NEOCLASICISMO, BARROCO, RENACIMIENTO, MANIERISMO

1. Salvador Buscema

2. El Renacimiento
03
EL Manierismo
08
El Barroco
12
El Neoclasicismo
08
Pintura Renacentista
05
Arquitectura Manierista
Escultura Manierista
Pintura Manierista
Escultura Renacentista
07
Arquitectura
Renacentista
06
Arquitectura Barroca
Escultura Barroca
Pintura Barroca
Arquitectura Neoclásica
Escultura Neoclásica
Pintura Neoclásica
13
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09
Características Del Renacimiento
04
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19
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3. Es el nombre dado a un amplio movimiento cultural que
se produjo en Europa Occidental durante los siglos XV y XVI. Fue
un período de transición entre la Edad Media y los inicios de
la Edad Moderna. Sus principales exponentes se hallan en el
campo de las artes, aunque también se produjo una renovación en
las ciencias, tanto naturales como humanas. La ciudad de
Florencia, en Italia, fue el lugar de nacimiento y desarrollo de este
movimiento, que se extendió después por toda Europa.
El Renacimiento fue fruto de la difusión de las ideas
del Humanismo, que determinaron una nueva concepción del
hombre y del mundo. El término «renacimiento» se utilizó
reivindicando ciertos elementos de la cultura clásica, griega y
romana. El término se aplicó originariamente como una vuelta a
los valores de la cultura grecolatina y a la contemplación libre de la
naturaleza tras siglos de predominio de un tipo de mentalidad más
rígida y dogmática establecida en la Europa de la Edad Media.
Esta nueva etapa planteó una nueva forma de ver el mundo y al ser
humano, con nuevos enfoques en los campos de las artes,
la política, la filosofía y las ciencias, sustituyendo
el teocentrismo medieval por cierto antropocentrismo.
El Greco, La Resurrección de
Cristo, pintado para Santo
Domingo el Antiguo
de Toledo. El Greco rebasa el
concepto de artista
renacentista por su constante
búsqueda de un universo
propio y original. Influido por
Tintoretto y Miguel Ángel, su
arte va a conocer su mayor
desarrollo en Toledo.

4. •La vuelta a la Antigüedad. Resurgieron tanto las antiguas formas
arquitectónicas, como el orden clásico, la utilización de motivos formales
y plásticos antiguos, como la incorporación de la mitología, o los temas
de historia, así como la adopción de antiguos elementos simbólicos. Con
ello el objetivo no va a ser una copia servil, sino la penetración y el
conocimiento de las leyes que sustentan el arte clásico.
•Surgimiento de una nueva relación con la Naturaleza, que va
unida a una concepción ideal y realista de la ciencia. La matemática se va
a convertir en la principal ayuda de un arte que se preocupa
incesantemente en fundamentar racionalmente su ideal de belleza. La
aspiración de acceder a la verdad de la Naturaleza, como en la
Antigüedad, no se orienta hacia el conocimiento de fenómeno casual,
sino hacia la penetración de la idea.
•El Renacimiento hace al hombre medida de todas las cosas.
Presupone en el artista una formación científica, que le hace liberarse de
las actitudes gremiales y mecanicistas más propias del medievo y
elevarse en la escala social. Esto supone revestir al artista de una nueva
consideración, la de creador.
•Las clases altas patrocinaban y encargaban obras
constantemente, ya que el arte era visto como un instrumento de
prestigio y refinamiento, lo que condujo a un momento de gran
brillantez en todas las disciplinas artísticas.
Retrato de Eleonora
Gonzaga, por Tiziano. La
dama se muestra en la
lejanía aristocrática de
su opulento atuendo,
pero con ciertas
alusiones a la vida
cotidiana (reloj, ventana
abierta al paisaje, perrito
dormido) que la acercan
al espectador. Galleria
degli Uffizi, Florencia.

5. La pintura renacentista abarca el período de la historia del arte europeo entre
el arte de la Edad Media y el barroco.
Como todo el arte del Renacimiento, la pintura de esta época está relacionada
con la idea de volver a la antigüedad clásica, el impacto que tuvo el humanismo sobre
artistas y sus patronos, gracias a la adquisición de nuevas sensibilidades y técnicas
artísticas.
La pintura del Renacimiento se caracterizaba por;
• Evocación de lo antiguo, cuya belleza idealizada pretendían tomar como ejemplo.
• Observación viva de la naturaleza. Los cuadros se sitúan en paisajes naturales que se
intentan recrear con fidelidad, o en marcos arquitectónicos, en los que columnas,
frontones, palacios y templos sirven de excusa a alardes de perspectiva.
• La figura humana se convierte en centro y medida de todas las cosas. El estudio de
la anatomía, incluso la realización de autopsias, ayuda a los artistas a comprender la
realidad del cuerpo humano y sus mecanismos de movimiento, de manera que lo
representan de forma más realista pero normalmente, idealizada.
• Dominio de la perspectiva, y de las técnicas compositivas.
• Los efectos de luces y sombras como el claroscuro o la grisalla. De ahí técnicas nuevas
como el esfumado (efecto brumoso, técnica en la que destacó Leonardo da Vinci).
• Continúan realizándose decoraciones murales al temple y al fresco.
• Se extiende el uso del lienzo, que es más económico que la tabla. Los grandes retablos,
en que cada cuadro es parte de un tema más amplio, pierde presencia, en favor del
cuadro único, bien como tabla de altar, bien como lienzo. Se adopta de manera casi
exclusiva la pintura al óleo. Jan Van Eyck sin haberla inventado, mejora la técnica de
la pintura con este material. En Italia, sin embargo, se conserva la pintura sobre tabla
y la técnica del temple en la pintura llamada ≪de caballete≫. Es principalmente en
Venecia donde, por influencia flamenca, se introduce el uso del óleo.
La Gioconda (1503-
1506) por Leonardo
Da Vinci.
Jan
Gossaert, Retrato
de Balduino de
Borgoña, h. 1530-
1540.

6. Arquitectura del Renacimiento o renacentista es aquella
diseñada y construida durante el período artístico del Renacimiento
europeo, que abarcó los siglos XV y XVI. Se caracteriza por ser un
momento de ruptura en la Historia de la Arquitectura, en especial con
respecto al estilo arquitectónico previo: el Gótico; mientras que, por el
contrario, busca su inspiración en una interpretación propia del Arte
clásico, en particular en su vertiente arquitectónica, que se consideraba
modelo perfecto de las Bellas Artes.
Produjo innovaciones en diferentes esferas: tanto en los medios de
producción (técnicas de construcción y materiales constructivos) como
en el lenguaje arquitectónico, que se plasmaron en una adecuada y
completa teorización.
Otra de las notas que caracteriza este movimiento es la nueva actitud de
los arquitectos, que pasaron del anonimato del artesano a una nueva
concepción de la profesionalidad, marcando en cada obra su estilo
personal: se consideraban a sí mismos, y acabaron por conseguir esa
consideración social, como artistas interdisciplinares y humanistas,
como correspondía a la concepción integral del humanismo renacentista.
Conocemos poco de los maestros de obras románicos y de los atrevidos
arquitectos de las grandes catedrales góticas; mientras que no sólo las
grandes obras renacentistas, sino muchos pequeños edificios o incluso
meros proyectos, fueron cuidadosamente documentados desde sus
orígenes, y objeto del estudio de tratadistas contemporáneos.
Santa Maria della
Consolazione enTodi 1508
-1607. Ejemplo de iglesia
deplanta central.
Trabajaron en ella Cola da
Caprarola, Antonio da
Sangallo el
Joven, Baldassarre
Peruzzi, Galeazzo
Alessi, Michele
Sanmicheli, Jacopo
Vignola e Ippolito Scalza.

7. •Búsqueda del ideal clásico: A través del clasicismo, los hombres del
Renacimiento miraban hacia el mundo greco-romano como modelo para su
sociedad contemporánea, buscando aplicar en la realidad material cotidiana
aquello que consideraban que pertenecía a un mundo más idílico que real.
En este sentido, la Arquitectura, en especial, intentó concretar conceptos
clásicos como la belleza, surgiendo así la teorización y ordenación del
movimiento, fundamentado en la Arquitectura clásica griega y romana.
•Visión profana sobre temas religiosos: Los valores clásicos, desde el
punto de vista del Cristianismo, de enorme influencia en este período
(teniendo en cuenta que el Renacimiento surge en Italia, donde la presencia
de la Iglesia Católica fue decisiva para el Arte), eran considerados paganos y
de carácter pecaminoso.
•Influencia de la naturaleza: La naturaleza era vista como la creación
suprema de la obra de Dios y el elemento más próximo a la perfección (otro
de los ideales que había que buscar a través de la estética clásica). Así, se
pasa de la búsqueda de la inspiración en la naturaleza, a la inspiración en las
formas de la propia naturaleza, tal como proponen los clásicos,
convirtiéndose esto en un valor autónomo.
•Antropocentrismo y humanismo: Además de la naturaleza como creación
perfecta, se vuelve la mirada al ser humano: se deja atrás
el teocentrismo medieval para entrar en el antropocentrismo. El hombre se
analiza, en vez de como ser creado a imagen y semejanza de Dios, como
medida y referencia del Universo. Así, será el objeto central de la
manifestación artística, con una importancia aún mayor que durante la
Antigüedad clásica.
Grabado de la planta
modificada por Vignola
de Villa Farnese.
Fachada interior sudoeste del
Palacio del Louvre (París),
diseñada por Lescot y cubierta por
relieves deJean Goujon
La loggia del Ayuntamiento de Colonia.

8. Manierismo es la denominación historiográfica del periodo y estilo artístico que se sitúa
convencionalmente en las décadas centrales y finales del siglo XVI (Cinquecento en italiano),
como parte última del Renacimiento (es decir, un Bajo Renacimiento). Su caracterización es
problemática, pues aunque inicialmente se definió como la imitación de la maniera de los
grandes maestros del Alto Renacimiento (por ejemplo, el propio Tintoretto pretendía dibujar
como Miguel Ángel y colorear como Tiziano), posteriormente se entendió como una reacción
contra el ideal de belleza clasicista y una complicación laberíntica tanto en
lo formal (línea serpentinata, anamorfosis, exageración de los movimientos, los escorzos,
las texturas, los almohadillados, alteración del orden en los elementos arquitectónicos) como
en lo conceptual (forzando el decorum y el equilibrio alto-renacentistas, una "violación de la
figura"), que prefigura el "exceso” característico del Barroco. Por otro lado, también se
identifica el Manierismo con un arte intelectualizado y elitista, opuesto al Barroco, que será un
arte sensorial y popular. Considerado como una mera prolongación del genio creativo de los
grandes genios del Alto Renacimiento (Leonardo, Rafael, Miguel Ángel, Tiziano) por sus
epígonos (como los leonardeschi), el Manierismo fue generalmente minusvalorado por la
crítica y la historiografía del arte como un estilo extravagante, decadente y degenerativo; un
refinamiento erótico y una "afectación artificiosa" cuya elegancia y grazia no fue apreciada
plenamente hasta su revalorización en el siglo XX, que comenzó a ver de forma positiva
incluso su condición de auto-referencia del arte en sí mismo.

9. La pintura manierista es un estilo artístico que predominó en Italia desde el
final del Alto Renacimiento (ca. 1530) y duró hasta alrededor del
año 1580 en Italia, cuando comenzó a ser reemplazado por un estilo más barroco,
pero el manierismo nórdico persistió hasta principios del siglo XVII por gran
parte de Europa hacia el año 1610. Se inició en la Roma de los Papas Julio
II y León X, y se difundió por el resto de Italia y de Europa.
En la Virgen del cuello
largo(1534-40)
de Parmigianino, el
manierismo se muestra en
las proporciones
alargadas, poses muy
estilizadas y falta de una
perspectiva clara.
La imitación de las obras de Leonardo, Rafael y Miguel Ángel hace que se
produzcan imágenes artificiosas. En cierto sentido, la propia grandeza de esas
obras maestras cerraba las vías a la creatividad artística, y a las jóvenes
generaciones no les quedaba sino la imitación
Resultaba un estilo inadecuado para el tema religioso, por lo que en
la contrarreforma se optó por otras formas más apropiadas.
No se intenta representar la realidad de manera naturalista, sino que se hace
extraña, un poco deformada, como un capricho.
Los cuadros ya no transmiten el sereno orden y equilibrio del Alto
Renacimiento sino que se inclinan por representaciones anticlásicas, intrincadas
y complicadas en cuanto a su sentido.
Los modelos adoptan posturas complicadas.
Se las representa de manera desproporcionada, elásticas, alargadas.
La perspectiva es infinita.
La luz no es natural sino fría y coloreada de manera antinatural, lo mismo que los
colores: son extraños, fríos, artificiales, violentamente enfrentados entre sí, en
vez de apoyarse en gamas.

10. La arquitectura manierista es aquella fase de
la arquitectura europea que se desarrolló entre 1530 y 1610, es decir,
entre el final de la arquitectura renacentista y el comienzo de
la barroca.
Los historiadores consideran al manierismo como la
última fase del Renacimiento, precedida por las
del humanismo florentino y por elclasicismo romano; sin embargo,
si las primeras dos fases son distinguibles temporalmente, no
resulta tan claro con el clasicismo y el manierismo que coexistieron
desde inicios del siglo XVI.
El término «maniera», usado ya en el siglo XV para
indicar el estilo de cada artista, fue empleado por Giorgio Vasari en
el siglo posterior para describir uno de los cuatro requisitos de las
artes (orden, medida, diseño y maniera), con particular referencia a
las obras de Miguel Ángel; luego lo utiliza Jacob Burckhardt para
definir de manera peyorativa el arte italiano entre el Renacimiento y
el Barroco. No obstante a inicios de siglo XX, a la luz de las
nacientes culturas surrealistas y expresionistas, la crítica revaloró la
cultura manierista.
Fachada de la Iglesia del
Gesù, Roma
Uffizi, Florencia

11. Manierismo es la denominación historiográfica del periodo y estilo
artístico que se sitúa convencionalmente en las décadas centrales y finales
del siglo XVI (Cinquecento en italiano), como parte última
del Renacimiento (es decir, un Bajo Renacimiento). Su caracterización es
problemática, pues aunque inicialmente se definió como la imitación de
la maniera de los grandes maestros del Alto Renacimiento (por ejemplo, el
propio Tintoretto pretendía dibujar como Miguel Ángel y colorear
como Tiziano), posteriormente se entendió como una reacción contra el ideal
de belleza clasicista y una complicación laberíntica tanto en
lo formal (línea serpentinata, anamorfosis, exageración de los movimientos,
los escorzos, las texturas, los almohadillados, alteración del orden en
los elementos arquitectónicos) como en lo conceptual (forzando el decorum y
el equilibrio alto-renacentistas, una "violación de la figura"), que prefigura el
"exceso "característico del Barroco. Por otro lado, también se identifica el
Manierismo con un arte intelectualizado y elitista, opuesto al Barroco, que
será un arte sensorial y popular. Considerado como una mera prolongación
del genio creativo de los grandes genios del Alto Renacimiento
(Leonardo, Rafael, Miguel Ángel, Tiziano) por sus epígonos (como
los leonardeschi), el Manierismo fue generalmente minusvalorado por la
crítica y la historiografía del arte como un
estilo extravagante, decadente y degenerativo; un refinamiento erótico y una
"afectación artificiosa" cuya elegancia y grazia no fue apreciada plenamente
hasta su revalorización en el siglo XX, que comenzó a ver de forma positiva
incluso su condición de auto-referencia del arte en sí mismo.
Adoración de los
Magos del retablo de San
Benito el Real (Valladolid), de
Alonso de Berruguete (1527-
1532).
Perseo con
la cabeza de
Medusa(Ben
venuto
Cellini
1554,Loggia
dei Lanzi,
Florencia)

12. El Barroco fue un período de la historia en la cultura occidental originado por una nueva forma
de concebir las artes visuales (el «estilo barroco») y que, partiendo desde diferentes contextos histórico-
culturales, produjo obras en numerosos campos
artísticos: literatura, arquitectura, escultura, pintura, música, ópera, danza, teatro, etc. Se manifestó
principalmente en la Europa occidental, aunque debido al colonialismo también se dio en
numerosas colonias de las potencias europeas, principalmente en Latinoamérica. Cronológicamente, abarcó
todo el siglo XVII y principios del XVIII, con mayor o menor prolongación en el tiempo dependiendo de cada
país. Se suele situar entre el Manierismo y el Rococó en una época caracterizada por fuertes disputas religiosas
entre países católicos y protestantes, así como marcadas diferencias políticas entre los Estados absolutistas y
los parlamentarios, donde una incipiente burguesía empezaba a poner los cimientos del capitalismo.
Como estilo artístico, el Barroco surgió a principios del siglo XVII (según otros autores a finales
del XVI) en Italia —período también conocido en este país como Seicento—, desde donde se extendió hacia la
mayor parte de Europa. Durante mucho tiempo (siglos XVIII y XIX) el término «barroco» tuvo un sentido
peyorativo, con el significado de recargado, engañoso, caprichoso, hasta que fue posteriormente revalorizado a
finales del siglo XIX por Jacob Burckhardty, en el XX, por Benedetto Croce y Eugeni d'Ors. Algunos
historiadores dividen el Barroco en tres períodos: «primitivo» (1580-1630), «maduro» o «pleno» (1630-1680)
y «tardío» (1680-1750).2
Aunque se suele entender como un período artístico específico, estéticamente el término
«barroco» también indica cualquier estilo artístico contrapuesto al clasicismo, concepto introducido
por Heinrich Wölfflin en 1915. Así pues, el término «barroco» se puede emplear tanto
como sustantivo como adjetivo. Según este planteamiento, cualquier estilo artístico atraviesa por tres fases:
arcaica, clásica y barroca. Ejemplos de fases barrocas serían el arte helenístico, el arte gótico,
el romanticismo o el modernismo.

13. La pintura barroca es la pintura relacionada con el movimiento cultural barroco. El movimiento a
menudo se le identifica con el absolutismo, la Contrarreforma y el renacimiento católico, pero la
existencia de importante arte y arquitectura barrocos en países no absolutistas y protestantes por toda
Europa Occidental evidencian su amplia popularidad. La pintura adquirió un papel prioritario dentro
de las manifestaciones artísticas, y llegó a ser la expresión más característica del peso de la religión en
los países católicos y del gusto burgués en los países protestantes.
La mejor y más importante pintura durante el período que comienza alrededor del año 1600 y
continúa a lo largo de todo el siglo XVII, y a principios del siglo XVIII se identifica hoy como
pintura barroca. El arte barroco se caracteriza por el realismo, los colores ricos e intensos, y fuertes
luces y sombras. En oposición al arte renacentista, que normalmente mostraba el momento anterior a
ocurrir cualquier acontecimiento, los artistas barrocos elegían el punto más dramático, el momento en
que la acción estaba ocurriendo: Miguel Ángel, que trabajó durante el Alto Renacimiento, muestra a
su David compuesto y quieto antes de luchar contra Goliat; el David barroco de Bernini es captado en
el acto de lanzar la piedra contra el gigante. El arte barroco pretendía evocar la emoción y la pasión en
lugar de la tranquila racionalidad que había sido apreciada durante el Renacimiento.
Entre los más grandes pintores del período barroco se encuentran Caravaggio, Rembrandt,
Rubens, Velázquez, Poussin y Vermeer. Caravaggio es heredero de la pintura humanista del Alto
Renacimiento. Su enfoque realista de la figura humana, pintada directamente del natural e iluminada
dramáticamente contra un fondo oscuro, sorprendió a sus contemporáneos y abrió un nuevo capítulo
en la historia de la pintura. La pintura barroca a menudo dramatiza las escenas usando los efectos
lumínicos del claroscuro; esto puede verse en obras de Rembrandt, Vermeer, Le Nain y La Tour. El
pintor flamenco Antón Van Dyck desarrolló un estilo de retrato cortesano, con gracia, que influyó
mucho, especialmente en Inglaterra.

14. Rembrandt van Rijn, La ronda de
noche o La compañía del Capitán Frans
Banning Cocq, 1642, óleo sobre lienzo, 363
× 437 cm., Rijksmuseum,Ámsterdam. La
pintura es un ejemplo clásico del arte
barroco.
Cena en Emaús,
pintado en 1601
porCaravaggio
Detalle
de Apolo y
Marsias de
José de Ribera,
1637, Museo N.
di San Martino,
Nápoles.

15. Es la denominación historiográfica de las producciones escultóricas de la época
barroca (de comienzos del siglo XVII a mediados del siglo XVIII).
Sus características generales son:
•Naturalismo, es decir, representación de la naturaleza tal y como es, sin idealizarla
•Integración en la arquitectura, que proporciona intensidad dramática.
•Esquemas compositivos libres del geometrismo y la proporción equilibrada propia de la escultura del
Renacimiento pleno. La escultura barroca busca el movimiento; se proyecta dinámicamente hacia
afuera con líneas de tensión complejas, especialmente la helicoidal oserpentinata, y multiplicidad de
planos y puntos de vista. Esta inestabilidad se manifiesta en la inquietud de personajes y escenas, en la
amplitud y ampulosidad de los ropajes, en el contraste de texturas y superficies, a veces en la inclusión
de distintos materiales, todo lo cual que produce fuertes efectos lumínicos y visuales.
•Representación del desnudo en su estado puro, como una acción congelada, conseguido mediante una
composición asimétrica, donde predominan las diagonales y serpentinatas, las poses sesgadas y
oblicuas, el escorzo y los contornos difusos e intermitentes, que dirigen la obra hacia el espectador con
gran expresividad.
•A pesar de la identificación del Barroco con un "arte de la Contrarreforma", adecuado al sentimiento
de la devoción popular, la escultura barroca, incluso en los países católicos, tuvo una gran pluralidad
de temas (religiosos, funerarios, mitológicos, retratos, etc.)
•La manifestación principal es la estatuaria, utilizada para la ornamentación de espacios interiores y
exteriores de los edificios, así como de los espacios abiertos, tanto privados (jardines) como públicos
(plazas). Las fuentes fueron un tipo escultórico que se acomodó muy bien con el estilo barroco.
Particularmente en España, tuvieron un extraordinario desarrollo la imaginería y los retablos.

16. Pestsäule ("columna de la Peste")1conmemorativa de
la Gran peste de Viena de 1679, Matthias Rauchmüller
Altar mayor de la iglesia de San
Carlos Borromeo (Viena).
La Apoteosiscentral es de Alberto
Camesina, y las piezas de estuco
de Ferdinand Maximilian
Brokoff, 1725.
Piedad, de Gregorio
Fernández, 1616
San Bruno,
de Martínez
Montañés,
1634

17. La arquitectura barroca es un período de la historia de la
arquitectura que vino precedida del Renacimiento y del Manierismo; se
generó en Roma durante el siglo XVII y se extendió hasta mediados
del siglo XVIII por los Estados absolutistas europeos.
El término Barroco, derivado del portugués "barru", "perla de forma
diferente o irregular", se utilizó en un primer momento de forma de
perspectiva para indicar la falta de irregularidad y orden del nuevo estilo.
La característica principal de la arquitectura barroca fue la utilización de
composiciones basadas en puntos, curvas, elipses y espirales, así como
figuras policéntricas complejas compuestas de motivos que se
intersecaban unos con otros. La arquitectura se valió de la pintura, la
escultura y los estucados para crear conjuntos artísticos teatrales y
exuberantes que sirviesen para ensalzar a los monarcas que los habían
encargado.
En algunos países europeos como Francia e Inglaterra y en otras
regiones de la Europa septentrional se produjo un movimiento más
racionalista derivado directamente del Renacimiento que se
denominó Clasicismo barroco. A lo largo delsiglo XVIII se fue
desarrollando en Francia un movimiento derivado del Barroco que
multiplicaba su exuberancia y se basaba fundamentalmente en las artes
decorativas que se denominó Rococó y se acabó exportando a buena
parte de Europa.
Stift
Melk, Wachau, Austria.
Cúpula de la Basílica de
San Pedro de Roma.

18. El término Neoclasicismo (del griego -νέος neos,
el latín classicus y el sufijo griego -ισμός -ismos) surgió en
el siglo XVIII para denominar de forma peyorativa al
movimiento estético que venía a reflejar en las artes los
principios intelectuales de la Ilustración, que desde mediados
del siglo XVIII se venían produciendo en la filosofía, y que
consecuentemente se habían transmitido a todos los ámbitos
de la cultura. Sin embargo, coincidiendo con la decadencia
de Napoleón Bonaparte, el Neoclasicismo fue perdiendo
adeptos en favor del Romanticismo.

19. Es un movimiento pictórico nacido en Roma en la década de
1760 y que se desarrolló en toda Europa, arraigando especialmente
en Francia hasta aproximadamente 1830, en que el Romanticismo pasó a ser
la tendencia pictórica dominante.
El Neoclasicismo se sitúa entre el Rococó y el Romanticismo. Pero
en muchas ocasiones, el tránsito de uno a otro estilo no es fácil, porque tienen
rasgos semejantes. Si lo característico del Neoclasicismo era revivir otra
época, en concreto la Antigüedad clásica, realmente no se diferencia de
intentar recrear la Edad Media o la vida en países orientales, pues en ambos
casos se recurría a temas exóticos, ajenos a la realidad de la sociedad en la que
el pintor trabaja. En realidad, clasicismo y Romanticismo son tendencias
estilísticas burguesas que reaccionan frente al aristocrático rococó, y como
tal ideología burguesa, aspira tanto al orden y la estabilidad, como a
la libertad que les era negada por el Antiguo Régimen; del mismo modo, es la
burguesía la que se plantea la dialéctica entre la razón, que defiende un
sistema político más racional que el del Antiguo Régimen, y el sentimiento,
muchas veces puro sentimentalismo burgués frente a la cínica frialdad e
indiferencia de la aristocracia. En este sentido, el Neoclasicismo representaría
la aspiración a un orden regido por la razón, mientras que el Romanticismo
representaría las igualmente burguesas ideas de libertad en un mundo
dominado por el sentimiento individual.
Jacques-Louis David: El
juramento de los
Horacios (1784–85).
Mengs: El Parnaso, 1761

20. La escultura neoclásica se incluye dentro de una corriente de la filosofía y estética de una influyente
difusión que se desarrolló entre mediados del siglo XVIII y del siglo XIX en Europa y la América. Como
reacción contra la frivolidad del decorativismo del rococó, surgió la escultura neoclásica inspirada en la antigua
tradición greco-romana, adoptando principios de orden, claridad, austeridad, equilibrio y propósito, con un
fondo de moralización.
En el campo de la escultura el impacto de la novedad de los nuevos conocimientos fue menor que en otras
artes como la pintura y la arquitectura, debido a que los escultores ya estaban bebiendo en las fuentes clásicas
desde el siglo XV, aunque sus mejores resultados en la reinterpretación de los greco-romano ya no mostraban
la misma alta calidad. La mala interpretación de la estética defendida por Wickelmann condujo, sin embargo,
a los artistas de menor categoría a la producción de muchas obras con el carácter de la copia servil de los
modelos antiguos, perdiendo en vigor lo que ayudó a atraer a la crítica sobre este cambio.
Las obras mostraron en general un alto nivel de equilibrio formal, con una expresión cautelosa y raros
momentos de dramatismo.Antonio Canova fue más exitoso en la exploración de una amplia gama de
sentimientos y formas dinámicas, desde la suave ingenuidad juvenil en piezas como Las Tres Gracias, a la
violencia desenfrenada del Hércules y Licas y en Teseo vencedor del Minotauro, y en la investigación de otros
signos de la emoción como el arrepentimiento o pesar, visible en la patética Magdalena penitente.
Los materiales preferidos fueron el bronce y el mármol blanco, al igual que en la tradición antigua, pero a
diferencia de temporadas anteriores, el neoclasicismo el artista creador pasó a emplear a más ayudantes que
realizaban la mayor parte de los trabajos técnicos como pasar a la piedra o realizar la fundición a partir del
modelo de arcilla o yeso que había sido creado por el escultor, dejando que el maestro asumiese la fase final de
la escultura del pulido y definición de detalles, ya que esta fase es sin duda crucial para la obtención del efecto
final de la obra y requiere la experiencia de la mano maestra.

21. Lorenzo Bartolini: Ninfa atacada por un escorpión, c.
1845. Louvre.
Bertel Thorvaldsen: Jasón
y el vellocino de oro, 1803.
Thorvaldsens Museum.
François Rude: Mercurio atando
sus sandálias, 1834. Louvre.
William Wetmore
Story: Cleopatra, 1858-69.

22. La arquitectura neoclásica es un estilo arquitectónico que produjo el movimiento neoclásico que comenzó a
mediados delsiglo XVIII, por una reacción contra el estilo barroco de ornamentación naturalista así como por el
resultado de algunos rasgos clasicistas nacidos en el barroco tardío. Se prolongó durante el siglo XIX, confluyendo a
partir de entonces con otras tendencias, como la arquitectura historicista y el eclecticismo arquitectónico. Algunos
historiadores denominan el periodo de la arquitectura neoclásica de la primera mitad del siglo XIX como clasicismo
romántico, a pesar del oxímoron (oposición de términos), dado que, además de coincidir en el tiempo con
el romanticismo, estilísticamente comparte rasgos con la estética romántica, al añadir cierta expresividad y espíritu
exaltado a la sencillez y claridad de las estructuras clásicas grecorromanas.
Factores fundamentales que influyeron en la creación de la arquitectura neoclásica fueron los determinantes en el
contexto político, social y económico de la época, en que se incluyen destacadamente la Revolución Industrial, la crisis
del Antiguo Régimen, la Ilustración, el enciclopedismo, la fundación de las Academias, el despotismo ilustrado, etc.
La Revolución Industrial modificó profundamente el ritmo de vida, influyó en adelantos técnico constructivos, empleo
de nuevos materiales. El concepto de economía relacionado con el funcionamiento cambió algunos esquemas de
organización espacial y aun de relación entre vanos y macizos.
El enciclopedismo, espíritu precursor de la Revolución francesa, trajo consigo una concepción romántica de la Grecia
Antigua. La Ilustración sostenía que la infelicidad del hombre, se debía a la ignorancia e irracionalidad y que por lo tanto
el único camino viable para conducirlo a la felicidad era llevarle la luz de la razón por medio de la educación. En cuanto a
arquitectura la educación implicaba el conocimiento y fuentes antiguas tales como Vitrubio, Palladio, Vignola; por lo que
ésta hizo uso de los repertorios formales de la arquitectura griega y romana.
Se buscó dar un carácter más científico a las artes, por lo que los artistas debieron ser técnicos más que inventores, e
imitadores más que creadores. Este espíritu científico llevó a considerar al arte clásico como un arte progresista, porque
estaba desprovisto de adornos sin sentido y buscaba la perfección de las leyes inmutables sin depender de las
impresiones subjetivas e imperfectas del artista.

23. Representación de la Acrópolis de
Atenas por el arquitecto y pintor Leo von
Klenze.
Templo a la Gloria de la Grande
Armée, Pierre Alexandre Vignon, 1806.
Altes Museum de Berlín, de Karl
Friedrich Schinkel, 1825-1828.)