renacimiento Técnica: Temple sobre lienzo
- 10. o La obra representa las dos vertientes ideológicas del Renacimiento: Paganismo Exaltación de la belleza. Cristianismo bautismo (iconografía de la concha) como nacimiento a una nueva vida. o La Hora representa a al primavera, que acoge a la diosa con su manto o Céfiro y Cloris (dios del viento del oeste y diosa de la brisa) representan la unión entre materia y espíritu y entre lo masculino y femenino. o Neoplatonismo: la belleza nace de la unión del espíritu con la materia nacimiento de Venus. Color muy claro para Venus pureza ideal. Abundancia de iconografía que refuerza las ideas de belleza y de la primavera (época el nacimiento de Venus). Árboles del jardín de las Hespérides (símbolo de la eterna primavera).
- 11. Anunciación Autor: Leonardo da Vinci, h. 1472-1475 Técnica: Óleo y temple sobre tabla Tamaño: 98 cm × 217 cm Localización: Galería Uffizi, Florencia, Italia Posee un error de perspectiva, se refiere al brazo de la Virgen, se observa la desproporción en cuanto a la longitud del brazo. El lirio en poder del Arcángel Miguel es un símbolo de la pureza de María. Técnica usada del claro-oscuro La composición del cuadro esta dividida en dos mitades desiguales: _Una ocupada por el ángel con el jardín y bosquecillo de fondo. _La otra , por la virgen respaldada por un edificio y elementos arquitectónicos
- 12. Hombre de Vitruvio Autor: Leonardo da Vinci, 1490 Técnica: plumín, pluma y tinta sobre papel. Tamaño: 34,4 cm × 25,5 cm Localización: Galería de la Academia de Venecia, Venecia, Italia Se trata de un estudio de las proporciones del cuerpo humano, realizado a partir de los textos de arquitectura de Vitruvio, arquitecto de la antigua Roma, del cual el dibujo toma su nombre. En diversas culturas-- el círculo representa el espíritu (o el cielo) y el cuadrado la materia (o la tierra, la base en una estructura arquitectónica). Aquel que conecta a la materia y al espíritu es el hombre, quien tiene la sustancia que combina lo material y lo espiritual: el alma. El alma es también símbolo de la piedra filosofal, vehículo de la unidad divina entre la tierra y el cielo. Representa una figura masculina desnuda en dos posiciones sobreimpresas de brazos y piernas e inscrita en una circunferencia y un cuadrado
- 13. Obras escultóricas Autor: Miguel Ángel 1498 y 1499 Ubicación: Basílica de San Pedro, Ciudad del Vaticano Material: mármol, 1.74 x 1.95 m Composición triangular, la virgen parece mucho mas joven que el hijo, destaca su dulzura del rostro con la fuerza del cuerpo para sostener el cuerpo inerte de su hijo Cristo se encuentra realizado a una menor escala para que no sobresalga (para disimular la monumentalidad del cuerpo de la virgen su cabeza es de un menor tamaño) Desarticulación del cuerpo mediante zig-zag . Contraste: Ejes del cuerpo de Jesús (líneas quebradas) se contraponen a los pliegues curvilíneos y angulados de los vestidos de la virgen: El brazo de Jesús cae inerte. Este se contrapone al brazo izquierdo de la virgen que esta lleno de vida.} Los pliegues de la virgen forman contrastes claroscuro. Estos se contraponen a las superficies claras y lisas del cuerpo de Jesús.
- 14. David Autor: Miguel Ángel 1501-1504 Ubicación: Galería de la Academia, Florencia Italia Material: Mármol blanco Dimensión y peso: 5,17 m de altura y 5572 kg El David fue esculpido mediante cincel desde distintos puntos de vista, puesto que Miguel Ángel lo diseñó para que fuese admirado desde cualquier punto de su perímetro. David aparece en tensión y preparado para el combate. Su cuerpo se encuentra girado con un ligero contrapposto: la pierna izquierda se adelanta a la derecha, el brazo izquierdo se eleva y se curva hasta que la mano casi toca el hombro, mientras que el brazo derecho se deja caer hasta que la mano toca el muslo, el torso se curva sutilmente, la cabeza mira hacia su izquierda, manteniendo los ojos fijos en su objetivo, con el ceño fruncido. El rostro evidencia esta tensión contenida, gran concentración y las aletas de la nariz bastante abiertas la escultura se apoye completamente en el pie derecho, generando un contrapposto en la figura y haciendo que la parte izquierda de la figura se balancee hacia la parte derecha del cuerpo. La cabeza de David se gira hacia su izquierda, mientras que sus hombros se escoran hacia la derecha, en sentido opuesto a sus caderas.
- 15. Hércules Autor: Miguel Ángel Creación: 1492 realizada en Florencia y que en la actualidad se encuentra desaparecida Esta obra se realizó en una escala gigantesca y por el dibujo de Rubens se aprecia que se representó como un héroe joven con la cabeza girada hacia un lado, la clava apoyada en el suelo formando una diagonal, mientras la figura parece que está en reposo, el conjunto aparece como una estatua antigua, sin embargo los pliegues de la vestimenta están inspirados en el san Jorge de Donatello. Por los escritos de Ascanio Condivi se sabe la medida que era de “Bracia quatro”, es decir, 2,40 metros. El 1492, a la muerte de Lorenzo el Magnífico y por iniciativa propia, realizó una escultura de un Hércules de mármol en la casa paterna, escogiendo el tema por ser Hércules, desde el siglo XIII uno de los patrones de Florencia. La estatua fue comprada por los Strozzi, que la vendieron a Giovan Battista Palla, al que se la adquirió el rey de Francia Enrique II y fue colocada en un jardín de Fontainebleau, donde Rubens realizó un dibujo de esta escultura, que se conserva en el museo del Louvre en París. En 1713 desapareció. Solo queda el mencionado dibujo y un esbozo guardado en la casa Buonarroti
- 16. o Renacimiento español • Aparece tardíamente a través de los Reyes Católicos, y presentará muchos rasgos góticos. Es un arte muy religioso. Pintura • No habrá referencias de la pintura romana, por lo que comienzan desde cero. • Características: • Tema religiosos, mitológicos y humanos • Representación tridimensional: luz, volumen, color • Prespectiva: aérea y lineal • Introducción de fondos arquitectónicos para prolongar el espacio • Técnica: pintura al óleo • Centros de producción: Florencia, Venecia y Roma • Autores del Quatrocento • Botticelli Pinturas muy grandes Gusto por el detalle Precisión por la línea (sobre todo la línea ondulante) Rostros melancólicos • Rafael Introduce cambios en la concepción de la pintura Da más valor al color que al dibujo Destacan los fondos neutros y los personajes Características: • Fondos neutros • Mayor iluminación • Utilización del rojo • Profundidad • Estudio de la anatomía y las edades del hombre El Greco • Crea un mundo pictórico original • Figuras alargadas, lánguidas y dramáticas • Colores azules, lúgubres • Crea varios ambientes dentro del mismo cuadro
- 17. Escultura Revalorización del cuerpo humano Interés por las proporciones Belleza del cuerpo desnudo Interés por desarrollar las pasiones ocultas Características arquitectónicas • Paso del Gótico florido al Plateresco: El estilo gótico se combina con elementos mudéjares. Se construyen edificios con: espacios todavía góticos que empiezan a cambiar. una decoración muy rica. Las fachadas son como paños que esconden las formas arquitectónicas. Estas fachadas se dividen en tramos horizontales que se decoran con: columnas medallones escudos heráldicos decoración floral y animal. El término plateresco viene de la comparación que se hizo entre este estilo y el trabajo de orfebres y plateros • Clasicismo: Cambia la concepción misma del espacio que se organiza y racionaliza. La decoración pasa a segundo plano. La belleza se deriva de la armonía de las partes. Revitalización de la escultura ecuestre Retoman temas profanos y mitológicos • Materiales bronce mármol
- 18. Hospital de los Reyes Católicos Arquitecto: Enrique Egas Construcción: 1501-1511 Ubicación: Plaza del Obradoiro, Santiago de Compostela, España Estilo: plateresco
- 19. Fachada La fachada del Hospital de los Reyes Católicos es de estilo gótico plateresco, siendo junto a la Puerta de Carlos V de Vivero, los únicos ejemplos de este estilo arquitectónico existentes en Galicia. En su fachada se puede ver lo siguiente: • Izquierda de abajo arriba: Adán, Santa Catalina y San Juan Bautista. • Derecha de abajo arriba: Eva, Santa Lucía y María Magdalena. • Friso: Los 12 Apóstoles. En las enjutas: medallones de Isabel y Fernando. • A la izquierda de la ventana central: Cristo, Santiago y San Pedro. • A la derecha de la ventana central: Virgen con el Niño, San Juan Evangelista y San Pablo. • En los pináculos de arriba: 6 ángeles con instrumentos musicales. Dos grandes escudos flanquean la portada, con las armas de Castilla y a sus flancos, la cruz en un círculo que es el emblema del Hospital. Rica cornisa de piedra con diferentes labores. 2 Medallones, en cada lateral del acceso, dando una simetría casi perfecta. Patios Cuatro patios la rodean, dos góticos y dos barrocos, formando una cruz griega. Los dos primeros son los del diseño original de Enrique Egas y son conocidos como patio de San Juan y patio de San Marcos. Los dos barrocos recibieron los nombres de los restantes evangelistas de la Iglesia Católica, patio de San Lucas y patio de San Marcos.
- 20. Catedral de Granada Arquitecto: Diego de Siloé Construcción: 1526-1561 Ubicación: Granada, España 1 puerta del Obispo 2 Cripta 3 Trascoro 4 Claustro 5 Museo 6_21 capillas 22 coro, nave central Altar Mayor (presbiterio) Facha principal Medallones Pilastre
- 21. Arquitectos: Andrés de Vandelvira Juan de Aranda Salazar Eufrasio López de Rojas Construcción: 1249-1724 Ubicación: España, Plaza de Santa María Columnas de orden corintio Frontón sobrebajado Casetón con esculturaPilastrassimetría Catedral de la Asunción de Jaén Pequeñas cúpulas con linternas Grutescos
- 22. Museo de Santa Cruz Arquitectos: Enrique Egas. Esculturas: Alonso de Covarrubias ( estilo plateresco ) Construccion:1504-1514 Ubicación: Calle Miguel de Cervantes, España El Museo de Santa Cruz es un edificio del s. XVI de la ciudad de Toledo, (España), que en su origen fue un importante hospital, aunque fue convertido en museo en el siglo XIX. El hospital fue fundado por el cardenal Mendoza a finales del siglo XV, Cuenta con una notable portada plateresca, obra de Alonso de Covarrubias. El edificio tiene planta de cruz griega y cuatro patios, de los que dos se realizaron por completo. El primero es de Covarrubias y da acceso al piso superior a través de una escalera de tres tramos. Frontón por enrollamiento Frontón circular Escudos Pilastras Casetón con esculturas Linternas Grutescos Simetría en fachada ( bilateral)
- 23. Obras de Arte Autor: El Greco 1577_1579 Técnica: Oleo sobre lienzo, 285x173cm Ubicación: Sacristía de la Catedral de Toledo, España El Expolio Tema religioso Colores fríos Figura de CRISTO como centro principal de atención, y concentra luminosidad, colorido tono frente a tonos oscuros del resto de figuras Sin paisajes de fondo Se muestran contrastes lumínicos , transparencias y sombras, se representa a Cristo como hombre y victima inocente de las pasiones humanas. Rodeado de un grupo de pesadas cabezas duras y sombrías. Figuras de un mismo tamaño y con anatomía correcta Aparecen figuras dispuestas por encima de Cristo Rostro sereno
- 24. La Piedad Descripción: Óleo sobre roble. 72x50 cm. Localización: Museo Bellas Artes. Bilbao Autor: Luis de Morales - 1568 Retórica del gesto, fondos negros, aislando las figuras con delicadeza de porcelana brillante y saturada de la piel, con colores metalizados. Un contrapunto que evidencia a la Virgen con el Niño en brazos, destaca la apariencia incorpórea y casi quebradiza, expresividad latente y silenciosa, imagen perfecta de La Piedad en la Europa ya dividida SXVI, entre católicos y protestantes. Cristo en brazos de la Virgen, conocida también como la Quinta Angustia, un realismo gótico-flamenco, con especial expresividad para el dolor. Belleza meditada y exquisita para despertar al devoto.
- 25. La escena resalta las emociones sentimientos de dulzura. El ambiente espiritual buscaba una "eficacia" visual. Era la mejor tradición del icono bizantino. Repetían temática devocional de la Virgen y el Niño, una marca distinguible que acabó por convertir a Morales en el pintor "divino". Virgen del pajarito, Parroquia de San Agustín, ejemplo de plenitud de estilo, testimonio de los fundamentos de su arte en 1546.Factura minuciosa, dibujo preciso, sfumato leonardesco, precisión de ejecución técnica...una obra para admirar de lejos y de cerca Autor: Luis de Morales Técnica: óleo sobre tabla transferida a lienzo, 210 x 178 cm Ubicación: parroquia San Agustín de Madrid. 1546 La Virgen del pajarito En esta obra, se muestran facciones de ternura en los rostros del niño y la virgen, dando una sensación de serenidad, tranquilidad, delicadeza, y armonía. Tonalidades frías, técnica de sombra, claro-oscuro, sfumato.
- 26. La escena pintada por Navarrete el Mudo está inspirada en el Génesis, 18: "Alzados los ojos (Abraham) miró y he aquí que vio tres hombres que estaban de pie cerca de él. Apenas los vio, corrió a su encuentro desde la puerta de la tienda y postrándose en tierra dijo: - Mi señor, te lo ruego, si he hallado gracia a tus ojos, no pases sin detenerte con tu siervo. Se os traerá un poco de agua, os lavaréis los pies y reposaréis a la sombra de este árbol. Navarrete presenta a Abraham en primer plano cuando ofrece su hospitalidad a los tres ángeles, recogidos con el mismo rostro al ser la misma se persona, el misterio de la Trinidad. La escena desarrolla al aire libre, mostrando el árbol que también forma parte de la historia bíblica y la casa donde encontramos a Sara escuchando las noticias de Yavé. Formado en Italia bajo la influencia de Tiziano, Navarrete recoge en sus lienzos la espiritualidad, la sobriedad y la dignidad demandadas por la Iglesia española y especialmente por Felipe II. Abraham y los tres ángeles. Autor: Navarrete 'el Mudo 1575. Técnica: Óleo sobre lienzo, 280 x 240 cm. Ubicación: National Gallery (Dublín).
- 27. Obras escultóricas El Moisés Autor: Miguel Ángel Creación: 1513-1515 Ubicación: San Pietro in Vincoli, Roma (Italia) Material: mármol Técnica: Escultura Dimensiones: 235 cm La estatua se representa con cuernos en su cabeza. Se cree que esta característica procede de un error en la traducción por parte de San Jerónimo del capítulo del Éxodo 34:29-35. El espíritu de la obra, sin embargo, se puede observar en la figura del Moisés, finalizado durante una de las reanudaciones del trabajo en 1513. Diseñado para ser visto desde abajo, y equilibrado por otras siete enormes formas de temática similar. El líder de Israel se presenta sentado, con las Tablas de la Ley debajo del brazo, mientras que con la otra mano acaricia los rizos de su barba. La imaginación puede situar esta representación de Moisés en el pasaje de éxtasis tras recibir los Mandamientos en el Monte Sinaí, mientras que, en el valle al pie del monte, el pueblo de Israel se entrega una vez más a la idolatría. De nuevo, Miguel Ángel utiliza una cabeza vuelta, concentrando una expresión de tremenda ira que se refleja también en la poderosa constitución de la estatua y a sus ojos.
- 28. Puerta del Paraíso Autor: Lorenzo Ghiberti Inicio en 1425 y la finalizó en 1452 Se encuentra ubicada frente a la catedral de Santa María del Fiore Se compone de dos batientes. Sus dimensiones son 5,20 metros de altura, 3,10 metros de ancho y 11 centímetros de grosor, mientras el conjunto pesa ocho toneladas. Las puertas se componen de 10 escenas del Antiguo Testamento, cinco por cada batiente. Cada escena se ha trabajado en bronce y se encuentra dorada a la hoja. En las Puertas del Paraíso se pueden apreciar el alto, medio y bajo relieve con el que Ghiberti consigue sensaciones de profundidad y corporeidad en los objetos y personajes (Schiacciato), además de sombras y perspectiva. Las puertas están hechas de bronce dorado. El arquitecto y pintor Giorgio Vasari dijo de ella que era “la obra de arte más fina jamás creada”.
- 29. Gattamelata Autor: Donatello Ubicación: situada en la Plaza del Santo en Padua Material: bronce dimensiones de 340 x 390 cm, y se apoya sobre un zócalo de base de 7,80 x 4,10 metros. Creación: 1447 _ 1453. Está inspirada en las esculturas de los caballos de la iglesia de San Marcos de Venecia, aunque su inspiración ha sido atribuida erróneamente a la escultura ecuestre romana de Marco Aurelio que preside la plaza del Campidoglio en Roma.[cita requerida] Esta apreciación se funda en la elevación de la pata del caballo, que no toma la altura de la escultura romana, sino que se asemeja más a los caballos de San Marcos, cuyas patas traseras parecen estar a punto de avanzar. El naturalismo, así como la serenidad del jinete y del caballo –a pesar de que se representa en marcha- son típicas del Quattrocento y la penetración psicológica del personaje representado es característica de las obras del autor. Es un retrato y está realizado para glorificar al personaje representado; en este caso también se trata de resaltar la virtudes del militar, que con gesto austero conduce al caballo sin violencia pero con autoridad, remarcada ésta por la posición del bastón de mando.