Renacimiento: El resurgir de la cultura clásica

• Amplio movimiento de revitalización cultural que se
produjo en Europa Occidental en los siglos XV y XVI.
• Campo de las artes
• Producto del humanismo, nueva concepción del hombre
y del mundo.
• El nombre porque éste retomó los elementos de la
cultura clásica, simboliza la reactivación del
conocimiento y el progreso tras siglos de predominio de
la mentalidad dogmática establecida en la Europa de la
Edad Media. contra la escolástica.
• Giorgio Vasari señala: marcada conciencia histórica
individual, fenómeno completamente nuevo en la actitud
espiritual del artista.
• Desde una perspectiva de la evolución artística general
de Europa, el Renacimiento significa una «ruptura» con
la unidad estilística que hasta ese momento había sido
«supranacional».

Contexto Histórico
• Este cambio social y cultural se basa en la mejora
económica, economia mercantil. En este clima cultural
de renovación, que paradójicamente buscaba sus
modelos en la Antigüedad Clásica, surgió a principios
del siglo XV un renacimiento artístico en Italia, de
empuje extraordinario, que se extendería de inmediato
por otras naciones de Europa
• Coincide con el inicio de la Edad Moderna,
contemporáneo de la Era de los Descubrimientos y las
conquistas ultramarinas. Esta «Era» marca el comienzo
de la expansión mundial de la cultura europea, con los
viajes portugueses y el descubrimiento de América por
parte de los españoles
• http://www.youtube.com/watch?v=eWNTirMIgwE

Hechos Históricos
• Marcada por la consolidación de los estados
europeos,
• los viajes transoceánicos que pusieron en
contacto a Europa y América,
• La descomposición del feudalismo
• El desmembramiento de la cristiandad con el
surgimiento de la Reforma protestante,
• La introducción de la imprenta, entre 1460 y
1480, y la consiguiente difusión de la cultura
fueron uno de los motores del cambio.

Contexto Artistico
• Italia en ese momento está integrada por una serie de estados
entre los que destacan Venecia, Florencia, Milán y los Estados
Pontificios. La presión que se ejerce desde el exterior, sobre todo
por parte de Francia y España, impidió que, como en otras
naciones, se desarrollara la unión de los reinos o estados; sin
embargo, sí se produjo el fortalecimiento de la conciencia cultural
de los italianos. Desde estos supuestos fueron las ciudades,
concebidas como ciudades-estado, las que se convierten en
centros de renovación artística
• En Italia el enfrentamiento y convivencia con la Antigüedad Clásica,
considerada como un legado nacional, proporcionó una amplia
base para una evolución estilística homogénea y de validez
general. Por ello, allí, es posible su surgimiento y precede a todas
las demás naciones.

• Fuera de Italia, el desarrollo del Renacimiento
dependerá constantemente de los impulsos marcados
por Italia. Artistas importados desde Italia o formados
allí, hacen el papel de verdaderos transmisores.
Monarcas como Francisco I en Francia o Carlos V y
Felipe II en España
• Mientras que en Italia se estaba desarrollando el
Renacimiento, en el resto de Europa se mantiene el
Gótico en sus formas tardías, situación que se va a
mantener, exceptuando casos concretos, hasta
comienzos del siglo XVI
• En Florencia el desarrollo de una rica burguesía ayuda
al despliegue de las fuerzas del Renacimiento, la ciudad
se convierte en punto de partida del nuevo estilo, y
surgen, bajo la protección de los Médicis, las primeras
obras que desde aquí se van a extender al resto de Italia

Las Nuevas Formas de Representar
• El artista tomó conciencia de individuo con valor y
personalidad propios, se vio atraído por el saber y
comenzó a estudiar los modelos de la antigüedad
clásica a la vez que investigaba nuevas técnicas
• Se desarrollan completamente
• Claroscuro en pintura
• Las formas de representar la perspectiva
• El mundo natural con fidelidad
• La anatomía humana
• Las técnicas de construcción arquitectónica.
• Los representantes mas renombrados de esta nueva
forma de entender el mundo fueron Leonardo da Vinci,
Miguel Ángel Buonarroti, Rafael Sanzio, Sandro Botticelli
y Bramante

Etapas del Renacimiento en ITALIA
Quattrocento (1400 - siglo XV)
• Foco: Florencia
• Comprende el Renacimiento temprano que se
desarrolla en Italia
• Llamado también primer Renacimiento italiano
por la búsqueda de los cánones de belleza de la
Antigüedad y de las bases científicas del arte,
se produjo un fenómeno parecido y simultáneo
en Flandes (especialmente en pintura), basado
principalmente en la observación de la vida y la
naturaleza, la búsqueda de la humanidad de
Cristo

Cinquecento (1500 - siglo XVI)
• Foco: Roma
• Papas (Julio II, León X, Clemente VII y Pablo III) (algunos de ellos
pertenecientes a la familia florentina de los Médici). Apoyaron
fervorosamente el desarrollo de las artes, así como la investigación
de la Antigüedad Clásica. Su dominio artístico queda referido al
Clasicismo o Renacimiento pleno, que se centra en el primer cuarto
del siglo. En esta etapa surgen las grandes figuras: Leonardo,
Miguel Ángel, Rafael. Es el apogeo del arte renacentista. Sin
embargo, con las guerras de Italia muchos de estos artistas, o sus
seguidores, emigraron y profundizaron la propagación de los
principios renacentistas por toda Europa Occidental
Final y decadencia
• Durante la segunda mitad del siglo XVI empezó la decadencia del
Renacimiento caracterizada por una reacción anticlásica , que cayó
en un rígido que conforma el Manierismo, que dura hasta el final del
siglo XVI, abriendo el camino al Barroco

Arquitectura - Características Generales
• Carácter profano, surgirá en una ciudad en donde el
Gótico apenas había penetrado, Florencia. A pesar de
ello, muchas de las obras más destacadas serán
edificios religiosos. Con el nuevo gusto, se busca
ordenar y renovar los viejos burgos medievales e incluso
se proyectan ciudades de nueva planta. (el papa Pío II
reordena su ciudad natal, Pienza)
• Elementos de la arquitectura clásica pero de forma
selectiva, se preferirá el orden toscano.
• Se crean formas nuevas, como la columna
abalaustrada,
• A partir de este momento, el arquitecto abandona el
carácter gremial y anónimo que había tenido durante la
Edad Media, y se convierte en un intelectual, un
investigador.

Se conoce como
columna abalaustrada
aquella que presenta su
fuste con la forma de un
balaustre, es decir, con
su contorno moldeado
con distintos grosores a
lo largo de su recorrido; a
veces, además,
combinando tramos lisos
con otros estriados o
finamente tallado con
pequeños elementos
decorativos.
Columnas abalaustradas en la fachada a San Francisco del Ayuntamiento de Sevilla.

Características Generales Estructurales:
• Arco de medio punto, columnas, cúpula semiesférica,
bóveda de cañón y cubierta plana con casetones.
usados en la Antigüedad
• Decae paulatinamente el tradicional método de
construcción del Gótico, se abandona en gran medida
las bóvedas de crucería, el arco apuntado, las naves
escalonadas, y sobre todo la impresión de colosalismo y
multiplicidad de los edificios medievales
• Predominarán ahora valores como la simetría, la
claridad estructural, la sencillez, y sobre todo, la
adaptación del espacio a la medida del hombre.

Características Generales Decorativos
• Pilastras, frontones, pórticos, motivos
heráldicos, almohadillados, volutas, grutescos,
guirnaldas, motivos de candelieri (candelabros o
pebeteros) y tondos o medallones. Algunos de
éstos ya se habían utilizado en el Gótico. En
cuanto a la decoración el Renacimiento
preconiza el despojamiento, la austeridad, el
orden. Sólo a finales del siglo XVI esta
tendencia se romperá en favor de la fantasía y
la riqueza decorativa con el Manierismo

Pilastra
En esta fachada del palacio Rucellai
diseñado por Alberti, las pilastras de
órdenes clásicos marcan las verticales
de los tres pisos, que se rematan con
una cornisa

Frontón
Fachada Renacentista española
Su fachada es de gran impacto
estético por la citada austeridad que
muestra. Su puerta adintelada es
rematada por un frontón triangular
Convento de la iglesia de santo
Domingo - Las navas del marques

El almohadillado
El almohadillado es un tipo de acabado exterior de los paramentos de piedra con
sillares, que consiste en una forma de labrar en relieve la cara vista de la piedra
rehundiendo las juntas
Es un acabado característico
de los palacios del
renacimiento italiano,
especialmente en plantas
bajas, donde se acentúa
considerablemente su relieve

Grutesco
Se llama grutesco (del italiano grotta, gruta) al adorno caprichoso
de bichas, sabandijas, quimeras y follajes, llamado así por ser a
imitación de los que se encontraron en las grutas o ruinas de
palacios del Imperio romano.

Pórtico
cuerpo formado por una galería de columnas adosada a un edificio o
abierta al aire libre
Palacio Massimo de Baltasar Peruzzi, en Roma. Este discípulo de Miguel Ángel,
fue uno de los más interesantes arquitectos del Renacimiento. La fachada, de
gran austeridad, se abre en un pórtico de columnas sin puertas, convirtiendo el
zaguán en un lugar semipúblico, a la disposición de quien pasa.

• Se deja de lado definitivamente el Gótico
• Frecuente recurrir a columnas y pilastras adosadas, a los capiteles
clásicos (con preferencia el corintio, aunque sustituyendo los
caulículos por figuras fantásticas o de animales), fustes lisos y casi
omnipresencia del arco de medio punto. Se usa también la bóveda
de cañón y de arista, y cubiertas de madera con casetones. Lo que
fundamentalmente distingue a la arquitectura del Quattrocento de la
del Alto Renacimiento es la decoración menuda (putti, guirnaldas de
flores o frutos, grutescos, etc.), las cúpulas con nervios, con ciertos
resabios góticos
• Arquitectura Firenze:
Lorenzo Ghiberti, Filippo Brunelleschi
• Escultura:
Donatello

Filippo di Ser Brunellesco Lippi
• 1377 - †1446
• Arquitecto, escultor y orfebre.
• Obras:
• Cúpula de la catedral de Santa María del
Fiore-Domo de Firenze
• Palacio Pitti
• Capilla Pazzi

Duomo di Firenze, 1418 - 1438
• La cúpula di Santa
Maria del Fiore con
sus 39 MT. de
altura, coronada por
una linterna de 16
MT de alto es
testigo de los limites
artísticos y técnicos
de renacimiento
florentino.

Cúpula del Duomo di Firenze
La catedral de Florencia es gótica y fue realizada por Arnolfo di Cambio, pero estaba
sin concluir pues se encontraba sin abovedar el crucero. La solución que llevó a cabo
Brunelleschi fue una superposición de dos bóvedas esquifadas, octogonales, una
dentro de otra, que estaban hechas de ladrillo, divididas en tramos a modo de gajos.
Esta innovación permitía un reparto de esfuerzos, además de conseguir la sensación
de ligereza.

Palazzo Pitti
• Establece el modelo
renacentista de palacio que
fue seguido por sus discípulos.
• Aspecto externo: fortaleza,
planta en cuadrilátero, las
dependencias se construyen
en torno a un patio. Muestra
tendencia a la horizontalidad
mediante una superposición
de tres pisos o cuerpos.
• Muro articulado mediante
balaustradas. Se emplean
sillares almohadillados, que se
aplanan a medida que se gana
altura, Vano con arco de
medio punto constituidos por
dovelas almohadilladas,
ventanas con frontón.

Características:
• - Tiene tres pisos, separados por balaustradas - Gran volumen debido a la utilización de un sillar almoadillado rustico - arcos de medio punto. - cada
piso tiene una función.
– 1er piso --> dependencias del servicio.
– 2º piso --> grandes salones.
– 3º piso --> los dormitorios

Cappella Pazzi (Firenze 1430 aprox.)
Su fachada es un
pórtico de cinco
tramos entre seis
columnas de orden
compuesto, los cuatro
extremos adintelados
y el central en forma
de arco de triunfo
semicircular muy alto
y de doble anchura,
que se cubre por una
bóveda de cañón.
A la Capilla Pazzi se accede desde el claustro de la basílica de la Santa Croce
(Florencia) ya que se encuentra ubicada en el jardín de ésta. Encargada por la familia
Pazzi en 1441 a Filippo Brunelleschi, fue su última obra.

Cappella Pazzi (Firenze 1430 aprox.)
• Realizada en la
Iglesia de Santa
Croce
• Planta rectangular
con nave central,
cubierta por una
cúpula y dos laterales
con bóveda a tambor.

El Sacrificio de Isaac
• Bronce que Filippo
Brunelleschi presento
en el concurso en el
concurso para la
decoración del
Baptisterio de
Firenze, Ghiberti
venció e concurso
pero el talento de
Brunelleschi como
escultor es
insustituible en esta
obra conservada en
el Museo del Bargello
di Firenze.

En general la Arquitectura
• La impresión de orden, sencillez, ligereza y
simetría, predominando en el interior de los
edificios la luminosidad y la desnudez. Los
arquitectos más destacados de este período son
Brunelleschi, Michelozzo, Leon Battista Alberti,
• la principal obra será la Catedral de Santa María
de la Flor, de Florencia, y su famosa cúpula.

• Renacimiento pleno o Alto Renacimiento tuvo
como centro Roma: En 1506 Donato d'Angelo
Bramante terminaba su célebre proyecto para la
basílica de San Pedro en el Vaticano, que será
el edificio que marque la pauta en lo restante del
siglo XVI
• Los edificios tienden más a la monumentalidad y
la grandiosidad. Miguel Ángel introduce el orden
gigante en su proyecto para la basílica, lo que
rompe con el concepto de arquitectura hecha a
la medida del hombre. Los palacios se adornan
con elaborados bajorrelieves o de esculturas
exentas

Donato Bramante (1444-1514)
• 1482 se instaló en Milán y comenzó su carrera
como arquitecto.
• Santa Maria presso San Satiro (1488, Milán)
consiguió resolver las dificultades que
presentaba el solar utilizando, por primera vez
en la arquitectura, un juego perspectivo o
trampantojo en las pinturas del presbiterio
fingido, que falsea las proporciones de la iglesia
y procura una sensación de profundidad insólita.

Templete de San Pietro in
Montorio, obra de Bramante
En la ciudad eterna su primera obra es fruto
del encargo de los Reyes Católicos, quiénes
para conmemorar la Toma de Granada
(1492) deciden levantar una iglesia en honor
a San Pedro. En el lugar en que se cree fue
martirizado se construyó en 1502
A pesar de su pequeño tamaño, la
construcción tiene todas las proporciones
rigurosas y la simetría de las estructuras
clásicas, rodeado por finas columnas
toscanas, con una cúpula por encima.
Bramante planeó un patio con columnas que
lo rodease, pero se pusieron en marcha
planes más grandiosos: la Basílica de San
Pedro.

Chiostro di Santa Maria della Pace 1500
• 1499 a la caída de Ludovico
Sforza huye a Roma, aquí su
estilo se torna monumental,
como se aprecia en este
proyecto.
• Su primera obra romana
• Por primera vez aparecen los
cuatro ordenes de la
antiguedad (tuscanico, jonico
y corintio ) sobre puestos, el
claustro es una arquitectura
alto romana, con parastes y
arco a tutto sesto.
• Es severo y falto de
ornamento.

Periodos de Cinquecento (1500 - siglo XVI)
• Predominará de este modo la idea de riqueza,
monumentalidad y lujo en las construcciones
• Dos periodos:
• Clasicismo: Principios de siglo, con autores
como Bramante, Miguel Ángel, Antonio da
Sangallo el Viejo, Jacopo Sansovino
• Manierismo: A partir de 1630, siendo sus
principales autores Andrea Palladio, Giorgio
Vasari, Giulio Romano, Jacopo Vignola,
Vincenzo Scamozzi.

Pintura Renacimiento
• Los pintores tratando temas religiosos
introducen también en sus obras la
mitología, la alegoría y “el retrato”
• La perspectiva, se volvió objeto de estudio
y reflexión para muchos artistas: se trató
de llegar a la ilusión de espacio
tridimensional de una forma científica y
reglada.(Leonardo)

Pintura
• Experimentación
• las pinturas abandonan lenta y
progresivamente la rigidez gótica y se
aproximan cada vez más a la realidad
• Aparece la naturaleza retratada en los
fondos de las composiciones
• se introducen los desnudos en las figuras

Los pintores más destacados:
• En Umbría: Perugino
• En Padua: Mantegna
• En Venecia: Giovanni Bellini
• En Florencia: Fra Angélico, Masaccio, Benozzo Gozzoli, Filippo
Lippi, Paolo Uccello
• Destaca Sandro Botticelli (Florencia)
• EL ARTE FLAMENCO

Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi
1445 –1510
• Apodado Sandro Botticelli,
• Pintor italiano
• autor de alegorías, delicadas Madonnas y
asuntos mitológicos. Su estilo dulce, muy
atento a la belleza y sensibilidad
femeninas, y predominantemente
dibujístico, caracterizan la escuela
florentina de pintura y toda esta época
• El nacimiento de Venus y La primavera
obras maestras más conocidas.

La Fortezza 1470
• Tempera sobre madera 167 x 87, cm
Galleria degli Uffizi en Firenze.
• Primera obra documentada del
artista
• Ilustra la virtud de la fortaleza (es
parte de serie de las siete virtudes
iniciadas por Pollaiolo)
• Siguió el esquema de Pollaiolo pero
impostándolo de manera distinta;
pinto un trono ricamente decorado y
de formas fantásticas en un claro
llamado a las calidades morales
inherentes al ejercicio de la
magistratura, en clara alusión al
tesoro que acompaña el poseer esta
virtud.
• La arquitectura viva y real se une a la
imagen de la mujer sentada sólida,
plástica y de extrema hermosura-

También conocido como el Retablo de Sant'Ambrogio - Galleria degli Uffizzi - Florencia.
Esto retrata a la Virgen entronizada con los santos María Magdalena, Juanohn el Bautista, Francisca, Catalina de Alejandría y
arrodillados Cosimo y Damiano se piensa que los otros dos santos sean Lorenzo y Giuliano de Medicis.
Madonna e Bambino con sei Santi 1470

La madonna del Magnificat 1481
• Galleria degli Uffizi- Firenze.
• La obra retrata a la Virgen María coronada por
dos ángeles.
• El Niño Jesús tiene en una mano la granada, el
símbolo de la Resurrección.
• La pintura retrata a la familia de Piero de ' Medici,
señor de Florencia en1492.
• Su esposa como María, Lorenzo de ' Medicis
como el joven con el tintero, al lado de su
hermano Giuliano de Medicis que sostiene un
libro.
• Detrás de los dos muchachos las dos hermanas
mayores sostienen la corona en el fondo: a la
izquierda y a la derecha. El recién nacido sería la
hija de Lorenzo, Lucrezia de Medicis.
• En el fondo hay una vista campestre a través de
una ventana de forma circular, las figuras
parecen emerger de la superficie del cuadro,
como si la imagen estuviese reflejada en un
espejo convexo u "ojo de buey".
• La composición aparece así deformada, como si
estuviese comprimida dentro de un espejo
convexo, que, a pesar de los datos realistas,
aumenta la sensación que produce de visión
mental. La composición queda airosa gracias a la
disposición de los dos ángeles que sirven de atril
al libro que conducen a través de una diagonal
ideal hacia el paisaje del fondo.

• Mercurio.
• El dios queda identificado el calzado
con alas y por el caduceo usado para
separar serpientes y hacer la paz
(Botticelli representa las serpientes
como dragones alados); con su yelmo
y su espada, parece claramente el
guardián del jardín de Venus. Estira la
mano para tocar las nubes con su
caduceo para dispersar la niebla. Mira
hacia el cielo, lo cual se interpreta
como unión con el más allá. Mercurio
sería intermediario entre los hombres y
los dioses, pero también el dios de los
comerciantes. Viste ligeramente con
un manto rojo cubierto de llamas, que
cae de forma muy asimétrica, lo cual
se consideraba un rasgo típico de la
Antigüedad y ya era una indicación de
que se estaba representando una
escena mítica.

• Las tres Gracias.
• Servidoras de Venus, dedicadas a una
graciosa danza, representadas como tres
jóvenes casi desnudas y luciendo peinados
elaborados y diversos. El cabello suelto sólo
podían llevarlo las jóvenes solteras.
• Como otros de los personajes del cuadro,
las Gracias parecen ser retratos de
personas existentes en la época y
conocidas del pintor: por ejemplo,
• Gracia de la derecha Caterina Sforza.
• La del medio Semiramide Anniani, esposa
de Lorenzo Popolano, (Mercurio).
• La de la izquierda Simonetta Vespucci,
prototipo de belleza botticelliana.
• La izquierda, de cabellos rebeldes,
representa la Voluptuosidad (Voluptas)
• La central, de mirada melancólica y de
actitud introvertida, la Castidad (Castitas).
• La de la derecha, con un collar que sostiene
un elegante y precioso colgante y un velo
sutil que le cubre los cabellos, la Belleza
(Pulchritudo).

• Flora.
• Es la única del grupo que
mira directamente al
observador y parece que
intenta esparcir sus flores
por el exterior de la
escena. Destaca también
por su sonrisa, pues es
infrecuente en la pintura
renacentista, en particular
en Botticelli, cuyas
mujeres están siempre
serias, abstraídas.

• La ninfa Cloris.
• De su boca salen las
flores primaverales que
Flora recoge en su
vestido transparente;
• Céfiro.
• Dios del viento benigno
representado con colores
fríos mientras busca el
amor de la ninfa. Sopla la
dulce brisa que hace
posible la primavera.

Venere e Marte 1483
• Tematica victoria amorosa. Una arboleda de árboles de mirto, el árbol de Venus, forma el telón a los dos dioses que están el
uno frente al otro sobre un prado. Venus esta vestida y vela el sueño de Marte. El dios està sin su armadura yaciendo en su
capa roja.
• Pequeños faunos traviesos juguetean con las armas del dios, uno de ellos sopla en una concha marina que era usada como
cuerno de caza por Marte.

• Venus desnuda sobre una concha surge de las aguas
• Céfiro abrazado a Cloris la empuja a la costa simbolizan el amor
físico
• Flora de la primavera una de las ninfas la espera con un manto
para protegerla.
• El cuadro esconde la alegoría neoplatónica del amor como energía
vivificante y fuerza motriz de la naturaleza
• La desnudez de Venus es la exaltación de la belleza clasica asi
como la pureza del alma
• Otra interpretación lleva creer que la figura abrazada a Cefiro sea
Bora viento que sopla sobre Chipre
• Esta es una representación de la Venus Uranea o Celeste, razón
pura de la mas elevada belleza de los sentidos
• Simbología:
• Funde los nuevos ideales cristianos con el mito clásico.
• El manto bordado con flores ofrecido por flora simboliza el bautismo
de Cristo.
• El fiordaliso representa la “virgen reina de los cielos”.
• Las ramas de mirto nos llevan a concepción de la Venus Sagrada.

Masaccio (Tommaso di ser Giovanni Cassai )
• 1401- 1428 Firenze
Innovó la perspectiva científica introducida por
Brunelleschi.
Su arte fue influenciado por Brunelleschi y
Donatello.
Sus personajes llenos de vida parecían de carne
y hueso.
De Brunelleschi adquiere el conocimiento de la
proporción matemática.
De Donatello adopta su conocimiento del arte
clásico que le aparta para siempre del estilo
gótico.

Madonna e Sant’Anna (1425) Santa Maria Novella – Firenze
• Escena emplazada
dentro de un marco
arquitectónico
clasicista en el que el
espacio por vez
primera tiene
perspectiva.

Adorazione dei Magi (1426)
• Obra simple y austera.
• Empleo de la luz en el modelado del cuerpo y los ropajes

Frescos de la Capella Brancacci(1427 aprox.)
• Masaccio baña las
escenas con una luz
uniforme, refleja en el
espacio pictórico el
equivalente a un foco
lumínico único y
direccional (la ventana
real de la capilla),
creando un juego de
luces y sombras
proporciona a los temas
un aspecto natural y
realista desconocido
anteriormente

Paolo Uccello (Paolo di Dono)
• Florencia 1397-1475
Discípulo de Lorenzo Ghiberti
Innovó en la pintura con el uso de
escorzos y de la perspectiva lineal.
Obras:
1425 Diseñó los mosaicos de la fachada
de Basílica di San Marco

1444 realiza una serie de vitrales para el Duomo, una de los cuales, La Resurrezione, se conserva todavía en su lugar original

1436 pinta el fresco
del condottiero inglés
sir John Hawkwood
para el Duomo di
Firenze.

La Battaglia di San Romano (1456)
• Niccolò da Tolentino a la cabeza de la caballería florentina

Intervencion decisiva al lado de los florentinos del condottiero Micheletto
Attendolo da Cotignola

La Caccia (1468, Ashmolean Museum, Oxford)
• Dominio de la perspectiva
• Sentido decorativo

Fra Angelico (Guido di Pietro)
• 1400-1455 Toscana
• Hombre de extraordinaria devoción que
combinó la vida de fraile dominico con la
de pintor.
• 1418 ingresó en un convento dominico en
Fiesole.
• 1425 se convirtió en fraile de la orden con
el nombre de Giovanni da Fiesole.

• Combinó la elegancia decorativa del
gótico, de Gentile da Fabriano, con el
estilo realista de Masaccio, Ghiberti y
Donatello, aplicó también las teorías sobre
la perspectiva de Leon Battista Alberti.
• Rostros con expresiones de devoción muy
logradas, la utilización del color para dar
mayor intensidad emotiva a la obra.

Madonna della Stella(c. 1428-1433, San Marco, Firenze)

Incoronazione della Madonna (San Marco y Museo del Louvre, París)

Madonna dei Linaioli (1433, San Marco)
• Serie de doce ángeles tocando
instrumentos musicales.

La transfigurazione
• Una de las primeras
representaciones de
lo que se conoce
como conversación
sacra: la Virgen
acompañada de
ángeles y santos que
parecen compartir un
espacio común.

Andrea Mantegna1431-1506
• La influencia tanto de la antigua escultura
romana como de las obras Donatello son
evidentes en el tratamiento que Mantegna
confiere a sus figuras humanas.
• Éstas se distinguen por su solidez,
rotundidad, volumen, expresividad y
precisión anatómica.

• San Sebastiano tempera sobre tela
1482 - 1485. Museo del Louvre -Paris.
• Representa al santo atado a una
columna, atravesado por las flechas
del martirio, se notan dos hombres un
arquero y un compañero.
• Mantegna era un apasionado de los
restos antiguos los cuales insertaba
frecuentemente en su obra : en este
caso se pueden notar los bloques de
mármol labrado, en el ángulo inferior
izquierdo. El fondo esta dominado por
una composición de arquitectura
antigua y moderna.

San Sebastiano 1450 -1470
• Pintura de tempera sobre madera
conservado en el
Kunsthistorisches Museum de
Viena. Una escritura en griego
sobre el pilar de la izquierda del
santo, atribuye la paternidad de la
obra a Mantegna. La composición
de la pintura es similar al que se
halla en: santo atado a una
columna y atravesado por las
flechas del martirio, alrededor,
fragmentos de escultura y
elementos arquitectónicos
antiguos sobre el fondo, una
cuidad que puede ser reconocida
como Verona, en la nube en alto a
la izquierda se puede individuar la
silueta del rey Teodorico a caballo
.

Presentazione al tempio
• Tempera sobre madera Staatliche Museen - Berlin.
• En primer plano Maria tiene en brazos a al niño y un sacerdote se acerca . En el segundo plano el joven de la
derecha a sido conocido como Mantegna, mientras que la joven a su izquierda es su esposa, Nicolosia Bellini,
hija de Jacopo Bellini. Al centro, casi en penumbra se encuentra José. El detalle del marco está pintado en
trompe-l'oeil: el cojín sobre el cual apoyan los pies del niño parece salir del pintura misma.

Madonna col Bambino e un coro di cherubini 1485
• Técnica mixta sobre
madera; cm 87 x 71.
Pinacoteca di Brera
- Milano.
• La madera se
encuentra en mal
estado, a causa de
los retoques

• Flandes principado histórico situado en el
norte de la Europa continental.
• Pintura que nace en el ‘400 en Flandes
gracias a Jan Van Eyck.
• Esta se ve favorecida por la gran riqueza
que había en Flandes en el ‘400, es un
arte de gran valor y que plasma muchos
particulares.

Características
• Uso de los colores al óleo
• Retrato visto en pose de 3/4
• Visión perfecta y particular de la realidad.
Uso del Óleo:
• Los flamencos perfeccionaron la técnica, haciéndola
apta para los esfumados, al secar lentamente era
posible mezclar los colores muchas veces.
• Esto permitía ejecutar veladuras haciendo la pintura
brillante permitiendo representar la profundidad.
• Pero los flamencos desconocían aun la perspectiva
geométrica, inventada recientemente por Brunellechi.

Retrato en pose de 3/4
• Los flamencos otro
modo de visualizar al
personaje: no de
perfil, no frontal sino
de ¾.
• Este cambio permite
al observador el
percibir mayores
informaciones sobre
la fisonomía de un
mismo rostro.

Perfección y detalles
• Se representa perfectamente la realidad.
• Se aprecian cierres representados
perfectamente, expresiones perfectas,
incluso pequeños adornos mas pequeños
que la punta de un pincel.
• El ejemplo mas claro de esto es el retrato
de Los Cónyuges Arnolfini de Van Eyck.

Jan van Eyck 1390 – 1441
• Introducido en el mundo del arte por su
hermano Hubert.
• Trabajó para el duque de Borgoña Felipe el
Bueno, para quien realizó también importantes
misiones diplomáticas.
• Representó la superación de los
convencionalismos del gótico en nombre de una
concepción naturalista reconducida a las
instancias de la percepción visual y a la
investigación científica de la realidad.
• Una de sus primeras obras fue el El cordero
místico 1432, San Bavón, Gand

Los Cónyuges Arnolfini 1434
• Se representan dos personas
de la alta sociedad celebrando
su matrimonio.
• Todo esta perfectamente
representado.
• Apreciemos un espejo que
refleja al pintor y al testigo de
los esposos en el espacio de
pocos centímetros.
• En el borde del espejo (a 1
cm. Escaso) está
representada la pasión de
Cristo.
• Demostrando que sus pinturas
podrían ser asociadas a una
fotografía.

La Virgen y el niño con el canciller Rolin (1433-1434, Museo del Louvre, París)

El cordero Místico
• Consta de dos alas, pintadas por ambas caras,
que se abren para mostrar la tabla central
dispuestas en dos niveles.
• Fue realizado en parte con la ayuda de su
hermano Hubert van Eyck.
• La parte central del piso inferior contiene la
Adoración del Cordero, con hileras de figuras
colocadas en un paisaje articulado que
representa claramente el paraíso.
• Encima se encuentra la figura del Padre de Dios
entronizado, coronado como un Papa con tiara y
flanqueado por la Virgen María y San Juan
Bautista.

El hombre del Turbante 1433
• Considerado por algunos
como el autorretrato del auto
firmado el 21 de octubre de
1433 en el cual se lee la
frase : <<como puedo, no
como quisiera>>.
• El fondo oscuro resalta los
rasgos del hombre que porta
un voluminoso turbante, sobre
el cual cae inevitablemente la
mirada del espectador hacia
los pliegues de este a través
del contraste de luces y
sombras

Pintura

Leonardo Da Vinci 1452-1519
• Artista multidisciplinar
• Poco prolífico en su faceta pictórica
• Quizá su principal aportación fue el sfumato o
claroscuro, delicada gradación de la luz que otorga a sus
pinturas una gran naturalidad, ayuda a crear volumen
• sus investigaciones científicas -áreas de anatomía,
óptica e hidráulica — anticiparon muchos de los avances
de la ciencia moderna
• Estudiaba cuidadosamente la composición de sus obras
• Última Cena, donde las figuras se ajustan a un esquema
geométrico
• dosis de misterio
• Gioconda
• La Virgen de las Rocas.

• 1466 Entra como
discipulo al taller de
Andrea del Verrocchio.
• 1470 Participa como
colaborador en el cuadro
Il Battesimo di Cristo de
Verrocchio.
• 1481 Adorazione dei Magi
(obra inconclusa)
encargada por los monjes
de San Donato de
Scopeto.

Madonna de Benois 1478 Museé de l’Ermitage. San Petersburgo
• Óleo sobre madera,
transferido a tela 48 x 31
cm.
• Las dos figuras de la
Madre y el niño, está
dispuestas sobre la tela
de modo tal que el centro
de la composición sea la
flor con la que ambos
juegan, según algunos
los 4 pétalos serían una
alegoría de la crucifixión.
Una ventana sobre la
derecha rompe el fondo.

Ginebra de Benci 1474 National Gallery, Washington
• Tempera y óleo sobre tabla
(38,8 x 36,7 cm); La sombra
del ginepro exalta la claridad
expresiva del rostro de la
mujer, cuyo color de piel
evoluciona después en el
peinado y sucesivamente, en
aquel de la vestidura y del
fondo paisajístico, según un
continuum cromatico que
testimonia la capacidad de
da Vinci en el uso del tono
marrón castaño en varias
tonalidades.

San Gerolamo 1481 Pinacoteca Vaticana
• Tempera y óleo sobre
tabla(103 x 75 cm)
• Dividida en dos partes:
en efecto, la cabeza fue
cortada en dos partes
sobre un banco de
zapatero y el resto se
convirtió en puerta de
una tienda de un
prestamista , actualmente
se puede notar el
recuadro alrededor de la
cabeza de San
Gerolamo.

Virgen de las rocas 1483-1485 Louvre, París, y 1505, National Gallery, Londres
• Aplicación de un
esquema compositivo
triangular que encierra a
la Virgen, el Niño, san
Juan y el ángel, y por otro
lado, utiliza por primera
vez la técnica del sfumato
(eliminación de los
contornos nítidos y
precisos de las líneas
diluyéndolos en una
neblina que produce el
efecto de inmersión en la
atmósfera)

Il Cenacolo 1495-1497
Mural para el refectorio del monasterio de Santa Maria delle Grazie, Milano.
Desgraciadamente, el empleo de una técnica experimental de pintura al óleo sobre yeso seco
provocó problemas técnicos que condujeron a su rápido deterioro hacia el año 1500.

La Dama dell’ Ermellino Museo Czartoryski, Cracovia
• Cecilia Gallerani (1473 -
1536) era de noble
familia y fue una de las
amantes de Ludovico
Sforza "il Moro"; esposa
del conde Carminati de'
Brambilla llamado el
“Bergamino" feudatario
del castillo di San
Giovanni in Croce.

La Gioconda
• Ejemplo consumado de dos
técnicas — el sfumato y el
claroscuro
• El sfumato se hace evidente
en las gasas del manto y en la
sonrisa. El claroscuro es la
técnica de modelar las formas
a través del contraste de luces
y sombras.
• Uso de la perspectiva
atmosférica (creación de
efectos de lejanía aplicando el
sfumato y otros recursos
ambientales).

Michelangelo Buonarroti
“Miguel Angel”
(1475-1564),
• Se dedicó a la pintura de
forma esporádica, a petición
de algunos admiradores de su
obra, sobre todo el papa Julio
II. Los frescos de la Capilla
Sixtina muestran el
atormentado mundo interior de
este artista, poblado de figuras
monumentales, sólidas y
tridimensionales como si
fueran esculturas, y de
llamativa presencia física. En
su obra cobra mucha
importancia el desnudo, aun
cuando la casi totalidad de la
misma fue hecha para decorar
iglesias
• A los 13 años empieza como
discípulo de Domenico
Ghirlandaio.
• Dos años después comienza a
frecuentar las tertulias
organizadas por Lorenzo el
Magnifico

• 1505, Michelangelo es llamado
a Roma por Julio II para realizar
dos encargos.
• La decoración al fresco de la
bóveda de la Capilla Sixtina,
que lo ocupó entre 1508 y
1512, 24 años antes de
comenzar, en 1536, el Juicio
Final.
• Desarrolló un intrincado
sistema decorativo-iconográfico
en el que se incluyen nueve
escenas del libro del Génesis,
la Separación de la luz y las
tinieblas
• Estas imponentes y poderosas
imágenes confirman el perfecto
conocimiento que sobre la
anatomía y el movimiento
humanos poseía Miguel Ángel,
cambiando con ello el devenir
de la pintura occidental.

• Enmarcando estas
escenas principales
que recorren
longitudinalmente
todo el cuerpo
central de la bóveda,
se alternan
imágenes de
profetas y sibilas
sobre tronos de
mármol, junto con
otros temas del
Antiguo Testamento
y los antepasados de
Cristo.

El Juicio Final
• 1536 comenzó a trabajar en el fresco del Juicio
Final para decorar la pared situada tras el altar
de la Capilla Sistina, concluyendo en 1541.
• Cristo, en actitud de juez, se convierte en el
centro de la composición; a la izquierda, la
salvación de las almas que van ascendiendo al
cielo; a la derecha, los condenados que van
cayendo a un infierno dantesco.
• El propio Miguel Ángel aparece retratado en la
piel desollada de san Bartolomé, a los pies de
Cristo.

Raffaello Sanzio 1483 – 1520
“RAFAEL”
• Busca ante todo la grazia, o belleza equilibrada
y serena. Sus Madonnas recogen las
novedades de Leonardo en lo que se refiere a
composición y claroscuro, añadiendo una
característica dulzura.
• Primera obra documentada el Pala Baronci, una
pala de altar para la iglesia de San Nicolás de
Tolentino.
• Pintó otras obras para las iglesias de Perugia y
Città di Castello, entre las cuales destaca
Sposalizio della Vergine

• Pala Baronci Retablo, óleo sobre madera.

Angelo 1501
• Oleo sobre madera 31 x 27 cm

Sposalizio della Vergine 1504
• Representación mecánica,
calibrada y calculada. Enlaza
la parte superior de la tabla
con la inferior usando las losas
del pavimento, que subrayan
la fuga de perspectiva, y de las
apropiadas disposiciones de
las figuras.
• El sacerdote es de el centro
focal, está entre la Virgen y las
mujeres, y san José, y todos
los hombres.
• Las figuras se inscriben en un
semicírculo, forma circular que
se reitera en el templo del
fondo y en la forma superior
de la tabla.

• Madonna col Bambino, san Giovannino e un santo bambino
oleo sobre madera 87 cm 1504 - 1505

• La bella giardiniera (Madonna con il Bambino e San
Giovannino) Oleo sobre madera 122 x 80 cm 1507

• Scuola di Atene Representa la Filosofía, se narra una sesión entre los filósofos clásicos. Adapta el espacio a las
leyes de la superficie. Ordena las figuras de izquierda a derecha. La perspectiva queda rota por los muros
laterales sobresalientes

1: Zenón de Citio o Zenón de Elea – 2: Epicuro – 3: Federico II Gonzaga – 4: Bohemio o
Anaximandro o Empedocles – 5: Averroes – 6: Pitágoras – 7: Alcibíades o Alejandro Magno –
8:Antístenes o Jenofonte – 9: Hipatía o el joven Francesco Maria della Rovere – 10: Esquines o
Jenofonte – 11: Parménides – 12: Sócrates – 13: Heráclito (pintado como Miguel Ángel) – 14:
Platón sosteniendo el Timeo (pintado como Leonardo da Vinci) – 15: Aristóteles sosteniendo la
Etica – 16: Diógenes de Sinope – 17: Plotino? – 18: Euclides o Arquímedes junto a un grupo de
estudiantes (pintado como Bramante)? – 19: Estrabón o Zoroastro? – 20: Claudio Ptolomeo –
R: Rafael como Apeles – 21: El Sodoma como Protógenes

• Aunque se seguirán haciendo obras religiosas,
• Se advierte un claro aire profano
• Se reintroduce el desnudo y el interés por la anatomía
• Aparecen nuevas tipologías técnicas y formales,
• El relieve en stiacciato (altorrelieve con muy poco resalte, casi plano)
• El tondo, o composición en forma de disco
• Aparece un inusitado interés por la perspectiva, derivado de las
investigaciones arquitectónicas coetáneas, y el mismo se plasma en
relieves, retablos, sepulcros y grupos escultóricos.
• Mármol
• Escultura monumental en bronce
• También la iconografía se renueva con temas mitológicos, alegóricos
y heroicos.
Escultura

Nuevas Técnicas en la Escultura
El relieve en stiacciato (altorrelieve con muy poco resalte, casi plano)
San Jorge salva a la princesa, primer ejemplo
de relive en stiacciato y perspectiva central
por Donatello.
El Tondo Taddei, en la Royal Academy of Arts de
Londres.

Donatello (Donato di Niccolò di Betto Bardi)
• Escultor florentino (1386-1466)
• 1403 ingresa como ayudante a la bodega
de Lorenzo Ghiberti.
• PERIODO FORMATIVO (1403-1425)
Influencias de la escultura gótica, con
tendencia clásica y realista.

San Marco (1411-1412) Chiesa di Orsanmichele)

San Giorgio (1415-1417) Bargello-Firenze.

San Giovanni Evangelista (1413-1417) Opera del Duomo di Firenze.

• SEGUNDO PERIODO (1425-1433)
1425-1435 Trabaja con el escultor y
arquitecto florentino Michelozzo
Obras:
Monumento decicado a Bartolomeo
Aragazzi (Duomo di Montepulciano)

Il David (1430-1435)
• Primera escultura
renacentista de un
desnudo
• Marca un alejamiento
de la rígida
verticalidad
característica de la
escultura gótica.

Il Gattamelata (Erasmo di Narni) Tercer Período
• Estatua ecuestre en
bronce sobre pedestal de
mármol.
• inspirada en la escultura
ecuestre del emperador
romano Marco Aurelio.
• La trabajó en terracota y
madera, hizo uso de la
perspectiva de
Brunelleschi para
ejecutar sus relieves.

Giuditta e Oloferne (ca. 1455); Sala dei Gigli, Palazzo Vecchio

Escultura

Michelangelo Buonarroti
(1475-1564),
• Al los 16 años realiza Battaglia tra Lapiti e Centauri Combate de los
lapitas y los centauros y la Madonna della scala

• 1492 Fallece su mecenas Lorenzo el
Magnifico y dos Años después abandona
la ciudad.
• 1494- 1495 Fija su residencia en Bologna.
• Se traslada a Roma y realizasu primera
escultura a gran escala, Baco (1496-1498,
Museo del Bargello, Firenze

La Pietá 1498-1500
• Se trata de una escultura de
bulto redondo sobre
pedestal. Mide 174 cm de
alto, por 195 cm de ancho,
por 69 cm de profundidad.
De composición piramidal, el
tipo predilecto durante el
renacimiento, el eje vertical
de María se contrapone a la
horizontalidad del Cristo, que
yace sobre las piernas de su
madre casi desnudo,
contrastando con los
pliegues de las vestiduras de
la Virgen. El volumen de
María delimita y proporciona
un entorno cerrado para el
grupo escultórico.

• La Virgen rostro bellamente idealizado y
extrañamente juvenil debido al
idealismo propio del siglo XV, alusión
a la pureza inmaculada de María.
• Expresión: una piadosa resignación,
propia de la contención y del equilibrio
renacentista.
• Rico modelado de los pliegues de su
vestido contrasta con el cuerpo
desnudo de Jesucristo, cubierto sólo
con el paño de pureza.
• Se muestra a la perfección su
anatomía.
• Del cuerpo del Cristo yacente han
desaparecido todos los signos de la
Pasión.
• Miguel Ángel no busca la
representación objetiva de la muerte,
sino expresar su propia visión
religiosa en ese rostro abandonado y
sereno.
• Diferencia entre ambos cuerpos: el de
la Virgen parece excesivamente
grande en comparación con el de su
hijo, aunque el rostro de este parece
más maduro que el de su madre.

David 1501-1504
• David aparece representado como
un joven atleta desnudo,
musculoso, en tensión, con la
mirada fija en la distancia,
buscando a su enemigo.
• La intensa y penetrante mirada, la
fuerza expresiva que emana del
rostro es el mejor ejemplo de la
terribilità miguelangiolesca.
• Es la escultura más famosa de
Miguel Ángel, llegó a convertirse
en el símbolo de Florencia,
colocada en un principio en la
Piazza della Signoria, frente al
Palazzo Vecchio. sede del
ayuntamiento de la ciudad.
• 1910 se colocó en ese lugar una
copia del original que se
encuentra en la Academia.

• 1505, Mihelangelo recibe el encargo
del papa Julio II de realizar su tumba
• Planeada como la más magnífica y
grandiosa de toda la cristiandad, para
ser emplazada en la nueva basílica de
San Pedro.
• Comprendía la talla de más de 40
figuras.
• La escasez de dinero, llevó al Papa a
ordenar a Miguel Ángel abandonar el
proyecto en favor de la decoración del
techo de la Sixtina.
• Mihelangelo lleva a termino algunas
de sus mejores esculturas con destino
a la tumba de Julio II, entre las que
destaca el Moisés (c. 1515), figura
central de la nueva tumba. El
musculoso patriarca aparece sentado
en actitud vigilante dentro de un nicho
de escasa profundidad, sosteniendo
las tablas de la ley y con su larga
barba entrelazada en sus poderosas
manos. Parece distante, en
comunicación directa con Dios, y con
una mirada que resume a la
perfección la sensación de terribilità.

• Otras dos magníficas estatuas destinadas a
esta tumba, demuestran claramente los modos
miguelangiolescos de abordar la escultura.
Concibió las figuras como seres atrapados en el
bloque marmóreo, que al ser tallados van
liberando sus formas. Aquí, como en muchas
otras obras suyas, deja las formas inacabadas
(non finito), algunas veces por considerar que
ésa era la forma deseada y otras por haber
abandonado el proyecto durante su realización.

Schiavo morente y Schiavo ribelle 1510-1513, Louvre, París

Tombe Medicee
• Una de las tumbas se destinó a Lorenzo II de
Medici, duque de Urbino (1492-1519); la otra a
Giuliano de Medici, duque de Nemour (1479-
1515).
• Se concibieron como representación de dos
actitudes yuxtapuestas: la de Lorenzo,
contemplativa, introspectiva; la de Giuliano,
activa, extrovertida.
• Dispuso también sobre ellas magníficas figuras
desnudas personificando a la Aurora y el
Crepúsculo, bajo la figura sedente de Lorenzo, y
el Día y la Noche bajo la de Giuliano

San Pietro
• Obra cumbre de Michelangelo como arquitecto
fue la basílica de San Pedro, con su
impresionante cúpula.
• Siguiendo el esquema de Bramante, diseñó un
templo de planta de cruz griega coronado por
una espaciosa y monumental cúpula sobre
pechinas de 42 metros de diámetro.
• Posteriormente, Carlo Maderno modificó la
planta original y la transformó en una planta de
cruz latina.

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