Laminas de pintura flamenca y alemana

Láminas de pintura renacentista flamenca y alemana. María Isabel Espiñeira Castelos
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EL PASO DE LA LAGUNA ESTIGIA
OBRA: El paso de la Laguna Estigia
AUTOR: Joachim Patinir
CRONOLOGÍA:1510
ESTILO: Pintura renacentista flamenca
SOPORTE: Óleo sobre tabla
DIMENSIONES: 64 X 103
LOCALIZACION: Museo del Prado, Madrid
DESCRIPCION.-Hace uso del tema mitológico y clásico del cruce de la
Laguna Estigia en la barca de Caronte, y Patinir hace que el tema parezca
casi insignificante al estar inmerso en ese precioso paisaje, donde el
protagonismo lo alcanza objetos como las nubes y el agua.
ANALISIS FORMAL.- La novedad es que utiliza el paisaje como tema
principal, dejando de ser un telón de fondo. Las figuras están totalmente
integradas en el espacio, de tal modo que los personajes ya no están
delante del paisaje, sino dentro de él. Todavía no hay una forma clásica de
representar la realidad, pero sí un canon flamenco. Son paisajes puros y
estáticos. Los planos parecen líneas paralelas horizontales. Dispone tres
planos cromáticos: para el inferior emplea colores ocres; para el plano
medio usa preferentemente azul y verde, y en el superior utiliza más bien
los tonos claros. Usa la perspectiva tomada desde arriba, incluso más que la
caballera, con lo cual el paisaje es siempre el protagonista de la

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composición y las figuras pasan a segundo plano; integradas en ese paisaje
central. Hay zonas de azul muy intenso, otras de menor intensidad donde la
luz cae, dando la sensación de movimiento y de gradación del color. Los
planos de horizonte se delimitan claramente por medio de líneas rectas y
claras; los colores son nítidos, con un predominio de los tonos fríos donde
destacan sus azules primorosos aclarados con abundante mezcla de
blancos, lo cual añade a sus obras una halo de misterio, de quietud
silenciosa e inquietante, que esconde siempre un toque de misterio. Todo
ello no impide que sus figuras conserven el canon y la monumentalidad de
la tradición flamenca, y aunque en sus obras no se anteponen al paisaje
sino que se integran en él, reclaman su presencia en el lienzo.
INTERPRETACION.- Se juega con el tema clásico y mitológico,
adaptándolo al método paisajístico de los Países Bajos. El paso de la laguna
Estigia”, recoge este tema mitológico, que no es sino un símbolo del tránsito
hacia la otra vida, de ahí que la Barca de Caronte atraviese la Laguna
dejando a su derecha el mundo de los Bienaventurados, y a la izquierda el
de los pecadores, simbolizado por los resplandores de un fuego infernal y al
mismo tiempo guardado por el Cancerbero, lo que mezcla de una forma un
tanto curiosa elementos de la mitología clásica con otros de la tradición
cristiana. La enorme maestría de Patinir es trasladarnos a nosotros que lo
miramos, toda la incertidumbre y la soledad que nos produce el trance de la
muerte, a través de esta imagen llena de expectación y de impaciencia,
donde todo es quietud y silencio, y donde a la vez todo es puro y cristalino,
invadido por esa luz plena y clara, transparente como el agua de la laguna,
que nos atrapa de tal manera que no podemos quitar la vista de ella.
BIBLIOGRAFIA:
HISTORIA DEL ARTE MODERNO II ( J. Viñuales)
www.artehistoria.com
http://www.arteespana.com/joachimpatinir.htm

3
LA TORRE DE BABEL
OBRA : La torre de Babel
AUTOR: Pieter Brueghel el Viejo
CRONOLOGÍA: 1563
ESTILO: Pintura renacentista
LOCALIZACION : Museo de Hª del Arte de Viena
DESCRIPCION.-El cuadro toma como tema la mítica Torre de Babel de la
cual habla la Biblia, como monumento a la soberbia humana, castigada por
Dios. Pero aquí el artista encuadra la torre en un paisaje digno de Patinir y
de sus contemporáneos, en el mejor estilo de los pintores flamencos.
ANALISIS FORMAL.-Hace uso de las conquistas renacentistas, como la
perspectiva, y también de la técnica del óleo, que ya habían usado los
primitivos flamencos, y lo combina con la ideología humanista que circula
en el norte, apartándose en sus convicciones artísticas del Manierismo que
en esta época ya es común en Italia. En su obra se aprecia el equilibrio y la

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mesura, no resulta exagerada, aunque podemos hablar de un cierto
parecido con las obras del Bosco, quizá más en el forma que en el fondo.
Aquí hace gala de la arquitectura dentro de la pintura, característica
plenamente renacentista.
INTERPRETACION.- Sus obras se han interpretado de diferentes maneras,
como referente de las ideas de diversos pensadores religiosos, de los
conflictos entre catolicismo y protestantismo, de la dominación de los Países
Bajos por parte de los españoles y como equivalentes visuales de alegorías
dramáticas representadas en público por sociedades retóricas flamencas.
Resulta evidente en esta obra que los niveles de la construcción están
inspirados en el impresionante Coliseo romano, que Brueghel visitó. Tal vez
lo grandioso de esa ruina inspiró a Brueghel lo sublime y al mismo tiempo lo
vano o efímero del esfuerzo humano. Así es como generalmente se
interpreta esta imagen: la Torre de Babel, monumento a la vanidad del
hombre y su inconsecuencia, pero al mismo tiempo tan magnífica... En el
interior de la torre pueden catalogarse todo tipo de actividades humanas,
todas contribuyendo a la elevación de la torre. Los colores son excelentes y
el paisaje de fondo está en la mejor tradición de las panorámicas de Patinir
BIBLIOGRAFIA.

5
LA CAIDA DE ICARO
OBRA: La caída de Icaro
AUTOR: Pieter Brueghel el Viejo
CRONOLOGÍA:1555
SOPORTE: Óleo sobre lienzo
DIMENSIONES: 73.5 X 112
LOCALIZACION: Museo de Bellas Artes de Bruselas
DESCRIPCION.-Se representa el tema mitológico del vuelo de Icaro con
alas que el sol derrite y su caída, aunque aquí el pintor no centra la
atención en la temática ni en el personaje, sino que le sirve simplemente
de pretexto para el paisaje que quiere describir.
ANALISIS FORMAL.-Brueghel había visitado Italia y de allí se trae
influencias que mezcla con las de su tierra natal. Así vemos las rocas
puntiagudas del paisaje, que tienen un innegable influjo leonardesco, al
igual que la elección del tema mitológico es claramente un influjo de
humanismo, aunque luego la figura que debería ser la principal quede
totalmente obviada por el protagonista, que no es otro que el paisaje, en
la mejor estela de Patinir. Se concentra en escenas cotidianas, tan
propias del arte flamenco, como el labrador arando, que tiene cierta
reminiscencia de Masaccio en las formas. Tan poca importancia le da el
artista a Icaro que es imposible verlo a simple vista y solo después de

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una observación detenida, se atisban sus piernas que se agitan en el
agua, tras la caída. Se presenta un gran detallismo en el paisaje, otra
característica de arte flamenco, aunque no domina de la misma manera
que los italianos la perspectiva.
INTERPRETACION.- Es esta obra el claro ejemplo del pragmatismo del
norte y de su amor por las escenas costumbristas y el paisaje, aunque
quiera mediante el tema y el título del cuadro, disfrazarlo de aire
renacentista italiano. Quizá lo sea por la época y ciertos influjos
innegables, pero este cuadro sólo podía ser pintado por un artista
flamenco.
BIBLIOGRAFÍA:
ARTE ( F. Hartt)

7
RETRATO DE MARIA TUDOR
OBRA: Retrato de María Tudor
AUTOR: Antonio Moro
CRONOLOGÍA: 1554
DIMENSIONES: 109 x 84
LOCALIZACION: Museo del Prado, Madrid
DESCRIPCION.- Retrato encargado al artista por Carlos V, en donde la
protagonista es María Tudor, reina de Inglaterra, que iba a casarse con su
hijo Felipe II. Como anécdota, se dice que cuando el emperador se retira a
Yuste, el cuadro es una de las posesiones que se lleva consigo.

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ANALISIS FORMAL.-El retrato de la reina además de intentar lograr un
parecido físico, a decir de todos, en este caso mejorado pues la hace
parecer incluso atractiva, a pesar de que por otros retratos se sabe que no
era demasiado agraciada, retrata también en la medida de lo posible el
carácter y alma de la protagonista. La reina aparece sentada, con los
ropajes y joyas propios de su cargo y sosteniendo en la mano una rosa,
símbolo de la dinastía Tudor. Los tonos son bastante apagados aunque a
pesar de todo, gracias a la perfección de la técnica podemos apreciar
incluso la textura del terciopelo con que se cubre la reina. Incluso los flecos
que cuelgan de la butaca en donde se sienta María están representados tan
minuciosamente que parece que el espectador puede tocarles y apreciar su
suavidad.
INTERPRETACION.-El pintor está bastante vinculado a España y de hecho
se le considera maestro de algunos retratistas posteriores españoles. En
este cuadro de absoluta simpleza, quiere pararse en los detalles minuciosos
de los ropajes de la reina y sobre todo en la prestancia de su pose, donde
aparece con toda la majestad de su rango, mostrando un poco de lo que era
su carácter: dulzura mezclada con la crueldad de la que a veces hizo gala
en su empecinamiento contra los anglicanos.
BIBLIOGRAFIA:

9
LA VIRGEN DE LA PERA
OBRA: La Virgen de la Pera
AUTOR: DURERO
CRONOLOGÍA: 1526
ESTILO: Pintura renacentista flamenca
LOCALIZACION: Galería de los Uffizzi de Florencia
DESCRIPCION.- Es una pintura de tema religioso que representa a la
Virgen con el Niño, una de las últimas obras de Durero de temática
mariana. Recibe el nombre de Virgen de la Pera por la fruta que porta
María.
ANALISIS FORMAL.- Este cuadro posee un esmerado dibujo, unos
volúmenes rotundos y, sobre todo, un medido y mesurado empleo del
claroscuro; por ello y por la propia temática, los paralelismos con las
Madonnas que Rafael realiza por las mismas fechas son válidos y
clarificadores. Durero hacía hincapié en que la geometría y las medidas eran
la clave para el entendimiento del arte renacentista italiano y, a través de
él, del arte clásico. El artista se había formado en un entorno influido por la
escuela flamenca y la tradición gótica alemana. Pero su viaje a Italia le
permitió asimilar los postulados artísticos del Renacimiento italiano

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despertando su interés por la geometría y las proporciones matemáticas.
Aunque la temática sigue siendo convencional, la técnica es novedosa. Las
figuras están llenas de expresividad y son tratadas con gran minuciosidad,
mostrando multitud de detalles.
INTERPRETACION.- Durero estaba íntimamente convencido de que el pintor
debía adquirir una serie de conocimientos que la simple práctica de taller no
podía proporcionarle. En este sentido, sigue la tradición de la tratadística
italiana que, tras la formulación de Alberti desarrollando presupuestos
vitruvianos, insistía en la misma idea con referencia fundamental a la
geometría. También era partidario de enseñar religión al pueblo por medio
de la labor del artista, tal y como se demuestra en algunos de sus trabajos,
como las obras que versan sobre la figura de la Virgen.
BIBLIOGRAFIA:
HISTORIA ARTE MODERNO II ( J. Viñuales)
www.arteespana.com

11
RETRATO DE ENRIQUE VIII
OBRA: Retrato de Enrique VIII
AUTOR: Hans Holbein
CRONOLOGIA: 1536
LOCALIZACION: Museo Thyssen, Madrid
DESCRIPCION.- En él se representa a Enrique VIII en una pose casi
completamente frontal parecida a la empleada por el artista en varios de

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sus retratos. La cabeza, cuyos ojos no nos miran, está dotada, según
Pope Hennessy, de "una solidez y fortaleza casi arquitectónica".
ANALISIS FORMAL.-., En 1518, durante un viaje a Italia, descubrió las
obras de los pintores del renacimiento italiano Andrea Mantegna y
Leonardo da Vinci. La fama de Holbein está basada en sus retratos
realistas de personas y grupos. La atención que prestaba a detalles de la
piel, el pelo, los ropajes y la ornamentación, así como el talento para
representar con exactitud cada una de las diferentes texturas, no
disminuían ni iban en detrimento de las características esenciales y de
dignidad de sus retratados.
INTERPRETACION.- No es extraño que Holbein haya pasado a la
Historia sobre todo como retratista, porque aparte del detallismo con
que pinta sus cuadros, hace un magnifico retrato también de la
psicología del personaje, como queda reflejado en este cuadro en donde
el rey se muestra en toda su soberbia, su altanería y extravagancia,
reflejado no solo por las ropas y joyas lujosas con las que se adorna,
sino también a través de su pose y sobre todo de la mirada.
BIBLIOGRAFIA:

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