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EL QUATROCENTO
Primer periodo del renacimiento
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Análisis Crítico de la Arquitectura y el Arte II
Equipo #2
Libertad Mares
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Sergio Calvario
Elías Duarte
Daniel Vázquez
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2. Índice
Introducción ....................................................................................................................................... 2
El renacimiento: El Cuatrocento ........................................................................................................ 3
Características del Quatrocento .................................................................................................. 4
Características de la Pintura en el Quatrocento ................................................................................ 5
Evolución del estilo.......................................................................................................................... 6
Técnicas utilizadas...................................................................................................................... 10
Biografía y pinturas de Donatello.............................................................................................. 11
Biografía y pinturas de Massaccio ............................................................................................. 17
Biografía y pinturas de FraAngelico .......................................................................................... 23
Biografía y tratado de LeonBattista Alberti .............................................................................. 30
Biografía y pinturas de Sandro Boticelli .................................................................................... 36
Características de la Escultura en el Quatrocento........................................................................... 44
Biografía y esculturas de Lorenzo Ghiberti ................................................................................... 46
Biografía y esculturas de Donatello .......................................................................................... 64
Tratado de LeonBattista Alberti ................................................................................................ 70
Biografía y esculturas de Sandro Andrea del Verrochio ........................................................... 71
Orígenes de la Arquitectura renacentista........................................................................................ 75
Características generales de la arquitectura del Quatrocento ..................................................... 76
Biografía y obras de Filippo Brunelleschi ................................................................................... 77
Biografía y obras de LeonBattista Alberti.................................................................................. 84
Biografía y tratado de Giacomo BarozzidaVignola.................................................................... 90
Biografía y esculturas de Marco Vitruvio .................................................................................. 96
Biografía y tratado de Filarete .................................................................................................. 98
Artes menores ................................................................................................................................ 101
Bibliografía ..................................................................................................................................... 102
Conclusiones .................................................................................................................................. 104
1

3. INTRODUCCION
Se denomina Quattrocento al periodo del arte italiano correspondiente
al siglo XIV comprendido dentro de la corriente renacentista,
encontrándose de esta manera también la aplicación de las
denominaciones de Primer Renacimiento o Bajo Renacimiento para la
designación de dicho momento.
Este siglo fue un siglo de descubrimiento por parte de la comunidad
artística durante el que la república de Florencia se constituirá en sede
central de la misma, gracias al apoyo de mecenazgo realizado por
parte de grandes familias como los Médicis y al extraordinario
desarrollo económico del que fue protagonista.
En las diferentes corrientes artísticas surgieron cambios drásticos y
humanísticos favorables con la participación de grandes artistas, que
aportaron conocimientos y nuevos estilos.
En este trabajo estudiaremos los inicios de pintura, escultura y
arquitectura renacentista; personajes destacados del ―Quatrocento‖
como lo son: Donatello, Masaccio, FraAngelico, LeonBattista Alberti,
Sandro Boticelli, LorezonGhiberti, Andrea del Verrochio, Filippo
Brunelleschi, Vignola, Marco Vitruvio y Filarete, que poco a poco irán
marcando la diferencia entre un arte gótico y arte renacentista.
2

4. EL RENACIMIENTO: EL QUATTROCENTO
ITALIANO
El Quattrocento (término que en castellano significa cuatrocientos, por los
años pertenecientes al siglo XV) es uno de los períodos más importantes
del panorama artístico europeo. Se sitúa a lo largo de todo el siglo XV y es
la primera fase del movimiento conocido como renacimiento.
Características
El Quattrocento (1401-1500) se inició en Florencia impulsado por la familia
Médici. En esta época aparece la figura del artista y creador en detrimento
del anonimato. Surge el taller del maestro, que es quien recibe los encargos
de los clientes. Este hecho podría sindicarse como el nacimiento de la
categoría deautor. El hombre es la obra más perfecta de Dios. Se pinta la
figura humana independientemente de lo que represente.
En este arte evolucionan técnicas de pintura, consiguiendo la perspectiva;
en escultura se vuelve a la imitación de la clásica griega y romana, y con
respecto a la arquitectura hay un retorno a las líneas del arte griego y
romano.
Los máximos exponentes de esta época son:
Escultura: los escultores se interesaron por representar el cuerpo
humano, como Donatello y Ghiberti.
Pintura: aplicaron en los cuadros la perspectiva, representando la
profundidad, como Masaccio, Fra Angélico, Sandro Botticelli, Piero della
Francesca, Paolo
Uccello, Filippo
Lippi y Andrea Mantegna.
Arquitectura: los arquitectos
buscaron el dominio del
espacio introduciendo
elementos simples y
proporcionados,
como Filippo
Brunelleschi y LeonBattista
Alberti.
3

5. Periodización
-1400 a 1500= Renacimiento temprano o Quattrocento
CARACTERÍSTICAS GENERALES DEL ARTE RENACENTISTA
-Imitación de la arquitectura y la escultura de Grecia y Roma.
- Realización de una belleza ideal, ajustada a cánones dictados por la
razón.
-Búsqueda de la serenidad y el equilibrio que proceden de la armonía del
todo.
-Creación de obras, cuya claridad y perfección, atributos exigidos por la
razón
universal, les dan una validez permanente.
-Es narrativa: expone historias y sucesos, reales o ficticios, sacados de la
religión, de la mitología o de la historia.
-Es realista: las figuras humanas o de animales, y los objetos inanimados
están
reproducidos con el mayor cuidado.
-El cuadro se presenta con la perspectiva geométrica y da la ilusión de
profundidad.
-Se da interés preferente al cuerpo humano, en particular al desnudo, cuya
anatomía se estudia y copia cuidadosamente.
4

6. PINTURA DEL QUATTROCENTO
La pintura del Quattrocento se enmarca dentro del Renacimiento. Se desarrolló, como su
nombre indica, en la Italia del siglo XV. Sus características principales son, junto a la
evocación de lo antiguo, la observación de la naturaleza de manera que se pueda reflejar
fielmente en la pintura. El dominio de la perspectiva hace que se supere la
bidimensionalidad de la superficie pictórica.
CARACTERISTICAS
La técnica que predominantemente que se utiliza sigue siendo el mural, tanto
en capillas, conventos e iglesias, como en los palacios renacentistas., se pinta sobre
tabla e incluso sobre determinados muebles, como los arcones o los cassone de bodas,
muy populares en el Renacimiento italiano. Sigue usándose la pintura al temple, en la que
el aglutinante es el huevo o la cola. Sólo en la segunda mitad de siglo, y empezando
por Venecia comienza a introducirse el óleo.
Siguen siendo predominantes los temas religiosos, aunque los mecenas privados
comienzan a encargar otros asuntos, como la Mitología o las escenas históricas.
Estos artistas se diferenciaron del gótico precedente al colocar las figuras en
espacios arquitectónicos que procuran representar con la debida perspectiva. El centro de
atención es la figura humana, generalmente idealizada, estudiada en diversas posturas y
movimientos. Las proporciones humanas volvieron a normalizarse. Se perfeccionó así la
tridimensionalidad y se sentaron las bases del estilo renacentista.
5

7. EVOLUCION DEL ESTILO
En un primer momento, hay una serie de pintores que enlazan perfectamente con
el gótico internacional. Mantienen rasgos como los fondos dorados de las
imágenes religiosas o la atención minuciosa al detalle. Como figura que anticipa
el Quattrocento puede citarse, en el centro de Italia, a Gentile da
Fabriano (h. 1370 - h. 1427), perteneciente al estilo gótico internacional.
Dos pintores contemporáneos que, partiendo del gótico internacional, están ya
trabajando en algo distinto, son Fra Angélico (h. 1390 – 1455)
en Florencia y Pisanello (h. 1395-1455) en el Norte de Italia. El primero de ellos
realiza obras religiosas de un gran idealismo, en las que introduce
elementos clásicos en la decoración. Destacan las obras que de él se conservan
en el Convento de San Marcos de Florencia y los frescos, posiblemente pintados
por ayudantes a partir de diseños suyos, en la capilla del papa Nicolás
V del Vaticano, con episodios de las Vidas de san Lorenzo y de san
Esteban (1447-1449).
Pisanello, por su parte, fue uno de los más distinguidos pintores de su época. Se
le conoce sobre todo por sus frescos de grandes dimensiones, llenos de pequeñas
figuras. Su color es brillante y el trazo, preciso, mostrando gran minuciosidad en
los detalles. Finalmente, cabe mencionar, en este primer momento y como figura
de transición hacia una generación posterior, a Masolino da Panicale (1383–1440),
el maestro de Masaccio (1401-1428). Masolino se distinguió por una mayor
preocupación por la representación fiel del espacio. Este rasgo lo tomaría su
alumno, que perfecciona las reglas de la perspectiva hasta el punto de que
muchos de sus cuadros parecen perfectos trampantojos. Destacan los frescos que
realizó para la Capilla Brancacci en la iglesia del Carmen de Florencia.
Con Masaccio se pone en evidencia una tendencia más hacia el estudio de
la perspectiva. Estos pintores florentinos crean pinturas de carácter monumental
en las que introducen elementos de la antigüedad grecorromana. A partir de este
momento, varios cuadros experimentaron estudio de perspectiva, como el famoso
cuadro de Piero della Francesca Vista de una ciudad ideal en donde se trabaja
con la perspectiva central a un punto de fuga. Otro punto que se puso en práctica
fue el escorzo, el cual era una de las técnicas más difíciles. Precisamente el este
aspecto destaca Paolo Ucello (1397-1475) quien se esforzó por representar la
figura humana desde todas las perspectivas posibles. Sus Cuadros de Batalla
6

8. contienen escorzos forzados que demuestran su maestría a la hora de reflejar
posturas diversas. Andrea del Castagno (1421 - 1457), influido por
MasaccioyGiotto, se centra igualmente en la figura humana, a la que dota de una
monumentalidad prácticamente escultórica. Sus obras incluyen frescos en el
Cenáculo de Santa Apolonia de Florencia y la pintada Estatua ecuestre de Niccolò
da Tolentino (1456) en la Catedral de Florencia. Piero della Francesca (1416-
1492) es la figura cumbre de esta tendencia. Armonizó lo intelectual (es autor de
un tratado sobre la perspectiva pictórica) con lo científico. Destaca el uso que hace
de la luz como un elemento simbólico. A él se deben los frescos de San
Francisco de Arezzo.
Esta primera generación florentina acaba con la obra de Fra Filippo Lippi (1406 –
1469), discípulo de Masaccio, quien dentro de su pintura religiosa, sobresale por la
originalidad del paisaje y la elegancia nerviosa en el dibujo, que influyó
decisivamente en Botticelli.
Se produce en este momento una mayor complejidad en el estilo. Frente a
la perspectiva y la monumentalidad anteriores, se tiende más a la búsqueda
del dinamismo. Igualmente, se introducen numerosos detalles cotidianos que dan
más vivacidad a las escena.
Dentro de esta tendencia cabe situar a la segunda generación florentina, que se
hace muy refinada; mantiene los fondos de arquitectura clásica, pero introduce
elementos concretos de la vida cotidiana.BenozzoGozzoli (h. 1421- 1497) es un
pintor de frescos alumno de Fra Angélico. En 1459 comenzó la decoración de
la Capilla de Los Magos, en el Palacio Medici Riccardi, donde se encuentra su
obra más conocida, el «Viaje de los magos». DomenicoGhirlandaio (1449-1494)
muestra su preocupación por los detalles cotidianos en los objetos y las
vestimentas, de manera que más que pintura religiosa parece en ocasiones
de género. Esta segunda generación tiene en Sandro Botticelli (1445-1510) su
figura cumbre. Protegido de los Médicis, crea escenas mitológicas refinadas, de
contornos precisos, líneas sinuosas y gran atención al detalle. En Botticelli se
encuentra el modelo de mujer cuatrocentista, en sus representaciones
de SimonettaVespucci. En sus últimos años se dedicó a la pintura religiosa, una
vez que los Médicis fueron expulsados del gobierno de Florencia y con el
puritanismo de Savonarola dominando la República. Varias de sus obras fueron
quemadas en la hoguera de las vanidades.
Otros autores florentinos de la época fueron FilippinoLippi (h. 1457 –1504), los
hermanos Pollaiolo (Antonio Benci 1432-1498 y Piero Benci 1441-1496),Andrea
del Verrocchio (h. 1435 – 1488, maestro de Leonardo) y Piero di Cosimo (1462-
1522).
7

9. En la zona central de Italia surge la Escuela de Umbría, que presta particular
atención al marco en que se encuadraban las escenas religiosas, creándose
un paisaje sereno y armonioso que posteriormente se transmitió a la obra
de Rafael, pues su maestro, Pietro Vanucci, llamado el Perugino (1450-1523),
perteneció a esta corriente. Destacó el Perugino por sus personajes afeminados y
sentimentales, dentro de un orden simétrico. Pintó la «Entrega de las llaves a San
Pedro» en la Capilla Sixtina, obra que logra la tridimensionalidad y recuerda en su
composición, inevitablemente, a Los desposorios de la Virgen de Rafael. Pese a
cultivar casi exclusivamente la pintura religiosa, era conocido su ateísmo, a lo que
algunos atribuyen la monotonía de las imágenes: todos los personajes tienen las
mismas facciones, hasta el punto de parecer de la misma familia, y el paisaje
siempre es el mismo, el propio de Perugia; sin embargo, destaca en su obra la
composición espacial: dota a sus cuadros de gran profundidad, permitiendo que la
vista alcance hasta planos muy alejados, pudiéndose casi captar la atmósfera, el
aire, el espacio entre las figuras. Perugino inspiró en un principio
a Pinturicchio (1454-1513), quien después evolucionó hacia un estilo más
personal, inclinado por la anécdota y el lujo. Se le conoce sobre todo por los
frescos de los Aposentos de los Borgia en el Vaticano y los de la Biblioteca de
la Catedral de Siena, a iniciativa del cardenal Francisco Piccolomini, sobrino del
papa Pío II, cuya vida allí se representa.
Un último cuatrocentista de la zona de Umbría es Luca Signorelli (h. 1445-1523),
con una obra muy personal que anticipa algunos rasgos que pueden verse
después en Miguel Ángel. Formado en Florencia, viajó constantemente a lo largo
de su dilatada existencia, pero conservó siempre el arte de la Umbría. Gusta de
representar el cuerpo humano en diferentes posturas, con gran tensión
y dramatismo, como puede verse en su «Caída de los condenados», fresco en
la Catedral de Orvieto (1499-1503), admirado por Miguel Ángel, que le copió
algunas de sus composiciones. Estos frescos realizados en la capilla de San
Brizio, de la catedral de Orvieto, son considerados su obra maestra. En estos
grandes frescos se pone en evidencia la familiaridad de Signorelli con la Divina
Comedia de Dante.
Más al norte, hay dos escuelas locales, las de Padua y Ferrara. En la primera
destaca Andrea Mantegna (h.1431-1506), quien se complace en mostrar su gran
habilidad con la perspectiva, realizando monumentales representaciones de los
cuerpos humanos casi estatuarias. Aunque reproduce paisajes de la región, como
puede verse en el Tránsito de la Virgen también conoce la arquitectura clásica e
introduce fielmente en sus obras arcos de triunfo antiguos y bóvedas clásicas.
Recibe influencia de Altichiero, de quien conoció la capilla Lido con leyendas de
San Jorge, de Donatello que dejó en Padua lo mejor de su obra como
8

10. el Gattamelata y finalmente de Giotto cuya Capilla de los Scrovegni pintó por
completo. Un ejemplo paradigmático de su estilo es su Cristo muerto (h. 1500-
1505). Emparentado por matrimonio con los Bellini, su obra se relaciona más con
Venecia que con Florencia o Milán; además de trabajar en Venecia y Roma, lo
hizo en Verona (el Tríptico de San Zenón) y, finalmente, fue llamado a la corte
de Mantua, donde realizó numerosas obras para los Gonzaga.
En Ferrara predomina la influencia flamenca en la obra de artistas como Cosimo
Tura (h. 1430-1495) y Francesco del Cossa (h.1436-h. 1477).
Finalmente, en Venecia comienza una escuela regional propia, que siente las
influencias orientales del mismo modo que le alcanzan antes los avances técnicos
del Norte de Europa. Antonello da Messina, siciliano, se formó en Flandes, y a su
vuelta a Italia trabajó en el norte de la Península, donde difundió el uso del óleo y
también el tratamiento objetivo de la realidad a la hora de representarla en un
cuadro. Características de esta escuela es su gusto por el Cromatismo y también
la importancia que se le da a la representación realista del paisaje. Las figuras
más emblemáticas de este momento pertenecen a la familia Bellini
(Jacopo, Gentile y Giovanni), siendo el más destacado de sus miembros Giovanni
Bellini (h. 1424 - 1516) en cuyo taller se formarían Giorgione y Tiziano. Artistas
venecianos menores fueron VittoreCarpaccio (h. 1460-h. 1525) y Carlo
Crivelli (h. 1435 – h.1495).
Leonardo da Vinci (1452-1519), prácticamente coetáneo del Perugino, puede
considerarse el último cuatrocentista. No obstante, normalmente se le estudia
dentro de la pintura del Cinquecento, junto con Rafael y Miguel Ángel.
9

11. TECNICAS UTILIZADAS
Trampantojo
Un trampantojo es una técnica pictórica que intenta engañar la vista jugando con
la perspectiva y otros efectos ópticos.
Los trampantojos suelen ser pinturas murales realistas creadas deliberadamente
para ofrecer una perspectiva falsa. Pueden ser interiores (que representan
muebles, ventanas, puertas o otras escenas más complejas) o exteriores, en
muros de edificios.
Escorzo
Es el término usado para referirnos a un cuerpo en posición oblicua o
perpendicular a nuestro nivel visual. El efecto de escorzo existe en todos los
cuerpos con volumen.
Cuando la proyección de un objeto no es ortogonal y se produce una contracción
proyectiva. P.e. ―Lamentación ante Cristo muerto‖ de A. Mantegna y ―Sonrisa‖ de
A. Rodchenko. Según Arnheim, también hay escorzo cuando aun existiendo
proyección ortogonal, la imagen no ofrece un aspecto característico de la totalidad.
Dice que, en realidad, toda proyección implica escorzo, ya que todas las partes de
un objeto representado sufren una deformación de sus proporciones al ser
trasladadas de su forma tridimensional al plano bidimensional. Para entenderlo
mejor, un escorzo de la figura humana por ejemplo sería aquella parte del cuerpo
que fuese en dirección al espectador. El escorzo de una mano sería dibujarlo o
esculpirlo de manera que la palma se muestre en paralelo al suelo, haciendo que
el espectador solo pueda observar de ella la punta de los dedos.
PUNTO DE FUGA
Un punto de fuga, en un sistema de proyección cónica, es el lugar geométrico en
el cual las proyecciones de las rectas paralelas a una dirección dada en el
espacio, no paralelas al plano de proyección, convergen. Es un punto impropio,
situado en el infinito. Existen tantos puntos de fuga como direcciones en el
espacio. Un punto de fuga correspondiente a una dirección dada en el espacio
10

12. queda definido mediante la intersección entre el plano de proyección y un rayo con
dicha dirección trazado desde el origen (o punto de vista)
DONATELLO
Obra
Fue uno de los padres del renacimiento. Donatello se destacó en una fuerza innovadora
en el campo de la escultura monumental y en el tratamiento de los relieves, donde logró
representar una gran profundidad dentro de un mínimo plano, denominándose con el
nombre de stiacciato, es decir «relieve aplanado o aplastado».
El David de mármol para la catedral de Santa María del Fiore en Florencia, fue su primera
obra documentada entre 1444 y 1446. En los años sucesivos realizó numerosas obras en
mármol, terracota, bronce y madera para diversos mecenas y ciudades. Regresó a
Florencia en el año 1459 con el encargo de modelar unas placas en bronce para la
Basílica de San Lorenzo y durante su elaboración falleció en diciembre de 1466.1
Entre sus obras más importantes se encuentran el David de bronce en el museo del
Bargello, el Púlpito exterior de la catedral de Prato, la estatua ecuestre de Gattamelata en
Padua, la María Magdalena penitente en el museo dell'Opera del Duomo en Florencia y
Judith y Holofernes en el Palacio Vecchio.2
11

13. Biografía
Donatello fue el hijo de Nicolo di Betto Bardi, un cardador de lana, y nació en Florencia,
probablemente en 1386. Su padre era de vida tumultuosa que participó en la revuelta de
los Ciompi, un levantamiento popular del año 1378, organizado por los cardadores de
lana. Nicolás Maquiavelo describió esta revuelta años más tarde (1520-1525), dentro de
su Historia de Florencia. Más tarde, su padre, también participó en otras acciones en
contra de Florencia, que le condujeron a ser condenado a muerte y después indultado, fue
un personaje muy diferente a su hijo, que era noble, elegante y delicado, por sus amigos y
demás artistas era conocido bajo el nombre de Donatello.4
Según unos informes de Vasari, el artista pasó sus últimos días abandonado por la
fortuna, sus últimos años a consecuencia de una enfermedad paralizante los pasó en la
cama y sin poder trabajar.
Murió en Florencia en el año 1466 y se dispuso su enterramiento en la Basílica de San
Lorenzo en la cripta debajo del altar y al lado de la tumba de Cosme el Viejo. Entre los
hombres que portaron el ataúd se encontraba Andrea della Robbia.5 El cenotafio de
Donatello fue realizado en 1896 por el escultor RaffaelloRomanelli.
A su muerte aún le quedó la deuda de 34 florines de pago por el alquiler de su casa y esto
ha dado lugar a debatir sobre su estado real de pobreza, pero la cuestión parece más
bien relacionada con su total indiferencia en los asuntos financieros, que en toda su vida
demostró tener el artista, por las cuestiones económicas. Muchas anécdotas dan
testimonio de esta actitud, como cuando en el momento de su mayor apogeo de trabajo
en su taller, solía colgar una cesta llena de dinero, del que sus ayudantes podían
aprovechar libremente, según fuera necesario. Los honorarios que recibió por su trabajo
le habían asegurado grandes ganancias y también por otra parte Cosme de Médicis le
había concedido una paga vitalicia semanal hasta el fin de su vida.
12

14. EJEMPLOS DE PINTURAS
las Historias de San Juan Evangelista, donde se tiene en cuenta el punto de fuga
óptico con los espectadores que las contemplan desde abajo. Los tondos con los
relatos de San Juan Evangelista (1428-1432) en las pechinas de la cúpula,
estaban pintados al estuco con los colores blanco, rojo ladrillo y azul.
San Juan Evangelista en patmos
13

15. Resurrección de Drusiana.
14

16. Martirio de san Juan Evangelista
15

17. Ascensión de San Juan Evangelista
16

18. MASACCIO
Obra
A pesar de la brevedad de su vida, su obra tuvo una importancia decisiva en la
historia de la pintura: generalmente se considera que fue el primero en aplicar a la
pintura las leyes de la perspectiva científica, desarrolladas por Brunelleschi.
Biografía
Nació en Castel San Giovanni, hoy San Giovanni Valdarno, el 21 de diciembre de
1401, hijo del notario Giovanni di Mone Cassai y de su esposa Jacopa di
Martinozzo. El apellido Cassai procede del nombre de la actividad a que se
dedicaba la familia paterna de Masaccio: eran ebanistas (en italiano, cassai). En
1406, coincidiendo con el nacimiento del segundo hijo del matrimonio, Giovanni —
que recibiría luego el sobrenombre de «el Scheggia»—, muere el padre. La madre
volvió a contraer matrimonio con el mercader de especias Tedesco di Mastro Feo,
también viudo, y con dos hijas, que murió el 7 de agosto de 1417.
Masaccio se trasladó a Florencia entre 1417 y 1421, tal vez a causa de la muerte
de su padrastro. Existen documentos que demuestran que la madre de Masaccio
alquiló una casa en esta ciudad, en el barrio de San NiccolòOltrarno, seguramente
como vivienda para su hijo, ya que ella continuó viviendo en casa de su difunto
marido. Es posible que el joven artista comenzara su andadura en Florencia en el
taller de Bicci di Lorenzo o en el de algún otro. El 7 de enero de 1422 se inscribió
en el Arte (gremio) de médicos y especieros, lo cual indica que ejercía ya como
pintor autónomo en la ciudad del Arno.
Su primera obra segura es el tríptico para San Juvenal de Casia, que lleva la
fecha, en la tabla central, de 23 de abril de 1422: ANNO DOMINI MCCCCXXII A
DI VENTITRE D’AP[RILE]. Es posible, según da a entender Vasari, que en 1423
Masaccio realizase un viaje a Roma, con motivo del jubileo. En 1424 se inscribió
en la Compañía de San Lucas de Florencia. Posiblemente este año o en 1425
comenzó a colaborar con Masolino en los frescos de la capilla Brancacci de la
iglesia de Santa María del Carmine de dicha ciudad. En febrero de 1426 empezó
el Políptico de Pisa, trabajo que le ocuparía durante casi todo el año.
En 1428 se trasladó a Roma, invitado por el cardenal Brando da Castiglione para
decorar la capilla de San Clemente en la iglesia homónima. En Roma trabajó en el
17

19. Políptico de Santa María Mayor, del cual se conservan los «Santos Jerónimo y
Juan Bautista» (actualmente en la NationalGallery de Londres). Murió en Roma en
otoño de 1428, cuando contaba sólo veintisiete años de edad. Algunas fuentes
antiguas mencionan el rumor de que fue envenenado.
Ejemplos de pinturas
Tríptico de San Juvenal
La pintura se compone de tres tablas: la central representa a la Virgen con el Niño,
flanqueados por dos ángeles; en los paneles laterales aparecen parejas de santos: San
Bartolomé y San Blas en el de la izquierda, y San Juvenal y San Antonio Abad en el de la
derecha. La composición está construida de acuerdo con las leyes de la perspectiva: las
líneas de fuga del pavimento de los tres paneles convergen en un punto de fuga central,
representado por la mano derecha de la Virgen, que sostiene los pies del Niño.
18

20. La expulsión de Adán y Eva del paraíso terrenal
se compara frecuentemente esta pintura con la de Adán y Eva en el paraíso terrenal,
realizada por Masolino en la pared de enfrente. Mientras que la obra de Masolino
pertenece todavía al gótico, en la de Masaccio está ya presente el Renacimiento. El
tratamiento del desnudo remite a modelos de la Antigüedad (para Adán, se ha pensado
que Masaccio pudo haberse inspirado en estatuas de Marsias o de Laoconte; para Eva,
alguna de las venus púdicas romanas). El patetismo de la escena se acentúa con el grito
doloroso de Eva y el vientre contraído de Adán, que toma aire.
19

21. El tributo:
Se describe la escena narrada en un pasaje del Evangelio de Mateo (Mateo 17:24-27: al
ser solicitado a Jesús y sus discípulos en Cafarnaúm el pago del tributo para el templo,
éste ordena a Pedro que pesque un pez, en el cual encontrará la moneda del tributo
Masaccio representa en un solo espacio tres acontecimientos sucesivos. La escena se
divide en tres partes: en el centro del fresco el cobrador, de espaldas, con túnica roja,
solicita el pago del impuesto, y Jesús ordena a Pedro, con un gesto que el apóstol repite,
lo que ha de hacer; a la izquierda de esta escena (no aparece en la imagen) aparece
Pedro, esforzándose en sacar la moneda del pez que acaba de pescar; a la derecha,
finalmente, Pedro paga el tributo al cobrador ante un edificio en perspectiva. Se ha
relacionado esta escena con los nuevos intereses marítimos de Florencia (no hay que
olvidar que el comitente de la obra, FeliceBrancacci, había sido cónsul del mar): la idea
que se sugiere, entonces, es la del mar como fuente de ingresos para la República.
Algunos autores han señalado intervenciones de Masolino en esta pintura. Argan sugiere
otra interpretación del tema: «Masaccio es demasiado culto y demasiado humanista como
para no entender el significado profundo del tema: sólo a Pedro, como jefe de la Iglesia,
corresponderá tratar con el mundo, con los poderes terrenales.
20

22. La Trinidad
Masaccio realizó el fresco de la Trinidad en uno de los muros laterales de la iglesia
florentina de Santa MariaNovella. En este mural se hace uso por primera vez de la teoría
de la perspectiva. La pintura representa el dogma de la Trinidad, en el marco de una
capilla inspirada en los arcos de triunfo romanos, con una bóveda de medio cañón
dividida en casetones y sostenida por columnas jónicas, flanqueadas a su vez por
pilastras que sostienen un entablamento. En el centro se encuentra Cristo crucificado,
sostenido por Dios Padre —única figura que escapa a las leyes de la perspectiva, en tanto
que ser inconmensurable—; bajo la cruz se encuentran la Virgen María y San Juan
Evangelista. Más abajo están los dos comitentes, identificados recientemente como Berto
di Bartolomeo del Banderaio y su esposa Sandra, quienes asisten arrodillados a la escena
sacra. Por debajo de ellos, y funcionando como base de la composición, hay un altar de
mármol bajo el cual se ve un esqueleto yacente al que acompaña la inscripción: «Ya fui
antes lo que vosotros sois; y lo que soy ahora lo seréis vosotros mañana.
21

23. La resurrección del hijo de Teófilo y San Pedro en la cátedra:
la fuente de esta escena no se encuentra en el Nuevo Testamento, sino en la Leyenda
dorada de Jacobo de la Vorágine: Téofilo, prefecto de Antioquía, aceptó liberar a San
Pedro a condición de que resucitara a su hijo de catorce años. Tras el éxito del apóstol,
Teófilo y numerosos habitantes de la ciudad se convirtieron al cristianismo.
22

24. FRA ANGELICO
Obra
Fra Angélico combinó la elegancia decorativa del gótico, en particular del gótico
internacional de Gentile da Fabriano, con el estilo más realista de otros maestros del
renacimiento como el pintor Masaccio y los escultores Ghiberti y Donatello, que
trabajaban en Florencia, y aplicó también las teorías sobre la perspectiva de León Battista
Alberti. Las expresiones de devoción en los rostros son muy logradas, así como la
utilización del color que consigue dar mayor intensidad emotiva a la obra.
Su maestría en la creación de figuras monumentales, en la representación del movimiento
y en la capacidad para crear planos de profundidad a través de la perspectiva lineal,
especialmente en los frescos realizados en Roma, lo confirman como uno de los pintores
más importantes del primer Renacimiento.
En el Museo del Prado de Madrid se conserva una de sus obras más representativas: La
Anunciación (1430-1432), realizada para el convento dominico de Fiesole. El Museo
Thyssen-Bornemisza posee La Virgen de la humildad, depositada en el MNAC de
Barcelona. Los duques de Alba poseen en el Palacio de Liria otra obra de Fra Angélico,
La Virgen de la granada, adquirida por un antepasado suyo en Florencia hacia 1816.
Biografía
Su nombre secular era Guido di Pietro da Mugello y nació en Vicchio (región de
Toscana). En 1418 ingresó en un convento dominico en Fiésole y alrededor de
1425 se convirtió en fraile de la orden con el nombre de Giovanni da Fiesole.
Aunque se desconoce quién fue su maestro, se cree que comenzó su carrera
artística como iluminador de misales y otros libros religiosos. Después empezó a
pintar retablos y tablas.
Entre las obras importantes de sus comienzos se cuentan la Madonna de la
estrella (c. 1428-1433, San Marcos, Florencia) y Cristo en la gloria rodeado de
santos y de ángeles (NationalGallery, Londres), donde aparecen pintadas más de
250 figuras diferentes. También a ese periodo pertenecen dos obras tituladas La
coronación de la Virgen (San Marcos y Museo del Louvre, París) y El juicio
universal (San Marcos). La madurez de su estilo se aprecia por primera vez en la
Madonna deiLinaioli (1433, San Marcos), en donde pinta una serie de doce
ángeles tocando instrumentos musicales.
En 1436, los dominicos de Fiésole se trasladaron al convento de San Marcos de
Florencia que acababa de ser reconstruido por Michelozzo. Fra Angélico,
sirviéndose a veces de ayudantes, pintó numerosos frescos en el claustro, la sala
capitular y las entradas a las veinte celdas de los frailes de los corredores
23

25. superiores. Los más impresionantes son La crucifixión, Cristo peregrino y La
transfiguración. El retablo que hizo para San Marcos (c. 1439) es una de las
primeras representaciones de lo que se conoce como sacra conversación: la
Virgen acompañada de ángeles y santos que parecen compartir un espacio
común. Allí pintó una Anunciación.
n 1445, Fra Angélico fue llamado a Roma por el papa Eugenio IV para pintar unos
frescos en la capilla del Sacramento del Vaticano, hoy desaparecida. En 1447,
pintó los frescos de la catedral de Orvieto junto con su discípulo BenozzoGozzoli.
Sus últimas obras importantes, los frescos realizados en el Vaticano para decorar
la capilla del papa Nicolás V, representan episodios de las vidas de san Lorenzo y
de san Esteban (1447-1449), y probablemente hayan sido pintados por ayudantes
a partir de diseños del maestro. Desde 1449 hasta 1452, Fra Angélico fue el prior
de su convento de Fiesole.
Murió en el convento dominico de Roma el 18 de febrero de 1455.
24

26. Ejemplos de obras
La Anunciación (c. 1450)
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27. El nombre de San Juan Bautista ( 1434 – 1435 )
26

28. La natividad
27

29. La huida a Egipto ( c. 1450 )
28

30. El bautismo de Cristo ( 1437 – 1446 )
29

31. LEON BATTISTA ALBERTI
Obra:
LeonBattista Alberti fue sacerdote, Secretario Personal (abreviador apostólico) de
tres Papas, humanista, arquitecto, proyectó edificios, aunque nunca dirigió sus
obras, matemático y poetaitaliano. Además de estas actividades principales,
también fue criptógrafo, lingüista, filósofo, músico y arqueólogo. Es una de las
figuras del humanismo y personalidad artísticas teórica más polifacéticas del
Renacimiento.
Alberti fue el primer teórico artístico del Renacimiento, una figura emblemática, por
su dedicación a las más variadas disciplinas. Se mostró constantemente
interesado por la búsqueda de reglas, tanto teóricas como prácticas, capaces de
orientar el trabajo de los artistas; en sus obras menciona algunos cánones. Por
ejemplo, en De statua expone las proporciones del cuerpo humano, en De pictura
proporciona la primera definición de la perspectiva científica y por último en De re
ædificatoria (obra que termina en 1450) describe toda la casuística relativa a la
arquitectura moderna, subrayando la importancia del proyecto, los diversos tipos
de edificios siguiendo las funciones que deben desempeñar.
El aspecto más innovador de sus propuestas consiste en mezclar lo antiguo y lo
moderno propugnando de ese modo la praxis antigua y la moderna, que había
iniciado Filippo Brunelleschi. Además, según Alberti: "...el artista en este contexto
social no debe ser un simple artesano, sino un intelectual preparado en todas las
disciplinas y en todos los terrenos". Una idea heredera del enciclopedismo
medieval de los doctos, pero adaptada a la vanguardia humanista.
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32. Biografía
Hijo natural de un mercader florentino, se educó en Padua y Bolonia, antes de
trasladarse a Roma en 1432 para desempeñar un cargo en la corte pontificia. Su
contacto en Roma con los monumentos de la Antigüedad clásica dio pie a uno de
sus primeros escritos: DescriptiourbisRomae (1434), primer estudio sistemático de
la Roma antigua.
Ese mismo año regresó a Florencia, donde trabó amistad con los grandes artistas
del momento, de Brunelleschi a Donatello y Masaccio. A Brunelleschi dedicó
precisamente su tratado Della pintura (1436), en el que se describen por primera
vez las leyes de la perspectiva científica, además de dar una visión naturalista del
arte de la pintura.
En Florencia, Alberti trabajó como arquitecto para la familia Rucellai, con obras
como el palacio Rucellai y el templete del Santo Sepulcro, que basan la belleza en
la exactitud geométrica de las proporciones. En la primera de estas obras, Alberti
combinó la geometría con la superposición de los órdenes clásicos, creando un
modelo muy imitado de palacio renacentista. También se le debe la fachada de la
iglesia gótica de Santa MariaNovella, en la que unió el característico taraceado de
mármoles toscano a la sugestión de las figuras geométricas.
En Roma, adonde se trasladó por deseo expreso del papa Nicolás V, redactó De
re aedificatoria, un completo tratado de arquitectura en todos los aspectos teóricos
y prácticos. Posteriormente se desplazó a Rímini, donde construyó el Templo
Malatestiano, y a Mantua, donde se le deben las iglesias de San Sebastián y San
Andrés.
Estas obras, que constituyen la síntesis de sus criterios arquitectónicos, se
convirtieron, junto con las de Brunelleschi, en los grandes modelos del arte
constructivo renacentista. También escribió un tratado sobre la escultura (De
statua) y algunas obras de perspectiva y matemáticas.
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33. Ejemplos de obras :
Planta de el templo San Francisco de Rímini (Malatestiano) según el
proyecto Alberti
El inicio de la obra fue modesto: entre 1447 y 1449 se le añadieron a la primitiva
iglesia medieval dos nuevas capillas en el lado sur, y más tarde, c
1450LeonBattista Alberti concibió la idea de renovar completamente la apariencia
exterior e interior del templo
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34. la iglesia original tenía una planta rectangular, sin capillas laterales, y con una
única nave con tres ábsides.
Fachada de el templo de San Francisco Rímini.
Alberti proyectó una gran cúpula que, como el resto de la edificación no se
terminó. El diseño Alberti es una especie de vestido, de traje que tapa la estructura
anterior, pensada para ser rematada por una rotonda cubierta por una gran
cúpula. En la fachada sobre un podio (elevado basamento), coloca una estructura
de arco de triunfo, cuyo ático quedó inconcluso, recuperando así este esquema
constructivo para la arquitectura, usándose por vez primera como recurso externo
para un edificio religioso.
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35. Planta de San Andrés de Mantua.
Ejemplo de iglesia de planta de cruz latina en la que la simetría, la proporcionalidad y la
perspectiva, junto con la cúpula sobre el crucero, unifican el espacio.
Fachada de San Andrés de Mantua
se inspira en el modelo de los arcos de triunfo romanos, mientras que el interior consta de
un espacio longitudinal de una sola nave con capillas laterales atravesada por un crucero
que se corona con una cúpula. En la reconstrucción del templo Malatestiano de Rímini el
artista recupera elementos arquitectónicos clásicos como el arco de medio punto, la
elevación del templo sobre un podio o las columnas corintias.
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36. Fachada del palacio Rucellai
León Battista Alberti realizó una obra maestra de estilo y sobriedad, y se dice que
proyectó este palacio casi como ilustración de su manual De Re Aedificatoria
(Sobre la Arquitectura) de 1452, en donde se explica que la arquitectura debe
imponerse más por el prestigio de las proporciones que por la demostración de
belleza y lujo.
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37. SANDRO BOTTICELLI
Obra :
Alessandro di Mariano di VanniFilipepi (Florencia, 1 de marzo de 14451 – Florencia, 17 de
mayo de 1510), apodado Sandro Botticelli, fue un pintorcuatrocentistaitaliano. Menos de
cien años después, este movimiento, bajo el mecenazgo de Lorenzo de Médici, fue
considerado por Giorgio Vasari como una "edad de oro", un pensamiento que
convenientemente encabezaba su Vita de Botticelli. Su reputación póstuma disminuyó,
siendo recuperada a finales del siglo XIX; desde entonces, su obra se ha considerado
representativa de la gracia lineal de la pintura del primer Renacimiento, y El nacimiento de
Venus y La primavera son, actualmente, dos de las obras maestras florentinas más
conocidas.
Biografía :
Nació en Florencia, en un barrio de trabajadores en el arrabal de Solferino. A esta
misma parroquia de Solferino o Todos los Santos pertenecieron los Vespucci,
aliados de los Médicis, y de quienes recibiría encargos.
Era el menor de cuatro hijos del matrimonio formado por Mariano di Vanni di
AmedeoFilipepi, de oficio curtidor, y su esposa Smeralda. Cuando nació Sandro,
su hermano mayor Giovanni tenía 25 años, y se cree que lo adoptó y lo educó.
Giovanni tenía el apodo de «Botticello» , sin que se sepa si recibió el apodo por su
gordura o por gran bebedor; otras fuentes indican que era su hermano Antonio el
que tenía este mote. De él deriva el apodo de «Botticelli».
No se convirtió en aprendiz hasta alcanzar los catorce años de edad, lo que
indicaría que recibió una educación más completa que otros artistas del
Renacimiento. Según Vasari, fue primero aprendiz de orfebre con su hermano
Antonio2 (en 1458). Accediendo a los deseos del niño, el padre lo mandó al taller
de Fray Filippo Lippi, en Prato (de 1464 a 1467). De este pintor recibe Botticelli
sus mayores influencias: la síntesis entre el nuevo control de formas
tridimensionales, la delicadeza expresiva en los rostros y los gestos, los detalles
decorativos (herencia del estilo del Gótico tardío) y un estilo íntimo. Muchas de las
primeras obras de Botticelli se han atribuido a su maestro, y aún hoy la autoría
sigue siendo incierta. Curiosamente, años después, Botticelli acabaría siendo
maestro, y teniendo en su taller al hijo de Filippo, FilippinoLippi.
En menor medida, resultó influido por la monumentalidad de Masaccio. En 1467
Sandro vuelve a Florencia, frecuentando el taller de Andrea del Verrocchio, donde
trabajó al lado de Leonardo da Vinci. De esta época data toda una serie de
Madonas influidas por Lippi.
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38. Para el año 1470, Botticelli tendría taller propio. Ya entonces su obra se
caracteriza por una concepción de la figura como vista en bajorrelieve, pintada con
contornos claros, y minimizando los fuertes contrastes de luz y sombra que
indicarían formas plenamente modeladas. Recibió ese año un importante encargo:
una de las pinturas sobre Virtudes para la Sala del Tribunal de los Mercaderes, La
fortaleza. Esto indica que para entonces, con unos 30 años de edad, ya debía
haber ejecutado obras destacadas.
En 1472 entró a formar parte
de la Compañía de San Lucas, gremio de pintores. En los años siguientes
Botticelli se hizo muy famoso, hasta el punto de ser llamado a Pisa para pintar un
fresco en su catedral, hoy perdido.
Fue gracias a la Adoración de los Magos, que pintó en 1475 para Santa María
Novella, llamó la atención de los Médicis, que rápidamente emplearon su talento.
Comenzó a trabajar para ellos pintando un estandarte para el torneo de Juliano de
Médici, ensalzado por Poliziano en sus Stanze. Sus contactos repetidos con esta
familia fueron sin duda alguna, útiles para garantizarle protección política y crear
las condiciones ideales para la producción de sus numerosas obras maestras.
La primavera es obra realizada hacia 1478 para la casa de Lorenzo di
Pierfrancesco de Médici en la ciudad de Florencia. El nacimiento de Venus fue un
encargo posterior, de otra persona para un lugar diferente, aunque a fines de siglo
estas dos pinturas estuvieran juntas.
Se convirtió en el máximo intérprete del neoplatonismo de la época, con su fusión
de temas cristianos y paganos y su elevación del esteticismo como un elemento
trascendental en el arte. Para dar forma a esta nueva visión del mundo, Botticelli
opta por la gracia; esto es, la elegancia intelectual y exquisita representación de
los sentimientos.
En estas obras la influencia del realismo gótico está atemperada por el estudio
que Botticelli hace de la Antigüedad. Pero aunque pueda comprenderse desde el
punto de vista pictórico, los temas en sí siguen siendo fascinantes por su
ambigüedad. Los complejos significados de estas pinturas siguen recibiendo
atención de los eruditos, centrándose principalmente en la poesía y la filosofía de
los humanistas contemporáneos del artista. Las obras no ilustran un texto en
particular; más bien, cada una de ellas se basa en varios textos para su
significado. Sobre su belleza, caracterizada por Vasari como ejemplificadora de la
"gracia" y por John Ruskin como poseedora de ritmo lineal, no puede haber dudas.
En 1478 tuvo lugar la conjura de los Pazzi, en la que murió asesinado el hermano
de Lorenzo el Magnífico, Juliano de Médici. Sandro pintó al fresco sobre la Puerta
de la Aduana los retratos de los conjurados Jacopo, Francesco y Renato de Pazzi
y del arzobispo Salviati, ahorcados; fueron borrados en 1494. De esta época datan
varios retratos conmemorativos del fallecido Juliano.
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39. Se dice que cayó en la pobreza, y que habría muerto de hambre si no hubiera sido
por la diligente ayuda de sus antiguos patrones. Lo cierto es que sigue
produciendo obras, si bien en un tono más dramático y con una consciente
regresión estilística hacia modelos antiguos, como puede verse en la serie sobre
la Vida de san Cenobio y la Natividad mística (1501), consideradas sus últimas
obras. No se conoce amor concreto de Botticelli, ni alusión a excesos
sentimentales; tenía «horror al matrimonio».3 No se casó nunca. Fue denunciado
anónimamente en 1502 de sodomía con uno de sus ayudantes, pero los cargos
fueron más tarde desestimados. En 1504-1505 aparece como miembro del comité
que iba a decidir la ubicación del David de Miguel Ángel.
Del año 1502 es su famoso escrito relativo a la realización de una especie de
periódico conocido como beceri, de carácter satírico, destinado en su mayor parte
a alegrar la lectura de los nobles de la sociedad renacentista. Tal proyecto, sin
embargo, quedó en eso, no siendo nunca llevado a término.
Murió el 17 de mayo de 1510 y fue sepultado en su parroquia, la iglesia de
Ognissanti, en Florencia. A su muerte, el único heredero verdadero de su arte fue
FilippinoLippi, que comparte con él la inquietud presente en sus últimas obras.
Olvidado durante mucho tiempo, fue redescubierto a finales del siglo XIX,
suscitando una gran admiración, sobre todo en Inglaterra.
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40. Principales obras :
Adoración de los reyes (1481-1482)
Temple sobre tabla, 50 x 136. Con esta obra llamo la atención de los Medici.
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41. La Primavera (1481-1482)
Icono de la renovación primaveral del Renacimiento florentino. Está realizado al
temple de huevo sobre tabla. Mide 203 cm de alto y 314 cm de ancho.
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42. El Nacimiento de Venusa (1484)
El nacimiento de Venus representa una de las obras cumbres del maestro italiano.
Está ejecutada al temple sobre lienzo y mide 278.5 centímetros de ancho por
172.5 cm de alto.
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43. La Fortaleza (1470)
Está realizado al temple sobre tabla cimbrada. Mide 167 cm de alto y 87 cm de
ancho. Data de 1470 y se conserva en la Galería de los Uffizi en Florencia (Italia).
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44. Virgen con el niño y el ángel (1465 -1467)
Está realizado al temple sobre tabla. Mide 87 cm de alto y 60 cem de ancho. Data de
1465-67 y se conserva en el SpedaledegliInnocenti de Florencia (Italia), orfanato de la
ciudad, abierto en 1444, obra de Brunelleschi.
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45. LA ESCULTURA EN EL CUATTROCENTO
La escultura del Quattrocento fue liderada por Florencia, significó una
renovación tanto en las técnicas como del estilo y la concepción del propio
artista. LeonBattista Alberti en su tratado De Statua, el menos conocido y
estudiado de sus escritos artísticos, señala una distinción fundamental entre
el modelador, que trabaja con yeso o cera, añadiendo o quitando material, y
el escultor o tallista, que solamente quita material, sacando a la luz la figura
que se esconde en las entrañas de la materia. Es a partir de esta decisión
cuando nace la escultura moderna.
Características de la Escultura del Cuattrocento
Como materiales , prefieren el mármol y el bronce, igual que en la
Antigüedad, pero también utilizaron el barro cocido, recubierto con esmalte
vidriado y policromado, y la madera.
En cuanto a los temas , tanto en el relieve como en las esculturas de bulto
redondo, siguen predominando los temas religiosos, pero se desarrollan
también los profanos (mitológicos, históricos y alegóricos).
El cuerpo humano desnudo adquiere gran importancia, como ejemplo
máximo de la belleza perfecta, siguiendo las ideas antropocéntricas, y
representándose de una manera realista, con estudio de la anatomía, el
movimiento y la proporción, según el canon clásico
El retrato tiene un gran auge en esta época, tanto de cuerpo entero como el
busto-retrato , de gran realismo, expresión de la importancia del individuo en
la sociedad.
También la estatua ecuestre adquiere un sentido nuevo al erigirse en
lugares públicos, como retrato de personajes ilustres cuyas glorias se
exaltan.
En los monumentos funerarios se retrata al difunto como manera de
recordar su fama y virtudes, mediante símbolos.
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46. El relieve renacentista muestra preocupación por las composiciones
sencillas, armoniosas, claras y serenas, así como por captar el espacio y la
profundidad mediante el nuevo sistema de representación de la perspectiva
•Se busca la belleza formal , capaz de producir placer estético .
•La escultura, inspirada también los modelos clásicos, se
centró en la representación del cuerpo humano.
• Mientras que en la escultura medieval primaba el arte
narrativo (se trataba de contar secuencias, episodios
evangélicos, etc. –función didáctica‐) ahora nos encontramos
con un arte menos narrativo y mucho más sensorial: se
pretende representar figuras o escenas bellas.
• Aunque siguen predominando los temas religiosos, aparecen
nuevos temas: paganos, mitológicos y alegóricos, a imitación
de la época clásica. La figura humana es el centro de la
escultura y aparece de nuevo el desnudo.
• Aparece una nueva estética: el realismo idealizado, que es lo
que se conoce como dolcestil nuevo, el dulce nuevo estilo.
El ser humano, ahora se retrta a la misma altura y detalle que la divinidad(
véanse los prmitivos flamencos)
• el detalle lleva a un realismo y a una veracidad que es más que la
individualización gótica
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47. LORENZO GHIBERTI
(1378-1455), Nace en Florencia en 1378 hijo de un conocido orfebre
florentino, fue el primer escultor que basó su arte en la cultura, fue un
genuino representante del humanismo florentino. Amigo y asiduo de
artistas, humanistas y eruditos, estudió los clásicos (Plinio, Ateneo el Viejo,
Vitrubio) y fue uno de los primeros coleccionistas del arte antiguo. Aunque
dedicado a la escultura, ejerció de pintor y de arquitecto y, en sus últimos
años escribió un tratado de arte en tres volúmenes, I Comentari, en el que
solo intentaba hacer una historia del arte y delos artistas, tanto antiguos
como del Trecento, desde el propio arte, sino que trataba de estableces la
base científica del arte figurativo basándose en la óptica y en la teoría de las
proporciones. Para Ghiberti, las escultura, y también la pintura, no eran
artes de acción, artes mecánicas sino el resultado de la interacción entre la
técnica (materia) y razonamiento (invención). Fallece a la edad de 77 años.
A pesar de las reminiscencias góticas que se aprecian en sus primeras
obras, Lorenzo Ghiberti alcanzó un dominio en absoluto del relieve,
mediante la perspectiva, la composición y su capacidad narrativa, en las
segundas puertas del baptisterio, llamadas <<puertas del paraíso>>, que
por su belleza acabaron sustituyendo a las primeras puertas, realizadas en
el siglo XIV por Andrea Pisano.
“El Sacrificio de Isaac”
(Bronce, 1401, Museo Nazionale del
Bargello, Florencia). Parte de una
composición que es propia del Gótico,
el formato mixtilíneo del marco. Pero la
realización de la escena: el cánon, la
libertad compositiva y la distribución
esquemática de las figuras son propias
del autor, ya con un pie en el
Renacimiento. Sobre un fondo liso
destaca el alto-relieve que juega con la
luz y las sombra
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48. “Puerta Norte del Baptisterio de la Catedral de Florencia” (1403-1424),
estructurada en molduras cuadradas separadas por cenefas y en los cruces
de las cenefas coloca clípeos con cabezas de sibilas y profetas. Las placas
muestran 20 escenas de la vida de Cristo, lo que rompe con el plan original
de dedicar las puertas al Antiguo
Testamento, y 4 tallas de evangelistas y 4
de padres de la Iglesia. La lectura de las
puertas va de abajo a arriba y de izquierda
a derecha. Cada escena se enmarca en
en marco mixtilíneo o cuatrifolio y el autor
utilizará el bajo-medio-alto relieve de
influencia neo-ática. Busca con ello dar
perspectiva, en algunos hace
ambientación y otros los deja con fondo
liso. Cuida mucho la composición, el orden
de las figuras aunque en algunas hay un
cierto desequilibrio en la distribución. La
decoración vegetal es minuciosa,
preocupándose por los detalles como la
colocación de aves entre las flores. Coloca
un eje principal alrededor del cual gira la
escena.
ESCENAS DE LA PUERTA NORTE DEL
BAPTISTERIO
Está dedicada al nuevo testamento, la vida de
cristo y símbolos de la iglesia católica.
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49. 1. Anunciación, sitúa a la Virgen dentro de un ambiente
arquitectónico renacentista, un templete abovedado
con cornisa. La Virgen hace contraposto con su cuerpo
imitando los modelos góticos de Simone Martini. El
movimiento del ángel contrasta con el de la Virgen. Los
pliegues de los vestidos se ajustan a las figuras
buscando un tímido estudio anatómico no perfecto,
pero sí con volumen. Sobre la escena aparece la
imagen de Dios Padre enviando al Espíritu.
2. Navidad y Anuncio a los pastores. Aúna las dos
escenas en un relieve. La Virgen aparece recortada de
forma elegante mirando al niño, debajo el buey y la
mula. San José aparece arrinconado cerrando la
escena a la derecha. De forma yuxtapuesta aparece el
anuncio a los pastores mirando al ángel que aparece
de forma semejante como se representa a Dios en la
escena de la Anunciación. El conjunto es detallista y
naturalista.
3. Adoración de los magos. La Sagrada Familia aparece
bajo un baldaquino de corte renacentista.
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50. 4. Disputa con los doctores. Aparece Cristo niño
sentado en un trono en forma de hornacina dentro
de una arquitectura renacentista y coronado por
una moldura en forma de concha. Es el eje central
alrededor del cual se distribuyen los doctores de la
Ley.
5. Bautismo de Cristo.De nuevo Cristo y el
Espíritu Santo forman el eje del relieve.
6. Las tentaciones de Cristo. Jesucristo aparece en
alto como imponiéndose al diablo que aparece en un
plano inferior y con los atributos de ángel y con
cornamenta de carnero.
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51. 7. Expulsión de los mercaderes del Templo. Se
amontonan las figuras en el lado derecho de forma
tumultuosa. Marca mucho el movimiento con el
brazo levantado de Cristo y los movimientos de los
pliegues de los ropajes. La figura tendida en el
suelo recalca la violencia del momento. Hay mucho
expresionismo en el conjunto.
8. Jesús caminando sobre el agua y salvando a
Pedro. El movimiento de la escena es
tempestuoso, marcado por las olas sobre las que
camina el Señor. San Pedro en el eje central
aparece hundiéndose en las aguas. Tras ellos el
barco que se mueve violentamente.
9. La Transfiguración. En un plano superior Cristo
hablando con Moisés y Elías, en el plano inferior
San Juan, San Pedro y Santiago contemplan la
escena asustados.
10. La Resurrección del Lázaro.
50

52. 11. La Entrada de Jesús en Jerusalén. Escena
con gran cantidad de personajes y ambientación
tanto vegetal como arquitectónica.
12. La Última Cena.
13. La Agonía en el Huerto.
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53. 14. Prendimiento de Cristo.
15. La Flagelación.
16. Jesús ante Pilatos.
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54. 17. Subida al Gólgota.
18. La Crucifixión.
19. La Resurrección.
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55. 20. Pentecostés.
A. San Juan Evangelista. Con su símbolo, el
águila.
B. San Mateo. Con su símbolo, el ángel.
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56. C. San Lucas. Con su símbolo, el toro.
D. San Marcos. Con su símbolo, el león.
E. San Ambrosio
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57. F. San Jerónimo
G. San Gregorio
H. San Agustín.
56

58. “San Mateo‖ (Bronce, 1419-1423, Ors San
Michele, Florencia). Encargado a Ghiberti por el
gremio de los banqueros. Esta obra ya nos muestra a
un artista plenamente clásico, los únicos elementos
góticos son el arco apuntado y la decoración de la
hornacina. La figura bien podría representar a un
filósofo griego por la técnica clásica de su realización,
a ello se añade el movimiento de la figura que se
consigue mediante el apoyo en una de las piernas
mientras que la otra se encuentra en movimiento.
También la mano derecha está en movimiento
mientras que la izquierda abre un libro con el primer
capítulo del Evangelio de San Mateo escrito en
caligrafía clásica, rompiendo con las formas
caligráficas del gótico. Vemos en la imagen la obra tal
y como se encontraba antes de trasladarla al museo
interior.
“San Esteban” (Bronce, 1428, Ors San Michele,
Florencia). Otra de las esculturas realizadas por el artista
para los gremios. En este caso vemos ya a un escultor
plenamente renacentista.
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59. “Bautismo de Cristo” (Bronce,
1417-1427, Catedral de Siena). Se trata de
uno de los relieves que decoran la fuente
bautismal del baptisterio de la Catedral en
el que también trabajará Donatello.
“Puertas del Paraíso del Baptisterio de la
Catedral de Florencia” (Puerta Este, 1425-
1452), compuesto de 10 episodios de Antiguo
Testamento dispuestos en 10 grandes placas de
relieve y representaciones de sibilas y profetas
junto con pequeños bustos de bronce entre los que
aparece su autorretrato. Las placas ya no están
enmarcadas por el marco mixtilíneo propio del
Gótico y cada una de ellas yuxtapone varias
escenas que relatan cada historia del Antiguo
Testamento, los retratos de cada figura se repiten
en una misma placa de forma perfecta. De nuevo
se trata de relieve pictórico con figuras en alto y
medio relieve con mucha ambientación. Las
decoraciones arquitectónicas le permiten el estudio
del espacio. El nombre de ―Puerta del Paraíso‖ lo
puso Miguel Ángel después de contemplarlas.
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60. Las placas se separan con cenefas de
decoración vegetal y figurada,
esculturas en hornacinas y los clípeos.
Las escenas pueden leerse de izquierda a
derecha y de arriba a abajo.
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61. 1.- La Creación de Adán y Eva. Yuxtapone las
escenas de la creación de Adán, la creación de
Eva, la caída y la expulsión del Paraíso. Estudio
del desnudo femenino y masculino estudiando el
cánon.
2.- Caín y Abel. Muestra a los hermanos
trabajando, la ofrenda de sacrificios, el asesinato
de Abel y la conversación de Caín con Dios.
3.- Historia de Noé, con la escena de la borrachera
de Noé, la construcción del Arca y la recolección
de animales
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62. 4.- La hospitalidad de Abraham y el
sacrificio de Isaac. Podemos ver la
evolución del artista en la manera en que
representa el Sacrificio de Isaaac. El
relieve se hace más marcado en la parte
baja que en la alta. Hay estudio de la
perspectiva en la superposición de los tres
ángeles y las copas de los árboles que se
proyectan. Las figuras se colocan en forma
diagonal y vertical, buscando movimiento.
Estudia el desnudo en el cuerpo de Isaac,
buscando el cánon perfecto.
5.- Isaac con Esaú y Jacob. Las figuras se
confunden con la arquitectura que ayuda al
estudio de la profundidad. Las viste a la moda
italiana renacentista (atemporalidad). Narra la
historia de Esaú y Jacob y la lucha por la
primogenitura de Jacob que la recibe
finalmente de su padre Isaac.
6.- Descubrimiento de la copa dorada. Narra
la historia de José y sus hermanos que lo
vendieron como esclavo a Egipto, donde
prosperó y acabó recibiendo a sus hermanos
y a su padre Jacob y ayudándoles.
61

63. 7.- Moisés. Recibiendo las tablas de la Ley.
8.- Josué
9.- David. Narra la victoria sobre Goliat.
62

64. 10.- Salomón y la reina de Saba. Dentro de
un marco arquitectónico gótico-renacentista
realiza un conjunto muy pictórico, con un eje
central en las figuras de Salomón y la Reina.
La masa humana muestra individualización
en las figuras que se colocan en diferentes
puntos de vista.
63

65. DONATO DI BETTO BARDI (DONATELLO)
Donatello (1386- 1466) es el gran escultor del siglo XV florentino y uno de
los más importantes de toda la historia del arte occidental. En su juventud
se formó junto a Ghiberti y, como él, también se inició en la orfebrería. En
las más tempranas obras aún ―respira‖ gótico, como en su primer David en
mármol. Pasó por Roma, por la época en que Brunelleschi se hallaba
también allí estudiando el Panteón y otras obras que se iban descubriendo
en excavaciones más o menos casuales. Desde el principio dotó a sus
figuras de una fascinante dimensión humana, buscando el efecto
psicológico y dramático de la expresión.
Trabaja todo tipo de materiales, con los que representa la figura humana en
una gran variedad de edades y actitudes (niños, jóvenes, ancianos). Domina
a la perfección la anatomía y sus figuras tienen serenidad y dignidad. En los
relieves utiliza la técnica del schiacciato o ―aplastado‖, una incisión tan sutil
que casi parece un dibujo, tratando de rebajar el volumen desde el primer
plano, con objeto de conseguir una sensación atmosférica. Se caracteriza
por el humanismo, el realismo naturalista y la expresividad que da a sus
figuras. Introduce el tema del desnudo, abandonado desde la época
romana. Difunde el retrato, en el que quiere representar el carácter del
individuo, como ya estaba ocurriendo por la época con la pintura.
En 1406 empieza a trabajar en Florencia con encargos para la catedral o
Duomo: profetas o el David de mármol; y, luego, un evangelista, San
Marcos hacia 1411. Hacia 1415 realiza el San Jorge, para Orsanmichelle,
una iglesia para la que estaban trabajando los mejores escultores
florentinos del momento (y de décadas anteriores) Recibirá, luego, encargos
de numerosos sitios, y trabajará con Ghiberti en la labra de las puertas norte
del Baptisterio así como en las obras de la cúpula de la catedral, encargada
a Brunelleschi a finales de la segunda década. Sufrió el exilio con Cosme (el
viejo) de Medicis si bien será corto y, otra vez en Florencia, realizará su
obra maestra y genial: el David fundido en bronce: la primera obra
monumental desnuda desde la Antigüedad.
64

66. San Jorge(tamaño natural), 1415-1417. Mármol. Esta
obra posee una dimensión radicalmente equilibrada.
Se traduce la idea del clasicismo en monumentalidad
y presencia compacta del volumen . Todo ello tratado
con la armonía que proporciona la verticalidad de la
figura y el equilibrio compositivo de la cruz del escudo
. La figura parece moverse dentro de la piedra.
El David de Donatelloes una escultura en bronce
realizada en una fecha incierta, en torno a 1440-1445,
por encargo de la familia Médicis en Florencia . Tiene
un aire inequívocamente clásico debido a su desnudez
y a su composición claramente praxiteliana. Por eso,
aunque se trata de un tema bíblico, en este
adolescente frágil y audaz reconocemos
inmediatamente a un héroe de la Antigüedad clásica.
Género y Temática : esta escultura exenta, fundida en
bronce, representa a un David muy joven (en realidad,
un adolescente) que, después de haber derrotado a
Goliat, le ha cortado la cabeza con su propia espada.
David pisa la cabeza con aire pensativo y sostiene en
sus manos la espada de Goliat y la honda con la que
le dejó inconsciente. Se aprecia un gran contraste
entre la serenidad firme del rostro de David y la
desmadejado gesto de Goliat.
Acabado : El tratamiento general es sobrio, hasta
podría decirse que difuminado ( sfumatto ); no
obstante, la sencillez del desnudo se rompe con el
calzado de David y el abigarrado adorno del yelmo de
65

67. Goliat, trabajados al detalle con relieves historiados y adornos vegetales
típicos del primer Renacimiento (llamados «in candelieri» ). Además, David
aparece graciosamente tocado con sombrero de paja típico de la Toscana,
del que caen las guedejas del pelo; lleva, también una corona de hojas de
amaranto, en clara alusión al heroísmo griego.
Forma y estilo : Donatello interpreta este tema bíblico (tomado del Primer
libro de Samuel) como un desnudo clásico. De hecho, es el primer desnudo
integral, de bulto redondo, que aparece en la escultura renacentista. Se
trata de un desnudo ponderado, natural, pero muy expresivo debido a la
firmeza de las líneas compositivas generales. Tiene, como hemos
comentado antes, claras reminiscencias de la escultura clásica,
especialmente de Praxíteles: El marcado y suave contrapposto parece
inspirado en la conocida curva praxiteliana que Donatello debió conocer a
través de copias romanas del citado
escultor griego. La perfección anatómica,
en la que el modelado muscular es muy
suave, difuminado, casi femenino, parece
tomado, también, de Praxíteles.
La obra parece tener un significado
simbólico , ya que es una especie de
monumento cívico-patriótico que
conmemora las victorias de Florencia
frente a su rival , Milán. En la escultura,
David personifica a Florencia (de ahí que
lleve puesto un típico sombrero toscano), y
Goliat a Milán, uno de cuyos símbolos es
la espada (convertida en cruz). También
su inscripción hace referencia al mismo
tema: Pro Patria
fortiterdimicantibusetiamadversusterribilissi
moshostes di i praestantauxilium . Que
significa: A los que valientemente lucharon
por la madre patria, los dioses darán su
ayuda incluso ante los más terribles
enemigos.
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68. EN SÍNTESIS : El ideal de belleza renacentista se plasma en este joven
toscano, de formas proporcionadas, pero suaves y angulosas. El desnudo
(el primero del renacimiento) proyecta una sexualidad ambigua e insinuante,
muy distinta de la sensibilidad griega clásica, más próxima al helenismo. Es
el triunfo de la República de Florencia (David) frente a Goliat, cuya cabeza
éste pisa con orgullo. Se la puede interpretar, también, como el triunfo de
lainteligencia sobre la fuerza.
Festín de Herodes. Baptisterio de Siena, 1426. Bronce . Donatello. La
creación de un espacio arquitectónico ilusorio a partir del recurso a la
perspectiva lineal , logra simular la profundidad espacial sobre el plano . El
alto relieve y el sciaciatto, permiten modelar el volumen de las figuras .
67

69. El Gattamelata de Padua
Estatua (de bulto redondo fundida en bronce) representa a Erasmo da
Narni (1370 Padua y fallece en 1443) caudillo italiano, a caballo, vestido de
soldado romano con la rienda en su mano izquierda y el bastón de mando
de oficial en la derecha . Mercenario al servicio de Venecia, luchó contra
Milán al mando de un ejército mercenario. En 1347 fue nombrado capitán
general de Venecia. Fue su hijo Gian Antonio quien tras su muerte (murió
de apoplejía muy joven) le encargó a Donatello realizar su estatua ecuestre
en pago a los servicios prestados a la Republica de Venecia. Realizada en
la ciudad de Padua (aún permanece allí en la plaza de la ciudad) en 1453;
está hecha de bronce y tiene una altura de 3,40 metros aproximadamente.
La obra representa el ideal de nobleza encarnado en un personaje real
El Condotiero Gattamelata&quot; manifiesta de forma plástica los conceptos
de realismo e idealización, con un estudio naturalista de la figura humana .
Está inspirada en la estatua ecuestre dedicada al emperador Marco Aurelio ,
que está frente a la Basílica de Letrán en Roma.
EN SÍNTESIS: La obra constituye un claro ejemplo de recuperación de lo
antiguo , desarrollando una tipología de retrato ecuestre que tendrá una
profunda influencia en la escultura posterior. La obra nos ofrece una
ostentación visual de la imagen del poder , que será imitada a partir de ese
momento por monarcas y caudillos militares.
68

70. San marcos (marmol)
María Magdalena Penitente
69

71. LEON BATTISTA ALBERTI
En el año 1410 ya se había construido una fuente divida en 3 tanques. Más
tarde, en 1453 el Papa Nicolás V encargó a León Battista Alberti una
remodelación en la que unificó dichos tanques en una sola pila; luego
vendrían los esbozos de Bernini
De statua (1464)
De 1464 es su tratado De statua, en el que define la escultura tanto
poniendo como quitando, dividiéndola en tres modos según la técnica
utilizada:
1. Quitar y poner, esculturas con materiales blandos: tierra y cera;
2. Quitar, escultura en piedra;
3. Añadir, o sea, el realce sobre metal.
Más adelante Alberti fija sus reglas de procedimiento con los dos métodos:
dimensio y definitio. El primero utiliza escuadra y regla y la teoría de las
proporciones. El segundo, que utiliza un instrumento que el mismo Alberti
había inventado, el definitor, cuyo objetivo es calcular las variables
temporales producidas por el movimiento del modelo.
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72. ANDREA DEL VERROCHIO
Andrea di Michele di Francesco di Cioni(1435 -1488)
Trabajó como orfebre en el taller de Giuliano Verrocchio, de quien tomó el
sobrenombre, también como escultor con Donatello, y como pintor
conAlessoBaldovinetti.
Trabajó como orfebre en el taller de Giuliano Verrochio, de quien tomó el
sobrenombre, también como escultor con Donatello y, como pintor con
AlessoBaldovinetti. Fue un influyente escultor, orfebre y pintor del
Renacimiento italiano que trabajó en la corte de Lorenzo de Medici en
Florencia.
Fue director de una academia en Florencia que llegó a convertirse en el
principal centro de arte de la ciudad. Entre
sus alumnos estuvieron Leonardo da Vinci, Perugino, Ghirlandaio
y Sandro Botticelli, pero también influyó en Miguel Ángel. Trabajó en el
estilo serenamente clásico del primer renacimiento florentino.
Su obra se caracteriza por un afán permanente de expresividad,
demostrada con las acciones y los gestos de los personajes.
Aunque no está confirmado que fuera su discípulo, sus obras más famosas
denotan la influencia de Donatello como el David o el Condotiero
Colleoni.
En 1478 Verrocchio comenzó la que sería su obra más famosa, una estatua
ecuestre del Condotiero Colleoni, quien había muerto tres años
antes. Escultura ecuestre en bronce, llena de dinamismo y expresividad.
El David
es un encargo de Lorenzo y Juliano de Médicis
hacia 1476 (actualmente en el Museo del Bargello).
Es de menor edad y está vestido con modestia, en
contraste con el provocativo David de Donatello.
Altivo en su victoria, la belleza algo gótica, idealista,
de los rasgos está más cercana en espíritu a
Ghiberti que al innovador Donatello.
71

73. Condotiero Colleoni
Verrocchio sólo pudo hacer el
modelo en arcilla de esta estatua
y fue terminada tras su muerte
por el escultor veneciano
Alessandro Leopardi. La obra fue
un encargo de la República de
Venecia. Fue el primer intento de
producir semejante grupo, con
una de las patas del caballo en el
aire. La estatua destaca también
por la expresión en el rostro de
Colleoni, que obedece a una
observación cuidadosa que
refleja un mando severo.
Amorío con un delfín
―Angelote con un
delfín‖ (Bronce, 1470, Palazzo
Vecchio, Florence). Diseñada
originalmente para una de las
fuentes que decoraban los
jardines de la Villa Medici en
Careggi, muestra las formas
tradicionales utilizadas para
verter el agua mediante un caño
que sale de la boca del delfín. El
conjunto tiene mucho
movimiento que aparece
reforzado con el contraposto del
angelote.
72

74. “Retrato de mujer”
(Mármol, 1475-80, Museo Nazionale
del Bargello, Florence). Verrochio se
inspira en los retratos que muestran
tres cuartos de la figura y que son
propios de la pintura de la época para
desarrollar uno de los más hermosos
bustos escultóricos del Renacimiento.
Esto le permite estudiar las manos de
la mujer y dar un toque humano al
colocar entre ellas un ramillete de
flores que la mujer sitúa contra su
pecho en un gesto romántico. El
conjunto despierta sentimientos al
contemplarse y así se hace cercano al
espectador. La mujer ha sido
identificada por algunos como
GinevradeiBenci, que también fue
retratada por Leonardo da Vinci, pero
la mayor parte de los especialistas
dicen que se trata de LucreziaDonati,
aunque no hay pruebas de ello.
LucreziaDonati fue una de las amantes de Lorenzo el Magnífico, la que más
tiempo convivió con él. Verrochio destaca así de ella aquello por lo que era
famosa entre los hombres de su época, la belleza de sus manos. Este
trabajo de las articulaciones de las manos realizado por Verrochio será muy
imitado en su época, especialmente por su amigo Botticelli
73

75. “La duda de Santo Tomás” (Bronce, 1476-1483, Orsanmichele,
Florencia). Es una de las obras más importantes de Verrochio. Realizó
primero la escultura de Cristo y con posterioridad la de Santo Tomás. El
conjunto se situó en un nicho realizado originalmente para contener el San
Luis de Donatello por el mismo Donatello y
Michelozzo, por lo que era complicado colocar en
él un conjunto escultórico sin romper con la
simetría, es por ello que Verrochio coloca a
Tomás a la izquierda, fuera del nicho, de hecho el
pie derecho del santo sobresale fuera del mismo
formando una diagonal. El conjunto está pensado
para cobijarse dentro del nicho, y no como
escultura exenta, ya que la parte trasera de las
esculturas permanece hueca, no tienen espalda.
El trabajo de los pliegues de los mantos es
perfecto, dando movilidad al conjunto y
utilizándolo como vehículo de expresión: el manto
de Tomás aparece más agitado en consonancia
con su estado anímico, mientras que el de Cristo
ordena y equilibra mejor los pliegues. Este
conjunto debió influir en gran manera a Leonardo
da Vinci, que parece que se inspiró en el rostro de
Cristo para realizar el suyo de ―La última Cena‖, y
aunque colaboraba con el artista no es probable
que él realizara la escultura en lugar del maestro
tal y como afirman algunos estudiosos.
74

76. LOS ORÍGENES DE LA ARQUITECTURA RENACENTISTA
El Quattrocento italiano creó una nueva arquitectura que rompió
decididamente con las formas góticas imperantes en Italia hasta el siglo XV.
El inicio de esta arquitectura lo expresó Filippo Brunelleschi mediante su
concepción unitaria en la majestuosa cúpula de Santa Maria del Fiore, en
Florencia, su primera gran obra. Los fundamentos de la primera arquitectura
renacentista fueron la medida, la proporción y la razón, tomados de la
civilización grecorromana, a la que trataron de equiparse. Para ello, León
Battista Alberti redactó su tratado De reaedificatoria, en diez volúmenes,
siguiendo los preceptos de Vitrubio, que permitieron fijar los principios de la
arquitectura renacentista.
La ciudad de Florencia fue el centro artístico en el que cristalizaron los
principios de la primera arquitectura renacentista. La construcción de la
cúpula de Santa Maria del Fiore supuso un cambio radical en la concepción
espacial imperante y dotó a la capital toscana de su característico perfil. Fue
a partir de esta gesta arquitectónica cuando se impuso una concepción
unitaria, un solo recorrido, una sola idea que impregnaría todas sus
creaciones. En el hospital de los inocentes, Brunelleschi muestra ya los
ritmos estructurales propios de la nueva concepción espacial y,
posteriormente, la iglesia del Santo Spirito los consolida mediante la
utilización rítmica de las columnas.
Sin embargo, el nacimiento teórico de la nueva arquitectura fue obra de
Leon Batista Alberti. Su conocimiento de la antigüedad y su profunda
formación intelectual le convirtieron en el máximo tratadista del período,
interesándose no sólo por la arquitectura, sino también por la pintura y la
escultura. Partiendo del conocimiento de la obra de Vitrubio, concibió en su
tratado De re aedificatoria (1452) los principios estructurales de la
arquitectura renacentista, basados en la armonía, entendida como la
proporción entre las distintas partes del edificio. Alberti llegó a la práctica
sus conceptos teóricos y los plasmó en Santa MariaNovella en Florencia, el
templo Malatestiano en Rímini y la iglesia de San Andrea en Mantua, sus
principales obras.
Finalmente, cabe citar la obra de Michelozzo di Bartolomeo, caracterizada
por la pureza formal y que alcanzó en la construcción del palacio Médicis,
en Florencia, su máxima expresión.
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77. Características generales
Aplicación de órdenes clásicos en columnas, pilastras y entablamentos.
Uso de arco de medio punto, bóvedas de cañón y cúpulas.
Búsqueda de la proporción y del espacio único
Motivos decorativos clásicos: medallones, candelieri, hornacinas,…
Luz racional
Inspiración en la teoría: Vitrubio
Iglesias basilicales o centralizadas.
Palacios urbanos y villas de recreo.
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78. Filippo Brunelleschi
Nació el 15 de abril de 1377 en Florencia, fue un
arquitecto, escultor, orfebre, renacentista
italiano, hijo de un notario de alto rango que le
proporcionó una sólida educación humanística,
basada en las siete artes liberales. Fue un artista
muy prolífico que desarrolló su trabajo en Florencia.
En el plano de la arquitectura, Brunelleschi investigó
los viejos edificios del clasicismo romano
levantando planos, plantas y alzados, obsesionado
por representar la arquitectura tridimensionalmente. Su mayor gloria es que,
ya en la primera mitad del siglo XV, dejará sentadas las características
esenciales de la arquitectura humanista del Renacimiento italiano. En el año
1401 concursa para el diseño de las puertas de bronce del baptisterio de su
ciudad, pero no fue elegido. En 1418 recibió el encargo de construir la
cúpula inacabada del Duomo, la catedral gótica de Florencia. El llamado
«padre del Renacimiento» y primer arquitecto de la edad moderna, falleció
en Florencia el 16 de abril de 1446.
Aportaciones
Descubrimiento de la perspectiva cónica
Abandona el estilo gótico e impulsa un nuevo estilo de mayor simpleza lleno
de elegancia y pureza geométrica basado en formas elementales como el
rectángulo y la esfera.
La recuperación de los motivos clásicos.
La capacidad para trasladar a sus obras las leyes matemáticas de la
proporción y la perspectiva.
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79. Obras Arquitectónicas
Cúpula de la Catedral de Santa María deiFiori (el “Duomo”)
Estilo: gótico-Quattrocento, Renacentista
Arquitecto: Arnolfo di Cambio.
Ubicación: Florencia, Italia
Construcción: 1296 - 1418
Antecedentes
La catedral, dedicada a la Virgen con el nombre de ―Santa Maria del Fiore‖
(de la Flor), fue construida sobre la antigua catedral de Santa Reparata, que
se había hecho pequeña para acoger a toda la ciudadanía. Esta obra
maestra del gótico es la cuarta iglesia más grande del mundo, después de
San Pedro en Roma, St. Paul en Londres y la catedral de Milán. La base de
la Basílica tiene tres naves unidas a un enorme cimborrio que soporta la
cúpula de Brunelleschi: la más grande que se ha construido de
ladrillo.Empezó a construirse en 1296, con la dirección de Arnolfo di
Cambio. Tras su muerte, el potente gremio del Arte de la Lana, que tenía la
responsabilidad de controlar las obras, contrató primero a Giotto, que se
preocupó sobre todo de la torre, y, luego, a Francesco Talenti, que modificó
una parte del proyecto original de Arnolfo di Cambio. En 1380 se terminaron
las tres primeras arcadas y la cubierta de las tres naves.
La Cúpula de la catedral
En 1420 se empezó a construir la Cúpula, que es el imponente y armonioso
símbolo de la ciudad. Filippo Brunelleschi, primer arquitecto renacentista,
para la construcción, tuvo que enfrentarse no sólo a problemas artísticos,
sino también técnicos. Las tradicionales estructuras no eran suficientes para
soportar el excesivo peso de la Cúpula. Brunelleschi, después de años de
estudios, inventó un nuevo y genial método de mampostería que le permitía
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80. a la cúpula autosostenerse durante la construcción. Este innovador sistema
se basaba en una composición de ladrillos que se cruzaban, la pared a
soga. El resultado fue una doble bóveda autoportante. La cúpula se terminó
en 1436 y fue consagrada por el papa Eugenio IV, aunque la fechada
estaba sin terminar. El revestimiento actual, con decoraciones de mármol
policromas blanco, verde y rosa, fue realizado por Emilio de Fabris a finales
del siglo XIX. El solemne interior de la iglesia, a cruz latina con tres naves
sujetadas por tres pilares, da una extraordinaria sensación de vacío
espacial.
La Iglesia de San Lorenzo
Estilo:Quattrocento, renacentista
Ubicación: Florencia, Italia
Construcción: 1418-1428
Arquitecto: Filippo Brunelleschi
La consagración de la iglesia fue hecha por San Ambrosio a finales del siglo
IV. En aquella época, la iglesia estaba más allá de los muros florentinos.
Fue sede de la catedral de Florencia hasta que la reemplazó la Chiesa
Santa Reparata (420-30). Santa Reparata fue quien hizo que el emperador
cristiano FlaviusAugustusHonorius venciera al rey Radagaiusus, al mando
de los ostrogodos, en el 405.
Esta iglesia es un claro ejemplo de la arquitectura romántica. Se comenzó a
contribuir alrededor del año 1060 por orden de Giovanni de Bici de´Medici.
El encargado de la construcción fue el arquitecto y escultor Filippo
Brunelleschi. Éste fue el comienzo de la vida de la iglesia como parroquia
principal de la familia florentina más influente de aquellos tiempos, los
Medici. Para el año 1430 la iglesia aún no había sido terminada. Luego de la
muerte de Brunelleschi, la continuación de su construcción pasó a manos
79

81. de otros arquitectos. La visita del Papa Pio II en 1459 encontró la estructura
casi finalizada. Para ese entonces, sólo las capillas de la nave derecha
permanecían incompletas.
Miguel Ángel fue el encargado de planificar la fachada por orden del Papa
León X (Giovanni de Lorenzo de Medici, segundo hijo de Lorenzo el
Magnífico) (1518). No obstante, el trabajo de la fachada nunca se completó.
El maestro también estaba a cargo de la parte interna de la fachada, con
sus tres puertas y pilares adornados con roble y cintas de laureles y un
balcón apoyado sobre dos columnas corintias.
La larga nave principal se encuentra separada de las dos naves laterales
por capiteles hechos de piedra obscura. En la cima está el bajo techo y su
delicado diseño.
El Hospital de los Inocentes
Estilo: Quattrocento,
Renacentista
Arquitecto: Filippo
Brunelleschi
Ubicación: Florencia
Construcción: 1419
El hospital fue pensado por Brunelleschi en relación con el espacio de la
plaza de S. Annunziata, en la cual, ya en el XVI, intervinieron otros
arquitectos, como A. da Sangallo el Viejo. Fue un hospital realizado para
recoger niños abandonados y Brunelleschi dirigió las obras desde 1419
hasta 1427, cuando se hizo cargo de ellas F. della Luna, a quien se ha
atribuido el segundo piso de la fachada. En el pórtico a base de arcos se
refleja el sistema de proporciones en que se basa la arquitectura
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82. brunelleschiana, pues el ancho del vano y del pórtico es igual al alto de las
columnas, con lo cual lo que encontramos es un cubo que se repite nueve
veces. El predominio de las horizontales y el racionalismo que está en la
base de su diseño, han llevado a Antal a afirmar que este hospital es la más
moderna realización burguesa de la arquitectura florentina
La basílica del Santo Spirito
Estilo: Quattrocento, Renacentista
Arquitecto: Filippo Brunelleschi
Ubicación: Florencia, Italia
Construcción: 1434
También la luz en la arquitectura de Brunelleschi es nueva con respecto a lo
anterior, pues se trata de una luz racional. En el caso de Santo Spirito,
contribuye a crear una sensación de unidad espacial, ya que es la luz de la
nave central la que ilumina toda la iglesia. La luz en la nueva
arquitectura religiosa del Quattrocento ya no será un factor que genere
percepciones espaciales ajenas a la realidad terrena del hombre -tal como
ocurría con las luces coloreadas de las vidrieras de las catedrales- sino todo
lo contrario: la luz ahora permite al ojo del hombre medir el edificio, esa
arquitectura hecha a su medida. La iglesia presenta planta basilical, con tres
naves y 35 columnas que armonizan el espacio interior.
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83. Al fondo de la piazza Santo Spirito se levanta la iglesia agustina del mismo
nombre, proyectada en 1444 por Brunelleschi y continuada por su discípulo
Antonio Manetti y otros arquitectos hasta su finalización en 1487. La
simplicidad de la fachada del templo hacen de ella una de las
composiciones más armoniosas y elegantes de todo el Renacimiento,
mostrando la impronta brunelleschiana, en sintonía con la iglesia de San
Lorenzo. El campanario fue construido entre 1503 y 1517 por
Bacciod'Agnolo. La iglesia presenta planta basilical, con tres naves y 35
columnas monolíticas con capiteles corintios que armonizan el espacio
interior, rodeado de 40 capillas semicirculares. El vestíbulo y la sacristía son
diseños de Giuliano da Sangallo -el primero construido por el Cronaca-
mientras que la cúpula no se finalizó hasta los últimos años del siglo XV. El
conjunto de la iglesia del Santo Spirito es de una perfecta unidad y de una
gran claridad arquitectónica.
La Capilla Pazzi
Estilo: Quattrocento,
Renacentista
Arquitecto: Filippo
Brunelleschi
Ubicación: Florencia, Italia
Construcción: 1430
Comenzada en el año 1430, dentro del claustro de la basílica de Santa
Croce. Fue encargada por la Familia Pazzi como capilla funeraria, está
configurada según una planta rectangular que se cubre en su parte central
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84. por una cúpula, y en las zonas laterales por bóvedas decoradas
con casetones.
Perfectamente simétrica, su fachada está precedida por un elegante y alto
pórtico realizado en un depurado lenguaje renacentista, compuesto por un
ancho vano central cubierto por un arco de medio punto al que se adosan
dos vanos rectos o arquitrabados, más estrechos, a cada lado, todo ello
sobre columnas de orden corintio. Tras este pórtico aparece la fachada de
la capilla, con cuatro altos ventanales centrados sobre los vanos rectos, y
una puerta de acceso en el eje central, coronado por un clásico frontón
recto. La decoración de su interior fue realizada con cerámica policromada
por Lucca dellaRobbia y Brunelleschi; y la fachada terminada por
Michelozzo.
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